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Libros de arte
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Los ensayos que reúne Luis Pérez-Oramas en este libropodrían caracterizarse como una singular disputatiosobre la situación de un objeto específico. La cuestión es la (in)actualidad de ese objeto: la pintura, yentanto objeto esta ha de entenderse aquí en el sentido etimológico de la palabra: obiectum: algo arrojado,puesto enfrente.
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Néoclassicisme, romantisme, réalisme, impressionnisme, c'est‐à‐dire les grands courants du goût du XIXe siècle, convergent, en harmonie et malgré leurs différences, dans le style de Corot, sans qu'on puisse dire qu'il s'agit d'un peintre éclectique. Bien au contraire, son œuvre possède une cohérence que seule une personnalité très indépendante peut conférer. Et c’est justement en raison de son indépendance et de sa cohérence que Corot s’inscrit, avec Daumier et Manet, parmi les grands maîtres de la peinture française du XIXe siècle.
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* Una impresionante recopilación de geografía y topografía ficticias, extraídas de los libros, películas y producciones televisivas favoritos del público. Un caleidoscopio de edificios inventados, pueblos, países, bosques, montañas, ríos y océanos, naufragios y ciudades sumergidas que cobra vida en estos hermosos mapas ilustrados. Descubra los paisajes legendarios de la Atlántida o El Dorado, atraviese las tundras heladas de Arendelle o dese un (rápido) chapuzón en las cálidas aguas de Amity Island. Pasee por las calles de Metropolis, Erinsborough, Walford o Springfield, y deténgase a admirar los imponentes chapiteles de Downton Abbey y Hogwarts por el camino. Utilice el extenso índice para localizar sus creaciones favoritas de películas, series de televisión, literatura y videojuegos, así como para descubrir bromas y estafas notorias, lugares secretos de entrenamiento militar y famosos errores políticos. Con más de 5000 ubicaciones mapeadas en todo el mundo, es posible que reconozca el paisaje ficticio de su propia ciudad natal o que llegue a los rincones más remotos del planeta. Desde los bosques de los cuentos de hadas de Grimm, los doce distritos de Los juegos del hambre que abarcan los Estados Alterados de América del Norte, las costas caribeñas de La isla del tesoro, el País de Nunca Jamás y el mundo perdido infestado de dinosaurios, hasta las luces de neón de las ciudades japonesas habitadas por robots y personajes de anime de Japón, en estas páginas hay algo para cada tipo de explorador.
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Un gran viaje histórico artístico desde el quattrocento de la Florencia de los Medici y la época dorada del cinquecento, con los grandes genios Leonardo, Miguel Ángel o Rafael hasta la propagación del Renacimiento por toda Europa y su florecimiento en España en el siglo XVI con la poesía mística, la picaresca, el Quijote o El Greco. Conozca una de las épocas más interesantes de la historia, el inicio de la Edad Moderna y el desarrollo de la cultura humanista, que desde Italia se extiende por toda Europa occidental llegando hasta América a través del descubrimiento y la conquista del Nuevo Mundo. Una época de cambios, con el desarrollo de la ciencia y la astronomía, así como la Reforma protestante iniciada por Lutero, que produjo una división en la Iglesia que perdura hasta hoy. Breve historia del Renacimiento le acercará al genio de los grandes artistas del quat-trocento y el cinquecento, en el que brillaron grandes mentes como Leonardo da Vinci, Rafael o Miguel Ángel, así como su influencia en Flandes, los Países Bajos, Francia y España en los tiempos en los que en el Imperio español «nunca se ponía el Sol». Una época en la que desarrollaron su obra grandes creadores como el Greco -,que superó el manierismo para alcanzar la modernidad-, y hubo un auge de la literatura manifestado tanto en la poesía mística como en el teatro, la novela pastoril, la picaresca, así como la aparición de la obra más importante de la literatura española, el Quijote. Su autor, Carlos J. Taranilla de la Varga, experto en el tema, le presentará con un estilo ágil, ameno y riguroso, una información completa sobre esta época tan importante de la historia, que sentó las bases del desarrollo científico del mundo actual.
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Decía el protagonista de una película de Woody Allen,“si se dobla tiene gracia, si se rompe no la tiene”.Pues bien, el autor de este libro asegura que el arte ha hecho tantas cabriolas, acrobacias, volantines ysaltos mortales que ha terminado por romperse. Una ruptura acelerada por la siempre inestimable ayuda delas Redes Sociales, por unos artistas cada vez más empeñados en servir a las ideologías de los poderes fácticos y, de manera sobrevenida, por un confinamientogeneralizado que ha revelado las muchas fragilidadesdel llamado mundo del Arte...
