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Libros de arte
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Torna Javier Sierra amb un llibre apassionant i ple d'enigmes on es disputa quins han de ser els legítims guardians de l'art.El 1989 Javier Sierra va ser abordat a les sales del Museu del Prado per un estrany personatge que li va ensenyar a interpretar els símbols més ocults de l'art. Aquell incident va donar lloc a El maestro del Prado, on va compartir la visió d'aquell desconegut amb centenars de milers de lectors arreu del món. Sierra es va obsessionar amb aquell individu i ha passat mitja vida tractant de trobar-lo de nou. En el seu camí, ha descobert que hi ha un subtil «pla mestre» que dona a la invenció de l'art un sentit transcendental. L'art, juntament amb coneixements com l'agricultura, l'astronomia o la filosofia, ens van ser revelats per altres mestres misteriosos, els mestres instructors. Aquests tenen en comú que les seves idees han transformat la nostra espècie d'una manera profunda i irreversible. El seu particular mestre va formar part d'aquesta genealogia. Però qui són realment i quin és el seu pla per a nosaltres?
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La artista e ilustradora Anna Tromop te enseña a dibujar y a sombrear con tinta y plumilla a través de 50 preciosos proyectos. A partir de una bonita y fantástica excursión por el bosque, la autora te muestra cómo dibujar pequeños animales, setas, florecillas silvestres, una fogata, un quinqué, una cabaña entre los pinos... Todos ellos acompañados con sencillas instrucciones e ilustraciones paso a paso, consejos para ganar confianza con el dibujo y el sombreado, páginas para practicar y plantillas que te permitirán empezar rápidamente. Deja atrás el miedo a la página en blanco y encuentra la inspiración que necesitas para dar rienda suelta a tu creatividad y lanzarte a dibujar libremente.
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Celebre cinco siglos de creatividad femenina con este innovador estudio sobre mujeres artistas en el nuevo formato Compact.Grandes Mujeres Artistas es el estudio ilustrado más completo sobre mujeres artistas jamás publicado. Ahora disponible en un formato compacto y elegante, este volumen esencial refleja una era donde el arte creado por mujeres es más visible que nunca.Organizado alfabéticamente, el libro presenta a más de 400 artistas de 50 países de todo el mundo, cada una representada con una obra a página completa bellamente reproducida y un breve texto ilustrativo sobre su creadora. Los lectores encontrarán obras de artistas icónicas e influyentes, como Artemisia Gentileschi, Mary Cassatt, Georgia O'Keeffe, Frida Kahlo, Agnes Martin, Louise Bourgeois, Yayoi Kusama y Cindy Sherman, así como de nombres menos conocidos que merecen igualmente atención. Inspirador, impresionante y de amplio alcance, Grandes Mujeres Artistas revela una historia del arte paralela pero igualmente atractiva para una época que aboga por una mayor diversidad de voces.Ensayo introductorio de Rebecca Morrill.
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Razones y sin razones por las que el mejor torero que hemos visto se convirtió en fenómeno de masas, en ídolo contracultural y en representación artística extrema.Morante de la Puebla no es solo un torero. Es un acontecimiento. Una categoría. Una religión civil. Un artista que ha atravesado el tiempo y el toreo hasta convertirse en una figura social, política, estética y cultural de primer orden. La conversión de Morante de la Puebla en fenómeno de masas, en ídolo contracultural, en icono transversal ha coincidido con su temporada más arrebatadora, la de 2025. Rubén Amón ha querido capturar el instante antes de que se disuelva. Narrar lo que ha pasado sin que nadie haya sido capaz de explicarlo del todo. Porque el morantismo no es una moda: es un síntoma, un misterio, una forma de entender el arte, la identidad y la nostalgia. El resultado es una obra viva, literaria, crítica y apasionada, que no pretende domesticar a Morante, sino acompañar su enigma. Hay reflexión pero también urgencia informativa. Morante, punto y aparte es una sugestiva y trepidante mezcla de crónica periodística y de ensayo concienzudo.
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Anatomía para artistas es un extenso compendio de fotografías y dibujos detallados y de alta calidad, donde se muestra la figura humana en múltiples formas, tamaños y posturas, que constituye una sólida base para el arte de crear personajes. Esta biblioteca exhaustiva y detallada de recursos visuales contiene impresionantes fotografías y dibujos completos que muestran la estructura muscular de diferentes tipos de cuerpos. Todas estas referencias masculinas y femeninas constituyen un inestimable punto de partida para el arte basado en el cuerpo humano. Si eres escultor tradicional, pintor al óleo o artista digital 3D, los recursos que encontrarás en este libro te resultarán útiles e informativos, esenciales para mejorar la calidad y la precisión de tu propio arte.
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Yo deseo la felicidad de todo el mundo, escribió Joaquín Sorolla. ¿Qué hizo para conseguirlo? ¿Se puede aprender a ser feliz a través del arte? ¿Por qué disfrutamos al contemplarlo? Articulado a través de diez lecciones de felicidad, que ofrecen otros tantos puntos de vista transversales sobre la vida y la obra de Sorolla, este libro se interroga sobre el verdadero alcance de su éxito y el placentero bienestar que refleja su pintura. Los críticos contemporáneos coincidieron en afirmar que la alegría de vivir rebosaba en sus cuadros, interpretados como si fueran visiones naturales creadas sin esfuerzo. Sabemos, sin embargo, que en la vida no siempre es fiesta, así que tanta felicidad ha de esconder alguna suerte de ficción. Quizá uno de sus mayores logros haya sido convencernos de su autenticidad. El relato se ha concebido como una reflexión distendida y delicadamente irónica sobre los tópicos que han envuelto de felicidad a Sorolla, hasta negar cualquier sombra. La luz levanta el ánimo. No hay recurso más eficiente que iluminarlo todo para olvidarse de que no hay nada oculto de lo que preocuparse. Sorolla es recordado como un triunfador que pintaba gentes felices en lugares maravillosos. El arte es una extraordinaria ilusión. No pretendamos que también sea real. En la vida no se puede tener todo.
