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Libros de arte
En Abacus disponemos de una gran selección de libros de arte para despertar las dotes creativas y artísticas tanto de niños como de adultos. Compra libros de arte online. En la sección libros de arte, encontrarás una amplia colección de bibliografía sobre una gran variedad de temas, como por ejemplo: la historia del arte, el origen, el simbolismo y curiosidades sobre los colores pantone, los principios básicos del color y la armonización cromática o la museografía, entre otras disciplinas artísticas. Además, disponemos de libros sobre lenguaje visual, estampa japonesa, fomentar la creatividad o para aprender a dibujar retratos, entre muchos otros. ¡Descúbrelos todos en Abacus!
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La primera recopilación sistemática y exhaustiva de todo lo que JohnBerger ha escrito sobre los artistas. Una personalísima historia delarteSiempre he detestado que digan que soy crítico de arte. Así presentaJohn Berger esta antología completa de todos sus ensayos sobre artistas.Y ciertamente sería poco fiel a la realidad reducir a la categoría decrítico de arte a uno de los intelectuales europeos que no solo hasabido diseccionar la obra plástica de tantos artistas, sino que haaportado nuevos enfoques sobre la propia naturaleza del lenguaje visualy su papel en la cultura contemporánea.Este es el primero de dos volúmenes donde por primera vez se recogen deforma exhaustiva todos los textos que John Berger dedicó a los artistasque le enseñaron y le inspiraron a través de sus vidas y sus obras.Compilados por Tom Overton a partir de los archivos que Berger donó aunen vida a la British Library, los textos de este primer volumen abarcandesde las pinturas prehistóricas de la cueva de Chauvet hasta eladvenimiento de la modernidad con Paul Cezánne, mientras que los delsegundo volumen incluyen ensayos que abarcan desde Claude Monet hastaRanda Mdah, una artista palestina nacida en 1983. De todos ellos sedesprende la inconmensurable capacidad observadora y narrativa de Bergerque durante décadas ha iluminado con nuevos sentidos y valores adistintas generaciones de lectores. Una obra rigurosa e imprescindiblepara conocer el legado de Berger.
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Al analizar las tensas relaciones entre producción cultural, capitalismo y ciertas ideologías actuales, Carlos Granés ofrece un certero diagnóstico del presente y una original mirada al arte contemporáneo. «La gracia del arte radica en que es la actividad libre por excelencia. Pero esta actividad libérrima y creativa ha sido rondada permanentemente por dos amantes peligrosas. La política y el capitalismo han tratado de multiplicar sus fuerzas fundiéndose con ella.» Comerciantes de arte roban paredes y puertas con obras de Banksy, un festival erótico disecciona los males políticos de España para estimular el consumo de pornografía, un autobús tránsfobo hace las veces de instalación itinerante, se estetiza el espacio público en Cataluña para hacer invisible al adversario... En los últimos años la cultura hatrabado una relación asfixiante con el capitalismo ycon la política. Pareciera que el destino de toda expresión artística es acabar convertida en una mercancía cultural, en un incentivo para el turismo o en un arma estratégica en las batallas ideológicas. Este estupendo ensayo examina las tensiones entre la cultura, el mercado y el populismo contemporáneo. Carlos Granés ofrece un certero diagnóstico del presentey nos muestra con contundentes ejemplos el modo en que, paradójicamente, mientras el arte se vuelve políticamente correcto y renuncia a las estrategias de la vanguardia, la política opta por tácticas transgresoras y escandalosas para captar la atención del otro. La crítica ha dicho...«No creo que nadie haya trazado un fresco tan completo, animado y lúcido sobre todas las vanguardias artísticas del sigloXX. Lo he leído con la felicidad y la excitación conque leo las mejores novelas.»Mario Vargas Llosa,sobre El puño invisible
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La fantasía, la invención y la creatividad no son patrimonio de unos pocos iniciados -los artistas-, sinofacultades esenciales del ser humano que todos deberíamos comprender. Con la generosidad y la vocación pedagógica que siempre lo caracterizó, Bruno Munari desvela en este ensayo pionero, traducido por primera vezal castellano, algunos de los secretos de estas trescapacidades básicas que hoy englobaríamos bajo la palabra creatividad. La fantasía, nos cuenta Munari, nace de la libertad. La invención y la creatividad nacen, en cambio, de la función y la necesidad. Pero a lahora de generar nuevos mundos, en todas ellas la inteligencia, la memoria y la imaginación juegan un papel crucial. ¿Qué mecanismos se activan para alumbrar una idea o construir una obra de arte? ¿Cómo podemos potenciar -en lugar de coartar- la creatividad infantil? ¿Cómo fomentar la elasticidad del pensamiento paraque este no se quede estancado en fórmulas prefijadas? Munari responde a estas y otras preguntas con un estudio delicioso, a caballo entre la erudición y el divertimento, que no solo pretende potenciar nuestra capacidad creativa, sino contribuir a nuestro desarrollo integral como personas.
