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Libros de arte
En Abacus disponemos de una gran selección de libros de arte para despertar las dotes creativas y artísticas tanto de niños como de adultos. Compra libros de arte online. En la sección libros de arte, encontrarás una amplia colección de bibliografía sobre una gran variedad de temas, como por ejemplo: la historia del arte, el origen, el simbolismo y curiosidades sobre los colores pantone, los principios básicos del color y la armonización cromática o la museografía, entre otras disciplinas artísticas. Además, disponemos de libros sobre lenguaje visual, estampa japonesa, fomentar la creatividad o para aprender a dibujar retratos, entre muchos otros. ¡Descúbrelos todos en Abacus!
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A camp obert
La cultura és un camp obert, un espai que, per definició, no es deixa tancar, és inestable i genera interrogants, crea nous llenguatges i referents, i transita per itineraris que cal descobrir i explorar. Les pràctiques i les disciplines que hi intervenen es creuen, es nodreixen entre elles, i malden per trobar sentit al subjecte humà i la seva contemporaneïtat, que sovint és una realitat heterogènia, contradictòria i canviant. De les noves mitologies a la reflexió sobre la intel·ligència artificial, del teatre a l'arquitectura, el cinema i la creació artística i literària, de la sociolingüística a la ciència i la tecnologia, aquest volum recull una sèrie d'assaigs breus que dibuixen, en conjunt, allò que avui podríem entendre per cultura, sense voler limitar-la ni esgotar-ne totes les potencialitats. I és, sobretot, un estímul per pensar, a partir de la singularitat de cada mirada, com ens situem al món des del coneixement, la creativitat i la imaginació.
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La moda española en la epoca de Velazquez reconstruye la vida y obra de Mateo Aguado, el hasta la fecha desconocido sastre que creo los llamativos vestidos que confirieron a la corte espa ñola su aspecto caracteristico durante el reinado de Felipe IV. Como sastre de camara de la reina desde 1630 hasta su muerte en 1672, Aguado diseño las iconicas prendas inmortalizadas en los retratos pintados por Diego Velazquez de las reinas Isabel de Borbon y Mariana de Austria, y de las infantas Maria Teresa y Margarita. Basado en una meticulosa investigacion en el Archivo General de Palacio de Madrid, este libro, profusamente ilustrado, da vida al mundo de los artesanos de la corte y detalla por primera vez las prendas y accesorios que con feccionaron para sus patronos reales. Los trajes que Mateo Aguado diseño para la Casa Real dieron forma a una nueva vision del estilo español -y de la españolidad- que sigue siendo re conocible al instante y continua inspi rando a diseñadores de moda y artistas en la actualidad.
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En este manual paso a paso, el artista Ernest R. Norling nos acerca de forma sencilla y eficaz a los conceptos fundamentales de las leyes de la perspectiva. Con su método en veinte pasos, y a través de más de doscientas cincuenta ilustraciones claras y precisas, Norling desentraña las bases del dibujo que nos permitirán crear a mano alzada todo tipo de paisajes y edificios sin caer en representaciones rígidas y mecánicas.
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Un ensayo ilustrado de vanguardia de 75 tatuadores contemporáneos de todo el mundo que están traspasando los límites de su forma de arte.Con casi 700 imágenes, tatuaje: Una nueva generación de artistas muestra 75 estrellas en ascenso que están redefiniendo la industria. El primer libro de este tipo, Tatuaje, presenta artistas seleccionados por un panel global de expertos, incluidos algunos de los nombres más importantes del tatuaje, como Grace Neutral, Claudia De Sabe, Matt McCormick, Tamara Santibañez, Lal Hardy, Marisa Kakoulas, Matt Lodder. , Tann Koga (Ink the Diaspora) y Jay Freestyle.Cada artista va acompañado de una selección de imágenes que ilustran su trabajo, junto con un perfil en profundidad que profundiza en sus influencias, su proceso creativo y cómo están transformando el mundo del tatuaje. Desde tatuajes minimalistas, blackwork y neotradicionales hasta prácticas culturales e indígenas, Tatuaje abarca todos los estilos y técnicas, ofreciendo una mirada interna a cómo trabajan los artistas de todo el mundo hoy en día, al mismo tiempo que brinda vislumbres del futuro del tatuaje. como una forma de arte innovadora, accesible y revolucionaria.