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No todas las representaciones escritas recogidas en este volumen corresponden, en rigor, a la definición estricta de onomatopeya, por lo que es obligado señalar que en este libro hemos decidido seguir un criterio laxo, favoreciendo la inclusión sobre la exclusión y apropiándonos no sólo de las onomatopeyas puras, sino también de sus frondosos «entornos». Así, bastantes sustantivos y verbos ingleses que no ofrecen similitud acústica con el fenómeno sonoro designado se utilizan «a modo» de onomatopeyas, cuando en realidad son indicadores semánticos de una función. A todo ello hay que añadir que el vistoso protagonismo plástico de muchas onomatopeyas, dominando por su tamaño espectacular la mayor parte del espacio de una viñeta, evacuó la posibilidad de borrarlas en las versiones traducidas a otros idiomas -a diferencia de la traducción de los diálogos inscritos en globos-, lo que exportó sus modalidades filológicas a otras culturas lingüísticas. De modo que se asistió a un fenómeno de exportación y universalización de las onomatopeyas, tanto como a fenómenos de acomodación local o de hibridación ortográfica y fonética. De esa inmensa riqueza, tanto plástica como semiótica, se han nutrido las páginas de este libro.
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Acompanya en Teo en el seu emocionant viatge en autocaravana per anar de càmping!Durant les vacances, en Teo i la seva família muntaran una tenda de campanya, passejaran pel bosc buscant fulles per preparar un herbari, es banyaran en un riu, aniran de pícnic a la platja i, fins i tot, faran escalada! Tots junts viuran una experiència inoblidable plena de descobriments a la natura i aventures compartides. En Teo descobreix el món és una col·lecció amb més de 40 títols per a infants a partir de 3 anys. A través de les seves històries, els petits podran: -Identificar-se amb els personatges i reviure experiències de la vida quotidiana. -Observar i descobrir detalls a les il·lustracions plenes de color. -Pensar i reflexionar, amb una guia didàctica al final del llibre que ajuda pares i educadors a: • Explorar curiositats sobre anar de càmping i passar temps a la natura. • Fomentar preguntes sobre l'entorn i el temps compartit amb els altres. • Despertar la curiositat pel món que els envolta. En Teo, el personatge clàssic de la literatura infantil del nostre país, continua captivant noves generacions amb les seves aventures.
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Este volumen aborda cinco géneros fundamentales que dieron forma al arte desde finales del siglo XIX hasta bien entrado el XX: impresionismo, expresionismo, surrealismo, expresionismo abstracto y arte pop. Cada movimiento hizo gala de un enfoque estético y filosófico distinto, pero todos tuvieron un impacto inmediato y una influencia duradera. Muchos grandes nombres se asociaron indeleblemente con uno de estos movimientos, pero algunos exploraron varios durante sus carreras.El impresionismo, liderado por Monet y Renoir, desafió la rigidez del arte académico y se centró en capturar momentos fugaces, en la luz y el color. El expresionismo contó con el impulso de artistas como Edvard Munch y Wassily Kandinsky para transmitir emociones crudas y reflejar la angustia de la experiencia humana por medio de la distorsión de la realidad. Los surrealistas, como Salvador Dalí y René Magritte, exploraron el subconsciente, los sueños y lo irracional mezclando la realidad con la fantasía en el arte, la literatura y el cine. Con Jackson Pollock y Mark Rothko a la cabeza, el expresionismo abstracto enfatizó la espontaneidad y la emoción a través de pinceladas audaces y gestuales, y estableció Nueva York como la nueva meca del mundo del arte de posguerra. Finalmente, artistas como Roy Lichtenstein y Andy Warhol alcanzaron la fama y fijaron el espíritu de su época al sintetizar la publicidad, la cultura popular y el arte elevado en el arte pop. En su diversidad, estos movimientos ampliaron conjuntamente los límites de la creatividad, redefinieron la expresión artística y alteraron la trayectoria del arte contemporáneo. Esta lujosa edición celebra sus historias, con más de 250 reproducciones de alta calidad y textos que exploran cómo las ideas e innovaciones de cada movimiento transformaron el arte para siempre.
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Aquest és sens dubte l’assaig estètic més influent enels estudis d’humanitats i d’història de l’art de Walter Benjamin. Parteix d’un diagnòstic de la crisi que comença a afectar una Europa amenaçada ja a finalsde la dècada de 1920 per l’ascens dels feixismes ambl’objectiu d’analitzar la decadència de la cultura dela societat capitalista de masses.