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Mucha gente está familiarizada con la vida y la obra de Vincent Van Gogh y su activa y reveladora correspondencia con su hermano Theo. Pero sus hermanas, Anna, Lies y Wil van Gogh, han pasado desapercibidas hasta ahora. En esta convincente biografía colectiva basada en la correspondencia inédita del archivo de la familia Van Gogh, el historiador del arte Willem-Jan Verlinden convierte a las tres hermanas de Vincent en el centro de la atención. Una discusión con Anna, la hermana mayor, provocó que el artista abandonara para siempre los Países Bajos. La segunda, Lies, cayó en la pobreza a pesar de sus aspiraciones literarias y se vio obligada a vender muchos cuadros de su hermano. Willemien, la menor, participó activamente en el emergente movimiento feminista, y discutía con entusiasmo sobre arte con Vincent. Este fascinante relato refleja un momento histórico de profundo cambio social, económico y artístico, en el que las hermanas Van Gogh, en la correspondencia poco conocida entre ellas, registraron sus aspiraciones y sueños, sus decepciones y penas.
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A Salvador Dalí le divertía comparar al Greco con un caracol. Tusquets se divierte en este libro comparando cosas que no viene a cuento comparar: obras de arte, calendarios, museos, lupanares, la Ley Seca, el libre albedrío, correcciones visuales, el globo terráqueo, escaleras históricas, clientes legendarios, toreros atemorizados, luces y colores misteriosos, alimentos en conserva, arte abstracto, vagones tolerantes, duchas inteligentes, deportes desafortunados, jardines imperecederos... Este es un libro escrito por un arquitecto (¿o por un diseñador? ¿O por un pintor y escritor dominguero?), pero no es un libro para arquitectos, sino para lectores que gusten de seguir un razonamiento original sobre temas manidos, cargados de lugares comunes y de visiones políticamente correctas. Por trascendente que sea el asunto, el autor no engola la voz, prefiere la ironía y el humor para exponer evidencias que, aunque son de sentido común, parecen insólitas y extravagantes.En resumen, un libro desbordante de talento, escrito desde una postura de radical independencia, y de lectura (y relectura) tan obligada como gozosa.
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El crecimiento de las derechas populistas, la necesidad o dependencia de las redes sociales, la vigilancia permanente «por su seguridad» o el estado de bienestar como aspiración -para generar riqueza, no para repartirla- son algunos de los temas de los que parte Politizaciones del malestar para vislumbrar cómo se politiza el desasosiego o la angustia. Politizaciones del malestar surge de la voluntad de profundizar en el malestar desde los procesos creativos, a través de varias experiencias artísticas que perfilan el malestar en su dimensión política, colectiva, devolviendo a la sociedad lo que ésta invisibiliza. De esta manera, se combaten las promesas inalcanzables de libertad, prosperidad y felicidad en contraste con el tratamiento de los estados de ánimo que no se aceptan socialmente: tristeza, rabia, hastío, cólera, histeria, con la medicación como única alternativa. La presente muestra propone una aproximación a diferentes proyectos y acciones de los artistas Rufino Mesa, Enmedio, Virginia G. del Pino, Ulla Blanca Lima y Nora Ancarola. Se completa con las aportaciones en forma de artículos y entrevistas de Amador Fernández-Savater, Espai en Blanc, BAR Project, Martí Peran, Alfonso Levy, Laura Mercader, Manuel Delgado, Pere Salabert, Joan M. Minguet, Elsa Plaza y Tania Alba -que analiza once proyectos artísticos más-a fin de exponer y compartir la gestión del desasosiego, de la vulnerabilidad, siendo esencial en todos ellos el proceso, el compromiso y una dimensión colaborativa.
