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Libros de arte
En Abacus disponemos de una gran selección de libros de arte para despertar las dotes creativas y artísticas tanto de niños como de adultos. Compra libros de arte online. En la sección libros de arte, encontrarás una amplia colección de bibliografía sobre una gran variedad de temas, como por ejemplo: la historia del arte, el origen, el simbolismo y curiosidades sobre los colores pantone, los principios básicos del color y la armonización cromática o la museografía, entre otras disciplinas artísticas. Además, disponemos de libros sobre lenguaje visual, estampa japonesa, fomentar la creatividad o para aprender a dibujar retratos, entre muchos otros. ¡Descúbrelos todos en Abacus!
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¿Por qué los niños del pasado nos parecen tan distintos a los del presente?, ¿por qué no sonríen en sus retratos?, ¿qué relación tenían con sus progenitores? Este libro pretende responder estas y otras muchas preguntas, acercando al lector a la historia de la infancia en España durante la Edad Moderna y a los cambiantes modos de representarla. En quince capítulos se abordan distintas infancias: niños nacidos con anomalías, niños pertenecientes a la familia real, niños aristocráticos, niños de familias humildes, huérfanos o incluso, tristemente, niños esclavos. Aunque se utilice el plural neutro en aras de facilitar la lectura todos esos grupos están atravesados por el género, pues nunca fue la misma infancia para ellos que para ellas. A través de imágenes de todo tipo de soportes y medios (estampas, pinturas, medallas, exvotos, etcétera) y una gran riqueza de fuentes textuales (literatura, prensa, correspondencia o escritos médicos y pedagógicos, entre otros), Gemma Cobo explora las distintas dimensiones vinculadas a la infancia, como el embarazo y la lactancia, el traje infantil, el juego, la educación, las relaciones familiares o la muerte. A través de todas estas cuestiones se rastrean, pese a los cambios en los modos de representación, continuidades en la realidad que subyace a la imagen: en aspectos positivos como es el amor hacia los más pequeños, pero también en aquellos más negativos como es la instrumentalización de la infancia.
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El gran momento de Luis Buñuel.Una de las obras maestras del cómic español del siglo XXI.En 1932 Luis Buñuel rodó en Extremadura su tercer trabajo como director, Las Hurdes, tierra sin pan, una de las películas malditas de su filmografía y documental pionero en nuestro país.Fermín Solís retrata, en esta magnífica novela gráfica, un momento decisivo en la vida de Buñuel y quizá de todo gran creador: el dilema entre cultivar el arte por el arte o servirse de él como un medio para transformar la sociedad.Nueva edición a todo color.Incluye extras.
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Basic Human Anatomy teaches artists the simple yet powerful formula artists have used for centuries to draw the human figure from the inside out. A comprehensive, yet flexible and holistic approach, Roberto Osti’s method of teaching anatomy is exhaustive, but never loses sight of the fact that this understanding should lead to the creation of art. Osti, using the basic system of line, shape, and form used by da Vinci, Raphael, and Michelangelo, takes readers step-by-step through all the lessons needed in order to master this essential foundation skill. Organized progressively, the book shows readers how to replicate the underlying structure of the body using easy-to-understand scales and ratios, conceptualize the front and side views of the skeleton with basic shapes, add detail with simplified depictions of complex bones and joints, draw a muscle map of the body with volumetric form and realistic dimension, master the feet, hands, and skull to create realistic renderings of the human form, and apply a deeper knowledge of anatomy to finished drawings for more impact.
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El patrimoni Unesco a Catalunya
L'any 1972 es va signar la Convenció per a la Protecció del Patrimoni Mundial Cultural i Natural, que estableix que determinats indrets de la Terra, que tenen un ''valor universal excepcional'', pertanyen al patrimoni comú de la humanitat, una fórmula que permet garantir-ne la preservació i fomentar-ne el coneixement. Parlem de patrimoni natural i monumental, però també de patrimoni cultural ''viu''.A Catalunya tenim la sort de tenir una quarantena d'elements considerats patrimoni cultural de la humanitat per part de la Unesco, una mostra més de la gran riquesa patrimonial del nostre país, fruit de la nostra història i les nostres tradicions: des de l'art rupestre fins a l'arquitectura gaudiniana i des de la Patum de Berga fins als castellers. Repartits per tot el territori, aquests elements són una mostra de l'excepcional riquesa cultural del país i del compromís amb la seva conservació i protecció. Perquè no ens podem permetre perdre ni un bri de tot aquest patrimoni que ens parla del nostre passat, de les nostres arrels i de la nostra manera de ser, d'un patrimoni que explica com som i d'on venim.Amb aquest llibre fareu un viatge màgic per tot el patrimoni Unesco que tenim a Catalunya. Un recorregut enriquidor per paisatges i tradicions que estan lligats a la nostra memòria per la seva qualitat excepcional i la seva aportació al llegat de la cultura mundial.