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Este libro explora la contribución de las artes y de la creatividad en Educación Infantil. Además estudia el papel de los talleres de artes y del profesorado de educación artística en las escuelas de Educación Infantil de Reggio Emilia. Lo hace a través de la experiencia de Vea Vecchi una de las primeras especialistas de educación artística en Reggio Emilia. Esta obra construida como memoria, conversación y reflexión proporciona una perspectiva única del trabajo pedagógico de este proyecto que sigue siendo una fuente de inspiración para todo el profesorado de Educación Infantil así como para quienes planifican las políticas educativas en cualquier parte del mundo. El texto de Vea está lleno de ejemplos muy significativos, atrapa a sus lectoras y lectores con la narración de la historia de estos talleres y la evolución del papel del profesorado. Algunos temas clave tratados en el libro son: - Procesos de aprendizaje y construcción del conocimiento, - La teoría de los cien lenguajes de la infancia y el papel de las poesías, - La importancia de la organización, de los métodos de trabajo y de las herramientas, - La contribución del ambiente físico, - La relación entre talleres, especialistas en artes, la escuela y el profesorado. Esta obra tan clarificadora es una lectura muy recomendada para estudiantes, profesionales, responsables de la Administración Educativa, para quienes investigan en Educación Infantil y también para quienes trabajando en otros campos educativos estén interesados en la relación entre las artes y el aprendizaje. Vea Vecchi trabajó como profesora en la Escuela Municipal Infantil Diana, en Reggio Emilia durante más de treinta años, realizando investigación pedagógica y documentación en todos los lenguajes de los niños y niñas. En la actualidad trabaja como asesora de la asociación y proyecto educativo “Reggio Children”
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Décadas de valiosas imágenes, resumidas ahora en 512 páginas de fotografías que constituyen la retrospectiva definitiva de la obra de Nobuyoshi Araki, seleccionadas por el propio artista.Publicada originalmente como edición limitada y ahora disponible en un nuevo formato para celebrar el 40 aniversario de TASCHEN, esta selección profundiza en los temas más conocidos de Araki: escenas callejeras de Tokio, rostros y comidas, sensuales flores de colores intensos, genitales femeninos y el kinbaku, el arte japonés de atar con cuerdas. Mientras las muchachas yacen sujetas pero en posición desafiante y pétalos de colores brillantes adoptan sugerentes formas a su alrededor, Araki juega constantemente con los motivos de la subyugación y la emancipación, la muerte y el deseo, al tiempo que combina imágenes serenas e impactantes.Araki, que describe sus fotografías de mujeres atadas como “,una colaboración entre los personajes tratados y el fotógrafo”,, busca acercarse a sus personajes femeninos a través de la fotografía, subrayando el papel que juegan las conversaciones entre las modelos y él mismo. En su tierra natal, Japón, muchas mujeres rinden culto a Araki al sentirse liberadas por su disposición a fotografiar la expresión de su deseo.Sobre la serie¡TASCHEN ya tiene 40 años! Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN se ha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, y ayuda a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. Hoy celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles al credo de nuestra empresa. La serie 40th Anniversary Edition reúne a algunas de las estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
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Cambiar el mundo, cambiar la vida'' era el mensaje utópico que el arte moderno transmitía abierta o veladamente, un mensaje que a comienzos del siglo XXI puede parecer a muchos obsoleto pero que formulado en los términos de Walter Benjamin adquiere una actualidad insospechada.A partir de ahora el lector en español dispone del texto mas completo de este ensayo de Benjamin, pues esta nueva edición recoge los principales pasajes de las diferentes versiones que resultan excedentes o divergentes respecto de la versión básica.
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¡La historia del arte es tendencia! Un libro para divertirnos aprendiendo de la mano de una de las divulgadoras más queridas de las redes. ¿Sabías que en el Paleolítico ya practicaban el arte abstracto? ¿Y que las pirámides de Egipto no son ni las más antiguas ni las más colosales? ¿Me creerías si te digo que muchos de los artistas más admirados en la actualidad sufrieron un rechazo tras otro en su momento? ¿Te gustaría comprender, por fin, por qué el arte ha pasado de representar la realidad a trabajar con imágenes y artefactos que parece que solo entiende el propio artista? Soy Carla Serrano, historiadora del arte, y a través de estas páginas te voy a guiar para que veas que los movimientos artísticos no son solo un montón de cuadros en un museo, sino una ventana abierta a las emociones, las luchas y las revoluciones de cada época. Y lo voy a hacer muy rápido. Te proporcionaré pistas para que puedas distinguir fácilmente los diferentes estilos, conoceremos a los artistas más top de cada época, descubriremos pintoras o fotógrafas injustamente olvidadas, cuestionaremos algunos mitos y, además, te explicaré muchas cositas para que no te pierdas entre tantos movimientos artísticos y puedas ponerlo todo en su contexto. Desde las pinturas rupestres hasta el arte digital, este libro será la mejor introducción para comprender el arte de una forma lúdica, alternativa y muy divertida. No esperes más para aprender de una manera completamente nueva: aquí el arte se vive, se siente y se disfruta en cada página.
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Obras maestras explicadas es para aquellos que alguna vez se hayan detenido frente a una obra de arte y hayan sentido una profunda conexión emocional, una atracción inexplicable. Es para los curiosos, los escépticos, los soñadores, para cualquiera que quiera comprender los significados ocultos y las fascinantes historias que encierran algunas de las obras más icónicas del mundo. El arte es un diálogo a través del tiempo y este libro es una invitación a una conversación atemporal.