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Es verdad que la ecología ha recibido escasa atenciónen el ámbito de la historia del arte, pero también es cierto que su visibilidad e importancia han ido creciendo en los últimos tiempos, de la mano de las amenazas del cambio climático y la destrucción medioambiental. Al imbricar el extendido compromiso político yestético de diversos artistas con procesos y condiciones medioambientales por todo el planeta –y dirigiendo su mirada a los punteros avances teóricos, políticos y culturales que se han producido y producen en elSur y el Norte globales–, el presente libro ofrece una significativa y original contribución a los camposinterconectados la historia del arte, la ecología, la cultura visual, la geografía y la política medioambiental. A lo largo de sus seis capítulos, su autor aborda las propuestas creativas de diversos artistas yactivistas en pos de formas de vida que aúnen sostenibilidad ecológica, justicia climática y democracia radical, en un momento como el presente en el que se necesitan con urgencia este tipo de propuestas.
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Sigues un rebel de l'art
Amb un to despreocupat i una mica irreverent, aquest llibre està pensat per apropar l'art als infants, que aprendran que pot ser molt i molt divertit i esbojarrat. Sota la guia del gat Roc, descobriran que en l'art tot s'hi val, només calen ganes de passar-s'ho bomba. El text es complementa amb una magnífica combinació d'il·lustració i fotografia.
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Ante la complejidad de la vida: afinidad de inquietudes y actitudes del artista y el filósofo ¿Qué tienen en común Francisco de Goya, considerado ''el más filósofo de los pintores'', con el llamado ''filósofo de los artistas'', Arthur Schopenhauer? ¿Pueden existir entre dos autores profundas afinidades que, prescindiendo de las coincidencias en el espacio y en el tiempo, remitan a una comunidad de inquietudes y actitudes? Goya fue un pintor muy poco académico, que se adentró con sus creaciones en las honduras del alma humana. Y lo mismo puede afirmarse de Schopenhauer en su condición de filósofo: un pensador atípico que se movió mejor entre imágenes que entre conceptos, prefiriendo comprender a explicar.Ambos arrojaron la sonda en las profundidades abismales de la existencia, no encontrando otro fondo que el de una extraña y oscura voluntad.
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Una breve pero magistral historia del arte, desde la prehistoria hasta nuestros días, por el aclamado filósofo Michel Onfray, que da las principales claves para entender y conocer el arte.«El arte contemporáneo es un lenguaje que necesita la misma iniciación que cualquier otra obra de arte, sea del siglo que sea. Del mismo modo que no resulta fácil entender el retrato de Luis XIV de Hyacinthe Rigaud Rigaud si no se conoce la simbología de la época, no se puede entender el ramo de tulipanes de Jeff Koons si no sabemos nada de su lucha LGBTQ+ en nuestro tiempo. Me gustaría guiarte desde los primeros vestigios del arte (Chauvet, hace 40.000 años) hasta el famoso ramo de Jeff Koons (2019), o en otras palabras, de la prehistoria hasta nuestros días, para luchar contra los que afirman que el arte ha muerto, que la Belleza que siempre ha establecido la ley dejará de serlo, y que consideran que deberíamos tirar a la basura todo el arte contemporáneo. La Belleza ha sido una inquietud reciente y efímera en la historia del arte: duró entre la invención de la palabra ''estética'' en 1750 de la pluma de Baumgarten y la de la fotografía en 1826. Argumentar, por tanto, que, porque el arte contemporáneo ha dejado de ser Bello, que ya no sería legítimo hablar de arte, es un disparate.» Michel Onfray.
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Modigliani es sobre todo un pintor de retratos: es un retratista.''Lo que busco no es lo real, ni lo irreal, sino lo Inconsciente, el misterio de la instinctividad del ser, decía a propósito de sus retratos, o también: ''Los personajes de Cézanne, como las estatuas antiguas, no tienen mirada. Los míos, por el contrario, ven: ven aunque no les pinte las pupilas.''Este libro recoge retratos que Modigliani pintó de sus amigos y recuerdos que de Modigliani escribieron sus amigos.
