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Libros de arte
En Abacus disponemos de una gran selección de libros de arte para despertar las dotes creativas y artísticas tanto de niños como de adultos. Compra libros de arte online. En la sección libros de arte, encontrarás una amplia colección de bibliografía sobre una gran variedad de temas, como por ejemplo: la historia del arte, el origen, el simbolismo y curiosidades sobre los colores pantone, los principios básicos del color y la armonización cromática o la museografía, entre otras disciplinas artísticas. Además, disponemos de libros sobre lenguaje visual, estampa japonesa, fomentar la creatividad o para aprender a dibujar retratos, entre muchos otros. ¡Descúbrelos todos en Abacus!
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This catalog presents the works of the Hochschild Collection, one of the most important in Peru, and the only one that so far has been devoted almost exclusively to the production of Modern and contemporary art of the Andean country. The Collection will be shown in an exhibition, taking place in Madrid at the Sala Alcalá 31 from the 21st of February.
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L'artista sud-africà William Kentridge no es refia d'aquells que abracen cegament les pròpies certeses sense tenir en compte els dubtes i les paradoxes. L'ambigüitat i les contradiccions són al centre de la seva obra, que ha crescut i s'ha transformat al ritme de la polièdrica Sud-àfrica. El setembre del 2020, la periodista Gemma Parellada va entrevistar William Kentridge al seu estudi de Johannesburg amb motiu de l'exposició que l'artista preparava per al CCCB. Kentridge va parlar de segregació, de les repercussions del colonialisme i de la lluita antiracista, dels desequilibris i dels abusos de poder, del privilegi i del paper de l'art a l'hora de repensar els relats dominants.
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Dos filósofos conversan sobre la situación del arte en la actualidad: lo que quiere decir de hoy en adelante, lo que, lejos de ser una palabra anticuada, nos permite reflexionar de nuevo. El elaborado pensamientode Jean-Luc Nancy sobre este tema es retomado y también continuado en el curso de una discusión en la queLèbre se interroga con él sobre la mejor manera de aprehender el compromiso del cuerpo sensible en la actividad artística y la aproximación a las obras, la relación del arte con la técnica, la historia, su modulación en las artes tradicionales y nuevas, su posición actual frente a la religión, la política y la literatura. Este texto, un diálogo en el más pleno sentido filosófico del término, constituye en sí una introducción al pensamiento de Nancy en torno al hecho artístico: qué es el arte, su significación y finalidad en nuestro tiempo, su polimorfismo, la responsabilidadque tiene para con el mundo, su interacción con él…
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El silencio en torno a la actividad artística femenina es una realidad posterior a sus creaciones. Tras las guerras, las historias las escriben los vencedores, y los manuales de historia sólo se escribieron desde una perspectiva masculina. Pero, ¿acaso no pintarony esculpieron las mujeres de la Prehistoria? El historiador Manuel Jesús Roldán nos deja este libro a modo de pequeño gran diccionario biográfico que sigue elorillado rastro de la mujer en la Historia del Arte,desde la Prehistoria y hasta nuestros días. Ante lafamosa sentencia de Gombrich sobre la definición delArte: ''No existe, realmente, el Arte. Existen los artistas'', quizás habría que puntualizar: “Y las artistasö.
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En este manual paso a paso, el artista Ernest R. Norling nos acerca de forma sencilla y eficaz a los conceptos fundamentales de las leyes de la perspectiva. Con su método en veinte pasos, y a través de más de doscientas cincuenta ilustraciones claras y precisas, Norling desentraña las bases del dibujo que nos permitirán crear a mano alzada todo tipo de paisajes y edificios sin caer en representaciones rígidas y mecánicas.