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El primer libro de Claramore: una historia del arte contada como la Súper Pop.El arte, esa disciplina venerada por muchos, repudiada por otros tantos. El arte puede ser sinónimo de erudición, de universo intelectual, pero también puede ser emoción, historia, cultura. Lo que muchos no saben es que el arte es para todo el mundo, solo hay que encontrar la forma de entrar en él.Un Van Gogh en el salón es el primer libro de la historiadora del arte Clara González Freyre de Andrade, conocida en redes como Claramore. Contado como si fueran las páginas de la mismísima Súper Pop, la autora no deja cuadro sin artista para explicarnos múltiples anécdotas y secretos de las obras más icónicas y descubrirnos otras que nadie nos había mostrado hasta hoy. Un recorrido en el que el arte y la cultura pop conviven.Este es un libro para aprender y divertirse: conoceremos los salseos artísticos imprescindibles, las rivalidades más escandalosas entre artistas famosos, las mentes femeninas más brillantes o las obras que causaron más polémica, entre muchas otras cosas. Narrado con naturalidad y sencillez, Un Van Gogh en el salón nos permite disfrutar del arte desde la comodidad de nuestra casa.¿A quién va dirigido el libro Un Van Gogh en el salón?Este libro está dirigido a un público amplio, interesado en el arte pero que quizás no se sienta cómodo con los enfoques académicos tradicionales. Se presenta como una opción accesible y amena para aquellos que desean aprender sobre historia del arte de una forma divertida y atractiva, sin necesidad de conocimientos previos extensos. Su estilo informal y cercano lo hace ideal para lectores jóvenes, estudiantes o cualquier persona que busque una aproximación diferente y menos formal al mundo del arte. La inclusión de referencias a la cultura pop facilita la comprensión y conexión con el material para un público más amplio.Temas que trata el libro Un Van Gogh en el salónEl libro Un Van Gogh en el salón explora la historia del arte a través de anécdotas, secretos y curiosidades de obras icónicas y otras menos conocidas. Se centra en:Aspectos poco conocidos de obras famosas: El libro desvela datos curiosos y detalles ocultos tras las obras de arte más famosas, ofreciendo una perspectiva más íntima y humana de los artistas y sus creaciones.Rivalidades y escándalos artísticos: Se abordan las disputas y controversias entre artistas, mostrando el lado más humano y a veces conflictivo del mundo del arte.Artistas femeninas y LGTBIQ+: El libro destaca la contribución de artistas mujeres y pertenecientes al colectivo LGTBIQ+, contribuyendo a una visión más inclusiva e igualitaria de la historia del arte.Contexto social y cultural: Las obras de arte se contextualizan en la sociedad y cultura de su época, mostrando la influencia del entorno en la creación artística.Arte y cultura pop: El libro establece conexiones entre el arte clásico y la cultura popular, facilitando la comprensión y el interés para un público más amplio.Desmitificación de artistas: Se presentan algunos artistas de forma más humana, alejándose de la imagen idealizada que a veces se proyecta sobre ellos.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro Un Van Gogh en el salónLas opiniones sobre Un Van Gogh en el salón son variadas. Algunos lectores destacan su enfoque ameno, divertido y accesible, que facilita el aprendizaje sobre historia del arte. Se elogia la capacidad de la autora para desmitificar a algunos artistas y revelar aspectos poco conocidos de sus obras. El estilo informal y cercano, con referencias a la cultura pop, es apreciado por muchos. Sin embargo, otros lectores consideran que algunas de las opiniones feministas o las referencias a la cultura pop resultan excesivas o fuera de lugar. Algunos señalan que parte de la información ya había sido compartida por la autora en redes sociales. A pesar de estas opiniones divergentes, la mayoría de los lectores coinciden en que el libro es una lectura entretenida e interesante, que ofrece una nueva perspectiva sobre la historia del arte.
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Las mujeres detrás de Picasso pone el foco en las protagonistas tanto de la vida como de la obra del célebre pintor. Olga Khokhlova, Dora Maar, Françoise Gilot o Jacqueline Roque son solo algunos de los nombres que inspiraron al malagueño, le ayudaron a promocionar su obra y le cuidaron en todas las etapas de su vida. ¿Cuánto sabemos de él y cuánto de ellas? Mujeres de talento desbordante, todas tuvieron que superar innumerables obstáculos y enfrentarse a las violencias que sobre ellas vertieron tanto el artista y el entorno en el que les tocó vivir como, más tarde, la historiografía y sus sesgos de género. Este libro nos acerca a las biografías de quienes hicieron que Pablo se convirtiera en Picasso y de quienes existieron no gracias al pintor, sino a pesar de él. Eugenia Tenenbaum, historiadora del arte y experta en perspectiva de género, traza los perfiles de cada una de las protagonistas. A través de diversos géneros y recursos literarios, reconstruye fragmentos de las vidas de estas mujeres fascinantes para devolverlas al lugar en el que siempre deberían haber estado. Tanto la portada como las ilustraciones interiores corren a cargo de nueve artistas de gran relevancia: Naranjalidad, María Hesse, Laura Agustí, Esther Gili, Lady Desidia, María Herreros, Ana Santos, Isa Muguruza y Sara Herranz. Las mujeres detrás de Picasso es una obra para cuestionar la historia, descubrir y comprender mejor algunos capítulos esenciales de nuestro pasado más reciente y acercarnos al arte de una manera inclusiva y justa, que entienda la creación artística como un esfuerzo colectivo en lugar de como un trabajo individual.