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Espejo crítico de nuestro tiempo, el arte contemporáneo juega un papel crucial para cuestionar nuestra realidad histórica y plantear los problemas filosóficos de la sociedad actual. Por medio de un estilo ameno y elegante, y valiéndose de ensayos que parten del arte y recorren otras disciplinas, Pol Capdevila nos sumerge en algunos de los dilemas filosóficos acerca del tiempo y nos muestra cómo afectan al desarrollo de nuestras vidas y de nuestra cultura. Espectros del tiempo penetra en debates trascendentales sobre nuestro tiempo histórico, tales como la tiranía del reloj, la aceleración de nuestras sociedades, el desvanecimiento del pasado y la sensación generalizada de un fin de la historia. En un constante diálogo filosófico con el arte contemporáneo, Pol Capdevila recorre las contradicciones y crisis de sentido de las sociedades contemporáneas, haciendo partícipe al lector de las dimensiones de la tragedia. ¿Por qué la experiencia del presente ha perdido su consistencia? ¿Podrán el pasado, el presente y el futuro articular una relación productiva, que permita hacer avanzar la historia? ¿Podemos entender el tiempo como algo que se construye colectivamente, en lugar de padecerlo bajo la forma de una dramática finitud? A través de un enfoque que combina la hermenéutica del arte y la filosofía del tiempo, Espectros del tiempo es una obra fundamental para entender la relación entre el arte, la historia y nuestra experiencia temporal en la sociedad contemporánea.
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El Arte de Retorno se explica a partir de las relaciones comerciales que tienen América y Europa, haciendo hincapié en la circulación bidireccional de obras, artistas, modelos iconográficos y estéticos. A su vez, las islas Canarias funcionan como lugar de paso obligatorio para navíos que hacían la ruta atlántica en ambos sentidos, estableciéndose como filtro, además de como laboratorio artístico y urbanístico. Esto hace que en el Archipiélago no tengan peso regulaciones gremiales y ordenanzas que controlen el trabajo de arquitectos, escultores, pintores, orfebres y creadores de toda índole, sino que, en su versión más libre y sin pasar necesariamente por la categoría de maestros, podían firmar contratos y dar rienda suelta a su creatividad. Esta efervescencia cultural e intelectual durante los siglos xvi, xvii y xviii impactará en los canarios, en su manera de ser y hacer, y generará un patrimonio cultural único. Al mismo tiempo, el isleño muestra desde los inicios de su historia un sentido de hermanamiento con los virreinatos y capitanías que no decae con la secularización de las sociedades en el siglo xix ni con la independencia de las colonias americanas. Aunque exista una intelectualidad decimonónica que mira a países culturalmente boyantes como Italia o Francia, las clases más bajas seguirán leyendo en clave colonial y consumiendo obras de arte de clara querencia virreinal. El concepto de 'ida y vuelta' que engloba obras, artistas y modelos continúa hasta bien entrado el siglo xx y puede extrapolarse a otras relaciones entre regiones que, sin contar ya con Canarias, pero dentro del mundo del arte, se adhieren a la idea de Arte de Retorno y los posibles ecos que éste deja en manifestaciones artísticas contemporáneas, así como en la fotografía y en el cine.
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«…,los logros del arte moderno tienen que entenderse como logros filosóficos de una cierta clase, aun cuando las obras de arte visual no sean ni tesis discursivas ni tengan relevancia filosófica por “,contener”, o “,implicar”, afirmaciones filosóficas. Mis principales ejemplos en este libro, Manet y Cézanne, son figuras consideradas a menudo respectivamente el abuelo y el padre de la modernidad en pintura. Hay en juego algo de importancia filosófica en los logros pictóricos incluso si no son –,precisamente porque no son–, filosofía en sí mismos. Es decir, la idea no es que estas obras de arte sean obras de filosofía, o filosofía incompleta, sino que encarnan una forma distinta de inteligibilidad estética, o una manera estética de hacer inteligible y atrayente una variedad de asuntos de la más profunda importancia para la filosofía.» Según Pippin, la pintura sería, como el cine, «filosofía por otros medios», una forma de conocimiento y autoconocimiento sensible afectivo. Desde este punto de vista se analiza, contra la idea de que el arte es algo del pasado, la pintura a partir de Manet y Cézanne como un modo adecuado y específico de representación de los problemas de la sociedad moderna desde el propio medio pictórico.
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Pese al título, este libro no ofrecerá ni consejos nirecetas para saborear la pintura, es más, el deseo del autor es sembrar o mejor dicho consolidar una duda, la duda sobre la capacidad de poder '' saborear ''una obra de arte en ausencia de su comprensión. Esdecir, que el placer de una obra aumenta con el conocimiento del contexto de su creación es uno de sus postulados. Las obras que se analizan en este texto fueros realizadas en épocas diferentes y emplean estrategias de seducción diferentes: unas son imágenes hechaspara príncipes ( '' La Fiesta de Venus '' , de Tiziano), otras para la Corte absolutista ( '' La Rendición de Breda '' , de Velázquez), y también para el público '' people '' (las serigrafías de Warhol), otrasincluso para el propio artista (los autorretratos deRembrandt). La capacidad de interpelación de la obrade arte es grande y acercarnos a ella significa dejarse llevar por el juego de la interpretación. Interpretar para comprender, para degustar, para gozar. La manzana que el amorcillo de '' La Fiesta de Venus ''de Tiziano huele, muerde o se dispone a lanzar al espectador es una señal de complicidad. Una señal, tansensual, tan comestible. Pero hay otras, menos evidentes, más secretas. Este libro pretende ayudar a descubrirlas.
