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Libros de arte
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Este libro es la guía práctica visual que le librará de las conjeturas a la hora de elegir y usar las combinaciones de colores. Los colores y los esquemas de colores presentados están relacionados con estados de ánimo concretos, ayudándole así a elegir la mejor combinación de colores para cualquier proyecto de diseño, ya sea gráfico, de interiores, artesanía o bellas artes. Las muestras recortables de cada color le permiten mezclar, conjuntar y examinar los distintos tonos existentes en sus diseños para poder definir mejor su proyecto. Se trata, sin duda, de una herramienta esencial para todos aquellos que diseñan y trabajan con colores.
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Sobre el dibuix
John Berger (Londres, 1926) és un dels crítics d'art més influents i originals del nostre temps, i, encara que poca gent ho sàpiga,també pinta i dibuixa. Sobre el dibuix recull una sèrie d'assajos que reflexionen sobre les enormes dificultats que suposa
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En este polémico y desafiante conjunto de ensayos, Bourriaud construye herramientas imprescindibles para comprender las claves del arte actual.Nicolas Bourriaud, el ex director del Palais de Tokyo parisino, define el sistema de ideas y el funcionamiento de un nuevo paradigma artístico destinado a interactuar en la esfera de las relaciones sociales.Las teorizaciones que recorren «Estética relacional» surgen del conocimiento profundo de la obra de los más importantes artistas internacionales de los años noventa, hoy en plena actividad, y de exponer los principios que estructuran sus pensamientos. El libro responde, entre otras, a la pregunta «¿de dónde viene esta obsesión por lo interactivo que atraviesa nuestra época?». Uno de los motivos que deslumbran al lector de «Estética relacional» es la eficacia de estos ensayos, el modo en que se vuelven herramientas imprescindibles para comprender las claves del arte actual.
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La artista y diseñadora Marion Deuchars te invita a adentrarte en su imaginativo mundo con este libro inspirador, repleto de ideas geniales para que pienses, imagines y vivas de forma más creativa. Derrama un poco de tinta, dibuja con un palo, diseña un estampado. Prueba a pintar con una fregona, crea un círculo cromático de hojas, haz fotografía callejera... Con más de 100 proyectos y muchas ideas rápidas para descubrir tus talentos ocultos y fomentar tu creatividad, Arte, crea cada día te anima a dejar a un lado el miedo, y a descubrir al artista que llevas dentro y ver el mundo de una forma totalmente nueva, tengas la edad que tengas. Marion Deuchars nos muestra su madurez y generosidad aportando su dilatada experiencia. Es el resultado de un trabajo de 4 años intermitentes con intervalos de reflexión y recopilación de ideas que le han permitido encontrar una bonita fórmula ordenada por capítulos que invitan a lanzarse, a acallar esa voz crítica y a crear. Es un libro excelente, impecable y para disfrutar.
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¿Te apetece pintar con acuarelas? No es difícil pintar preciosos motivos con acuarelas. Con algunos trucos, un poco de práctica y los colores adecuados podemos crear motivos realmente mágicos. Este nuevo libro de la exitosa autora Tanja Geier te brinda inspiración a raudales, para que puedas aplicarla en todos tus trabajos. Las explicaciones y el material te aportarán los conocimientos necesarios para poder pintar con acuarelas todo tipo de frutas, flores, animales y objetos. Y lo mejor de todo es que podrás crear estos motivos en unos pocos pasos. Solo nos queda buscar los pinceles y ponernos a pintar.