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Los jardines japoneses transmiten tranquilidad, armonía y comunión con la naturaleza. La simplicidad aparente de unas rocas o la elegante sencillez de unos guijarros son capaces de capturar la esencia evanescente del zen y elevar la jardinería a la categoría de reflexión filosófica.El arte de la jardinería en Japón alcanza un nivel de excelencia y refinamiento no superado por ningún otro país del planeta. Javier Vives da cuenta de su milenaria historia describiendo sus principales características y revelando los significados más profundos y metafóricos de esta expresión artística. El autor nos invita a recorrer más de cuarenta jardines tradicionales y modernos: villas imperiales, jardines de samuráis, templos budistas, casas de té, jardines zen…
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Una guía para aprender a observar tu entorno a través del dibujo y la pinturaDibujar y pintar son habilidades que cualquier persona interesada y dispuesta a dedicarle tiempo puede desarrollar. Más allá de la perfección técnica, el objetivo de un cuaderno de campo es disfrutar de un proceso creativo profundamente personal, explorando y registrando el entorno con una mirada propia. Esta guía práctica te enseñará a crear tu cuaderno de campo en entornos naturales, urbanos y museísticos. Encontrarás consejos sobre los materiales y las técnicas adecuadas para realizar apuntes y bocetos del natural. Además, incluye ejercicios que te ayudarán a educar tu mirada para conectar con tu entorno de una forma más profunda.¿A quién va dirigido el libro Cuaderno de campo?Este libro se dirige a todas las personas interesadas en desarrollar sus habilidades de observación a través del dibujo y la pintura, independientemente de su nivel de experiencia previa. Es una guía práctica para aprender a crear un cuaderno de campo en diversos entornos, tanto naturales como urbanos o museísticos. Se presenta como una herramienta para conectar con el entorno de una forma más profunda y personal, más allá de la búsqueda de la perfección técnica. La obra está pensada para quienes desean explorar y registrar su entorno a través de un proceso creativo propio.Temas que trata el libro Cuaderno de campoEl libro Cuaderno de campo proporciona una guía práctica para la creación y el uso de un cuaderno de campo. Los temas que abarca incluyen:Técnicas de dibujo y pintura: Se ofrecen consejos y técnicas para realizar apuntes y bocetos del natural, adaptados a diferentes entornos. El enfoque se centra en el proceso creativo personal y la exploración del entorno, más que en la perfección técnica.Materiales: El libro guía al lector en la selección de los materiales adecuados para la creación del cuaderno de campo, considerando las necesidades de cada entorno y técnica.Observación: Se incluyen ejercicios para educar la mirada y desarrollar la capacidad de observación detallada, permitiendo una conexión más profunda con el entorno.Entornos: El libro abarca la creación de cuadernos de campo en entornos naturales, urbanos y museísticos, adaptando las técnicas y la observación a las características específicas de cada uno.Proceso creativo: Se enfatiza la importancia del proceso creativo personal y la exploración individual como parte fundamental de la experiencia del cuaderno de campo.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro Cuaderno de campoAún no hay opiniones o críticas sobre Cuaderno de campo.
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Saca al artista que llevas dentro: solo es cuestión de práctica y algunos buenos consejos¿Te gustaría saber dibujar? Este libro te ofrece 60 actividades para descubrir y practicar sencillas técnicas de dibujo que, además, te invitan a pensar de manera creativa. Las páginas que tienes entre manos están repletas de ejemplos y útiles consejos para aprender a dibujar objetos 3D, a añadir perspectiva, movimiento y sombras a tus dibujos, a crear un paisaje urbano o incluso un autorretrato. Si siempre has sentido curiosidad por el dibujo, pero has topado con la página en blanco y has desistido, ¡No sé dibujar! es tu libro. Verás que las posibilidades son infinitas y que, en realidad, ¡sí sabes dibujar!¿A quién va dirigido el libro ¡NO SÉ DIBUJAR!?Este libro está dirigido a todas aquellas personas que desean aprender a dibujar, independientemente de su nivel de experiencia previa. Se presenta como una herramienta accesible para principiantes, ofreciendo una introducción amigable al mundo del dibujo. Su enfoque práctico y las actividades propuestas lo hacen ideal para niños mayores de 12 años y adultos que buscan explorar su creatividad sin la presión de una formación académica formal. La sencillez de las técnicas y la progresión gradual de las actividades permiten a cualquier persona, incluso a quienes se consideran carentes de talento artístico, desarrollar habilidades básicas de dibujo y disfrutar del proceso creativo.Temas que trata el libro ¡No sé dibujar!El libro ¡NO SÉ DIBUJAR! se centra en el aprendizaje práctico de técnicas de dibujo básicas a través de 60 actividades. Los temas que abarca incluyen:Técnicas de dibujo básicas: El libro introduce y explica de forma sencilla técnicas fundamentales para el dibujo, como el manejo del lápiz, el trazo, la perspectiva, el sombreado y la representación del movimiento. Se proporciona una guía paso a paso para cada técnica, facilitando su comprensión y aplicación.Dibujo de objetos en 3D: Se enseñan métodos para representar objetos tridimensionales en una superficie bidimensional, utilizando la perspectiva y el sombreado para crear una ilusión de profundidad y volumen.Perspectiva: Se exploran los principios básicos de la perspectiva para representar el espacio y la profundidad en los dibujos.Movimiento: Se abordan técnicas para representar el movimiento en los dibujos, dando vida a las figuras y escenas.Sombras: Se explican las técnicas de sombreado para añadir volumen y realismo a los dibujos.Creación de paisajes urbanos: Se incluyen actividades para dibujar paisajes urbanos, aplicando las técnicas aprendidas para representar edificios, calles y otros elementos del entorno.Autorretratos: Se guía al lector en la creación de un autorretrato, combinando las técnicas aprendidas para representar la propia imagen de forma creativa.Desarrollo de la creatividad: A lo largo del libro se fomenta la creatividad del lector, invitándolo a experimentar y a encontrar su propio estilo. Las actividades están diseñadas para estimular la imaginación y la expresión personal.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro ¡NO SÉ DIBUJAR!Aún no hay opiniones o críticas sobre ¡NO SÉ DIBUJAR!.