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Obra maestra de Sandro Botticelli (Florencia, 1445-1510), el Nacimiento de Venus es uno de los iconos más importantes de la cultura occidental, recreado en tantas imágenes como expresión de la belleza femenina sublime. Pintado en 1485, el Nacimiento de Venus es también una síntesis de elementos muy diversos: visuales (retoma esquemas compositivos propios del Quattrocento), mitológicos (recrea fábulas de la Antigüedad sobre el origen del mundo) o filosóficos (se inspira directamente en conceptos platónicos).
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El mapa de nuestras ciudades está repleto de museos que contienen las más diversas colecciones de objetos, obras de arte y especímenes. Separados por disciplinas y prácticas, son un fiel reflejo del modo en el que los Estados de la Europa colonial, confiados en el libre intercambio de ideas y la necesidad de espacios de socialización (y civilización) de los pueblos, fragmentaron y ordenaron saberes, sujetos y cosas.Tomando como base el estudio de las colecciones de veintitrés museos de Madrid, Aurora Fernández Polanco y Pablo Martínez proponen una arqueología de la modernidad a partir de aquello que se muestra (y se oculta) en las colecciones públicas. Confiados en que no existen «ni museos pequeños, ni grandes hombres», elaboran una historia del arte «desde abajo», orientada a desvelar las narrativas latentes en imágenes y objetos aparentemente marginales. En un contexto de embates contra la memoria y discursos monolíticos sobre el pasado, este libro aporta una mirada inédita sobre una de las instituciones más importantes en la configuración de la esfera pública. Más allá de los museos de la capital, este apasionante ensayo escrito a cuatro manos invita a desafiar los relatos de autoridad heredados, a detenerse en los objetos aparentemente irrelevantes y a construir, en definitiva, otras formas de mirar.
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¿Crees que el tatuaje japonés es solo carpas koi, dragones y flores de cerezo? ¡Pues es mucho más! Detrás de cada línea de tinta hay siglos de historia, maestros legendarios y personas que han desafiado las normas para convertir su piel en arte.En Crónicas del tatuaje japonés conocerás las historias de los artistas, visionarios y rebeldes que moldearon esta tradición. Desde maestros tatuadores que han creado escuela, como Horichiyo, el «Shakespeare del tatuaje», o el célebre Horiyoshi III, hasta personajes insólitos como el doctor que coleccionaba pieles humanas o los yakuza que usan su piel como manifiesto, este libro es un viaje por la historia oculta del irezumi.
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Adéntrate en el fascinante mundo de la artista visual Eliza Ivanova. Eliza comparte los secretos de sus evocadoras creaciones y muestra cómo compone las líneas, las formas, los colores y las texturas que hacen que su obra sea tan dinámica. Original y sofisticado, el arte de Eliza ofrece nuevas revelaciones cada vez que se mira. Con pasión, combina herramientas tradicionales y digitales para capturar el movimiento y la narrativa propios del dibujo al natural. Con tutoriales paso a paso e información detallada sobre el proceso creativo y su trayectoria profesional, explicada por la propia Eliza, esta es una oportunidad única para ahondar en la cautivadora obra de esta talentosa artista..
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The First Homosexuals, un libro nuevo, histórico y sin precedentes, traza la evolución de la identidad homosexual a través de un archivo de más de 300 pinturas, dibujos, esculturas, grabados, fotografías y fotogramas de películas de todo el mundo, muchos de ellos presentados en un contexto queer, global y colonial por primera vez.Junto a las obras hay 22 ensayos originales y perspicaces de destacados expertos en arte e historia queer, cada uno centrado en una región geográfica, desde Japón hasta Australia y las poblaciones indígenas de América del Sur. Abarcando desde obras maestras conocidas hasta obras de artistas desconocidos y piezas que rara vez se consideran en el contexto de la sexualidad, The First Homosexuals ofrece una mirada sorprendente e iluminadora al primer arte conscientemente queer.El libro acompaña a una exposición innovadora del mismo nombre presentada en Wrightwood 659 en Chicago.Los artistas destacados incluyen a Henri de Toulouse-Lautrec, Oscar Wilde, Thomas Eakins, John Singer Sargent, Félix Vallotton, Harriet Hosmer, Katsushika Hokusai, Kitagawa Utamaro, Frederic Leighton, Simeon Solomon, Giovanni Boldini, Jacques-Émile Blanche, Berenice Abbott, Clare Atwood, Duncan Grant, Laura Rodig, Carl van Vechten, Beauford Delaney, Anna Klumpke, Sarah Bernhardt, Walter Sickert, Florence Carlyle, Florence Wyle, Frances Loring, Ottilie Roederstein, Florine Stettheimer, Nasta Rojc, Glyn Philpot, Romaine Brooks, Ismael Nery, Manuel Rodríguez Lozano, Roberto Montenegro, María Izquierdo, Emilio Baz Viaud, Konstantin Somov, Pascal Adolphe Jean Dagnan-Bouveret, Alice Austen, Emilie Mundt, Bertha Wegmann, Thomas Anshutz, Marsden Hartley, Charles Demuth, Marie Laurencin, Gerda Wegener, Lili Elbe, Gregorio Prieto, Jorge Larco, Pavel Tchelitchew, Andrey Avinoff, Gustave Courtois, Carlos Baca-Flor, Gustave Moreau, Henry Scott Tuke, Sascha Schneider, Ludwig von Hofmann, Max Oppenheimer, Eugène Jansson, Osmar Schindler, George Platt Lynes, Agnes Goodsir, Tamara de Lempicka, Pedro Lira, Wilhelm von Gloeden, Ladislav Mednyánszky, F. Holland Day, Kristian Zahrtmann, Violet Oakley, Rupert Bunny, Saturnino Herrán, David Paynter, Lionel Wendt, Richmond Barthé, Richard Bruce Nugent, Lady Una Troubridge, Jean Cocteau, Léon Bakst, Lumière Brothers, Marie Höeg & Bolette Berg, José Guadalupe Posada, Claude Cahun, Toyen, Toni Ebel y Elisàr von Kupffer (Elisarion).