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De la mano de las impresionantes pinturas botánicas de Sushma Hegde, esta completa guía es ideal para adentrarse en el arte de la creación floral. A partir de sencillas instrucciones e ilustraciones, encontrarás todo lo necesario para introducirte en esta práctica artística: desde cómo mezclar los colores para obtener matices sorprendentes o cómo jugar con las pinceladas, hasta cómo aprender a observar e interpretar artísticamente la naturaleza para plasmarla sobre el papel.
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El Siglo de Oro de la pintura neerlandesa engendró algunos de los mejores artistas y artesanos de la historia, pero pocos pueden presumir del genio y el legado de Rembrandt Harmensz. Van Rijn (1606-1669). A pesar de no haber salido nunca de su Holanda natal, Rembrandt elevó su obra más allá de los límites de su propia experiencia, y creó algunas de las obras de arte más variadas e impactantes, ya fueran retratos, escenas bíblicas y alegóricas, paisajes u obras de género. Cualquiera que sea el formato, las pinturas de Rembrandt están tejidas de sutilezas: cada arruga en el rostro, cada mirada o rasgo transmite un poder emocional sin igual entre sus contemporáneos y discípulos.Cada obra está imbuida de humanidad. Las escenas bíblicas, como El baño de Betsabé, se convierten en una vía de reflexión sobre el anhelo y el alma humana, y van más allá de lo que canonizan las escrituras o se muestra en otras representaciones. Sus retratos, ya sean de mecenas o comerciantes adinerados, comunican la esencia del individuo por medio de delicados rasgos distintivos, con sus rostros bañados en una luz etérea sobre fondos de tonos terrosos. Tal vez lo más sorprendente de su serie de autorretratos sea el propio triunfo de este formato o género. Rembrandt comenzó a pintarlos en su juventud y siguió haciéndolo hasta un año antes de su muerte, y gracias a ellos se observa el proceso introspectivo que lo acompañó toda su vida.Esta monografía tamaño XL reúne las 330 pinturas de Rembrandt Harmenszoon van Rijn en exquisitas reproducciones. El presente volumen muestra la obra pictórica de Rembrandt como nunca antes, desde El festín de Baltasar hasta la Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp.
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Aparecido en 1926, Punto y línea sobre el plano es la continuación orgánica de otro texto de Kandinsky también publicado por Paidós, De lo espiritual en el arte, y debe su origen, en su mayor parte, a la tarea que su autor había asumido en la Bauhaus desde 1922. En efecto, tanto en su pintura como en sus ideas estéticas, Kandinsky mostró siempre una personalidad absolutamente vanguardista y provocadora de acaloradas polémicas. Y, en este sentido, la presente obra es uno de sus trabajos fundamentales, ya que, a la par que una esclarecedora contribución al análisis de los elementos esenciales del quehacer pictórico, constituye una aportación básica a la búsqueda de un método genérico para las investigaciones de las ciencias artísticas. El libro, finalmente, también revela a Kandinsky como un artista apasionado y siempre deseoso de explicar y explicarse las razones primeras y más profundas de esa extraña y singular aventura que es la creación artística.