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En enero de 2015, a Iván de la Nuez le fue extendido en La Habana, desde los Servicios Necrológicos de una funeraria, su certificado de defunción. Un hecho insólito, atribuido a un «error burocrático». Después del shock inicial ,¿cómo se puede salir del país estando muerto, qué mente enferma es capaz de fraguar una broma así, cómo «volver» legalmente a la vida?
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El espacio vacío es una oportunidad, un encuentro activo. En este libro, Guridi reflexiona sobre cómo el cine, el teatro y la arquitectura articulan ese espacio, y sobre cómo podemos adaptar esas ideas en la creación de nuestras obras visuales.
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Este libro es el segundo volumen dedicado a las mujeres artistas del siglo XX y abarca desde la Segunda Guerra Mundial hasta finales de siglo. Al tratarse de artistas en su mayoría vivas, la autora ha completado su trabajo, que realizó para la edición de 2006, hasta hoy y ha reseñado sus principales exposiciones individuales. Asimismo, se han incluido nombres nuevos que en la primera edición no tuvieron cabida. Con un lenguaje claro y didáctico, Victoria Combalía analiza sus creaciones, sus condiciones de trabajo y su fortuna comercial y crítica, por regla general menos afortunada que la de sus colegas varones, debido a la desigualdad de oportunidades que aún impera en el mundo artístico.
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Durante la segunda mitad del siglo XIX las exposiciones universales escenificaron el sueño utópico de la civilización y el progreso occidentales. Al depender las futuras relaciones políticas, económicas y culturales de la representación adoptada por cada colectivo en estos escaparates internacionales, la elecciónde una determinada fisonomía podía favorecer el arraigo de prejuicios y estereotipos en el imaginario visual de un público cosmopolita. En consecuencia, al margen de la utilidad social y moral de sus numerosas innovaciones industriales y artísticas, las exposiciones universales configuraron un complejo entramado de identidades y relaciones de poder que las convirtieronen una suerte de espectro caleidoscópico donde los múltiples puntos de vista adoptados por gobiernos, expositores, cámaras de comercio o, incluso, por los mismos organizadores del concurso, confluían simultáneamente. En este marco el caso de España reviste un particular interés, puesto que su diversidad cultural, suantiguo poderío político venido a menos y el exotismo suscitado entre los viajeros occidentales la situaron una y otra vez en la encrucijada entre tradición ymodernidad, allí donde se desdibuja la tenue frontera que separa las convencionales nociones de Oriente yOccidente.
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En este libro se muestra que el fundamento de la actitud crítica en filosofía -tanto en el criticismo kantiano, como en la crítica marxista, así como la llamada ''teoría crítica de la Escuela de Frankfurt''- procede en realidad de la crítica artística y literaria,y no al revés. Por ello también, este libro se afanaen buscarle un fundamento de legitimidad a la crítica, así como en establecer su alcance y sus límites.
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A Catalunya, durant la Guerra Civil espanyola, un reduït grup de polítics, tècnics i amants de l'art van maldar per salvaguardar el patrimoni cultural dels perills de la revolució i de la guerra, van ser els nostres Monuments Men. Un d'ells va ser Joaquim Folch i Torres, en aquells moments director general dels Museus d'Art de Barcelona. El llibre que teniu a les mans se centra en la seva estada a París entre el febrer de 1937 i el setembre de 1939, enviat per la Generalitat republicana per organitzar L'Art Catalan du Xe. au XVe. siècle, dues exposicions temporals celebrades al Jeu de Paume i al palau de Maisons-Laffitte que van mostrar al món les obres més significatives de l'art medieval català. Durant aquesta llarga estada parisenca, l'historiador de l'art i museòleg barceloní mantingué contactes amb persones vinculades als sollevats, que de res li van servir en tornar a Catalunya el setembre de 1939: la dictadura li va aplicar la trilogia de la repressió franquista, que el va acusar del delicte d'auxili a la rebel·lió militar, el condemnà a una pena de tres anys de presó menor i l'obligà a jubilar-se amb només 55 anys.