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Hay un momento en que los ojos se abren de pronto alarte, igual que los oídos a la música o a un idioma que hasta entonces se ha estudiado con la sensación deno avanzar, o de hacerlo muy despacio. Pierre Francastel, Giulio Carlo Argan, Erwin Panofsky y E. Gombrich me enseñaron a mirar con los ojos bien abiertos lasobras de arte y a buscar sus vínculos con el mundo real, intentando ver en ellas lo que vieron sus contemporáneos y comprender el lugar que ocupaban en sus vidas y en sus sistemas de creencias. Creo que fue de Baudelaire y de Marcel Proust de quienes empecé aprendiendo a escribir sobre arte, intentando usar las palabras como una lente de aumento para mirar mejor lo que se tiene delante de los ojos, en los cuadros y también en la realidad. Mucho más tarde, ya adulto, descubrí a Robert Hughes y quise tomar ejemplo de su apasionada claridad. Los ensayos de este libro se han idoescribiendo de manera intermitente a lo largo de casiveinte años. Al verlos juntos ahora, observo que elazar de los encargos y del puro paso del tiempo les ha ido dando una cierta unidad involuntaria, casi un hilo narrativo, que tiene mucho que ver con la derivade mis intereses personales y mis aficiones, quizás con la ética y la estética que están implícitas en eltrabajo de cada escritor.
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El llibre és una invitació a la reflexió sobre aquesta àrea de coneixement, sobre la seva funcionali
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Coleccionar arte contemporáneo es una de las actividades más incomprendidas y enigmáticas que pueden observarse en el amplio catálogo de conductas humanas. A partir de las voces de sus protagonistas -doce coleccionistas españoles de arte contemporáne
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¿Alguna vez ha imaginado que los cítricos puedan ser cuerpos celestiales, heroica y angelicalmente suspendidos en el firmamento? Puede que no, pero a J. C.Volkamer sí se le ocurrió, y encargó una extravagantey asombrosa serie de grabados a gran escala centrados en limas, limones y naranjas amargas, en estas escenas surrealistas, los frutos aparecen suspendidos enéter, majestuosos, a escala natural, flotando como planetas con un fondo de villas, jardines o paisajes lejanos.Antes de que comenzase su importación desde Italia los árboles cítricos eran casi desconocidos al norte de los Alpes, durante los dos siglos siguientes, los exóticos y fragantes especímenes de estasplantas ganaron en popularidad en los jardines de toda la zona. Un aficionado a la horticultura en particular, el mercader J. C. Volkamer de Núremberg, se entregó en cuerpo y alma a la causa de los cítricos, llegando a hacer traer plantas desde Italia, Alemania, elnorte de África e incluso el Cabo de Buena Esperanzaa fin de que en su jardín se reuniese la mayor variedad posible de especímenes. Su obsesión llegó a tal punto que encargó a un equipo de artistas y grabadoresla creación de 251 planchas de 170 variedades distintas de cítricos con las que ilustrar los dos volúmenes de su tratado sobre los cítricos. El primero de ellos fue publicado en 1708, con un título tan extenso como curioso: Las Hespérides de Núremberg o una descripción minuciosa de los nobles frutos que son el limón, la lima y la naranja amarga, de cómo pueden ser plantados, cultivados, cuidados y atendidos en esta región y otras limítrofes.Son muy pocos los ejemplares coloreados de la obra de Volkamer que se conservan en la actualidad, TASCHEN basa su edición en los dos volúmenes coloreados a mano descubiertos recientemente en los archivos municipales de la ciudad de Fürth (Alemania), en el castillo de Burgfarrnbach. La reimpresión incluye además 56 ilustraciones adicionalesrecientemente descubiertas, que el autor tenía previsto publicar en un tercer volumen.
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Per què la guerra?