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Una innovadora propuesta al analizar obras de arte: una búsqueda visual que deconstruye 50 creaciones clave para descubrir los elementos que componen una obra maestra. Una introducción a la historia de la cultura visual que presenta nuevas tipologías artísticas y ofrece una visión renovada de los objetos conocidos. 50 obras que abarcan un extensísimo periodo, que va desde las primeras imágenes creadas por humanos que conocemos, que datan de hace unos 30 000 años, hasta una instalación en la frontera entre México y Estados Unidos realizada en 2017. Un libro que pretende disolver las barreras entre los distintos tipos de artefactos culturales, de forma que junto a la pintura y la escultura -que a menudo se consideran las formas artísticas tradicionales- se analizan dibujos, fotografías, grabados, ornamentos, máscaras, miniaturas y carteles. Como objetivo secundario, se establecen vínculos entre el arte «occidental» y el del resto del mundo. La historia del arte es un tema apasionante, repleto de reglas complejas y de palabras técnicas. Ni siquiera los más avezados diletantes están a salvo del eterno enigma que plantea la forma de pensar el arte. Este libro le ayudará a resolverlo.
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El brillante ensayista que es Oscar Wilde, con su prosa ágil y certera, profunda y desenfadada, a menudo irónica y siempre amena y desbordante de inteligencia, nos ofrece, en estos breves ensayos sobre arte, una deliciosa muestra de su sabiduría. Wilde fue cofundador del movimiento Arts and Crafts (Artes y Oficios), que anticipó las vanguardias artísticas del siglo XX, y expone aquí las ideas centrales de una forma de ver el arte que sigue teniendo hoy pleno vigor. Preconiza la unidad espiritual de las artes y las vincula estrechamente con la artesanía, devolviendo a esta la dignidad artística y la pulsión creativa que clasicismo y romanticismo le habían negado. Vincula el arte a la vida, como algo que otorga sentido a lo cotidiano y que desentraña sus secretos, pone en relación el arte, la arquitectura, el diseño y la artesanía en sentido amplio, aborda temas como la decoración, la escultura, la impresión y la encuadernación de libros, el diseño de ropa... En definitiva, este libro constituye un breve tratado del buen gusto, una sencilla y magistral lección de estética aplicada al arte, al diseño y a nuestra vida, una invitación a abrir los ojos a la belleza que nos rodea y a mirar la vida con la inteligencia estética que predicó Wilde.
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Un complejo léxico ilustrado de términos relacionados con el arte y la arquitectura, en una presentación manejable y práctica para estudiantes, profesores y aficionados a las artes visuales. Cada entrada incluye notas etimológicas, historia, dibujos y ejemplos de los términos descritos.
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¿Una maga que vuela en una escoba? ¿Una hereje condenada a la hoguera? ¿Una mujer fatal que extravía a los hombres? ¿Una experta en el arte de los venenos? La bruja, una figura odiada en la Edad Media, se ha convertido en un icono feminista que encarna el poder y la independencia. Este libro bellamente ilustrado ofrece una colección única de obras de arte en las que las brujas son las protagonistas. Déjate hechizar por la sorprendente selección y descubre las historias míticas sobre las brujas. - Una combinación magistral de obras artísticas y literarias. - Referencias visuales claras, como cronologías y mapas. - Información adicional: anécdotas, contexto e influencias.
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La presente obra constituye un práctico instrumento de consulta para iniciarse en el mundo de la iconografía cristiana. El lector encontrará en ella la información básica sobre los personajes bíblicos y sobre lossantos más importantes y representados en obras de arte. El libro se completa con un índice de temas cristológicos y marianos en donde la historia, la religión y el arte se unen para desentrañar los símbolos o significados que se ocultan detrás de cada representación.
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El acto de mirar es siempre interpretativo: supone el establecimiento de una relación íntima que afecta tanto al observador como al objeto de su mirada. Pese al supuesto distanciamiento que suele exigirse al teórico del arte, Miguel Ángel Hernández lleva años aproximándose así a las imágenes para establecer con ellas un diálogo profundo en el continuum de arte y vida. El resultado son los textos aquí reunidos, a medio camino entre el ensayo, la autobiografía y la narrativa, en los que siguiendo la estela de Benjamin, Sontag y Barthes se exploran cuestiones como el valor de la memoria y su vínculo con el conocimiento, el duelo, la ética de la mirada, las relaciones entre tecnología y deseo, o la percepción subjetiva del tiempo. A través de una prosa atravesada de vivencias, iluminaciones y experimentación literaria, el ejercicio de contemplar imágenes se nos revela como una experiencia vital y transformadora.