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Una historia alternativa del Renacimiento contada por las mujeres detrás de las pinturas.Belleza, maquillaje, arte, poder: Cómo ser una mujer en el Renacimiento presenta una historia alternativa de este fascinante período contada por las mujeres detrás de las pinturas. El Renacimiento fue una época obsesionada por las apariencias: el mundo visual se pobló de desnudos de la mano de artistas como Miguel Ángel y Tiziano y emergió una vibrante escena literaria alrededor de consejos de belleza, cosméticos y adornos. Jill Burke nos lleva desde las bulliciosas plazas del mercado italiano hasta los niveles más altos de la sociedad renacentista para acercarnos a las vidas de cortesanas, artistas, actrices y escritoras que se labraron un espacio propio, así como aquellas que ganaron poder e influencia en el despiadado mundo de la corte o las que se rebelaron contra las restricciones de su época en un momento en el que las valoraciones sobre los cuerpos y el color de la piel estaban en el punto de mira debido al contexto colonial. Esta vívida exploración de la vida íntima de las mujeres renacentistas nos invita a cuestionar las ideas de tenemos sobre nuestro propio cuerpo a la vez que desentraña los orígenes de los ideales de belleza que todavía nos acompañan en la actualidad. «Nunca verás los retratos del Renacimiento de la misma manera.» Maggie O'Farrell, autora de Hamnet y El retrato de casada
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Este libro se adentra en los entresijos del cuento de tradición oral La Barbe Bleue, fijado por Charles Perrault en 1697. La intención que rige la interpretación del profesor Puelles ha sido la de tomarlo como umbral de un modo del horror moderno irreductible al género «goticista» que a partir del siglo XVIII ostentará la hegemonía del miedo literario. Publicado en el gozne entre el clasicismo y el rococó, y llevándonos al paroxismo del terror visual, Barbazul abre el camino a una narrativa traumática, testimonial, de pura supervivencia, cuyos extremos alcanzan a Primo Levi, entre otros muchos. El macabro cuento que nos ocupa es también la ocasión para situarnos en un enclave en el que la experiencia del lector u oyente transita -quizá por primera vez- hacia territorios como lo sublime y lo siniestro en la ambivalencia entre el placer estético de la representación del horror y el conocimiento -más «antropológico» que estético- de la pura crueldad humana. Barbazul es, además, un espléndido contrapunto a la doctrina del cogito cartesiano, dándosele prevalencia al terror propio (y no lo hay más atroz que el de «verse morir») sobre aquellas otras condiciones en las que sí será posible ganar la distancia reflexiva. «Tengo miedo, luego existo», escribió Roland Barthes.
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Este libro aborda las principales cuestiones y retos de la estética y de la teoría del arte en el cada vez más complejo contexto de la cultura digital. Ofrece un amplio, profundo y detallado estudio de los nuevos interrogantes, categorías y conceptos emergidos en el campo artístico a consecuencia de las transformaciones provocadas por la revolución informática, poniendo especial énfasis en lo acontecido en las dos primeras décadas del siglo XXI.La perspectiva de análisis filosófico de las nuevas prácticas artísticas entabla en este escrito un continuo y muy personal diálogo con las metodologías de los Estudios visuales y de la Historia del arte. Con ello se trata de facilitar la comprensión de las principales estrategias artísticas más comprometidas con la reflexión crítica sobre la era digital, así como atisbar sus líneas de evolución en el futuro.El texto hace hincapié en problemáticas centrales en el arte reciente, como la producción de subjetividad, la diferencia, la identidad, la participación , analizándolas en su relación específica con algunos de los nuevos desarrollos tecnológicos (redes sociales, inteligencia artificial, realidad aumentada, realidad virtual, blockchain ).Un libro, en definitiva, fundamental para la compresión del impacto que la evolución digital está teniendo sobre el desarrollo de la creación artística en nuestro presente, así como acerca de los nuevos caminos que se abren para su teorización, difusión y comercialización.