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Los monumentos son la materialización de las ideas dominantes y tienen su razón de ser en el poder económico. Donde el orden colonial y capitalista sigue intacto, al igual que sus conglomerados empresariales y oligarquías estatales, las plazas siguen dominadas por los «grandes hombres». La escasez de teorías radicales sobre los monumentos ha transformado la discusión sobre su conservación, resignificación y destrucción en una batalla ideológica. Frente a la defensa de la preservación de símbolos fascistas o coloniales, bajo el pretexto de «no borrar la historia», la iconoclasia popular y los (anti)monumentos subversivos reclaman su lugar para las luchas anticapitalistas, antipatriarcales y antiimperialistas. Al fin y al cabo ¿quién tiene derecho al monumento?
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A lo largo de la Historia de Arte, desde la Grecia Arcaica hasta hoy, ha sido recurrente el uso de temas míticos e históricos nacidos en la Hélade y en Roma. Esculturas clásicas antiguas y cuadros renacentistas, frescos barrocos y filmografía actual han recreado, una y otra vez, las imágenes de los dioses del Olimpo -Zeus, Afrodita, Atenea, Apolo y tantos otros-, o se han interesado por las hazañas de Hércules, Aquiles o Ulises. Incluso los grandes hombres de la Antigüedad -Alejandro Magno, César o Cleopatra- han sido imaginados de una u otra forma, siguiendo la evolución de las mentalidades. Este libro aborda este amplio campo de conocimientos, saber qué textos griegos y latinos se han leído en cada época, cuándo ha interesado más un tema concreto, qué significado alegórico tienen aún hoy los distintos dioses y qué enfoque admite una leyenda o un tema histórico para cada artista.
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Paco Robles firma un libro inédito que ofrece una mirada personal, profunda y literaria sobre la Semana Santa de Sevilla. Alejado de tópicos y lugares comunes, este volumen reúne una serie de textos nuevos que iluminan la esencia de la fiesta grande de la ciudad con sensibilidad y oficio narrativo. Con una prosa limpia y emocionada, Paco Robles —una de las voces más reconocidas del panorama literario andaluz— construye un retrato íntimo de la Semana Santa como experiencia vital, cultural y espiritual. A través de estampas, recuerdos, intuiciones y escenas grabadas en la memoria, el autor nos guía por un itinerario lleno de símbolos, silencios y devociones compartidas. «Este libro es una ofrenda escrita desde dentro, sin artificios ni atajos, con la serenidad de quien sabe lo que ama.» Rosa García Perea
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Libro en el que se analiza con detalle cómo se desarrolla la gestión de una gran institución como el Museo del Prado.El Museo Nacional del Prado, más allá de la excelencia de su colección, ha sido considerado en múltiples ocasiones un referente en la gestión cultural por el acierto de sus exposiciones temporales, sus cifras de visitantes, su política de adquisiciones, su presencia en las redes sociales o su innovadora página web, por citar algunos de sus principales hitos. En muy pocas ocasiones existe la oportunidad de explicar la gestión que se esconde tras esos logrados éxitos, resultado del buen hacer de todos los profesionales que conforman el equipo del museo.A través de estas páginas, el Museo del Prado, consciente de la conveniencia de compartir buenas prácticas y aprender de la experiencia diaria y ordinaria, busca reforzar su compromiso con la comunidad museística con el propósito de seguir contribuyendo a la profesionalización en la gestión de los museos. Para ello, esta publicación pone a disposición de todo interesado diferentes herramientas, aplicadas previamente en nuestra institución, que pueden ser de suma utilidad e interés.
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Visor. Escritos de arte y cultura, de Chus Tudelilla, reúne una selección de artículos dedicados a determinados episodios centrales en la historia reciente de la cultura y del arte en Aragón, denostados en su mayoría por su decidida vocación renovadora. Un relato en los márgenes de la cultura oficial atento a los creadores que, con sus aportaciones, lograron sobrevivir al olvido hasta convertirse en luminarias de una historia que hoy nos representa.