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![Paolo Veronese [1528-1588] - Inglés](https://www.abacus.coop/dw/image/v2/BDLM_PRD/on/demandware.static/-/Sites-AbacusMaster/default/dwd9e3eafb/images/large/1552091.12.jpg?sh=240 "Paolo Veronese [1528-1588] - Inglés")
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Publicado con motivo de la exposición Paolo Veronese (1528-1588), celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 27 de mayo y el 21 de septiembre de 2025.Tras las muestras dedicadas a los Bassano (2001), Tiziano (2003), Tintoretto (2007) y Lotto (2018), el Museo del Prado cierra con Paolo Veronese el ciclo expositivo dedicado a la pintura veneciana del Renacimiento, piedra angular de su colección.El catálogo propone un exhaustivo análisis en torno a la figura de Paolo Veronese (Verona, 1528 – Venecia, 1588), un pintor extraordinariamente reconocido y auténtico heredero de Tiziano. Ahonda en las líneas de investigación en torno a Veronese desarrolladas en las últimas décadas, como el afán por situarlo en contextos más amplios (Rafael, Tiziano, Tintoretto, Palladio, etc.), la relación con la clientela (pública o privada), con la arquitectura y la escenografía, el interés por el proceso creativo y el funcionamiento de la bottega, o su legado artístico.Para el Prado, Veronese es más que uno de los grandes nombres de la historia del arte, es un eslabón fundamental en una forma de entender la pintura veneciana, aquella que primó el color sobre el diseño y que constituyó el ADN de la antigua colección real y del actual museo.El catálogo se abre con una introducción a cargo de los dos comisarios de la muestra, Enrico Maria Dal Pozzolo, profesor de la Università di Verona, y Miguel Falomir, director del Museo Nacional del Prado, seguida de once ensayos escritos por especialistas internacionales en la figura del pintor que analizan aspectos de su vida, su proceso creativo y su influencia cultural. Entre los ensayistas están Francesca Trivellato, Ana González Mozo, Michel Hochmann o Deborah Howard. A continuación, una extensa sección dividida en seis partes, precedida cada una de un texto introductorio, en las que se reproducen las 103 obras de la exposición y que recorren cronológicamente la trayectoria del pintor, situando a este además en relación con otros maestros de su tiempo. El libro se cierra con una extensa y precisa Cronología, una Bibliografía y un índice onomástico.
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La conmovedora historia de un vigilante de museo que encuentra consuelo y significado en su día a día entre los pasillos del Museo Metropolitano de Arte. Una obra imprescindible para los amantes del arte.Millones de personas suben cada año la gran escalinata de mármol para visitar el Museo Metropolitano de Arte, pero solo una privilegiada minoría tiene acceso ilimitado a todos sus rincones y recovecos: son los vigilantes, que deambulan discretamente en trajes azul marino, con un ojo atento al tesoro de 185.000 metros cuadrados. Absorto en el inicio de su glamorosa carrera en The New Yorker, Patrick Bringley nunca imaginó que acabaría siendo uno de ellos. Todo cambió cuando a su hermano mayor le diagnosticaron un cáncer terminal, momento en el cual sintió la imperiosa necesidad de alejarse del bullicio cotidiano. Así, dejó el semanal y buscó consuelo en el lugar más bello que conocía. Para su sorpresa, y para deleite del lector, este refugio se convirtió en su segundo hogar durante una década. Lo seguimos mientras custodia delicados tesoros desde Egipto hasta Roma, pasea por los laberintos bajo las galerías, desgasta nueve pares de zapatos y se maravilla ante las bellas obras bajo su cuidado. Bringley entra en el museo cual fantasma, silencioso y casi invisible, pero pronto encuentra su voz y su tribu: las obras de arte y sus creadores, y la vívida subcultura de los vigilantes del museo ''un magnífico mosaico de artistas, músicos, operarios incondicionales, inmigrantes, bromistas y soñadores ''. Conforme se fortalecen sus vínculos con sus colegas y con el arte, llega a comprender lo afortunado que es al vivir entre las paredes de ese pequeño universo que tanto se asemeja a las mejores facetas de nuestro mundo, al que regresa con gratitud de manera gradual. Toda la belleza del mundo es un retrato sorprendente e inspirador de un magnífico museo, sus tesoros ocultos y las personas que lo mantienen en funcionamiento, escrito por uno de sus más íntimos observadores.