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La mirada captiva
Aquest volum inèdit aplega quinze assaigs breus de Colm Tóibín, triats d'entre els més de quaranta que ha escrit sobre artistes i les seves obres els darrers vint anys. És un llibre sobre art, especialment sobre una determinada manera de mirar i de deixar-se captivar, una manera de llegir i de narrar. Tota obra de creació, ja sigui plàstica o literària, té un punt de partida, de vegades tot just una marca en una tela o una paraula en un full en blanc, un desllorigador per deixar volar la imaginació. Miró, Calder, Barceló, Tàpies, Bacon, Arbus, Freud, Sargent, Lotto, Tintoretto, Goya... evidencien que la imaginació, quan treballa, està sempre sola, i que aquell moment inicial de concentració furiosa i única de l'acte creatiu només la intel·ligència pot decantar-lo o moderar-lo. Al prefaci que obre el llibre, Tóibín suggereix que segurament deu a la pintura el fet d'haver-se posat a escriure.Déjate seducir por la belleza y el misterio que se esconden detrás de cada pincelada y cada obra de arte con La mirada captiva, una colección de ensayos del aclamado escritor irlandés Colm Tóibín. En este volumen, que reúne quince textos inéditos escritos a lo largo de veinte años, Tóibín nos invita a un viaje íntimo y personal por el universo de la creación artística. No se trata de un manual de historia del arte, sino de una exploración apasionada sobre el acto de mirar, de dejarse atrapar por una imagen y de cómo esta experiencia puede transformar nuestra percepción del mundo.Con una prosa elegante y cercana, el autor nos guía a través de las vidas y las obras de grandes maestros. Desde la relación entre Miró y Calder hasta la intensidad de Bacon o la carnalidad de Lucian Freud, pasando por la genialidad de Goya, Tintoretto o Tàpies. Tóibín se adentra en el momento preciso de la creación, ese instante de concentración furiosa donde el artista se encuentra solo ante el lienzo en blanco, dando forma a su imaginación. Es una reflexión profunda sobre cómo nace el arte y cómo, a través de su mirada, podemos conectar con las emociones y las circunstancias vitales de los creadores. El propio autor sugiere en el prefacio que, probablemente, fue la pintura lo que le impulsó a empezar a escribir, una confesión que revela la profunda conexión entre las diferentes formas de expresión artística.¿A quién va dirigido el libro La mirada captiva?Esta obra es ideal para cualquier persona con sensibilidad artística, ya sean amantes de la literatura, la pintura o simplemente curiosos por entender el proceso creativo. No es necesario ser un experto en arte para disfrutar de estos ensayos; solo hace falta tener ganas de descubrir una nueva forma de mirar y de acercarse a las obras con una perspectiva fresca y humana. Es un libro perfecto para lectores que buscan una lectura estimulante, que combine la profundidad del ensayo con el placer de una narración cercana y personal.Temas que trata el libroLa mirada captiva explora una serie de temas interconectados que giran en torno al arte y su relación con la vida:El proceso creativo: Tóibín analiza el instante solitario y decisivo en que el artista inicia su obra, explorando la mezcla de imaginación, inteligencia y emoción que define el acto de crear.La relación entre arte y vida: El libro indaga en cómo las circunstancias personales, las amistades y el contexto histórico de los artistas, como la relación entre Miró y Calder, influyen directamente en sus creaciones.El acto de mirar: Más allá de la técnica, el autor pone el acento en la importancia de la mirada del espectador, en cómo nos dejamos cautivar por una obra y en la narrativa que construimos a partir de esta experiencia.Análisis de grandes artistas: Se ofrecen radiografías humanas y artísticas de figuras clave como Francis Bacon, Lucian Freud, Goya y Diane Arbus, entre otros, desde una perspectiva íntima y reveladora.El simbolismo del color: Uno de los ensayos más destacados explora la historia y la evolución del color azul, desde la antigüedad hasta la actualidad, en un texto que combina la erudición con el relato autobiográfico.En general, la crítica coincide en describir La mirada captiva como una colección de ensayos de alto voltaje que, con un estilo vigoroso y accesible, logra acercar al lector al arte de una manera sorprendente y profundamente humana.
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El petit llibre de la història de l'art a Catalunya
Un recorregut essencial per l’art català.Si et fas un embolic entre el Renaixement i la Renaixença o entre el Modernisme i l’Impressionisme, aquest petit llibre, molt pràctic i accessible, et portarà de la mà a través de les diferents corrents i èpoques artístiques de la història. Entén d’una vegada les diferències bàsiques entre el Romànic i el Gòtic, i gaudeix de les millors obres artístiques de la història de Catalunya alhora que aprens a situar-les en el seu context històric i etapa artística. Descobreix com l’evolució de la història de l’art a Catalunya ha esculpit la nostra sensibilitat com a societat i la forma en què avui entenem les expressions artístiques.
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Breu tractat sobre la mort i la bellesa
El moment de la mort, per breu que sigui, es projecta cap a l'eternitat. Tots, com Aquil·les, podem ser «literaturitzats» i la nostra memòria pot perdurar més enllà de la nostra mort. A Breu tractat sobre la mort i la bellesa Albert Mestres revisa les manifestacions artístiques - pintura, literatura, música, cinema- que han tractat la mort de personatges mítics o històrics en el moment culminant de les seves vides, i com han anat variant al llarg de la història cultural d'Occident.