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Desde su origen, el arte nace del latido de la pasión: este libro invita a explorar cómo el deseo, el amor, el odio o la melancolía han dado forma a siglos de creación artística.Las pasiones y emociones -tales como el amor, la alegría, el odio o el deseo- han estado presentes en la historia del arte desde sus inicios. No obstante, a lo largo de los siglos han brillado con diferentes intensidades y matices, siempre en consonancia con el pensamiento y las circunstancias culturales de cada momento. En este libro se realiza un recorrido histórico por la representación de las pasiones en diferentes disciplinas artísticas, como la pintura, la escultura, la arquitectura y la música. De la mano de los dieciocho autores que participan en este volumen descubrimos cómo, más allá de iconografías religiosas y mitológicas, más allá de teorías artísticas e ideologías, el reflejo de todas estas pasiones y pulsiones que padecemos llena de verdadera vida el arte.
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¿A quién pertenecen los mármoles del Partenón o el busto de Nefertiti? La historia de cómo el imperialismo y el colonialismo llenaron nuestros museos. Detrás de muchas de las obras que admiramos cuando visitamos el Louvre, el Museo Británico o el Met de Nueva York se oculta un pasado incómodo. Son piezas que desaparecieron de su lugar de origen, arrancadas de templos, tumbas o palacios, y que hoy se siguen reclamando. Durante siglos, los grandes museos reunieron objetos procedentes de todos los rincones del planeta convencidos de estar preservando el patrimonio de la humanidad. Pero tras esa apariencia de universalidad se esconde una historia de conquistas, expolios y apropiaciones que todavía proyecta su sombra sobre nuestras instituciones culturales. Este libro sigue el rastro de seis piezas emblemáticas —de los mármoles del Partenón al penacho de Moctezuma, los bronces de Benín y el busto de Nefertiti— para contar, con rigor y claridad, cómo llegaron a las salas de exposición en las que reposan y para abrir el debate sobre su restitución. «¿Y si la identidad de los museos más importantes del planeta descansara sobre piezas que no deberían custodiar? El temblor que sacude a una de nuestras instituciones clave amenaza con alterar para siempre la visión que tenemos de nosotros mismos. Este libro lo cuenta. Y sus conclusiones son perturbadoras.» Javier Sierra, escritor «Estas historias relatadas con maestría revelan un panorama muy inquietante: una letanía de codicia, deshonestidad, manipulación y apropiación indebida a escala internacional. Arte secuestrado lanza una llamada clara y apremiante: ¡por favor, devolved lo antes posible estas obras maestras a los lugares a los que realmente pertenecen!» Paul Cartledge, catedrático emérito de Cultura Griega de la Universidad de Cambridge «Arte secuestrado ofrece, a partir de casos de estudio, un panorama problemático sobre la cultura que ''nos pertenece'' y la necesidad de lo que podríamos llamar una justicia post-patrimonial. Rastrear los olvidos usurpadores del Museo contribuye, como ejemplarmente hacen Catharine Titi y Katia Fach Gómez en este lúcido y riguroso libro, a tener una memoria crítica y a respetar otras formas de mirar.» Fernando Castro Flórez, crítico de arte y profesor de la Universidad Autónoma de Madrid
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Ofrece una visión integral de la vasta colección de obras de Pedro Reyes, uno de los artistas contemporáneos más innovadores y comprometidos socialmente de México.Presenta impresionantes imágenes y textos provocadores que ofrecen una exploración intelectual del impacto de Reyes en el arte contemporáneo y la sociedad.Muestra una fusión única de arte y activismo: Reyes combina escultura, arquitectura, psicoterapia, teatro, literatura y activismo, ofreciendo una singular intersección entre la investigación estética y la práctica social.Este libro fue publicado con motivo de la exposición Pedro Reyes: Escultura Social, realizada en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, en Nuevo León, México. Reúne una amplia selección de obras del artista mexicano Pedro Reyes, cuya práctica vincula la exploración estética con el compromiso social. Reyes transita sin esfuerzo por los campos de la escultura, la arquitectura, la psicoterapia, el teatro, la literatura y el activismo. Invita al público a convertirse en participantes activos, transformando espacios más allá de los muros del museo. La publicación resalta las diversas estrategias que Reyes implementa, desde la exploración del potencial terapéutico de la dinámica grupal hasta los esfuerzos de desarme, redefiniendo la escultura como un medio expandido y participativo: una escultura social.
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El pintor estadounidense afincado en Inglaterra James McNeill Whistler (1834-1903) ha pasado a la historia no sólo por sus cuadros sino por la acérrima defensa que hizo de su arte ante las críticas de que era objeto por parte ya fuera del público general, como de la prensa o de personalidades destacadas de la cultura británica. Así, además de publicar en los periódicos puzantes réplicas, no dudó en denunciar por difamación a John Ruskin u Oscar Wilde, obligando con ello a los tribunales de justicia a aclarar los límites de las opiniones que, legítimamente, cabe verter sobre el Arte.