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21 hitos que, con humor y claridad, nos ayudan a entender lo que ha ocurrido en el convulso mercado del arte en el primer cuarto del siglo XXI. «Un ensayo vibrante y lleno de sentido que captura el pulso de un arte que ya no quiere ni puede parecerse al del pasado». Joan Fontcuberta La periodista y crítica de arte Laura Revuelta indaga en las claves para entender por qué un plátano pegado a la pared con cinta aislante expuesto en un museo, cuya foto da la vuelta al mundo, puede llegar a subastarse por cifras millonarias pese a que casi todos se ríen de él. Esta obra de Maurizio Cattelan es heredera directa del urinario con el que Marcel Duchamp nos sorprendió el siglo anterior. Ya es hora de dar réplica a la manida frase de «esto lo haría mi hijo», a la que un avispado creador una vez contestó con: «El arte contemporáneo son los padres». Arte parece, plátano es se propone bajar el arte contemporáneo de su pedestal de esnobismo y acercarlo al público para que se ría con él y no de él. O, al menos, para que sepa de qué nos reímos exactamente, y nadie se quede con cara de tonto. En sus páginas no sé da nada por sentado y se repasan y explican algunos de los principales acontecimientos de estos veinticinco años: desde la primera cancelación de Picasso por sus comportamientos machistas hasta la aparición de los NFTS y la Inteligencia artificial. Revuelta no se olvida de creadores fundamentales que siguen muy vivos, como Duchamp y Warhol, de otros que dan que hablar aunque no pasen por su mejor momento, como Damien Hirst y de quienes han producido las imágenes más icónicas de lo que llevamos de siglo (Yayoi Kusama, Alicia Framis, Banksy...). En ese deseo de no dejar ningún charco sin pisar, también se zambulle en temas tan controvertidos como la decolonización de los museos o al activismo climático que pone en el foco mediático las grandes obras.Críticas:«Laura Revuelta nos guía con maestría y precisión por las múltiples capas que conforman el sistema del arte actual, de las guerras culturales a la omnipresencia de las redes sociales, del feminismo al movimiento decolonial».Manuel Borja-Villel «Laura Revuelta ha comprendido enseguida que la gran transformación del siglo XXI es la incorporación de la IA en el arte. Este libro es, sobre todo, una herramienta valiosa para los nuevos creadores y las posibilidades del siglo XXII».Alicia Framis«Un ensayo vibrante y lleno de sentido que captura el pulso de un arte que ya no quiere ni puede parecerse al del pasado».Joan Fontcuberta «Laura ha contribuido a entrenar la mirada, facilitar la comprensión del hecho artístico contemporáneo alejándose de la jerga para hacernos partícipes de la escena e invitarnos a formar parte del entorno y disfrutar plenamente de las manifestaciones artísticas desde sus reflexiones críticas, siempre documentadas, sin apriorismos».Rosina Gómez-Baeza «Laura Revuelta se ha acercado a los procesos culturales desde una perspectiva interdisciplinar en la que ha mezclado la alta y baja cultura concualquier manifestación artística para defender que la cultura es esencial en la formación de ciudadanos críticos».Gloria Moure
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A través de voces diversas—artistas tullides, mediadoras, educadoras y activistas culturales— esta obra aborda los nudos y retos que atraviesan la autorrepresentación y las jerarquías en el campo de las prácticas artísticas vinculadas a la discapacidad, la neurodivergencia, la salud mental o los cuidados, y que han sido profundamente despolitizadas y desautorizadas. Surge de la voluntad compartida de hacerlas visibles desde una relectura crítica del cuidado y la vulnerabilidad, concebidas no como cargas o carencias, sino como potencias políticas desde las que pensar, cuidar, crear y vincularse. Su propósito es compartir experiencias, metodologías, relatos y ficciones críticas que cuestionan las estructuras capacitistas del sistema artístico, concibiendo nuevas formas de relación entre cuerpos, tiempos y saberes, con umbrales diferentes de dependencia, agenciamiento y exposición. Desde esta solidaridad situada, Cosmologías vulnerables traza alianzas que interpelan al museo, la pedagogía crítica y las políticas públicas para articular lo neurodivergente, lo discay lo afectivo como modos legítimos de conocimiento y de acción política.