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Carlos Sadness comparte en primera persona una mirada íntima y tierna sobre la creatividad, el arte y la imaginación. Carlos Sadness firma un relato luminoso sobre la creatividad como forma de vida. A través de recuerdos, confesiones y anécdotas que cruzan el arte, la infancia o la música, construye una declaración de amor a la imaginación. Su historia revela cómo lo cotidiano se vuelve extraordinario cuando se mira con ojos creativos, cómo el arte puede salvarnos del olvido y cómo lo imperfecto, lo subjetivo y lo emocional son el verdadero pulso de lo bello. Como en los versos de su tema Kandinski, «Eres la persona elegida entre un millón para explorar el mundo que hay dentro de mí», este libro es una invitación para los lectores, un canto poético a la memoria y la sensibilidad, escrito desde el corazón de un creador que nunca dejó de soñar. A partir de objetos como unas Ray-Ban heredadas o el sabor del helado de pistacho, el autor transforma lo cotidiano en pasadizos hacia la identidad. Arte, música y emoción se entrelazan en una narrativa que celebra la belleza y reflexiona sobre la creación como un acto vital. Un canto a la sensibilidad para quienes buscan inspiración en lo íntimo y lo inesperado.
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¿Qué convierte a algo en una obra de arte? ¿Cómo dieron forma los antiguos griegos a la belleza ideal? ¿Ejerce el color una influencia directa en el alma? Este libro analiza estas y otras muchas cuestiones revisando los movimientos, estilos y temas artísticos clave a través de más de 200 obras de muy diversos géneros. Con un lenguaje claro, El libro del arte descifra la terminología de la historia y la teoría del arte y ofrece imágenes de las grandes obras del mundo e ingeniosos diagramas que explican las ideas subyacentes. Desde las figurillas de fertilidad prehistóricas a las videoinstalaciones, este es el manual perfecto para iniciarse en el conocimiento del arte. Tanto el estudiante de arte como el ávido visitante de museos y galerías hallarán en este libro sugerentes ideas sobre joyas artísticas de todas las épocas y procedencias.
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Existe la creencia, casi unánime, de que los artistas tienen una personalidad distintiva y de que siempre son y han sido egocéntricos, caprichosos, románticos, rebeldes, informales, licenciosos, estrafalarios, obsesionados por su trabajo y de difícil convivencia. Los historiadores del arte han contribuido poco a este tema, pues no consideran que el psicoanálisis sea útil para las investigaciones históricas, lo que en cierto modo les ha privado de un conocimiento más profundo, tanto del comportamiento de los artistas antiguos y modernos como de sus obras. Se trata, pues, de investigar cuándo, dónde y por qué se creó una imagen típica del artista en la mente del público en general y cuáles han sido sus rasgos distintivos y fortuna crítica. La respuesta se ha buscado en el maremágnum de fuentes históricas: biografías, cartas y documentos, es decir, que la investigación está enfocada rigurosamente hacia la documentación histórica.
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Mickey Mouse representa el hecho de que la criatura puede seguir existiendo incluso cuando queda despojada de todo parecido con lohumano. Esto rompe la jerarquía de las criaturas concebida en función del ser humano.Estas películas desautorizan la experi
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En 1912 el arquitecto Frank Lloyd Wright (1867-1959) publicó en Chicago un breve ensayo con el título La estampa japonesa: Una interpretación. Para entonces ya era un prestigioso arquitecto y sus viajes, primero por Japón y después por Europa, fueron de
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Cada cuadro contiene una historia y, aquí, más de setenta obras maestras revelan las mayores historias de amor del arte. Este libro explora cómo mujeres y hombres han pintado, dibujado y fotografiado a sus amantes u objetos de deseo y desvela homenajes secretos, pasiones ocultas y la profunda devoción que esconden estas obras famosas. También nos invita a detenernos a reflexionar acerca de nuestras propias relaciones y sentimientos. Desde el romanticismo onírico de Chagall hasta la complicada vida amorosa de Dora Carrington, pasando por el impenitente erotismo de Tamara de Lempicka o la veleidad de Picasso, El amor a través del arte es una revelación extraordinaria de la búsqueda, la experiencia y la pérdida del amor, esa emoción tan potente y, al mismo tiempo, tan esquiva.
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Una extraordinaria selección de obras de artistas detodo el mundo, del siglo XVII hasta la actualidad, que ponen el foco sobre la fi gura del perro. De Goya aSally Muir pasando por David Hockney o Marie Laurencin, las distintas miradas artísticas, combinadas conbreves textos sobre las obras, los movimientos y lasrazas, nos acercan a nuestra concepción del mundo canino, así como a las relaciones que se tejen entre elser humano, el arte y el mundo animal.
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Teniu a les mans el llibre que, per primera vegada, proporciona als pares i mares tots els recursos i orientacions per a jugar a casa amb les fills sense deixar d’aprendre. Estar a casa deixarà de ser un problema a les èpoques de l’any amb menys llum. Un grup d’educadors i educadores de la Fundació Pere Tarrés, especialistes en aquesta matèria, ens mostren a Enlloc com a casa diferents activitats per jugar en família i és que el joc dóna plaer i desperta en l’infant un gran ventall d’emocions capdals en el seu procés de creixement.
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Descubre las infinitas posibilidades de las acuarelas metálicas. La fusión de las acuarelas con los colores metálicos puede hacer que una obra, literalmente, brille sobre el papel. Tras repasar los materiales, las técnicas y el uso del color con acuarela, la artista Elisabeth Götz nos abre las puertas al fascinante universo de las acuarelas brillantes a través de 20 proyectos. Desde centelleantes ramas y hojas hasta fascinantes mariposas y libélulas, con este libro no solo aprenderás a crear luminosos motivos de flora y fauna, también las técnicas, recursos y trucos que te permitirán dar un toque verdaderamente especial a tus creaciones.