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Saca al artista que llevas dentro: solo es cuestión de práctica y algunos buenos consejos¿Te gustaría saber dibujar? Este libro te ofrece 60 actividades para descubrir y practicar sencillas técnicas de dibujo que, además, te invitan a pensar de manera creativa. Las páginas que tienes entre manos están repletas de ejemplos y útiles consejos para aprender a dibujar objetos 3D, a añadir perspectiva, movimiento y sombras a tus dibujos, a crear un paisaje urbano o incluso un autorretrato. Si siempre has sentido curiosidad por el dibujo, pero has topado con la página en blanco y has desistido, ¡No sé dibujar! es tu libro. Verás que las posibilidades son infinitas y que, en realidad, ¡sí sabes dibujar!¿A quién va dirigido el libro ¡NO SÉ DIBUJAR!?Este libro está dirigido a todas aquellas personas que desean aprender a dibujar, independientemente de su nivel de experiencia previa. Se presenta como una herramienta accesible para principiantes, ofreciendo una introducción amigable al mundo del dibujo. Su enfoque práctico y las actividades propuestas lo hacen ideal para niños mayores de 12 años y adultos que buscan explorar su creatividad sin la presión de una formación académica formal. La sencillez de las técnicas y la progresión gradual de las actividades permiten a cualquier persona, incluso a quienes se consideran carentes de talento artístico, desarrollar habilidades básicas de dibujo y disfrutar del proceso creativo.Temas que trata el libro ¡No sé dibujar!El libro ¡NO SÉ DIBUJAR! se centra en el aprendizaje práctico de técnicas de dibujo básicas a través de 60 actividades. Los temas que abarca incluyen:Técnicas de dibujo básicas: El libro introduce y explica de forma sencilla técnicas fundamentales para el dibujo, como el manejo del lápiz, el trazo, la perspectiva, el sombreado y la representación del movimiento. Se proporciona una guía paso a paso para cada técnica, facilitando su comprensión y aplicación.Dibujo de objetos en 3D: Se enseñan métodos para representar objetos tridimensionales en una superficie bidimensional, utilizando la perspectiva y el sombreado para crear una ilusión de profundidad y volumen.Perspectiva: Se exploran los principios básicos de la perspectiva para representar el espacio y la profundidad en los dibujos.Movimiento: Se abordan técnicas para representar el movimiento en los dibujos, dando vida a las figuras y escenas.Sombras: Se explican las técnicas de sombreado para añadir volumen y realismo a los dibujos.Creación de paisajes urbanos: Se incluyen actividades para dibujar paisajes urbanos, aplicando las técnicas aprendidas para representar edificios, calles y otros elementos del entorno.Autorretratos: Se guía al lector en la creación de un autorretrato, combinando las técnicas aprendidas para representar la propia imagen de forma creativa.Desarrollo de la creatividad: A lo largo del libro se fomenta la creatividad del lector, invitándolo a experimentar y a encontrar su propio estilo. Las actividades están diseñadas para estimular la imaginación y la expresión personal.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro ¡NO SÉ DIBUJAR!Aún no hay opiniones o críticas sobre ¡NO SÉ DIBUJAR!.
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Al despertar, lo primero que percibimos es el tacto de nuestras sábanas, la luz con la que nos envuelve lalámpara que encendemos, la forma y color de la vajilla del desayuno... Desde ese momento y hasta terminarel día, cuando cerramos de nuevo los ojos sobre el textil de la almohada, nuestro cuerpo se habrá topadoy desenvuelto con una infinidad de objetos diversos.Se trata de cosas modestas, comunes y ordinarias, queusamos constantemente sin prestarles apenas atención. Pero los objetos son también unos compañeros constantes en nuestra vida y, como tales, afirma Soetsu Yanagi, deben hacerse con cuidado y fabricarse para queduren. Deben ser tratados con respeto e incluso afecto. Y deben aunar perfectamente belleza y utilidad. Soetsu Yanagi es un pensador imprescindible hasta ahora inédito en castellano, y una de las voces clave delsiglo XX en llamar la atención sobre el valor de losobjetos cotidianos y la artesanía anónima. Este libro, que recopila los ensayos breves del crítico japonés, nos enseñará a mirar con nuevos ojos a nuestro alrededor y a admirar el increíble valor material e intangible de las creaciones anónimas, siempre bellas y honestas, que forman parte de nuestra vida cotidiana.
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Publicado en su totalidad, el diario de Frida Kahlo refleja los últimos diez años de una vida turbulenta. Este documento, a veces apasionado, otras sorprendente e íntimo, custodiado bajo llave durante aproximadamente cuarenta años, revela nuevos rasgos de la compleja personalidad de esta destaca-da artista mexicana. Editado por la Vaca Independiente, este personal documento editado en un facsímil a todo color, aporta un nuevo enfoque para comprender mejor la original y enérgica visión del mundo de esta mexicana.El facsímil está acompañado por una introducción del prestigioso escritor mexicano Carlos Fuentes y una transcripción del contenido del diario. Finalmente, el libro incluye un ensayo de Sarah M. Lowe sobre la importancia de estas memorias en la obra total de Frida Kahlo y en la historia del arte en general, así como una serie de comentarios de la escritora sobre las imágenes.
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Edición inspirada en el libro original Tomon Hyakka (Cien diseños de cosas hermosas de la capital), de 1891, conservado en el Gabinete de dibujos, estampas y fotografíasdel Museo Nacional del Prado. El Tomon Hyakka es un espléndido conjunto de diseños p
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Cambiar el mundo, cambiar la vida'' era el mensaje utópico que el arte moderno transmitía abierta o veladamente, un mensaje que a comienzos del siglo XXI puede parecer a muchos obsoleto pero que formulado en los términos de Walter Benjamin adquiere una actualidad insospechada.A partir de ahora el lector en español dispone del texto mas completo de este ensayo de Benjamin, pues esta nueva edición recoge los principales pasajes de las diferentes versiones que resultan excedentes o divergentes respecto de la versión básica.