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Dibujar la naturaleza' es un diario interactivo que incluye retos, proyectos y ejercicios, un nuevo libro de la artista Viktorija Semjonova que te guiará a través de 100 propuestas para que aprendas a dibujar la naturaleza de forma ágil y divertida. Tanto si te estás iniciando en el mundo del dibujo como si eres un artista experimentado que quiere explorar nuevos horizontes, este cuaderno creativo es la ocasión perfecta para inspirarte y aprender nuevos recursos más allá de lo académico, así como para conectar de nuevo con tu creatividad más genuina. A partir de técnicas sencillas y los consejos de la autora, verás cómo vas ganando destreza en el dibujo, aprendes a jugar con el color y, lo más importante, encuentras el que será tu estilo propio. Un nuevo libro para perder el miedo a dibujar y explorar sin límites tu potencial creativo.
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Si estás pensando en hacerte un tatuaje japonés y quieres saber más sobre esta expresión artística de raigambre histórica, ¡no busques más! Este libro sigue los pasos de la historia del tatuaje japonés, situando en su contexto la iconografía y los símbolos. No solo encontrarás tatuajes tradicionales a tebori (hecho a mano) e inspiradoras imágenes de los clásicos dragones, tigres y flores, sino también trabajos modernos inspirados en el anime y mucho más. Incluye entrevistas con artistas especializados en tatuaje japonés y perfiles de clientes tatuados que hablan de lo que significa para ellos el tatuaje japonés. Este libro otorga el respeto y la reverencia que el sagrado y atemporal arte de la tinta merece.
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El Barroquista cierra su trilogía cultural Otra historia con la esperada OTRA HISTORIA DE LA MÚSICA. ¿Qué es la música?¿Por qué calma a los bebés?¿Cómo puede un solo acorde sacudir nuestras emociones, o un ritmo hacernos bailar de manera espontánea?¿Por qué, a pesar de su omnipresencia, la música es considerada muchas veces un ''arte menor''? La música está en todas partes: en las conversaciones cotidianas, en el ruido de la ciudad, en el bullicio de las calles y en los momentos de descanso. Es el lenguaje que nos conecta sin necesidad de palabras, nos emociona, nos moviliza y nos transforma. Desde los cantos de los esclavos africanos hasta la revolución del K-pop, pasando por la transgresión de Rosalía y la pureza matemática de Bach, la música ha sido el motor de historias, celebraciones y tragedias. Como en sus anteriores obras, Miguel Ángel Cajigal (El Barroquista) desmonta en este libro los prejuicios establecidos para desvelar los importantes roles sociales y culturales que la música ha jugado a lo largo de los siglos, mostrando su capacidad para trascender fronteras y cambiar la manera en que experimentamos el mundo. Este tercer volumen de la trilogía cultural Otra historia invita a reflexionar sobre la música como un lenguaje universal que conecta lo humano en su más amplio sentido: emociones, identidad y cultura. A través de una narración fresca y accesible, Cajigal nos ofrece una nueva perspectiva sobre cómo la música ha sido más que un simple acompañante y se ha convertido en un protagonista esencial en el relato de nuestra historia.