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Manual de introducción al estudio de la anatomía según una dirección teórica y práctica, ricamente ilustrado con fotografías y dibujos. Destinado a los alumnos de las escuelas o academias artísticas y a los artistas que tienen intención de dedicarse al dibujo y la pintura de la figura humana. El libro incluye: - Información general sobre el estudio de la anatomía - Anatomía del aparato locomotor: componentes articulares, musculares y esqueléticos. - Aparato tegumentario, venas superficiales, tejido adiposo. - Anatomía sistemática y de superficie: cabeza, tronco y extremidades superiores e inferiores. - Repertorio iconográfico.
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Refugio, de Olga Tokarczuk, es el tercer libro de la colección Escribir el Prado, tras El vigilante de sala, del Premio Nobel J.M. Coetzee, y El nivel de aire, de Chloe Aridjis, PEN/Faulkner Award for Fiction (2020). Este relato ha sido escrito en el marco del programa de residencias para escritores organizado por el Museo Nacional del Prado con el patrocinio de la Fundación Loewe y en colaboración con Granta en español. La estancia de Olga Tokarczuk en el museo tuvo lugar entre marzo y abril de 2024.
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Un ensayo fascinante sobre cómo ''el año terrible'' de París desembocó en el nacimiento del impresionismo. Entre el verano de 1870 y la primavera de 1871, un periodo que Victor Hugo bautizó como el ''Año Terrible'', París fue sitiada, padeció una hambruna y hubo de rendirse al ejército alemán. A continuación, los republicanos radicales establecieron la Comuna, que fue aplastada tras sangrientas batallas callejeras y el incendio del centro de la ciudad. Como demuestra el prestigioso crítico de arte Sebastian Smee, ganador del Premio Pulitzer, fue durante estos tiempos tumultuosos cuando nació el movimiento impresionista, como respuesta a la violencia, la guerra civil y la intriga política. Smee relata la historia de aquellos días dramáticos a través de los ojos de las grandes figuras del impresionismo. Édouard Manet, Berthe Morisot y Edgar Degas quedaron atrapados en París durante el sitio. Otros, como Pierre-Auguste Renoir y Frédéric Bazille, se unieron a regimientos fuera de la capital, mientras que Claude Monet y Camille Pissarro huyeron del país justo a tiempo. En el periodo posterior, estos artistas desarrollaron una nueva conciencia sobre la fragilidad de la vida. Esa sensación de transitoriedad -reflejada en el énfasis en la luz fugitiva, las estaciones cambiantes, las escenas callejeras fugaces y la impermanencia de todas las cosas- se convirtió en la gran aportación del movimiento a la historia del arte. En el corazón de todo ello hay una historia de amor: la de Manet, considerado por todos el padre del impresionismo, y Morisot, la única mujer que desempeñó un papel central en el movimiento desde sus inicios. Smee describe con gran sensibilidad su compleja relación, la influencia mutua que ejercieron y su inmenso legado, al tiempo que otorga el merecido reconocimiento a la mujer en el corazón del impresionismo. Penetrante y absorbente, París en ruinas capta las pasiones y políticas cambiantes del mundo del arte y explica el profundo impacto que tuvieron las presiones del sitio y el caos de la Comuna en el arte moderno, y cómo el genio artístico puede surgir de la oscuridad y la catástrofe.La crítica ha dicho: «Smee se basa en una gran cantidad de fuentes históricas y biográficas para examinar el nacimiento del impresionismo durante una época de feroz agitación política y social en Francia... Transmite vívidamente el terror de la época, los tensos enfrentamientos militares y las conspiraciones, y las pasiones inflamadas... Su descripción de las obras de los impresionistas es perspicaz, como lo es su sensibilidad hacia las complicadas relaciones entre los artistas. Historia cultural hábil y vibrante».Kirkus Reviews«Persuasivo y vívido El arte de la rivalidad se enraíza en la teoría de primera mano, pero está dirigido a lectores no especializados, se trata en parte de minibiografías y en parte de una historia del arte más amplia».John Williams, The New York Times (Sobre El arte de la rivalidad)«Con detalles e incisividad propios de una novela y una prosa vívida y ágil El arte de la rivalidad es una delicia pura y cargada de información, escrita con astuta autoridad».Michael Upchurch, The Boston Globe (Sobre El arte de la rivalidad)«La brillante biografía de grupo de Sebastian Smee es única en su género».Ann Hulbert, The Atlantic (Sobre El arte de la rivalidad)«Uno de esos raros libros que consiguen mostrar, de forma convincente, laexcelsa materia del genio emergiendo del bajo caos de la vida».The Economist (Sobre El arte de la rivalidad)
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En ''Orden y limpieza si postureo'', Lucía Lipperheide comparte su manera de mantener una casa cuidada y en equilibrio sin renunciar a vivirla. Criada en una familia numerosa, en un hogar lleno de movimiento y momentos compartidos, aprendió desde pequeña a adaptarse a los cambios y a encontrar soluciones prácticas. Con los años, ha desarrollado su propia forma de organizar y cuidar la casa, siempre pensando en lo que realmente funciona en la vida diaria. En este libro reúne esos trucos, rutinas e ideas que utiliza a diario, el lector descubrirá también fragmentos de su historia y vivencias personales que abren cada capítulo. Son recuerdos llenos de emoción, con los que muchas personas se sentirán identificadas y que dan sentido a los consejos que vienen después, explicados con un estilo claro y cercano. Propuestas fáciles de aplicar, pensadas para hogares reales, donde se vive, se recibe y se disfruta. Un libro que demuestra que el orden y la calma son posibles sin buscar la perfección y que invita a cuidar la casa como parte de disfrutarla.