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En esta antología completa de sus ensayos sobre artistas, John Bergernos revela su forma de ahondar en una obra de arte. Sus textos no solonos sumergen en la singularidad de cada creación artística, sino que vanmucho más allá y nos conducen con maestría entre lo personal, locultural y lo político. No en vano Berger es considerado uno de losintelectuales europeos más importantes de nuestro tiempo y uno de loscríticos que ha sacudido los cimientos de nuestra concepción del arte yel lenguaje visual reformulando su papel en la cultura contemporánea.En este segundo y último volumen dedicado a los artistas, el críticobritánico nos introduce en el advenimiento de la modernidad con la obrade Claude Monet hasta llegar a Randa Mdah, una artista palestina nacidaen 1983. Al igual que en el primer volumen, que arrancaba con laspinturas prehistóricas de la cueva de Chauvet hasta llegar a PaulCezánne, los ensayos han sido compilados por Tom Overton a partir de losarchivos que Berger donó aun en vida a la British Library. Del conjuntode textos se desprende nuevamente la mirada incisiva y siempresorprendente de Berger, una mirada que se materializa en una prosaigualmente directa e iluminadora. En definitiva, una ediciónimprescindible para conocer el gran legado teórico y vivencial de JohnBerger.
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Tres ensayos de William Morris (Cómo vivimos y cómo podríamos vivir Trabajo útil o esfuerzo inútil. El arte bajo la plutocracia.) acompañados del prólogo de Estela Schindel «William Morris: la técnica, la belleza y la revolución»
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Breve tratado sobre filosofía de la pintura china escrito a principios del siglo XVII. Shitao presenta la actitud espiritual que debe tener el pintor a la hora de ejecutar su arte, de manera que pueda conseguir la comunión con el universo y consigo mismo.
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El mito del andrógino ha tenido una gran influencia en todas las artes. Péladan, con su gran erudición y originalidad de pensamiento, le sigue el rastro desdeEgipto hasta los clásicos grecolatinos y la figura católica del ángel, para acabar dedicándole un himno, que es también un himno a la Belleza. Para Péladan ''ser bello es pertenecer a un tercer sexo''.
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Si bien se ha escrito mucho sobre la acumulación imparable de los desechos y los paisajes monumentales delos grandes vertederos, se ha prestado muy poca atención en cambio a esa basura ''pequeña'' y en apariencia inofensiva que mancilla las calles y aceras de nuestras ciudades: una colilla, un billete de metro, un pañuelo de papel, un vaso de cartón o de plástico desechable... Este libro versa precisamente sobre esos residuos que todavía se hallan en un estado embrionarioe incipiente, que son por el momento insignificantes, que todavía necesitan crecer, y que aún no han abandonado la metrópolis e iniciado su trayectoria finalhacia los basureros del extrarradio. Los diferentescapítulos de ''Basura. Usos culturales de los desechos'' ensaya un acercamiento ecléctico al arte, la filosofía, la ética, la sociología, la antropología, losestudios de género, la teoría de las emociones y la naciente teoría de los desechos para reflexionar sobrela naturaleza antropomórfica de los residuos urbanos, sobre la poética y trascendencia semántica de los micropaisajes de la basura y de los múltiples archivosa los que va a parar todo lo descartado, sobre la ''dumpsterología'' o historia de los dumpsters o contenedores de desechos como artefactos de significación compleja y sexuada, y, por fin, sobre los despojos quedejan atrás los migrantes indocumentados cuando cruzan la ancha franja desértica que separa México de losEstados Unidos. En suma, ''Basura. Usos culturales de los desechos'' invita al lector a detener el paso,dirigir una mirada pensativa hacia el suelo y centrarla atención y los sentidos en esos infinitos objetosque la sociedad desecha y declara inservibles.
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Vulnerario es un libro nacido del malestar en el quesu autor despliega una reflexión acerca del hecho artístico al chocar contra la realidad y sus límites, desarrollando así una teoría de la acción y la parálisis en la vida y en el arte. En este libro de
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La ciencia necesita ser representada para poder comunicarse. Esa necesidad explica el trabajo colaborativo que artistas y científicos han venido realizando para producir objetos de ciencia artísticos, fundamentales en la producción y comunicación del conocimientocientífico. Abarcando tres siglos de historia, este libro nos muestra como los distintos medios artísticosde expresión -ilustración, pintura, escultura, fotografía o cine- han representado a los cuerpos. Intersecciones entre la historia de la ciencia y del arte que nos permiten descubrir relaciones humanas, espaciosy técnicas de producción y nuevos lenguajes hasta ahora desconocidos.