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Existe la creencia, casi unánime, de que los artistas tienen una personalidad distintiva y de que siempre son y han sido egocéntricos, caprichosos, románticos, rebeldes, informales, licenciosos, estrafalarios, obsesionados por su trabajo y de difícil convivencia. Los historiadores del arte han contribuido poco a este tema, pues no consideran que el psicoanálisis sea útil para las investigaciones históricas, lo que en cierto modo les ha privado de un conocimiento más profundo, tanto del comportamiento de los artistas antiguos y modernos como de sus obras. Se trata, pues, de investigar cuándo, dónde y por qué se creó una imagen típica del artista en la mente del público en general y cuáles han sido sus rasgos distintivos y fortuna crítica. La respuesta se ha buscado en el maremágnum de fuentes históricas: biografías, cartas y documentos, es decir, que la investigación está enfocada rigurosamente hacia la documentación histórica.
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La conmovedora historia de un vigilante de museo que encuentra consuelo y significado en su día a día entre los pasillos del Museo Metropolitano de Arte. Una obra imprescindible para los amantes del arte.Millones de personas suben cada año la gran escalinata de mármol para visitar el Museo Metropolitano de Arte, pero solo una privilegiada minoría tiene acceso ilimitado a todos sus rincones y recovecos: son los vigilantes, que deambulan discretamente en trajes azul marino, con un ojo atento al tesoro de 185.000 metros cuadrados. Absorto en el inicio de su glamorosa carrera en The New Yorker, Patrick Bringley nunca imaginó que acabaría siendo uno de ellos. Todo cambió cuando a su hermano mayor le diagnosticaron un cáncer terminal, momento en el cual sintió la imperiosa necesidad de alejarse del bullicio cotidiano. Así, dejó el semanal y buscó consuelo en el lugar más bello que conocía. Para su sorpresa, y para deleite del lector, este refugio se convirtió en su segundo hogar durante una década. Lo seguimos mientras custodia delicados tesoros desde Egipto hasta Roma, pasea por los laberintos bajo las galerías, desgasta nueve pares de zapatos y se maravilla ante las bellas obras bajo su cuidado. Bringley entra en el museo cual fantasma, silencioso y casi invisible, pero pronto encuentra su voz y su tribu: las obras de arte y sus creadores, y la vívida subcultura de los vigilantes del museo ''un magnífico mosaico de artistas, músicos, operarios incondicionales, inmigrantes, bromistas y soñadores ''. Conforme se fortalecen sus vínculos con sus colegas y con el arte, llega a comprender lo afortunado que es al vivir entre las paredes de ese pequeño universo que tanto se asemeja a las mejores facetas de nuestro mundo, al que regresa con gratitud de manera gradual. Toda la belleza del mundo es un retrato sorprendente e inspirador de un magnífico museo, sus tesoros ocultos y las personas que lo mantienen en funcionamiento, escrito por uno de sus más íntimos observadores.
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El dibujo ha sido durante siglos una práctica desdeñada, perseguida o relegada a los márgenes del arte. Sin embargo, mientras los grandes museos llenaban sus salas de óleos monumentales, generaciones de dibujantes e ilustradores creaban las imágenes que han dado forma a nuestra memoria colectiva. Carlos Cubeiro, experimentado ilustrador y profesor, traza un brillante recorrido por maestros y épocas, desde los anónimos miniaturistas medievales hasta los innovadores artistas del siglo xx. La primera historia de un arte que, pese a su omnipresencia en nuestra vida cotidiana, ha permanecido invisible en los grandes tratados. A través de estas páginas desfilan los autores que redefinieron la ilustración científica, los maestros que elevaron la caricatura a arte de guerra, las creadoras que abrieron caminos prohibidos y los visionarios que transformaron el libro infantil. Profundiza en figuras esenciales como Dürer, Blake, Doré o Steinberg, analiza fenómenos como el impacto del ukiyo-e en el arte occidental y explora territorios poco transitados: los pliegos de cordel, las revistas satíricas, los cuadernos de viaje o la ilustración de los grandes clásicos literarios. El recorrido abarca desde la abadesa Herrada de Landsberg, primera directora de arte, hasta las revolucionarias portadas del Saturday Evening Post o The New Yorker. Examina el trabajo de los ilustradores científicos que dieron cuerpo al conocimiento, los caricaturistas políticos que sacudieron conciencias, y artistas como Edward Gorey o Roland Topor, que crearon universos visuales únicos. Un libro riguroso y exhaustivo que destaca la relevancia histórica de la ilustración y el dibujo, reivindicando su merecido lugar en la historia del arte. La línea y el trazo no son meros instrumentos subsidiarios, sino lenguajes primordiales que han dado forma a nuestros sueños, que nos devuelven a ese instante de asombro, ese momento preciso en que una línea sobre el papel deja de ser una marca para convertirse en una ventana a otros mundos. Esperamos que al recorrer estas páginas sienta ese cosquilleo especial que surge cuando un libro nos hace ver el mundo con ojos nuevos, porque esta historia es, en el fondo, la historia de cómo hemos aprendido desde niños a ver, a imaginar y a soñar.