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¿Qué tienen en común estas seis mujeres, aparte de haber vivido en un mundo y una época extraordinarios? Todas ellas fueron musas ala manera clásica, inspiradoras de artistas y escritores, pero fueron también las primeras musas de la modernidad debido a
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Ya sea ante una xilografía japonesa, La última Cena, de Leonardo da Vinci, o el Guernica, de Pablo Picasso, El arte de mirar le ayudará a afinar la vista y le dará mayorconfianza a la hora de analizar imágenes. Esta guía esencial cuenta con un glosario d
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Lectura para todo aquel al que le guste el arte, y para todos loscuriosos Marozeau se zambulle tras el escenario de algunas obrasmaestras, desde el Busto de Nefertiti hasta el Guernica de Picasso 12capítulos = 12 obras de arte = 12 historias asombrosas
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Publicar
Publicar inaugura una línia editorial del departament d’Educació del MACBA sorgida del dia a dia de les pràctiques educatives en relació amb l’art contemporani i els museus. Aquest primer número del Quadern d’educació obre un temps per pensar en el que s’ha viscut, distribuir els aprenentatges i interpretar l’edició com una pràctica artística i pedagògica. D’aquesta manera, fanzins, adhesius, mapes conceptuals, llibres-àlbum i etiquetes emergeixen en forma de gestos que ens fan reflexionar sobre com, per què i per a qui es fa pública la dimensió educativa. Per què cal publicar? Com ens podem fer públics? Què s’ha publicat fins ara? Un conjunt d’assajos proposa possibles respostes a aquestes preguntes. Aida Sánchez de Serdio Martín rastreja l’educació en museus mitjançant una genealogia de pensament i referències, Macarena García i Belén Soto exploren canals concrets per al «publicar». La primera, amb un text que indaga sobre un artefacte singular, el llibre-àlbum desafiador i, la segona, obre el significat del «publicar» en el context d’internet i les xarxes socials, Lluc Mayol i Alba Oller fan un recorregut per l’experiència de Massa Salvatge amb processos editorials entesos com a treballs educatius o a la inversa, processos educatius que també són editorials, i Camila González Simon centra la mirada sobre els fanzins com a mitjà que construeix comunitat a través de la creació i la pedagogia. Finalment, un conjunt d’imatges amb notes al peu, que utilitzen com a pretext diferents activitats del departament d’Educació del MACBA, s’intercalen en el quadern com una eina de treball per pensar aquestes mateixes preguntes.
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El impacto que le produjo la visión de España quedó reflejado en esta singular y deslumbrante composición futurista.
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¿Reconocerías a los personajes de la iconografía cristiana que aparecen representados en las obras de arte? Esta guía, organizada alfabéticamente, te ayudará a reconocer a los personajes y conocer las peripecias de su vida. Cada entrada incluye datos básicos, una ilustración y un texto que nosinforma de su historia, los posibles atributos y lasvariantes iconográficas más representativas. Para ayudar en la búsqueda se incluye un índice de atributosdonde se puede consultar a qué seres corresponden los diferentes elementos. También un índice de patronazgos y otro de posibles elementos de protección y curafrente a enfermedades y problemas. Finalmente, un vocabulario de términos relacionados con la iconografíacristiana completa este diccionario.