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Se denominaba Caja de Reparaciones al conjunto de bienes requisados a los golpistas con el objetivo de poder afrontar con ellos los quebrantos que la guerra había provocado al país. La mayoría eran de carácter económico, pero la cuestión es si también podían encontrarse piezas de valor patrimonial, como ha podido comprobarse. De hecho, habían sido entregadas en 1938 a la Junta del Tesoro Artístico, encargada de la labor de salvamento patrimonial-artístico. Las más importantes serán evacuadas al final de la guerra a Ginebra, a la sede de la Sociedad de Naciones. Llegados a principios de 1939 Juan Negrín, previendo lo peor, había dado orden de comenzar a embalar y enviar los bienes procedentes de la Caja de Reparaciones con destino a México para sufragar los gastos del exilio. Esta es la primera parte de este libro. La segunda está centrada en el viaje del yate ''Vita'' a México con bienes fundamentalmente de la Caja de Reparaciones. Sobre este yate se ha escrito mucho, pero son también numerosas las incógnitas, especialmente en lo concerniente a su carga y si en la misma había bienes de carácter patrimonial. El hecho de que fuera Indalecio Prieto, en abierta beligerancia con Negrín, el que tomara posesión del yate, ahonda más el problema por la falta evidente de inventario del cargamento. La clave de esta investigación radica en no aislar el estudio del ''Vita'', sino relacionarlo y cotejarlo con la evacuación de las obras de arte a Ginebra. La tercera parte se centra en la gestión franquista en la inmediata posguerra de los bienes de la Caja de Reparaciones. Se trata de analizar el destino de estas piezas, con pinturas de primera importancia, sus devoluciones, entregas en depósito y desvíos. A partir de una estancia de investigación en México, el autor ha podido acceder a numerosa documentación de archivo, en gran parte inédita, con lo que el objetivo de este libro es aportar nueva información con el ánimo de poder esclarecer este enigma histórico.
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* ''¿Le importan la belleza desgarradora, las ideas novedosas, las destrezas asombrosas, las soluciones ingeniosas o el estremecimiento de una imagen impactante? ¿Crearía arte, aunque no fuese su trabajo? Si es así, este libro es para usted''. Grayson Perry. Artista y ceramista * Para los pensadores visuales, los creadores, los soñadores y los provocadores. * Conozcay amplíe sus capacidades creativas, a través de lecciones fundamentales impartidas por tutores de la facultad (UAL:Central Saint Martins). Desarrolle su propio lenguaje visual y amplíe su talento creativo con estos proyectos exclusivos del Diploma en Arte y Diseñodel prestigioso Central Saint Martins Foundation, que inspirarán sus experimentos y liberarán su potencial en diversos ámbitos: diseño de comunicación, moda ytextiles, bellas artes y diseño tridimensional. Seacual sea la disciplina que decida desarrollar, estelibro le ayudará a descubrir quién quiere ser y le situará en el camino para conseguirlo.
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El arte de los jardines es absolutamente inseparable de la idea de representación, siendo esta un elemento esencial inscrito en letras mayúsculas en el gran texto de la historia de los jardines. El jardín funciona también como representación de ideas
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Peter Halley (Nueva York, 1953) se dio a conocer a mediados de los años ochenta en Nueva York como impulsor del movimiento neoconceptualista. ''Escritos sobrearte'' ofrece al lector la primera traducción al español de una selección de sus ensayos más innovadores,así como una muestra de algunos de sus escritos más personales, como su primer encuentro con Andy Warhol
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¿Para qué sirve un museo? Durante años multitud de activistas y gestores culturales han experimentado, también desde lo institucional, con las respuestas posibles a esa pregunta, explorando los límites del arte, su función política en sociedad y los condicionantes que impone ese particular marco que llamamos museo. Este ensayo nos ayudará a profundizar en la reflexión tomando como sujeto de estudio la práctica desarrollada en el Museo Reina Sofía durante el mandato de Manuel Borja-Villel. Durante algo más de una década se desarrollaron allí programas, proyectos y dispositivos de relación y negociación con comunidades y movimientos sociales que partían de un cuestionamiento crítico de los marcos institucionales. Se pretendía con ellos desbordar los lazos que vinculan al museo con la sociedad en la búsqueda de una profundización de sus fundamentos democráticos.Aunque estos procesos son en buena medida una singularidad, casi una anomalía, dentro del marco del museo neoliberal que se impuso en España desde la década de los 90, sin embargo, como se narra aquí, tiene sus raíces en el rol que se otorgó al arte.