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Las mariposas han cautivado a la gente durante miles de años, cautivando la imaginación humana durante tanto tiempo que están profundamente entrelazadas con nuestra cultura e historia. Butterfly profundiza en este amor perdurable por las mariposas, polillas y orugas, llevando a los lectores en un viaje a través de continentes y culturas para descubrir las infinitas maneras en que artistas e imágenes a lo largo de la historia, desde el antiguo Egipto hace más de 4000 años hasta la actualidad, se han inspirado en estos etéreos insectos.Con más de 250 entradas, cada una representada con una magnífica imagen a gran escala, este extenso estudio visual abarca una amplia gama de estilos y medios, incluyendo pinturas, ilustraciones botánicas, esculturas, fotografía de naturaleza, libros infantiles, textiles y joyería. Combinadas ingeniosamente para resaltar los contrastes y similitudes que invitan a la reflexión, independientemente de la época, las imágenes muestran mariposas y polillas —desde la morfo azul y la monarca hasta la polilla calavera— en todas las etapas de su ciclo vital. Los vibrantes colores del clásico infantil de Eric Carle, La oruga muy hambrienta, complementan la alegría de un collage de mariposas del artista pop británico Peter Blake, mientras que la figura de la diosa Mariposa de Obsidiana, tallada en piedra en el México del siglo XIV, coincide a la perfección con la de una polilla al caer, capturada en una hermosa fotografía en blanco y negro del artista japonés Chuji Yasui.Los artistas destacados incluyen: María Berrio, Peter Blake, Lee Bontecou, ??Alexander Calder, Caroline Cheng, Rebecca Coles, Salvador Dalí, Mat Collishaw, Jean Dubuffet, M. C. Escher, Gyoshu Hayami, Sheila Hicks, Damien Hirst, Frida Kahlo, René Lalique, Iela Mari, Wardell Milan, Berthe Morisot, Maria van Oosterwijck, Gabriel Orozco, Man Ray, Yinka Shonibare y Vincent van Gogh, entre otros.Los asesores incluyen: Dr. Giovanni Aloi, Dr. David G. James, Dra. Ivonne Garzón Orduña, Profesora Naomi Pierce, Tamar van Riessen y Nate MossIncluye textos de Dr. David G. James, Tamar van Riessen y Nate Moss y textos adicionales de: Dr. Giovanni Aloi, Sara Bader, Matthew Biggs, Anita Croy, Jennifer Elias, Diane Fortenberry, Carolyn Fry, Catherine Ingram, Rebecca Morrill, Nate Moss, Tamar van Riessen, Hannah Silver, James Smith, David Trigg y Martin Walters
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El arte español vinculado con las corrientes pop de los años sesenta ha sido visto, tradicionalmente, como una anomalía tanto en el panorama internacional como en la España del desarrollismo. Su carácter político es el que tanto en su momento como en la actualidad parece haberle dado un carácter especial y distintivo. Sin embargo, como se pregunta el autor de este ensayo, ¿qué pasaría si pensáramos en el pop no como un estilo, sino como un modo crítico de aproximarse a la realidad a partir de las estructuras y medios de la cultura de masas? Así, un nuevo modo de entender el Pop (como estrategia, y no como estilo) permite poner en duda la creación del canon anglosajón, y preguntarse por las preocupaciones que el recurso a los medios de masas pone al descubierto en las prácticas artísticas de nuestro país. Partiendo de las obras de arte y los diseños pop de Estampa Popular, el movimiento Crónica de la Realidad, los Nuevos Comportamientos Artísticos o los movimientos críticos Neo-Pop, Julio Pérez Manzanares recorre de manera brillante los años del Desarrollismo y la Transición, rastreando, en última instancia, un análisis de la imagen de sí misma que España ha venido creando tanto hacia el exterior como el interior a través del arte, su crítica y su poder y límites para transformar la sociedad.
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Meaning Matter Memory es una extensión de la colección de obras de arte del Studio Museum, creadas por artistas afrodescendientes. Hermosas ilustraciones de obras significativas de más de 250 artistas se acompañan de textos originales de más de 100 voces del mundo del arte, incluyendo escritores, académicos, artistas y críticos (Como Thelma Golden, Connie H. Choi, Mary Schmidt Campbell, Kinshasha Holman Conwill, and Lowery Stokes Sims, entre otros) Celebrando una multitud de voces, medios, estilos y épocas artísticas, este manual ofrece una mirada a los profundos y múltiples logros artísticos de los artistas negros durante más de 200 años. El libro exhibe y promueve un principio fundamental de la misión del Studio Museum: servir como guardianes de la obra —antigua, nueva y aún por crear— de los artistas afrodescendientes.Incluye trabajos de: Derrick Adams, Emma Amos, Jean-Michel Basquiat, Romare Bearden, Jordan Casteel, Elizabeth Catlett, Nick Cave, Samuel Fosso, Theaster Gates, Cy Gavin, Barkley L. Hendricks, Arthur Jafa, Rashid Johnson, Simone Leigh, Glenn Ligon, Julie Mehretu, Wangechi Mutu, Gordon Parks, Martin Puryear, Faith Ringgold, Betye Saar, Augusta Savage, Tschabalala Self, Lorna Simpson, Mickalene Thomas, Kara Walker y Carrie Mae Weems, entre muchos más.