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Una reflexión sobre aquellas obras de arte que han sufrido deterioro a lo largo del tiempo.El arte deteriorado acumula las señales que la experiencia histórica ha añadido sobre la obra original. Son grietas, signos de barbarie o huellas que la naturaleza ha dejado marcadas en la obra del ser humano. El paso de las estaciones, una tras otra, poco a poco, ha ido señalando las horas del derribo físico.Lejos de toda consideración negativa, entendemos las señales del tiempo como un valor estético añadido. Se trata de una carga comunicativa que enriquece la acción creativa inicial.
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Amandine Gallienne despliega una paleta de cien definiciones para reflexionar sobre nuestra percepción y mostrarnos que el color es un marcador cultural por excelencia.El color es como el aire que respiramos. Está en todas partes: desde la naturaleza hasta los edificios, desde la pintura hasta los carteles publicitarios, desde la moda hasta el lenguaje de las flores, desde la cromatografía hasta la heráldica...Pero, ¿sabías que el significado de los colores difiere según las culturas e incluso las épocas? ¿O que las catedrales eran originalmente multicolores? ¿Hay nombres de colores que no pueden traducirse a algunos idiomas? ¿Quién descubrió el espectro electromagnético de la luz? ¿El negro es un color?Amandine Gallienne despliega una paleta de cien definiciones para reflexionar sobre nuestra percepción y mostrarnos que el color es un marcador cultural por excelencia.
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El famoso jardinero francés Gilles Clément nos habla de un arte involuntario que, aunque parece pasar desapercibido, somos capaces de ver si estamos atentos a él.El arte involuntario es un arte poco estimado, pues no es premeditado, flota en la superficie de las cosas. No tiene peso, pues la sociedad no se lo da. Es un arte sin estatus, sin discurso, tan carente de mensaje que uno puede leerlo, finalmente, por lo que representa -una figura del azar- sin estar obligado a llevarlo más allá de sus propios límites. Es un arte desvalido, privado de acciones y misiones oportunas, se zafa de la política, se muestra con prisa y desaparece de inmediato. Privado de consistencia útil, nadie puede sacar partido de él porque no pertenece a nadie. Es un estado de ser fugaz y sutil. A veces una luz.
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Existe la creencia, casi unánime, de que los artistas tienen una personalidad distintiva y de que siempre son y han sido egocéntricos, caprichosos, románticos, rebeldes, informales, licenciosos, estrafalarios, obsesionados por su trabajo y de difícil convivencia. Los historiadores del arte han contribuido poco a este tema, pues no consideran que el psicoanálisis sea útil para las investigaciones históricas, lo que en cierto modo les ha privado de un conocimiento más profundo, tanto del comportamiento de los artistas antiguos y modernos como de sus obras. Se trata, pues, de investigar cuándo, dónde y por qué se creó una imagen típica del artista en la mente del público en general y cuáles han sido sus rasgos distintivos y fortuna crítica. La respuesta se ha buscado en el maremágnum de fuentes históricas: biografías, cartas y documentos, es decir, que la investigación está enfocada rigurosamente hacia la documentación histórica.
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«Se invita a los jóvenes artistas de Zúrich para que acudan con sus propuestas y aportaciones sin que importe su orientación particular.» Así decía el llamamiento que Hugo Ball publicó en un periódico de Zúrich el 2 de febrero de 1916 cuando decidió fundar el mítico Cabaret Voltaire, la cuna del dadaísmo. Y lo hizo sin saber quiénes acudirían ni qué llevarían. Tres días más tarde, el Voltaire abrió sus puertas sin ninguna planificación previa. «Mítico» es un adjetivo que suele asociarse, con frecuencia, al dadaísmo y a algunos de sus geniales representantes: Tristan Tzara, primero en Zúrich y luego en París, junto a André Breton, futuro padre del surrealismo, George Grosz en Berlín, donde también destacaron artistas como Raoul Hausmann y Hannah Höch, pioneros del collage y del fotomontaje, y Richard Huelsenbeck, autor del insustituible Almanaque dadá, la pareja Duchamp-Picabia con su dadaísmo neoyorquino… Pero, como oportunamente se pregunta el autor de este libro, ¿qué hubo de verdad y qué de mito en el origen y la evolución del dadaísmo? En cualquier caso, esta amena y documentada biografía colectiva, en la senda de los trabajos de historia narrativa de Barbara Tuchman y Peter Gay, retrata las figuras y los momentos más brillantes de un movimiento que transformó radicalmente el arte del siglo XX y cuyas ramificaciones llegan hasta nuestros días. Una revolución antiacadémica y provocadora que, partiendo de la idea de destrucción, logró construir obras artísticas y literarias de una frescura y una vitalidad que aún no se han apagado. Sin dadá, nos dice Jed Rasula, hoy no tendríamos collages musicales, ni fotomontajes, ni happenings… Y ni siquiera habrían existido el surrealismo, el pop art y el punk. «Sin dadá, la vida moderna tal como la conocemos difícilmente podría calificarse de moderna.»