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Durante siglos, la pintura ha sido nuestra principal herramienta de comunicación visual y, por tanto, de creación de todos aquellos imaginarios culturales que atraviesan nuestra mirada. Sin embargo, hace años que parece haber perdido parte de su fuerza frente a la fotografía y otros medios visuales. Este influente ensayo de Julián Bellparte de la supuesta muerte de la pintura y nos ofrece un estudio agudo y apasionante que nos conducirá de la reflexión en torno a la naturaleza del medio pictórico hacia las profundidades del arte y la representación visual. Nacido bajo la inevitable influencia de Modos de ver de JohnBerger, este libro se ha convertido por derecho propio en un clásico dela teoría de arte y el lenguaje visual.
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Confesión de ignorancia o de carencia de palabras, elno sé qué goza de una larga tradición, que abarca desde el mundo latino hasta la Europa moderna, y atraviesa la mística y la retórica, la psicología y la filosofía, la producción poética y la prosa. Como expresión de una vivencia en los límites de lo decible, elno sé qué (je ne sais quoi francés o non so che italiano) ha dado pie a brillantes reflexiones, diálogos ytratados. De manera especial, entre los siglos XVIIy XVIII, con las aportaciones de Bouhours, Leibniz, Feijoo, Marivaux o Montesquieu, el no sé qué concitaráa su alrededor los conceptos más importantes con losque irá configurándose la estética moderna de la quesomos herederos. Sentimiento, gusto, gracia, simpatía, soltura, sorpresa, delicadeza,encanto, arte o naturaleza, son nociones que recorren esas zonas de la experiencia estética que no siempre sabemos explicar.
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Durante la llamada Belle Époque, París se convirtió en el centro cultural del mundo. Un período en el que la relativa paz, los avances científicos, tecnológicos y las nuevas obras de ingeniería invadían un mundo en el que la ociosa burguesía buscaba sali
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La fantasía de una cultura dominada por imágenes es una posibilidad cada vez más factible. La tecnología digital, responsable de la mayoría de las imágenes que se cruzan en nuestra vida, ha experimentado un desarrollo exponencial en los últimos años que ofrece un escenario cada vez más rico y complejo. Sin embargo, a pesar de lo sofisticadas que puedan ser las herramientas que crean y distribuyen las imágenes, un análisis de sus usos y funciones revela que éstas reproducen, mantienen y perpetúan actitudes, respuestas y sentidos que cuentan con un largo recorrido en la historia. Aunque la tecnología cambie, las imágenes mantienen en muchos casos los usos que se le asignaron desde antiguo. Además, en el contexto del posthumanismo, la noción de cultura visual se amplía para incluir experiencias y usos de imágenes por parte de animales o Inteligencias Artificiales. El presente libro se propone analizar distintos casos contemporáneos enraizados en una cultura visual digital y posthumana. Los actos iconoclastas del grupo terrorista Dáesh, las imágenes conversacionales en el contexto del procés de Cataluña, la construcción de la imagen del poder con Barack Obama y la postfotografía, la problemática de la autoría de un selfie tomado por un macaco o la constatación que los dinosaurios sólo existen en imagen son los temas que se estudian para comprender nuestra cultura visual.
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Desplazada del centro de atención por la actual avalancha de estímulos audiovisuales, la imagen cinematográfica puede erigirse todavía como espacio fronterizo privilegiado, una grieta, más que una ventana, cesura fértil a través de la que vislumbrar el misterio fundacional de la imagen en movimiento: su carácter fantasmagórico. Pues el cine se nutre de nuestra sombra y captura como ningún otro arte nuestra condición de mortales. Ni mentira analgésica ni retrato fidedigno de una supuesto mundo exterior, el cine que nos interesa y del que trata este ensayo se acerca más a un sueño lúcido, aquel lo suficientemente autoconsciente como para no desactivar nuestro espíritu crítico, pero también lo bastante evocador como para seguir fascinándonos. El cine (el buen cine) solo persistirá si se mantiene más fiel que nunca a esta esencia.
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El trabajo de Rodríguez-Méndez nace del lenguaje de la escultura, desde donde ha evolucionado en direcciones que lo vinculan con la materialidad, la semántica, la temporalidad o la fisicidad, configurando un cuerpo de obra escurridizo, difícilmente clasificable y altamente sugerente, que ha ido desmaterializándose a lo largo de casi treinta años hasta un punto en que la ausencia, la oquedad o lo omitido hallan estructura para reivindicarse, erigirse y sostenerse. Humores y Espesores se configura mediante una doble vía: por una parte, articula un recorrido sucinto a su ya extensa carrera como artista, por otra, aporta una selección de series fotográficas, instalaciones o acciones de reciente creación, algunas de ellas inéditas hasta la fecha.Humores y Espesores confirma la relevancia de un cuerpo de obra que se ha materializado en instalaciones planteadas desde un rigor y un entendimiento del espacio poco habituales, de trabajos específicos que han condicionado durante largos periodos su día a día y el de su estudio, o de series alargadas durante más de una década, que han convivido con el desarrollo de otras y que han abierto nuevas vías de investigación, siempre desde el lenguaje escultórico, que es al que el artista consagra su práctica, sea cual sea el modo en que cobra forma.