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Nuestra casa debería ser siempre nuestro hogar, transmitir lo que somos y aportarnos esa seguridad de estar en nuestra ''zona de confort''. Sin embargo, a veces vivimos en continua pelea con nuestro lugar de descanso, intentando adaptarnos a sus limitaciones y deseando otro espacio mejor o más grande. Este libro te enseña todos los trucos para conectarte emocionalmente con tu hogar y crear espacios adecuados y perfectos para ti partiendo de distintos supuestos. Partiremos de todos los casos, desde cómo elegir el lugar donde construir una casa, qué mirar cuando vas a comprar algo ya construido o cómo modificar tu propio hogar, cuando ya lo tienes. Con sencillos pasos y trucos, Kike te da las claves para que algo tan sencillo como cambiar un mueble o usar un color en un espacio concreto, pueda cambiar la percepción de las cosas y hacerte sentir más feliz y a gusto en tu casa.
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Parcs i espais naturals de Catalunya
Parcs de Catalunya és el resultat d’una passió. La passió de conèixer, d’explorar, de descobrir … I també és el resultat d’hores d’espera, de llargues caminades, de la pluja i el fred i de la brisa suau i carregada del dolç aroma de primavera. La passió de viure en contacte amb la natura, de sentir que formem part d’ella, de fondre’ns en el medi i sentir-nos petits en la immensitat del paisaje.Los parcs, que és com s’anomenen de forma genèrica els espais protegits, són les catedrals de la natura. Són els paratges en els quals s’expressa amb plenitud i on la podem sentir en l’aire que respirem i en la llum que ens cega. Si aquestes pàgines us encomanen només una mica d’aquesta passió, hauran valgut la pena les hores d’espera, les llargues caminades i el vent i el fred …
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Sopa de tomate contra un Van Gogh, manos pegadas a los marcos de un Goya. ¿Vandalismo ciego o el acto de protesta más lúcido de nuestro tiempo? En este ensayo tan deslumbrante como provocador, el historiador del arte Manu Martín argumenta con una contundencia arrolladora que la profanación de los símbolos no es un sacrilegio, sino una herramienta histórica de protesta y crítica sin parangón. «Una herejía ilustrada» que demuestra que, para rescatar el arte, a veces hay que «atacarlo». Con la precisión de un bisturí, Martín disecciona el concepto de «Patrimonio» para revelarlo como lo que a menudo es: una poderosa «religión civil». Una fe que nos enseña a venerar una cultura de élites mientras esteriliza las obras en templos-museo. Frente a esta liturgia, reivindica un patrimonio vivo, y por lo tanto político, que lejos de ser un panfleto se muestra como un riguroso recorrido histórico que va desde las «hogueras de las vanidades» del florentino Savonarola, hasta las sufragistas que acuchillaron la «Venus del espejo» para defender los cuerpos reales de las mujeres, llegando a los activistas que hoy usan el Prado y otros museos como altavoces globales. Martín demuestra que estas acciones no atacan el arte, sino que lo utilizan -además, sin dañarlo de manera real- para devolverle la vida que la institución les ha arrebatado. «Contra el patrimonio» es un manifiesto que nos invita a cometer el acto más liberador: dejar de rezar ante la cultura para empezar a usarla. Una obra valiente, polémica y destinada a convertirse en una referencia ineludible para entender las batallas culturales de nuestro presente.
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Desde pequeños carboneros, petirrojos o jilgueros hasta imponentes ejemplares de cuervos o búhos, AVES EN EL ARTE ofrece una variada selección de obras en las que el ave es el gran protagonista. Artistas como Picasso, Klimt, Dürer, Degas o Magritte, entre muchos otros, rindieron homenaje a estos curiosos y distantes animales, cuyo simbolismo es hoy más potente que nunca y cuyas representaciones incluyen elementos tan dispares como lo salvaje y lo doméstico, lo depredador y lo bello, la tierra y el aire.
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Pocos autores han sabido desentrañar las conexiones secretas entre el arte, la política, la memoria y la muerte con la lucidez de John Berger. Esta colección de ensayos es la mejor puerta de entrada a su pensamiento.Antes de convertirse en uno de los intelectuales más influyentes de nuestra época, John Berger quiso ser pintor, quizá por eso, cuando escribía, más que escribir pintaba con las palabras. Por eso, cuando en estas páginas escribe sobre cubismo, no sólo escribe acerca de Braque, Léger, Picasso y Gris, sino también de ese milagroso momento al inicio del siglo pasado cuando el mundo convergía alrededor de un prodigioso sentimiento de esperanza. Cuando analiza el trabajo de Modigliani, ve el amor infinito que se revela en las alargadas líneas de la figura pintada. Recreándose desde el Renacimiento hasta la conflagración de Hiroshima, desde el Bósforo hasta Manhattan, desde los tallistas de un pequeño pueblo de Francia hasta Goya, Durero y Van Gogh, y desde sus experiencias personales de amor y pérdida hasta los levantamientos políticos que definieron el siglo XX, este libro nos incita a mirar con la misma tolerancia, coraje y compromiso moral con que mira su autor.El sentido de la vista no es una simple antología: es un completo mapa del pensamiento de un verdadero maestro de nuestro tiempo. Con la mirada de un pintor y la voz de un poeta, Berger nos enseña a descifrar y transformar el mundo. Una lección de lucidez, humanidad y compromiso teórico.