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¡Acompaña a Teo en su emocionante viaje en autocaravana para ir de camping!Durante las vacaciones, Teo y su familia montarán una tienda de campaña, pasearán por el bosque en busca de hojas para preparar un herbario, se bañarán en un río, harán pícnics en la playa ¡y hasta practicarán escalada! Todos juntos vivirán una experiencia inolvidable llena de descubrimientos en la naturaleza y aventuras compartidas. Teo descubre el mundo es una colección con más de 40 títulos para niños y niñas a partir de 3 años. A través de sus historias, los pequeños podrán: -Identificarse con los personajes y revivir experiencias de la vida cotidiana. -Observar y descubrir detalles en sus ilustraciones llenas de color. -Pensar y reflexionar, gracias a la guía didáctica que se incluye al final del libro para ayudar a padres y educadores a: Explorar curiosidades sobre ir de camping y pasar tiempo en la naturaleza. Fomentar preguntas sobre el entorno y el tiempo compartido con los demás. Despertar la curiosidad por el mundo que los rodea. Teo, el personaje clásico de la literatura infantil de nuestro país, sigue conquistando a nuevas generaciones con sus aventuras.
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El verde infame de Scheele, el rojo carísimo de Mondrian, el secreto aterrador del pigmento 'Mummy Brown' o la belleza trágica del rosa flor de cerezo. Las historias del color nos han fascinado desde el primer pigmento rojizo de las cuevas de Altamira hasta los 1.867 colores identificados hoy en día por Pantone. En este compendio caleidoscópico, Paul Simpson parte de los once colores básicos para explicar su papel en la evolución de nuestra especie, en la persuasión política y la asociación de un color con la libertad o la opresión. Los códigos que cada cultura les atribuye hacen que los colores levanten imperios y pasiones, cánones, rarezas y caprichos de artistas y civilizaciones. 'El código del color' recurre a químicos, actores, compositores, músicos, místicos, poetas, deportistas... y cuenta historias que cambiarán nuestra percepción del espectro y la manera que tenemos de ver el mundo.
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Grandes viajeros y entusiastas de la naturaleza, Hokusai e Hiroshige revolucionaron el grabado japonés a partir de finales del siglo xviii, llevando el paisajismo a su apogeo. A través de las estaciones, estos artistas y sus sucesores rinden homenaje a una naturaleza deslumbrante y eterna que se encuentra en el corazón del pensamiento y la cultura japoneses, y nos invitan a redescubrir la belleza sencilla del cerezo en flor, a saborear la frescura de una tarde de otoño, a contemplar las primeras nieves inmaculadas, a dejarse sorprender por el ligero vuelo de un pájaro... en suma, a «vivir el momento presente». Inserto en un bonito cofre, este volumen en forma de acordeón, a modo de antiguo libro japonés, reúne una antología de los grabados más famosos de los grandes paisajistas, desde la época de Hokusai hasta la de Hasui, y acompañados por un opúsculo explicativo.
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Los libros de arte son publicaciones impresas que exploran las distintas disciplinas artísticas desde una perspectiva histórica, estética y cultural. Los libros de bellas artes permiten profundizar en movimientos, técnicas y artistas fundamentales, ofreciendo una experiencia visual y reflexiva a través del formato en papel. Su cuidada edición facilita una lectura pausada y la contemplación detallada de imágenes y contenidos.
¿Qué son los libros de arte?
Los libros de arte reúnen estudios, ensayos y reproducciones que analizan obras, corrientes y contextos históricos relacionados con las artes visuales.
Definición
Incluyen contenidos sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografía y otras disciplinas artísticas, abordadas desde enfoques académicos o divulgativos.
Valor editorial
El formato en papel permite apreciar la calidad de las reproducciones, la maquetación y el diseño, elementos esenciales en los libros de bellas artes.
Cómo elegir libros de bellas artes
Seleccionar libros de arte implica tener en cuenta la disciplina artística, el periodo histórico y el nivel de profundidad del contenido.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca un estudio general, un monográfico dedicado a un artista concreto o un análisis de un movimiento artístico específico.
- Historia del arte universal.
- Monografías sobre artistas destacados.
- Guías sobre técnicas artísticas.
- Ensayos de teoría y crítica de arte.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de arte en formato papel presentan distintos enfoques editoriales y formatos.
Tipos de libros y contenido
- Catálogos de exposiciones.
- Estudios académicos y ensayos críticos.
- Libros ilustrados con reproducciones de obras.
- Manualidades y técnicas de bellas artes.
Estas publicaciones permiten comprender la evolución de las artes y su impacto cultural.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de bellas artes en papel favorece la educación estética y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Apreciación estética
Los libros de arte permiten observar detalles, estilos y técnicas que enriquecen la comprensión visual.
Formación cultural
Estas obras contribuyen a contextualizar movimientos artísticos y su influencia en la sociedad.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de arte?
Los libros de arte están dirigidos a lectores y lectoras interesados en las artes visuales y su evolución histórica.
- Estudiantes de bellas artes e historia del arte.
- Docentes y profesionales del ámbito artístico.
- Personas interesadas en la cultura visual.
- Lectores que desean ampliar su conocimiento artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de arte
¿Qué incluyen los libros de arte?
Incluyen estudios históricos, ensayos críticos y reproducciones de obras relacionadas con distintas disciplinas artísticas.
¿Qué diferencia a los libros de bellas artes de otros libros culturales?
Se centran específicamente en disciplinas artísticas y suelen incluir material visual de alta calidad.
¿Cómo elegir un libro de arte adecuado?
Es recomendable considerar la disciplina artística, el enfoque del contenido y el nivel de profundidad.
¿Por qué elegir libros de arte en formato papel?
El formato en papel permite apreciar mejor las imágenes, la calidad de impresión y el diseño editorial.