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Inteligencia, sensibilidad y claridad expositiva en un libro exquisito. Profesora de arte y cronista de exposiciones durante años, los puntos de vista de Mercè Ibarz sobre cuestiones artísticas son siempre personales, fundamentados y de gran lucidez. En este libro invita al lector a enfocar la mirada y establecer una relación directa con las obras. Entre la memoria íntima, la observación culta y el análisis social, este ensayo exquisito y estimulante es una muestra más de la inteligencia, la sensibilidad y la claridad expositiva que definen a la autora.
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Quiero animarte a experimentar y a que no pierdas nunca la curiosidad. Pintar e ilustrar debe servir, sobre todo, para hacerte sentir bien.'' Con esta declaración de principios, la artista Madeleine Zülke nos invita a adentrarnos en el mundo de la acuarela a través de nostálgicos motivos de estilo boho. FUNDAMENTOS Una introducción a los básicos de la acuarela: tipos de papel, los pinceles y las técnicas básicas e imprescindibles. MEZCLAR, COMBINAR Y CREAR COLORES Aprende a observar cómo se comportan los colores, a diseñar tablas cromáticas y a confeccionar cartas de color. Además, descubre la elaboración propia de pinturas. 18 PROYECTOS PASO A PASO Desde una bicicleta, un teléfono y una caravana hasta un carrito de tartas y un faro, lo ''vintage'' y lo ''retro'' te acompañarán a lo largo de todos estos proyectos.¿A quién va dirigido el libro Acuarela boho?Acuarela boho está dirigido a todas aquellas personas interesadas en aprender y practicar la pintura con acuarela, especialmente si se sienten atraídas por el estilo boho y los motivos nostálgicos. El libro se presenta como una guía accesible para principiantes, ofreciendo una introducción clara y concisa a las técnicas básicas, pero también incluye proyectos más complejos para aquellos con algo más de experiencia. Su enfoque didáctico y la variedad de proyectos lo hacen adecuado tanto para aficionados como para aquellos que buscan mejorar sus habilidades en acuarela. La autora busca inspirar a los lectores a experimentar y disfrutar del proceso creativo.Temas que trata el libro Acuarela bohoEl libro Acuarela boho abarca los siguientes temas:Fundamentos de la acuarela: Se introduce al lector en los materiales básicos necesarios para la acuarela, como los diferentes tipos de papel y pinceles. Explica las técnicas esenciales para manejar la acuarela y obtener los resultados deseados.Mezcla y combinación de colores: Se enseña a los lectores a comprender el comportamiento de los colores, a crear tablas cromáticas y a elaborar cartas de color personalizadas. Se incluye información sobre la creación de pinturas propias.18 proyectos paso a paso: El libro presenta una serie de 18 proyectos de pintura con acuarela, todos ellos con un estilo boho y motivos vintage o retro. Estos proyectos abarcan una variedad de temas, desde objetos cotidianos como bicicletas y teléfonos hasta elementos más decorativos como carritos de tartas y faros. Cada proyecto se explica de forma detallada, guiando al lector a través del proceso creativo paso a paso.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro Acuarela bohoAún no hay opiniones o críticas sobre Acuarela boho.
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Me he perdido en Venecia, pero ¿hay algo más mágico que perderse aquí? En el cielo veo una bandada de palomas, por lo que no debo de estar muy lejos de la plaza de San Marcos. Los gatos venecianos me guían por los canales y siento que la realidad va quedando fuera de este laberinto que se disfraza de ciudad... La isla de Burano, el puente de Rialto, Campo San Polo, la plaza de San Marcos… cae el sol sobre Venecia, desde sus edificios más emblemáticos hasta los rincones más desapercibidos, pasando por sus encantadoras plazas. David Pintor está ahí para captar con su lápiz y su paleta de colores cómo la luz languidece. Pero la mirada que nos ofrece está tocada por una suerte de magia que hace que las sombras fluyan sobre el agua de los canales, que los balcones y las terrazas dancen sobre los tejados.