Des de fa dotze mil anys, la guerra ha donat forma a la majoria dels aspectes de la vida social i continua tenint una gran força modeladora en els comportaments humans. La guerra és omnipresent en el món actual i no és aliena a l'economia imperant. Mai no ha estat tan visible com ara i, alhora, tan difícil de discernir-ne l'essencialitat i les causes. La guerra deteriora la democràcia i la justícia i envileix la memòria, és la norma enmig de la desregulació creixent que és inherent al món de la globalització contemporània. Entre d'altres, nodreix estructures culturals anacròniques com el patriarcat i obre escenaris de devastació, com les crisis humanitàries. La guerra provoca seqüeles profundes -traumàtiques- en tots els àmbits i, alhora, és un «lloc» que desperta fascinació. La regeix l'ambivalència i no hi ha cap camí fàcil per deixar-la enrere. Davant d'aquesta situació, la pregunta vigent és: per què la guerra? La present publicació recull les reflexions d'un grup d'autores i autors a l'entorn de les guerres i les ferides que provoquen a persones, espais i paisatges. Al mateix temps mostra les obres d'art contemporani exposades a l'exposició «Per què la guerra?», celebrada a El Born CCM entre el 15 de març i el 29 de setembre de 2024, que interroguen el fenomen polièdric de la guerra i, des d'experiències estètiques diverses, plantegen l'obertura d'espais de claredat i pensament que qüestionen la persistència de les violències bèl·liques.
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Nadie duda de que los visitantes sean una variable esencial para gestionar, de forma acorde con nuestros tiempos, los museos y otros equipamientos patrimoniales. Por ello, tendrían que ponerse sobre el tapete y exprimirse todas las posibilidades para que la interacción entre ambos sea totalmente positiva. Entre las muchas maneras de abordar y suavizar la relación entre los visitantes y los recursos patrimoniales abiertos al público, la difusión preventiva es una de las estrategias comunicativas que los gestores deberían explorar y explotar si se quiere una interacción sostenible con un recurso tan frágil y vulnerable como el patrimonio cultural. A sus bondades como herramienta de conservación preventiva, añade una dimensión corporativa nada desdeñable: su aplicación demuestra que el equipamiento está claramente orientado al visitante, lo que sin duda ayuda a construir en la mente de este una imagen corporativa positiva. La difusión preventiva del patrimonio cultural presenta esta doble herramienta de conservación preventiva y comunicación corporativa, una nueva estrategia de comunicación que considera a los visitantes como aliados capaces de ayudar en la difícil tarea de conservar los bienes culturales.
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Ojos y capital es un ensayo de textura piel y tft queoscila entre las 4 y las 15 pulgadas, habla sobre elpresente y la cultura-red y amenaza con la materialidad de “,lamer los ojos”,. Este libro,que transita por la conformaci≤n identitaria a travΘsde la visualidad y la economφa, se pregunta por c≤molos ojos operan hoy como nueva moneda. Para ello, pretende identificar desarrollos contradictorios de latransformaci≤n capitalista de un mundo conectado, excedentario en lo visual y trucado en la preeminencia de lo econ≤mico frente a clßsicas y nuevas formas de polφtica y Θtica. Quiere hacerlo atravesando conceptoscomo sombra, mirada, desaparici≤n, (auto)representaci≤n, derroche, reciprocidad, lazo moral, capitalismoo feminizaci≤n, interpelado por las vigentes formas de creaci≤n de valor y nueva colectividad en las redes.
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* Bienvenido al mundo de los mitos, un reino fantástico repleto de criaturas mágicas y míticas de todo elplaneta. * Conozca a Baku, un espíritu japonés que se alimenta de sueños y pesadillas, y al tempestuoso Fénix de la mitología griega, que renace a partir de sus cenizas. Observe con atención y podrá captar un destello del escurridizo unicornio, que tiene poderes curativos y atrae la buena suerte. * Todo ello se halla a la espera ¡de que le añada color y le dé vida!¿Listo para empezar? Incluye algunas técnicas paracolorear divertidas que puede probar, como imitar unarcoíris, jugar con luces y sombras, utilizar la textura, añadir profundidad o destacar los detalles clave.
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Este número de la revista ''Cuadernos de la Alhambra'' presenta un conjunto de estudios sobre la labor restauradora emprendida por el Patronato de la Alhambra y Generalife, en colaboración con otras instituciones, y las tareas de gestión necesarias para la correcta administración del Conjunto Monumental. A estos trabajos hay que sumar distintas investigaciones históricas que abordan el periodo hispano-musulmán desde diferentes perspectivas.