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El artista y profesor Rod Judkins incorpora en esta segunda edición nuevas historias de grandes mentes creativas que no dejan de sorprendernos e inspirarnos. Una empresa de buceo se enfrenta a la quiebra porque los tiburones han infestado el área, ¿la solución? Abrir la primera escuela de buceo extremo del mundo. Conocer cómo Robert de Niro convenció a Martin Scorsese para rodar una nueva película, el desconcierto que causó Salvador Dalí en el programa televisivo 'What's My Line?' o por qué es técnicamente imposible ser tan bueno como Miguel Ángel, entre muchas otras historias increíbles, nos permitirá acceder a las claves de las grandes mentes y convertir la creatividad en nuestra forma de vida.
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Delve into the mystical world of Swedish artist Hilma af Klint, whose work from the early 20th century has only recently gained critical attention. An early pioneer of abstraction, af Klint created immersive, colorful paintings filled with geometric variations and biomorphic shapes.
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Pepe Espaliú es una de las figuras clave del panorama artístico de finales del siglo XX, así como un pionero en la lucha por la visibilidad de las personas con VIH en nuestro país.En una época en la que el silencio social e institucional con respecto a la pandemia del sida era sinónimo de muerte, este artista cordobés se convirtió en la primera persona pública en verbalizar en España su estado a través de un medio de comunicación. El artículo que publicó en El País el 1 de diciembre de 1992 fue acompañado de su famosa intervención artística Carrying, una acción que evidenció la necesidad de las personas con VIH de sentirse apoyadas tanto por su entorno como por los organismos públicos, que en aquellos momentos miraban hacia otro lado.Pero este libro no solo celebra al gran artista que fue Pepe Espaliú. También es un lugar para testimonios personales, algunos de ellos alejados del eurocentrismo reinante, además de para enunciar otras formas de representación cultural del VIH con artistas como Alberto Cardín, las Yeguas del Apocalipsis, Wojnarowicz o La Radical Gai, entre otros.Pepe Espaliú. Visibilidad, experiencias y construcciones culturales en torno al VIH es una obra que pretende reivindicar el papel del arte en la lucha contra el silencio y darle su lugar dentro de la memoria histórica de las minorías. No en vano, estas expresiones artísticas fueron la semilla, en colaboración con otras disciplinas, para que muchas personas, incluso hoy, hayan conseguido plantarle cara al estigma que acompaña al VIH.
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En 1912 el arquitecto Frank Lloyd Wright (1867-1959) publicó en Chicago un breve ensayo con el título La estampa japonesa: Una interpretación. Para entonces ya era un prestigioso arquitecto y sus viajes, primero por Japón y después por Europa, fueron de
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Sorolla tiene un don extraordinario para la pintura, un dominio de la misma que va mucho más allá del virtuosismo para, con ánimo sereno y radiante, adentrarse en un arte capaz de plasmar lo voluptuoso de los sentidos, el fulgor de la luz, la alegría de la vida.verdad de su instinto. Es un primitivo clásico.orillas de un pantano, los absorbe como una esponja. Allí se rinden al lodo, a las flores de jazmín, a la música, a la extrañeza del idioma y al insoportable verano, pero, sobre todo, se dan de bruces con la descarnada realidad del comercio de seres humanos, un mercado que nunca se detiene. Descubrirán que Nueva Orleans es una colmena de identidades heterogéneas donde se venden mujeres apresadas por las calles y donde el capitalismo muestra su pulsión primitiva, la más esperpéntica.cenas cotidianas en las que ante todo importa lo que no se dice, Miguel Dueñas va trazando un relato, delicado y turbador a la vez, sobre los secretos familiares y sobre el quiebre de esa aparente normalidad que nos protege del caos.«Una trama bien trazada, con una prosa persuasiva y cuidada que nos envuelve+.Mara Malibrán, Mujer Hoy. retrato de la humanidad en una época de violencia, exuberancia y miedo.Quizá se trate de que nos enfrentamos a todo con demasiada prisa: estos poemas ensayan otros ritmos.o por rituales sangrientos, pistolas, dinamita y cuchillos. En general, no es tanto como parece y, al mismo tiempo, hay mucho más de lo que vemos. Porque en España, este país nuestro tan «tenebroso+ y goyesco, abundaron las asociaciones conspirativas sin rostro conocido, desde la legendaria Garduña, el Angel Exterminador, la malagueña Secta del Perrito o la Sociedad del Anillo, hasta una sociedad secreta deà bailarines. O la misteriosa Estrella Solitaria granadina, de la que reproducimos un espectacular reportaje, que incluye fotografías en las que se ve al asustado periodista junto a individuos sectarios y encapuchados. Junto a un periódico desplegable gigante dedicado a Taxil en España y su sociedad secreta Palladium, se incluye un Diccionario Secreto con términos, expresiones y nombres clave sobre ocultismo, teosofía, filosofía hermética y anarquismo, y un gran póster a todo color obra de Pablo Gallo, todo ello para cartografiar a nuestra España más tenebrosa.