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Seiobo, una deidad japonesa que tiene en su jardín un melocotonero que florece cada trescientos años y cuyo fruto da la inmortalidad, decide volver a la Tierra en busca de un atisbo de perfección: la belleza, por fugaz que sea, revela lo sagrado, que a menudo apenas somos capaces de soportar. En su viaje, Seiobo explora el Japón que perpetúa algunos rituales desde hace siglos, contempla la pintura en la Rusia medieval o en la Italia del Renacimiento, escucha la música del Barroco y sobrevuela la Acrópolis de Grecia, la Alhambra de Granada o la Pedrera de Barcelona. Una obra melancólica y turbadora en la que Krasznahorkai indaga en el extraordinario consuelo de la belleza y nos ofrece su singular perspectiva de la inmanencia.
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El tercer título de Monacelli Studio de Juliette Aristides, The Inner Life of the Aritst, es una guía inspiradora para pensar, crear y encarnar la mente de una persona creativa. El libro contiene una serie de ensayos breves y perspicaces y citas de artistas contemporáneos e históricos, cada uno acompañado de una selección conmovedora e inspiradora de casi 100 obras de arte del pasado y del presente, para ayudar a ampliar nuestra capacidad de asombro.Para aquellos interesados en el dibujo, la pintura y otras formas de arte, el libro amplía los principios del taller con ejercicios divertidos, accesibles y prácticos aplicados en todo momento, con énfasis en el cultivo de la mente artística, junto con la mano y el ojo.Presentado en un paquete compacto visualmente llamativo y envuelto en un estuche de tela azul cerúleo, este es el libro perfecto para inspirar a todos los pensadores creativos.
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Libro en el que se analiza con detalle cómo se desarrolla la gestión de una gran institución como el Museo del Prado.El Museo Nacional del Prado, más allá de la excelencia de su colección, ha sido considerado en múltiples ocasiones un referente en la gestión cultural por el acierto de sus exposiciones temporales, sus cifras de visitantes, su política de adquisiciones, su presencia en las redes sociales o su innovadora página web, por citar algunos de sus principales hitos. En muy pocas ocasiones existe la oportunidad de explicar la gestión que se esconde tras esos logrados éxitos, resultado del buen hacer de todos los profesionales que conforman el equipo del museo.A través de estas páginas, el Museo del Prado, consciente de la conveniencia de compartir buenas prácticas y aprender de la experiencia diaria y ordinaria, busca reforzar su compromiso con la comunidad museística con el propósito de seguir contribuyendo a la profesionalización en la gestión de los museos. Para ello, esta publicación pone a disposición de todo interesado diferentes herramientas, aplicadas previamente en nuestra institución, que pueden ser de suma utilidad e interés.
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¿Cuáles son los patrones climáticos, los mitos e historias, los ritmos, los colores y las formas, los habitantes humanos y no humanos que conforman el Noroeste Ibérico en su realidad y ficción? Queriendo conocer los rituales y formas expresivas de personas, animales, plantas, elementos y minerales, fuimos en busca de las raíces, terminaciones y tentáculos del Noroeste Ibérico, tratando de encontrar, conocer y permanecer en los lugares donde pudieran residir. Al hacerlo, consideramos el pasado, pero sobre todo afrontamos el presente-futuro de estos espacios concretos e imaginados entre mares, bosques y asentamientos. Norte Silvestre Agreste es una exposición que recorre caminos y líneas de intensidad, fuerzas centrífugas que nos llevan más allá de Oporto, hacia esos supuestos márgenes donde estallan los intercambios para descubrir y compartir referencias, historias, palabras y conexiones con estos lugares con un largo pasado y un futuro aún más largo.Textos de Federico García Lorca, Miguel Torga, Filipa Ramos y Juan Luis Toboso, Chus Martínez, Ángel Calvo Ulloa, Ánxela do Canto, Belén Senín, Carlos Lixó, Lorena Conde, Cem Raios T’Abram, Luz Pichel, ¡Von Calhau!, Daniel Moreira e Rita Castro Neves, São Martinho de Dume.Con el trabajo de Alejandra Pombo Su, Cem Raios T’abram, Daniel Moreira y Rita Castro Neves, Diego Vites, Judith Adataberna, Lara y Noa Castro Lema, Lois Patiño, Mariana Barrote, Mariana Caló y Francisco Queimadela, Maruja Mallo, Óliver Laxe, Salvador Cidrás, Vicente Blanco, Von Calhau!.