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Vicenç Altaió, els ulls fèrtils
Al llarg de la seva prolífica trajectòria, Vicenç Altaió ha impulsat el reconeixement als nostres poetes avantguardistes mitjançant exposicions, publicacions i homenatges, com un deure generacional amb els pares de la modernitat artística catalana: J.V. Foix, Josep Palau i Fabre, Joan Perucho, Cirlot, Joan Brossa, Salvat-Papasseit... Ara correspon als seus contemporanis reconèixer i celebrar la seva aportació a l'agermanament de la poesia i les arts visuals, tot seguint la tradició que ens han llegat aquests poetes, o artistes com Joan Miró, Salvador Dalí i Antoni Tàpies. Tot i haver dedicat una bona part de la seva obra a prologar, escriure o promoure artistes, ha estat en la bibliofília on ha desenvolupat un projecte que aquesta exposició certifica. Du per títol Ulls Fèrtils com un homenatge a Paul Éluard, figura que va jugar un paper similar al seu molts anys abans, i en un altre context. Ell va ser al dadaisme i al surrealisme allò que Vicenç Altaió ha significat i significa pels artistes catalans del canvi de segle. El poeta, a la fi, és un mitjancer que incita amb les paraules i les idees.
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Tradiciones inventadas. Pintores que no existen. Libros que debieran haber existido. Identidades tomadas en préstamo. La rica cultura de lo falso se ha tejido a la sombra de diferentes regulaciones de la verdad destinadas a delimitar qué es ficción y qué realidad. Hoy sabemos que son la misma cosa, y que la ficción funda realidades, que tiene voluntad pública, cuestionando la común interpretación de lo verdadero. La gestión de la verdad y de sus formatos es la base de toda autoridad. El «fake» surge precisamente para cortocircuitarla, explorando sus quimeras lingüísticas.
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Esta novela gráfica visual y conceptualmente cautivadora aboga por la educación artística en las escuelas. A través de anécdotas (frecuentemente divertidas) centradas enla vida del aula los lectores exploran las relaciones profesor/alumno, las prueb
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La primera colección para niños?. Destinada a los adultos ¿Le faltan las palabras frente a un cuadro? ¿Se pregunta como interesar a los niños en el arte? Este fantástico libro le ayudará en esta tarea y convertirla en una maravillosa aventura. No importa si sus conocimientos sobre el arte son escasos, o si le interesan más los deportes o la ciencia. Si confía en lo que ven sus ojos, sabrá hacer que los niños ?entren? en un cuadro como si el mundo que este representa les perteneciera. Aprenderá a estimular tanto su imaginación como su mente analítica. Las treinta obras de arte que se comentan en este libro le guiarán desde el Renacimiento hasta el siglo XXI, con un lenguaje sencillo dirigido a distintos grupos de edades, desde niños de cinco años hasta jóvenes adolescentes.
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Monuments de Catalunya
Daniel Romaní és periodista i escriptor. Ha publicat assaigs, novel·les juvenils i diverses obres per donar a conèixer el patrimoni català. Col·labora regularment al diari Ara.
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Arte y política son ámbitos fuertemente interconectados, se atraen y se repelen, dibujan continuidades y provocan rupturas, y los ensayos que se recogen en el presente volumen se hallan sujetos a la tensión entre estas fuerzas. Ya sea como reflexión sobre la condición contemporánea, sobre la práctica artística o sobre los límites y la potencialidad del museo, cada uno de los escritos se halla situado en el tiempo y el espacio, y todos ellos reflejan la trayectoria intelectual de Manuel Borja-Villel al frente de importantes instituciones museísticas, así como algunas de sus inquietudes curatoriales como responsable de numerosas exposiciones o programas públicos a lo largo de los últimos treinta años. Defensor de la hibridación y el trasvase de saberes frente a la compartimentación estanca del conocimiento y su forma de organización, este libro apuesta por la investigación extradisciplinar y la interrelación de múltiples campos. Y es ante todo una invitación a reflexionar sobre el arte, sus organizaciones y sus actores.