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En una época en la que, a la hora de invertir en un proyecto, priman los criterios de rentabilidad económica y en que la cultura en conjunto es pensada a partir de la ''economía creativa'', resulta vital comprender el análisis económico en materia cultural para percibir su alcance y también sus límites. Por eso es fundamental conocer sus reglas y los desarrollos que conlleva en el plano de las artes y de la cultura.
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«Unas jóvenes santas presentan en Sevilla un desfilede alta costura. Bellas como andaluzas, los ojos negros, el pelo negro, lucen vestidos largos, con o sin capa […,] El corte de los vestidos, la elegancia de los tafetanes o de las sedas bordadas en oro y plata, la audaz combinación de los colores […,], el refinamiento de los detalles […,], todo contribuye a crear la ilusión de un desfile de alta costura en el Siglo de Oro […,] Pero la ilusiónse disipa en cuanto nos acercamos». A través de una selección de cuadros de santas realizados por Zurbarán, Florence Delay nos descubre la secreta relación entre la majestuosa indumentaria con que las retrató elpintor extremeño y la existencia que las elevó muy por encima del común de los mortales. Un ensayo refinado y erudito sobre la sutil relación entre arte y moda.
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Punto de partida. Colección Isabel y Agustín Coppel forma parte de la línea expositiva de arte contemporáneo organizada en la Sala de Arte de la Ciudad Grupo Santander. La muestra recoge una selección de obras de la colección del matrimonio Coppel, una de las más importantes colecciones mexicanas de arte contemporáneo internacional.
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-La materia de mi poesía está en deuda con el cuidadoy el ejercicio de los ojos-, dijo Johann Wolfgang Goethe (1749-1832) en una de sus conversaciones con Eckermann. En 1932 Paul Valéry rendiría honor a esos ojos al escribir que -nuestra sed de plenitud de la inteligencia, de mirada universal y de producción muy feliz- están satisfechas en la obra de Goethe. La mirada, en efecto, se menciona en el medio de ese infinitoelogio como distintivo del autor de la Teoría de loscolores, producto, por así decir, de un poeta de la ciencia. Poeta y científico, sí, y también teórico delarte y artista, político y filósofo, hombre de teatro y naturalista, viajero y biógrafo de sí mismo, intérprete de Shakespeare y de Kalidasa?, este inmenso escritor tomó el conocimiento visual por soporte de larelación humana con el mundo, en su teoría de la visualidad se adentra el presente ensayo. -Por encima decualquier otro, fue el ojo el órgano con el que comprendí el mundo- (Goethe, Poesía y verdad, II, 6).
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¡Aprende a dibujar cada parte del cuerpo y sus diferentes poses! Lemon Chan quiere ir un paso más allá y mejorar las características físicas de sus personajes colocándolos en distintas poses y movimientos, ¡todo un reto! En este nuevo volumen, recorreremos todas las partes del cuerpo para entender cómo son y cómo debemos dibujarlas en cada momento: el esqueleto, las articulaciones, las diferencias en función de la edad y la constitución... Conoceremos la importancia de guardar sus proporciones a la hora de dibujar distintas poses y nos introduciremos en los planos y la composición. ¡Haz que tus personajes se llenen de realismo dibujándolos correctamente en las distintas poses y contextos!
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'Cuando Picasso murió leí en una revista que había hecho cuatro mil obras maestras en su vida y pensé: ''Caramba, yo puedo hacer eso en un día'''', de este modo reflexionaba Andy Warhol a propósito de Picasso en su libro ''La filosofía de Andy Warhol'', aparecido en 1975. Hacía poco que había muerto Picasso, productivo hasta el final, obsesionado hasta entrados los años 60 del siglo XX con el tema del pintor y la modelo: el artista de la tradición clásica, que se codea con los grandes maestros, que vuelve la mirada hacia ''Las Meninas'' y las multiplica, las convierte en serie, imágenes de las culturas populares que desacralizan el mundo y que fascinaron a tantos artistas desde las primeras décadas del XX. También Picasso cayó bajo el hechizo de esa cultura popular que construyó una relación diferente con la visualidad tal y como se había conocido hasta entonces. De esas culturas populares Picasso aprendía la técnica para construir una imagen en la cual la obra, el personaje, el retrato de ese personaje, la biografía misma... tienen algo de fabuloso proyecto autobiográfico que, igual que ocurre con Dalí, forma parte de una compleja y calculada maniobra que parte del artista, con su imagen siempre bajo control. Sentado ante la pantalla translúcida de Clouzot en ''Le mystère Picasso'' de 1955, Picasso pinta. Pinta y borra. Corrige y las formas se van metamorfoseando. Entonces es un gran maestro, rico y aclamado por todos, como siempre deseó ser. Pese a todo, a pesar del éxito y del cuidado a la hora de diseñar su propia imagen en el ''proyecto Picasso'', una duda última surge frente a este hombre ya mayor que aprendió casi todo del cine, del circo, del vodevil..., una posibilidad de lectura más que, como siempre ocurre con Picasso, reta a nuestra audacia.