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Si alguna vez te has embarcado en un proceso creativo, muy probablemente te hayas topado con dudas, miedo ante la página en blanco, sensación de fracaso, el peso de las convenciones… Se trata de factores tremendamente bloqueantes, forjados y anclados en nuestra mente, que no hacen más que entorpecer nuestro fluir creativo.A través de distintas anécdotas y experiencias del mundo del arte, la filosofía, la naturaleza y la neurociencia, el experto en creatividad Richard Holman nos ayuda a detectar y entender cada uno de nuestros demonios creativos y a construir una armadura mental para hacerles frente. Leonardo da Vinci, Marina Abramović, J. K. Rowling, el Dr. Seuss o Herbie Hancock nos acompañan en este camino, un proceso de aprendizaje y autoconocimiento que tiene un solo objetivo: decir adiós a tus demonios.
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¿Por qué causó rechazo el Juicio Final de Miguel Ángel? ¿Qué se esconde detrás de la pincelada atormentada de Munch? ¿Pudo incitar Goya a un suicidio pasivo a Torrigiano? ¿Hay arte en las esculturas de Koons, o en la genialidad de Duchamp?¿Por qué hubo tantos artistas suicidas, desde el Renacimiento al siglo XX? ¿Qué llevó a muchos creadores a autorretratarse de forma obsesiva, anticipándose en siglos al selfie del siglo XXI? ¿Qué redes sociales hubieran empleado los pintores del Barroco si hubieran vivido en nuestros días? ¿Por qué creó rechazo la representación del vello púbico femenino en milenios de historia? ¿Qué provoca el repudio de una obra de arte en un determinado contexto histórico y provoca su triunfo en un periodo posterior? ¿Qué mueve a alguien a atentar contra un cuadro o una escultura? ¿Por qué se silenciaron las facetas escabrosas de muchos creadores, sus tendencias violentas, sus engaños? ¿Qué impidió la representación de la realidad cuando se levantaba la bandera del decoro, ignorándose que Cristo fue crucificado desnudo, o que tuvo una infancia como la de otros niños? ¿Cuándo murió el arte? ¿Con el inodoro de Marcel Duchamp? ¿O con las heces enlatadas de Manzoni?La historia del Arte oculta numerosos aspectos, hechos omitidos y detalles silenciados que configuran esta enciclopedia paralela, en la que tienen cabida las mujeres —olvidadas durante siglos—, las enfermedades que sufrieron los creadores, o las mil y una circunstancias que suelen pasar desapercibidas en manuales que siguen manteniendo una concepción decimonónica, académica y parcial, del estudio del arte.
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La Historia del Arte con uno de los grandes divulgadores de España: @ElBarroquista. Cualquiera que haya visitado un museo o haya hojeado un libro sobre arte habrá escuchado o leído frases rimbombantes y categóricas como «Nos encontramos ante la gran obra maestra del siglo XX», «Este artista es un genio» o «Aquella pintura cambió el mundo». Esta concepción de la creación artística -basada en la aceptaciónde un canon preestablecido que privilegia unos estilos específicos y encumbra unas firmas concretas-, lejos de favorecer el aprendizaje y hacer el arte más accesible, ha encorsetado el placer del público generaly ha condicionado su gusto. En este libro, elhistoriador del arte Miguel Ángel Cajigal Vera -conocido como El Barroquista en su labor divulgativa- propone una nueva manera de acercarnos a esta disciplina y nos invita a disfrutar del arte sin prejuicios y con total libertad. Otra historia delarte es un ensayo estimulante que nos abre las puertas al museo particular del autor, donde conoceremos historias fascinantes y obras personalísimas, como las de Maurizio Cattelan, Teresa Margolles, Piero Manzoni o Fiona Banner, junto a piezas muy reconocidas de Guo Xi, Frida Kahlo o Artemisia Gentileschi. Y tras finalizar la lectura comprenderemos por qué no pasa nada si no nos gustan Las meninas.
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Yoai, la conocida artista de Instagram, ha vuelto para enseñarte no uno, sino dos populares estilos de dibujo japonés. Un recurso habitual en el anime y el manga es convertir a los personajes en su versión chibi como contrapunto cómico, especialmente cuando expresan emociones. En Dibuja anime y chibis, Yoai te enseña a crear sus característicos y simpáticos personajes de anime y sus versiones chibi, tanto las nociones básicas para dibujar el cuerpo, la pose y los rasgos faciales como técnicas para diseñar la ropa y el pelo.Con los 20 tutoriales de nivel básico, intermedio y avanzado, aprenderás a dibujar paso a paso del modo tradicional —utilizando lápiz y pluma y coloreando con rotuladores y lápices de colores— y digitalmente, con programas de dibujo estándar.E incluso podrás ir un paso más allá y combinar ambos medios. Gracias a los abundantes consejos y técnicas de dibujo, así como a la inspiradora galería y las páginas para colorear, pronto estarás llenando tus cuadernos, artículos de papelería e ilustraciones con tu propio universo de personajes anime y chibi.Dibuja anime y chibis: ¡el curso que estabas esperando!