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La educación en los museos ha sufrido un importante crecimiento en los últimos veinte años en el territorio español que la ha acercado a una madurez plena. Lacrisis reciente, sin embargo, puso en jaque los hitosalcanzados, el avance y el desarrollo del campo de la mediación y de todos los implicados en él. Detrás del incansable esfuerzo de los trabajadores de los museos se encuentra el propósito de democratizar y haceraccesible las instituciones culturales para una diversidad de públicos, pues, como afirma Nora Sternfeld,la cuestión no es tanto si la práctica educativa deja suficiente espacio a las contradicciones, sino, másbien, si esas contradicciones pueden marcar una diferencia tanto en los públicos como en el propio discurso institucional. Este libro nace del deseo de ofrecer un relato veraz sobre lo que sucede en la prácticadiaria, en el terreno, en un museo de arte contemporáneo como el MUSAC de León, para plasmar las experiencias vividas, aprender de ellas y apuntar quizá así caminos nuevos para lo que está por venir. Como afirmaPaul B. Preciado, el museo tiene ya su propia historia.
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La pintura en el siglo XIX era cosa que se hacía en Francia y por franceses en el siglo XX, siguió haciéndose en Francia pero pasó a ser cosa de españoles. Los españoles, eran los que tenían que crear la pintura del siglo XX, y lo hicieron: Picasso lo
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Único en su categoría, este bellisimo «libro-objeto»–de conmovedora adecuación entre contenido y forma– plantea una reflexión sobre los absurdos recorridos alos que fueron forzados los prisioneros de los camposde concentración nazis, en concreto, los 77 artistasque incluye este libro, como cronistas de las condiciones infrahumanas en las que vivieron. Cada estrellaes un gueto o campo de concentración, cada línea, una vía de tren que convierten la locura de estos trayectos en constelaciones, creando un sorprendente universo que golpea el corazón y la conciencia. Un libro poético, lleno de silencios, que invita a la reflexión, cada vez más necesaria
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y la celebración de la belleza». Preocupado desde siempre por las relaciones entre el hombre y la indagación artística en cualquiera de sus disciplinas como una vía hacia el conocimiento, nos propone esta vez un viaje a través de veintidós estaciones, en las que nos encontraremos, entre otros personajes y lugares, a Miguel Ángel, Honoré de Balzac, Goethe, Lucrecio, Dante, Thomas Mann, Víctor Hugo, Montaigne, Shakespeare, Durero, Picasso, Nietzsche, Rilke, Dostoievski, Mantegna, la Cappella Sansevero, la nave Soyuz, la piedra del escultor, lo espectral, las montañas o el silencio. Un libro lleno de ecos convocados con sabiduría por uno de nuestros escritores más brillantes.
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Arte y cotidianeidad hacia la transformación de la vida en arte
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Este libro recoge una serie de apasionantes y esclarecedores escritos de Ignacio Gómez de Liaño sobre Salvador Dalí, sin duda una de las figuras capitales delarte del siglo XX, a cuya obra y personalidad Liaño ha dedicado varios libros, como El camino de Dalí (Diario personal, 1978-1989) y el titulado sencillamenteDalí, además de incontables artículos. Dalí funde y amalgama arte y vida en un continuo inseparable, cumpliendo ejemplarmente una de las aspiraciones de las vanguardias: su propia vida se convierte en creación deliberada y, sin ella, su multiforme obra (pintura, dibujo, poesía, prosa...) no puede ser cabalmente entendida en toda su riqueza y complejidad. El Surrealismo, lo comestible, el oro, Gala, el método paranoico-crítico… son algunas de las múltiples y acaso contradictorias variables que hacen que Dalí siga planteando,como todo gran artista, una ecuación cuya incógnita permanece irresuelta. Gómez de Liaño se acerca a Dalídesde el análisis de su pintura y el interés común enla “persistencia de la memoria” y también desde la palabra del pintor. Cimentadas sobre la amistad e incontables conversaciones con el artista, a quien visitaba a menudo en Portlligat o en el Teatro-Museo de Figueras, acompañándole incluso mientras pintaba, estaspáginas despliegan una suerte de personal desciframiento del enigma daliniano.
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Arte. Grandes temas Cátedra
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