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Cinco décadas en espiral es una retrospectiva inversa del trabajo de la artista mexicana Magali Lara.La exposición al MUAC (Ciudad de Mexico abril-octubre 2025) inicia con los murales que realizó para la muestra y concluye con sus primeros dibujos de las décadas de 1980 y 1970.Como la línea inconclusa -en fuga- de la espiral, la muestra revisa la búsqueda artística y espacial de Lara a lo largo de su producción, es decir, cómo genera un lugar formal, plástico y afectivo para proponer un territorio propio. Su obra, a partir de una configuración concreta, manifiesta una pulsión por aprehender una asociación arrolladora de formas. Desde el inicio de su trabajo se ha interesado por la noción del espacio opuesto, el remanente que subyace en ausencia. Su investigación ha abordado de qué manera significar el blanco del lienzo y del papel, y cómo denotar las pausas y los silencios imperceptibles entre pinceladas y gestos, así como los vacíos minúsculos que sobresalen entre palabras e imágenes. Su experimentación artística es la exploración de un lugar que nunca concluye, que se prolonga en espiral, esbozando un rastro en negativo que se abre y amplía hacia otras narrativas. La muestra enfatiza la indagación en ese ritmo que emerge desde los márgenes y que conforma su propia perspectiva: ''Es posible que un dibujo contenga un relato de la misma manera que una frase dice en lo no dicho''. Los intervalos e intersticios sobresalen entre los elementos compositivos dentro del soporte y, también, entre el propio marco y la pared que lo enmarca. La pieza siempre está en relación con, detenida en un contexto expandido que la connota y la sitúa, palpitando de forma permanente entre el afuera y el adentro.
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Pocos autores han sabido desentrañar las conexiones secretas entre el arte, la política, la memoria y la muerte con la lucidez de John Berger. Esta colección de ensayos es la mejor puerta de entrada a su pensamiento.Antes de convertirse en uno de los intelectuales más influyentes de nuestra época, John Berger quiso ser pintor, quizá por eso, cuando escribía, más que escribir pintaba con las palabras. Por eso, cuando en estas páginas escribe sobre cubismo, no sólo escribe acerca de Braque, Léger, Picasso y Gris, sino también de ese milagroso momento al inicio del siglo pasado cuando el mundo convergía alrededor de un prodigioso sentimiento de esperanza. Cuando analiza el trabajo de Modigliani, ve el amor infinito que se revela en las alargadas líneas de la figura pintada. Recreándose desde el Renacimiento hasta la conflagración de Hiroshima, desde el Bósforo hasta Manhattan, desde los tallistas de un pequeño pueblo de Francia hasta Goya, Durero y Van Gogh, y desde sus experiencias personales de amor y pérdida hasta los levantamientos políticos que definieron el siglo XX, este libro nos incita a mirar con la misma tolerancia, coraje y compromiso moral con que mira su autor.El sentido de la vista no es una simple antología: es un completo mapa del pensamiento de un verdadero maestro de nuestro tiempo. Con la mirada de un pintor y la voz de un poeta, Berger nos enseña a descifrar y transformar el mundo. Una lección de lucidez, humanidad y compromiso teórico.
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A través de voces diversas—artistas tullides, mediadoras, educadoras y activistas culturales— esta obra aborda los nudos y retos que atraviesan la autorrepresentación y las jerarquías en el campo de las prácticas artísticas vinculadas a la discapacidad, la neurodivergencia, la salud mental o los cuidados, y que han sido profundamente despolitizadas y desautorizadas. Surge de la voluntad compartida de hacerlas visibles desde una relectura crítica del cuidado y la vulnerabilidad, concebidas no como cargas o carencias, sino como potencias políticas desde las que pensar, cuidar, crear y vincularse. Su propósito es compartir experiencias, metodologías, relatos y ficciones críticas que cuestionan las estructuras capacitistas del sistema artístico, concibiendo nuevas formas de relación entre cuerpos, tiempos y saberes, con umbrales diferentes de dependencia, agenciamiento y exposición. Desde esta solidaridad situada, Cosmologías vulnerables traza alianzas que interpelan al museo, la pedagogía crítica y las políticas públicas para articular lo neurodivergente, lo discay lo afectivo como modos legítimos de conocimiento y de acción política.
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La cineasta francesa Germaine Dulac (1882-1942) no solo fue una de las «mujeres pioneras en la historia del cine», sino una absoluta visionaria de las posibilidades del séptimo arte en general. Muy cercana al círculo surrealista francés -su película La concha y el clérigo, basada en un guion de Antonin Artaud, se considera el primer filme surrealista de la historia-, Dulac comprendió como nadie el papel de las vanguardias cinematográficas y la esencia última del cine: expresar el movimiento de la vida a partir de la luz y el ritmo, por delante de la narratividad tradicional. Directora, guionista, teórica, articulista y crítica de cine, comprometida con el feminismo y con los movimientos progresistas, realizó películas como La sonriente madame Baudet, La fiesta española o Invitación al viaje. Coincidiendo con la exposición dedicada a la cineasta en el Museu Tàpies de Barcelona, este volumen recoge, por primera vez en castellano, una selección de sus conferencias, editadas por la que fue su compañera de vida personal y profesional, Marie-Anne Colson-Maleville. ¿Qué es el cine? se constituye así como verdadero ideario cinematográfico de Dulac, un valioso documento sobre la historia del cine y, por encima de todo, un homenaje a una artista adelantada a su tiempo.