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“La maestría de Anton Raphael Mengs se distingue por la gracia que imprime en sus obras, esto es, por aquella cosa que se siente mejor que se explica, y consiste en una cierta suavidad en los contornos, facilidad en los movimientos, que no muestran nada forzado, en el escoger aquel preciso movimiento que toman todas las partes cuando se muestran agradables, y en fin en la naturalidad y armonía de composición y colorido.”José Nicolás de Azara, mecenas y diplomático, fue destinado por muchos años a la embajada española en Roma, ciudad en la que coincidió con Mengs, con el que trabó gran amistad. Muerto el artista, editará sus escritos y ensalzará su legado pictórico.
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A través de estas páginas Sorolla se nos desvela a través de la materialidad de objetos que le acompañaron en vida. Su colección de enseres despierta varios relatos, anécdotas e historias fragmentadas. Una amena biografía del artista a través de pequeñas narraciones contadas a través de los bienes con los que Sorolla rodeó su existencia.
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Un recorrido por toda la trayectoria vital y artística de Miró durante su época parisina entre 1920 y 1945. Publicado con motivo de la exposición homónima en el Museo Guggenheim de Bilbao y comisariado por Enrique Juncosa. Coincidiendo con el 40º aniversario del fallecimiento del artista catalán, trazamos un fascinante recorrido por una de las época de mayor efervescencia creativa de Miró. Al pintor, París se le antojó un lugar donde la vida se transformaba en imágenes nacidas del encantamiento y predeterminadas del ambiento colectivo de la época. Miró se hizo con el imaginario artístico que le rodeaba y lo incorporó en su obra que podemos ver a lo largo de esta fantástica edición.
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Esta edición recopila algunas de las entrevistas realizadas por Djuna Barnes, para renombradas revistas como Vanity Fair y McCalls, durante el convulso periodo transcurrEsta edición recopila algunas de las entrevistas realizadas por Djuna Barnes, para renombradas revistas como Vanity Fair y McCalls, durante el convulso periodo transcurrido entre 1914 y 1931. En ellas la prestigiosa autora de El bosque de la noche despliega su estilo inimitable y su característica mirada, irónica e ingeniosa, para acercarnos a personajes de la talla de Coco Chanel, David W. Griffith, Yvette Guilbert, James Joyce, Kiki de Montparnasse, Alfred Stieglitz y Franz Harris, entre otros.
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Puede que conozca la cita de 1889 de Oscar Wilde, ''La vida imita al arte mucho más de lo que el arte imita a la vida.'' Puede ser así, pero cuando el arte imita a la vida, se llama mímesis. Mímesis -derivado del verbo griego mimeisthai- es un término que conlleva una amplia gama de significa dos, que incluyen representación, mimetismo, el acto de expresión, el acto de semejarse, y la presentación del yo. En la antigua Grecia, la mimesis era una idea que regía la creación de obras de arte, especialmente en lo que respecta al mundo físico que se identificaba como el paradigma de la verdad y la belleza. Hoy en día este término se utiliza principalmente en la crítica literaria y la filosofía, pero a propósito de esta exposición reconoceremos el significado original de mimesis, el acto de representar la realidad en el arte.
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Maya Goded Colichio es una reconocida fotógrafa y cineasta documental mexicana, cuyo trabajo se centra en temas como la violencia de género y la vida de comunidades marginadas. A través de su obra, explora las complejidades y desafíos que enfrentan las mujeres en la sociedad mexicana.El rastro de la serpiente combina fotografía, poesía, testimonio y ensayo para dar forma a un viaje íntimo, político y espiritual.A través de imágenes, relatos orales, archivos históricos y reflexiones filosóficas, El rastro de la serpiente se convierte en un canto colectivo de resistencia. Entre sus páginas resuenan las voces de mujeres que, a pesar del despojo, cuidan la vida, sanan, cantan y recuerdan.El diseño del libro es verdaderamente único, compuesto por tres cuadernillos que se entrelazan. Los dos primeros están diseñados para ser leídos simultáneamente, guiando al lector hasta el tercer cuadernillo en el centro.Maya Goded nos conduce por territorios heridos—desde el desierto de Atacama hasta las selvas de Chiapas—donde el cuerpo de la tierra y los cuerpos de las mujeres son escenario y testigo de violencias históricas, extractivismo y olvido. Este proyecto nace de una búsqueda personal: la autora explora su linaje materno y su historia familiar, marcada por guerras, migraciones y abusos, estableciendo paralelismos con las experiencias de mujeres indígenas, mineras, curanderas y defensoras del territorio. La serpiente, símbolo ancestral de transformación y sabiduría femenina, se convierte en el hilo conductor de esta narrativa en espiral, que abraza lo cíclico frente a la lógica lineal y patriarcal del progreso destructivo. El libro es un acto ritual de memoria, duelo y renacimiento—una propuesta ecofeminista que reimagina la relación entre humanidad y naturaleza desde la raíz, desde lo femenino, desde la serpiente.