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Más allá del dibujo académico, existe un manera de dibujar más espontánea e intuitiva. Este manual es una invitación a perder el miedo a manchar el papel, explorar y crear libremente. A partir de tres movimientos, tres manchas de acuarela superpuestas, aprenderemos a dar vida a 15 animales y nos adentraremos en las infinitas posibilidades de la mancha y el trazo. ''Cada uno de los animales de este libro es un reto, una oportunidad para aprender a explicarlo reduciéndolo a mancha y trazo, un proceso de desaprendizaje y de deconstrucción.''
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Dedicarse a la creación artística no es tarea fácil. A menos que seas un genio -y los genios nacen cada cien años- hacer arte es una auténtica carrera de obstáculos en la que la realidad y tú mismo se interponen en el camino. Tener talento, pasar de la imaginación a la obra, contar con la aprobación de los demás, mantener hábitos de trabajo, ganarse la vida. Los miedos y situaciones propios de la vida del artista son muchos y cotidianos, y estas páginas los repasan a través de breves píldoras reflexivas que desactivarán tus bloqueos y pudores.Desde su propia experiencia como artistas, David Bayles y Ted Orland te ofrecen esta serie de reparadoras y estimulantes sesiones de terapia. Con ellas, por fin, podrás hacer arte sin miedo a los peligros (y las recompensas) del mundo real.
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Como señalo Herbert Read, Arte y percepción visual -cuya primera edición data de 1954- fue «el primer intento sistemático de aplicar a las artes visuales los principios de la psicología de la gestalt». Desde un enfoque eminentemente práctico, Rudolf Arnheim -nacido en Berlín en 1904, catedrático de Psicología del Arte en la Universidad de Harvard desde 1968- deslinda los componentes básicos de la obra de arte, basándose en los resultados de numerosos estudios experimentales y mostrando la universalidad de factores como el equilibrio, la tendencia a la forma más simple y el fenómeno de figura y fondo. En esta nueva versión -completamente revisada- el texto original ha ganado en precisión, conservando al tiempo la claridad de lenguaje que lo hace accesible al lector no especializado.
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Cuando irrumpió sobre sus fundadores como una ola cargada de sueños, el surrealismo se anunció como el más cabal, concluyente y absoluto de los movimientos. Hizo suyo cuanto tocaba.
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Para el franquismo, la República era la enemiga del patrimonio y de la religión, cuyo poder estaba controlado por los ''rojos'', y en su territorio dominabala barbarie, el caos, la iconoclasia y el robo de los bienes patrimoniales. Sin embargo, esta acusación,que mantendría con insistencia machacona durante todasu existencia, escondió durante décadas la labor desalvaguarda republicana de las obras de arte y su destino en la inmediata posguerra.El autor de este libro(reconocido experto en el estudio del devenir del patrimonio durante la guerra y la posguerra en España ydirector de varios congresos internacionales sobre el tema, el último celebrado en el Museo del Prado en2019) llevaba años planteándose cuál había sido el destino durante el primer franquismo de las miles de obras salvadas y almacenadas por la República durante la guerra. Tras la concesión de dos proyectos de I + Ddedicados a este ámbito y después de cinco años de investigación, vierte aquí los sorprendentes resultados.Parte del estudio de las políticas republicana y franquista durante la guerra para centrarse en el destino que los gestores franquistas les depararon a estasobras en la inmediata posguerra. El núcleo esencialdel libro analiza la gestión franquista de aproximadamente 17.000 obras almacenadas por la República, quefueron devueltas en muchos casos a sus propietarios,aunque una gran cantidad fueron desviadas hacia otrosdestinatarios, que sin embargo reconocían en muchoscasos como suyas. Supone una novedad investigadora inédita el estudio de las entregas en depósito de milesde estas piezas a museos, a organismos, a la Iglesiae incluso a particulares, lo que produjo el expolio,la diáspora y la desaparición de numerosas obras. Enmuchos sentidos, este expolio franquista tiene paralelismos indudables con el realizado por los nazis enlos mismos años. Es el arte como botín de guerra.