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“La maestría de Anton Raphael Mengs se distingue por la gracia que imprime en sus obras, esto es, por aquella cosa que se siente mejor que se explica, y consiste en una cierta suavidad en los contornos, facilidad en los movimientos, que no muestran nada forzado, en el escoger aquel preciso movimiento que toman todas las partes cuando se muestran agradables, y en fin en la naturalidad y armonía de composición y colorido.”José Nicolás de Azara, mecenas y diplomático, fue destinado por muchos años a la embajada española en Roma, ciudad en la que coincidió con Mengs, con el que trabó gran amistad. Muerto el artista, editará sus escritos y ensalzará su legado pictórico.
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28 diálogos que reflejan un panorama museístico cambiante, diverso y dinámico, donde se desarrolla una experimentación a nivel mundial, con instituciones de Latinoamérica, Asia, África y Oceanía a menudo a la vanguardia en el desarrollo de nuevos modelos. Un sector que atraviesa un momento de reflexión sobre la desigualdad y la justicia social, presionado para lograr una mayor diversidad en la dotación de personal, la programación, la interpretación y las colecciones. Mientras tanto, la pandemia ha puesto de manifiesto la debilidad subyacente de los modelos de negocio de muchos museos, basados en exposiciones temporales, así como las limitaciones del apoyo público y privado. Los diálogos revelan las diversas maneras en que se busca nuevas fuentes de ingresos, nuevas maneras de conectar con el público y nuevas formas de gestionar las instituciones.
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Esta obra detalla la historia de todos esos seres intermedios que están entre los pajaritos y los pajarracos, es decir: de todas las variedades de aves que se han dejado caer en las distintas civilizaciones humanas, simbolizando cosas, sirviendo de condumio o de adivinadores del futuro. En este simpático libro se cuentan todos esos mitos que nos hablan de la lechuza que acompañaba a Minerva, del cisne que se muere en La muerte del cisne, del fénix que renacía de sus cenizas, de los gansos que graznaron para avisar del peligro al Capitolio, del pájaro de fuego que servía para que algunas chicas con menos carne que un telegrama tuvieran un pretexto para bailar de puntillas, de la paloma de la paz, del cuervo que daba repelús a Edgar Allan Poe, de los pájaros hitchcockianos que la tomaban con los veraneantes, de los ibis que se colaron en el alfabeto egipcio o del águila que le comía los higadillos al infeliz Prometeo. Todo ello doctamente contado, pero con grandes dosis de humor.
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Aprende a dibujar de forma realista las luces y sombras de diversos temas (figuras humanas, pliegues, objetos y paisajes, entre otros) a partir de sus principios básicos explicados con sencillez: la relación entre la fuente de luz y los volúmenes, la proyección de las sombras, la perspectiva y la dramatización de la luz, los valores tonales y la representación de las texturas. En esta pequeña guía cada concepto está explicado con detalle e ilustrado profusamente para facilitar un proceso de aprendizaje progresivo.
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Las Fiestas de la Mercè son memoria, tradición, identidad y espectáculo. Desde que en 1871 se proclamara oficialmente a la Virgen de la Merced como patrona de la ciudad, cada 24 de septiembre —y en los días que la rodean— Barcelona se transforma en un mosaico de cultura popular, música, fuego, danza y emoción compartida. En este libro, el historiador César Alcalá nos invita a recorrer la historia y la evolución de una de las celebraciones más emblemáticas de la capital catalana. Desde sus orígenes religiosos hasta su actual dimensión cívica y festiva, Las fiestas de la Mercè traza un recorrido ameno y documentado que nos permite entender por qué esta festividad sigue siendo hoy un espejo de lo que Barcelona es —y quiere ser. Un homenaje a las raíces y a la alegría de una ciudad que, al ritmo de castells, gegants, sardanas y correfocs, se celebra a sí misma cada septiembre.
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«Arrancar estas páginas de la intimidad del diario (borrar las fechas) para emanciparlo del Libro de las sombras (ese libro secreto que todos escribimos, todo el tiempo, en nuestra imaginación) y mostrar así solo un fragmento, el detalle de una piedra, la evidencia de que justo ahí, alguna vez, sucedió un terremoto».Una frase subrayada en un libro que lleva a otro libro, y este a otro y a otro más, sueños propios y ajenos que se entrelazan formando una maraña, la sorpresa ante la escucha de una melodía que diluye el ensimismamiento. Este libro de las sombras lo levantan las casualidades que, en su conjunto, forman una casa —¿o es un cuerpo?—. Al adentrarnos en sus habitaciones, ponemos el pie en un laberinto de espejos donde la coincidencia con nuestras obsesiones nos devuelve una imagen de lo que somos o acaso creemos ser.En un delicado equilibrio entre el diario personal y el ensayo, la escritura de Galay reordena el caos de la paranoia cotidiana, busca un patrón, junta los fragmentos disonantes para darles forma y crea el itinerario de su propio mapa mental. En el centro se encuentran la idea de composición —de una pieza sonora, un edificio o un texto— y el azar como sustrato sombrío de las metamorfosis.