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Les pintures murals gòtiques de l'església de santa Maria del Bruc i la seva restauració
El conjunt mural gòtic de Santa Maria del Bruc, de finals del segle XIII, ha passat per múltiples processos de restauració d'ençà que el 1958 Mn. Jaume Torrent el va redescobrir. L'any 2018, gràcies a un ajut de la Diputació de Barcelona, aquesta restauració es va poder finalitzar totalment. En aquest llibre hi trobareu una explicació en detall de qui en va ser el restaurador en cap, Voravit Roonthiva, però també altres capítols que, des de diferents punts de vista, us permetran posar en valor tant les pintures com el conjunt arquitectònic. Hi han intervingut diverses persones sense les quals aquesta restauració no hauria estat possible: Gemma Estrada, historiadora local, Montserrat Pagès, doctora en història de l'art, Pere Rovira, del Centre de Restauració de Béns Mobles de Catalunya, i Rosa M. Gasol, de l'Oficina de Patrimoni Cultural de la Diputació.
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Quince ensayos breves de Colm Tóibín, escogidos entre los más de cuarenta que ha escrito sobre artistas y sus obras, constituyen este libro inédito sobre arte, y en especial sobre una determinada forma de mirar y dejarse cautivar, una forma de leer y también de narrar. Toda obra de creación, ya sea plástica o literaria, tiene un punto de partida, a veces simplemente una marca en una tela o una palabra en una página en blanco, un dispositivo que dispara la imaginación. Miró, Calder, Tàpies, Barceló, Bacon, Arbus, Freud, Sargent, Lotto, Tintoretto, Goya... ponen en evidencia que la imaginación, cuando trabaja, siempre está sola, y que ese momento de concentración furiosa y única del acto creativo solo la inteligencia puede decantarlo o moderarlo. En el prefacio que abre el libro, Tóibín sugiere que seguramente debe a la pintura el hecho de haberse dedicado a escribir.
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Memento mori. En los momentos victoriosos, años se recordaba al militar romano su finitud. Sentimos a diario los avisos de la muerte y del (paso del) tiempo sobre ellos se edifica buena parte de la actividad artística, filosófica y narrativa del ser humano a la largo de la Historia. El propio transcurso del tiempo es capaz de provocar tristeza, pero la memoria es el proceso mental que activa el dolor, ese sufrimiento provoncado por la dificultad para olvidar y borrar, y que convierte a muchos personajes cinematográficos en seres anclados en el pasado, con el que se torturan morbosamente, incapaces de vivir en el presente o entrever un futuro esperanzador.
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Este catálogo acompaña la exposición Sorolla. Tormento y devoción, que se centra en los primeros años del pintor Joaquín Sorolla (1880-1900) que se desarrollaron entre Valencia, Roma, París, Asís y Madrid. Trata del acercamiento de Sorolla tanto a la pintura religiosa, que le valió para competir en los grandes certámenes, como del costumbrismo popular y devoto, género que se puso de moda en la pintura española durante el último cuarto del siglo XIX en parte gracias a la impronta del pintor Mariano Fortuny. De esta manera, Sorolla intentó abrirse camino entre la alta burguesía con escenas en interiores sacros e iglesias barrocas valencianas con episodios de devoción religiosa popular.
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Dans les œuvres de sa maturité, Velázquez est insaisissable. Il est avec Phidias, de tous les maîtres souverains, celui qui se dérobe le plus complètement dès qu'on veut définir son œuvre et pénétrer dans son intimité. Son langage se confond avec celui des phénomènes naturels aussi absolument qu'il est possible. Quand il s'agit de Velázquez, nous ne retrouvons plus les points de repère habituels qui nous servent à fixer notre émoi et à caractériser notre impression. Les notions purement verbales de lignes, de taches, de volumes où nous allons puiser quand nous voulons définir d'un seul mot le génie des Florentins, des Vénitiens, des Hollandais, s'effacent et deviennent confuses dès qu'on cherche à les appliquer à l'œuvre du maître espagnol.
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