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Cesc, cartellista
Un llibre que ens convida a (re)descobrir l'obra d'un dels artistes més importants de la nostra història. «Cesc, fill del gran dibuixant del Noucentisme D'ivori, va fer un pas endavant i va deixar de banda els tics repolits d'aquesta herència per endinsar-se en una realitat històrica i social pròpia dels seus temps, com era lluitar contra una dictadura, sempre amb contenció per no alertar la censura. Cesc va saber crear un codi propi gairebé sempre basat en la figura humana en totes les seves etapes, sovint mostrant la convivència de generacions. Aquest nou llibre sobre Cesc era necessari perquè cobreix vessants fins ara no recollides, com ara treballs fungibles, publicitat, felicitacions de Nadal, promoció de la lectura i de la recuperació de la llengua catalana, etc. I en tots els camps Cesc és imaginatiu més enllà dels tòpics. [...] Però la seva essència és el ninot, seguint l'estela dels ninotaires catalans. El dibuix a ploma, fluid, sempre amb gestualitat expressiva, convida a la reflexió empàtica. És el gran sociòleg de la Catalunya del franquisme. Parli d'anar a escola o de marxar de vacances, el seu compromís polític, és a dir amb la polis, és sempre present.» Daniel Giralt-MiracleCesc va ser un dels grans cronistes del seu temps, d'un humor no càustic, que representava totes les classes socials sense malícia.
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¿Sabía que en las entrañas de la catedral de Sevilla se esconde un cocodrilo gigante disecado? ¿Que el Papamoscas de Burgos no es el único que existe? ¿Que el Santo Grial está en la catedral de Valencia? ¿O que al arquitecto de la catedral de Granada se l
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Mary Beard y John Henderson nos descubren en este libro el mundo antiguo de Grecia y Roma como nunca lo habíamos imaginado, con sus esculturas pintadas de brillantes colores y sus edificios totalmente decorados con frescos y mosaicos.Su análisis, revelador y emocionante, recorre las delicadas pinturas de las villas pompeyanas, aventura cómo debieron ser las estatuas en todo su esplendor cromático, revela cuál era el sentido de la desnudez femenina en el mundo clásico y nos sorprende con la utilidad que tuvieron los monumentos. Así, nos demuestra cómo las innovaciones artísticas de la Antigüedad se han convertido hoy en las convenciones de nuestra cultura.Nuevo prólogo a esta edición de Mary Beard.
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Los libros de arte son publicaciones impresas que exploran las distintas disciplinas artísticas desde una perspectiva histórica, estética y cultural. Los libros de bellas artes permiten profundizar en movimientos, técnicas y artistas fundamentales, ofreciendo una experiencia visual y reflexiva a través del formato en papel. Su cuidada edición facilita una lectura pausada y la contemplación detallada de imágenes y contenidos.
¿Qué son los libros de arte?
Los libros de arte reúnen estudios, ensayos y reproducciones que analizan obras, corrientes y contextos históricos relacionados con las artes visuales.
Definición
Incluyen contenidos sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografía y otras disciplinas artísticas, abordadas desde enfoques académicos o divulgativos.
Valor editorial
El formato en papel permite apreciar la calidad de las reproducciones, la maquetación y el diseño, elementos esenciales en los libros de bellas artes.
Cómo elegir libros de bellas artes
Seleccionar libros de arte implica tener en cuenta la disciplina artística, el periodo histórico y el nivel de profundidad del contenido.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca un estudio general, un monográfico dedicado a un artista concreto o un análisis de un movimiento artístico específico.
- Historia del arte universal.
- Monografías sobre artistas destacados.
- Guías sobre técnicas artísticas.
- Ensayos de teoría y crítica de arte.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de arte en formato papel presentan distintos enfoques editoriales y formatos.
Tipos de libros y contenido
- Catálogos de exposiciones.
- Estudios académicos y ensayos críticos.
- Libros ilustrados con reproducciones de obras.
- Manualidades y técnicas de bellas artes.
Estas publicaciones permiten comprender la evolución de las artes y su impacto cultural.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de bellas artes en papel favorece la educación estética y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Apreciación estética
Los libros de arte permiten observar detalles, estilos y técnicas que enriquecen la comprensión visual.
Formación cultural
Estas obras contribuyen a contextualizar movimientos artísticos y su influencia en la sociedad.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de arte?
Los libros de arte están dirigidos a lectores y lectoras interesados en las artes visuales y su evolución histórica.
- Estudiantes de bellas artes e historia del arte.
- Docentes y profesionales del ámbito artístico.
- Personas interesadas en la cultura visual.
- Lectores que desean ampliar su conocimiento artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de arte
¿Qué incluyen los libros de arte?
Incluyen estudios históricos, ensayos críticos y reproducciones de obras relacionadas con distintas disciplinas artísticas.
¿Qué diferencia a los libros de bellas artes de otros libros culturales?
Se centran específicamente en disciplinas artísticas y suelen incluir material visual de alta calidad.
¿Cómo elegir un libro de arte adecuado?
Es recomendable considerar la disciplina artística, el enfoque del contenido y el nivel de profundidad.
¿Por qué elegir libros de arte en formato papel?
El formato en papel permite apreciar mejor las imágenes, la calidad de impresión y el diseño editorial.