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Una guía visual a través de las 200 obras esenciales de la colección permanente del Museo Nacional del PradoEl Museo del Prado es uno de los lugares más prestigiosos y representativos de la historia del arte y de la cultura europea. En esta guía visual se reproducen doscientas obras esenciales de su colección permanente, piezas indudablemente ligadas a esta institución e imprescindibles en cualquier visita.Desde la escultura de la antigüedad clásica hasta las primeras pinturas del siglo XX, todas las corrientes artísticas, los géneros pictóricos y los grandes maestros de cada época están representados en este libro. Divididas por escuelas artísticas, las reproducciones de las 200 obras van acompañadas de sus créditos en castellano e inglés. Al final de la guía se incluye un índice onomástico para facilitar la búsqueda por artista.Esta guía será un recuerdo valioso para quienes han recorrido las salas del Prado y una invitación para aquellos que aún no han tenido la oportunidad de visitarlo, permitiendo a todos disfrutar de la belleza, calidad y excelencia de estas obras maestras.
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La exploración de Kader Attia sobre las complejidades de la experiencia poscolonial resuena con las discusiones contemporáneas sobre identidad cultural y narrativas históricas.Las exposiciones en el MUAC de Ciudad de México y en el Museo Amparo de Puebla presentan un enfoque artístico multidisciplinario, ofreciendo instalaciones, esculturas y obras multimedia. muac.unam.mxSus obras han sido exhibidas en importantes instituciones internacionales como el MoMA de Nueva York, el Tate Modern de Londres y el Centre Pompidou de París, reflejando su influencia global y la relevancia universal de sus temas. Durante años, Kader Attia ha investigado cómo las sociedades comprenden su historia, especialmente en relación con experiencias de privación, supresión, violencia y pérdida, y cómo estas experiencias influyen en la evolución tanto de naciones como de individuos, todos entrelazados por una memoria colectiva. Su obra articula erudición y crítica, al adentrarse en la experiencia poscolonial y revelar los vínculos profundos entre trauma y estética en la historia moderna. Attia desafía las visiones convencionales sobre culturas, tradiciones y objetos, proponiendo la reparación como una fuerza social y estética fundamental dentro del entramado global. Este catálogo de la exposición presenta una narrativa concisa pero profundamente sugestiva del trabajo más reciente del artista, atravesada por una lectura político-teológica del concepto de modernización. A través de sus obras, Attia entrelaza historias que abordan cuestiones tan diversas como el animismo o las formas de creatividad que emergen en contextos marcados por la colonización. Estas piezas evocan imágenes de redención provenientes de múltiples tradiciones espirituales, al tiempo que desmantelan críticamente los mitos fundacionales de la modernidad.
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La soledad es uno de los más extensos territorios de lo humano. Rilke nos anuncia su mensaje: ''A través de Nietzsche comprendí que la soledad no es un castigo, sino una oportunidad para crear algo eterno''. Este libro reconstruye la imagen de la soledad como una experiencia creativa, central para la constitución de sujetos e identidades, en el corazón íntimo del proceso artístico. Visita para ello, desde una metodología estética, de comparación entre distintos procedimientos artísticos, la obra de Rilke, Montaigne, Rothko, Giacometti, Beckett, Nietzsche, Zambrano, Scelsi, Hölderlin, Rossellini, Gould, Warhol y un amplio etcétera, como medio de entender la poética, el ''por qué'', de sus motivaciones. Concebido por sus autores como un proyecto de investigación en curso, continúa la exposición-ensayo ''Cabañas para pensar'', como nuevo paso en una colaboración entre ambos de más de 25 años visitando las relaciones entre estética y sociedad en autores como Valente, Tarkovski, Blanchot, Pasolini, Antonioni, Pessoa, Topor... Autores y obras de arte proyectan algo escondido y tal vez peligroso, que solo puede ser entrevisto por una mirada oblicua, que más allá de los datos lea emociones: dolor, abandono, angustia, distancia, aun placer..., brumas que se muestran con claridad antes de que queramos atraparlas en una explicación.
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A lo largo de su vida creativa Leonardo da Vinci reflexionó sobre la figura de san Juan. Tuvo que ver en él resabios o máscaras de mitos antiguos, provenientes de otras culturas, que remarcaban su relación con la naturaleza y lo divino. Seguramente relacionó esa figura con la de Orfeo y la de Dioniso o con la de José, el hijo de Jacob, y, aunque, por su biografía y sus escritos, parecería que Leonardo tuvo poco que ver con preocupaciones de orden religioso o místico, sus cuadros sobre Juan indicarían lo contrario.
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