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Descubre la historia del arte contemporáneo como nunca antes te la habían contado. ¿Cómo se convirtió en arte una lata de sopa de tomate? ¿Y una tienda de campaña? ¿Y una cama deshecha o un tiburón en formol? ¿Cómo se desafía a uno de los gobiernos más poderosos del mundo rompiendo un jarrón antiguo? ¡BOOOM! La explosión del arte contemporáneo es una novela gráfica que recorre un siglo del arte más revolucionario. Desde el escandaloso urinario que Marcel Duchamp intervino en 1917 hasta el provocador plátano pegado a la pared por Maurizio Cattelan en 2019, este libro explica cómo el arte contemporáneo ha roto continuamente con las normas establecidas. A partir de un contexto de transición entre guerras mundiales, reflejando los cambios sociales y afrontando retos como el de la globalización, estas páginas repasan las vidas de los artistas clave y sus obras más impactantes o emblemáticas, y ponen de manifiesto su legado e influencia cultural. Una guía visual y accesible que te sorprenderá y te hará reflexionar.
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Los libros de arte son publicaciones impresas que exploran las distintas disciplinas artísticas desde una perspectiva histórica, estética y cultural. Los libros de bellas artes permiten profundizar en movimientos, técnicas y artistas fundamentales, ofreciendo una experiencia visual y reflexiva a través del formato en papel. Su cuidada edición facilita una lectura pausada y la contemplación detallada de imágenes y contenidos.
¿Qué son los libros de arte?
Los libros de arte reúnen estudios, ensayos y reproducciones que analizan obras, corrientes y contextos históricos relacionados con las artes visuales.
Definición
Incluyen contenidos sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografía y otras disciplinas artísticas, abordadas desde enfoques académicos o divulgativos.
Valor editorial
El formato en papel permite apreciar la calidad de las reproducciones, la maquetación y el diseño, elementos esenciales en los libros de bellas artes.
Cómo elegir libros de bellas artes
Seleccionar libros de arte implica tener en cuenta la disciplina artística, el periodo histórico y el nivel de profundidad del contenido.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca un estudio general, un monográfico dedicado a un artista concreto o un análisis de un movimiento artístico específico.
- Historia del arte universal.
- Monografías sobre artistas destacados.
- Guías sobre técnicas artísticas.
- Ensayos de teoría y crítica de arte.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de arte en formato papel presentan distintos enfoques editoriales y formatos.
Tipos de libros y contenido
- Catálogos de exposiciones.
- Estudios académicos y ensayos críticos.
- Libros ilustrados con reproducciones de obras.
- Manualidades y técnicas de bellas artes.
Estas publicaciones permiten comprender la evolución de las artes y su impacto cultural.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de bellas artes en papel favorece la educación estética y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Apreciación estética
Los libros de arte permiten observar detalles, estilos y técnicas que enriquecen la comprensión visual.
Formación cultural
Estas obras contribuyen a contextualizar movimientos artísticos y su influencia en la sociedad.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de arte?
Los libros de arte están dirigidos a lectores y lectoras interesados en las artes visuales y su evolución histórica.
- Estudiantes de bellas artes e historia del arte.
- Docentes y profesionales del ámbito artístico.
- Personas interesadas en la cultura visual.
- Lectores que desean ampliar su conocimiento artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de arte
¿Qué incluyen los libros de arte?
Incluyen estudios históricos, ensayos críticos y reproducciones de obras relacionadas con distintas disciplinas artísticas.
¿Qué diferencia a los libros de bellas artes de otros libros culturales?
Se centran específicamente en disciplinas artísticas y suelen incluir material visual de alta calidad.
¿Cómo elegir un libro de arte adecuado?
Es recomendable considerar la disciplina artística, el enfoque del contenido y el nivel de profundidad.
¿Por qué elegir libros de arte en formato papel?
El formato en papel permite apreciar mejor las imágenes, la calidad de impresión y el diseño editorial.