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Se completa la trilogía Madelman! Informe Madelman volumen 3, describe en detalle a la empresa que fabricaba los Madelman: Industrias Plásticas Madel S.A. Conoceremos sus orígenes, su estructura, los productos que fabricaban, su localización, y sus métodos de trabajo y de marketing. El lector se adentrará en un sinfín de detalles de cómo se realizaban los juguetes que consiguieron llenar de ilusión y felicidad a muchísimos niños: los Madelman, el Luminrama, la Carabina Safari, Skedoodle, Cara loca, Tropezón y muchos otros. Y viajaremos más allá, mostrando lo que se realizó después de dejar de fabricar el Madelman, cerrando una historia que empezó a narrarse hace ya unos años. Un viaje nostálgico para quienes conocieron y admiraron los productos de Madel y todo un estudio detallado para quienes quieran conocer el funcionamiento de una empresa juguetera pionera durante cuatro décadas.
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La fantasía, la invención y la creatividad no son patrimonio de unos pocos iniciados -los artistas-, sinofacultades esenciales del ser humano que todos deberíamos comprender. Con la generosidad y la vocación pedagógica que siempre lo caracterizó, Bruno Munari desvela en este ensayo pionero, traducido por primera vezal castellano, algunos de los secretos de estas trescapacidades básicas que hoy englobaríamos bajo la palabra creatividad. La fantasía, nos cuenta Munari, nace de la libertad. La invención y la creatividad nacen, en cambio, de la función y la necesidad. Pero a lahora de generar nuevos mundos, en todas ellas la inteligencia, la memoria y la imaginación juegan un papel crucial. ¿Qué mecanismos se activan para alumbrar una idea o construir una obra de arte? ¿Cómo podemos potenciar -en lugar de coartar- la creatividad infantil? ¿Cómo fomentar la elasticidad del pensamiento paraque este no se quede estancado en fórmulas prefijadas? Munari responde a estas y otras preguntas con un estudio delicioso, a caballo entre la erudición y el divertimento, que no solo pretende potenciar nuestra capacidad creativa, sino contribuir a nuestro desarrollo integral como personas.
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Mira a tu alrededor... ¡tienes un mundo para dibujar!Aprenda a dibujar y a pintar sus temas cotidianos favoritos, desde plantas, flores y animales hasta lo que guarda en los armarios de la cocina. Con Su mundo en dibujos verá lo fácil que resulta reproducir el mundo que nos rodea con poco más que un lápiz, papel y pintura. También descubrirá otras herramientas y materiales -como varios tipos de lápices, plumines, tintas, lápices de colores, rotuladores y témperas-, así como los secretos de la teoría del color y las técnicas de pintura. Los apartados de dibujo están dedicados a temas específicos, como la casa, el aire libre y la ciudad. Al final del libro, le enseñamos a hacer algunas manualidades para que ponga en práctica sus habilidades de dibujo y pintura recién adquiridas.
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La museografía es una disciplina relativamente moderna en la que, hasta hace poco, se solucionaban los problemas y se presentaban las colecciones en base al buen gusto y conocimientos del responsable del museo. El presente libro aborda la museografía de carácter permanente, instalada en edificios de tipo histórico remodelados, y las museografías temporales de colecciones de todo tipo, en salas de muy diferentes características. Juan Pablo Rodríguez Frade, que cuenta con una extensa y acreditada trayectoria en la materia (entre otros hitos, su última obra relevante ha sido la remodelación integral del Museo Arqueológico Nacional), pretende entusiasmar e ilusionar mostrando una forma especial de acercarse a los museos, valorando el trabajo de un inmenso entramado de profesionales que consideran estos lugares como espacios en donde sentirse próximo a los valores más profundos y auténticos denuestra esencia, espacios que nos hacen emocionarnoscontemplando aquello que han realizado nuestros antepasados no hace tanto tiempo. Una visión analítica delos museos y de sus instalaciones, tanto de los contenedores como de sus colecciones y de la manera en que éstas se exponen. Un texto que facilita al lector la comprensión de situaciones, procesos y recursos museográficos. Conozca los recursos, los oficios y los trepidantes ritmos de trabajo de esta disciplina. Francisco Javier Sáenz de Oíza ''Se trata de recuperar laespiritualidad, de soñar con situaciones trascendentes y de sentirse motivado y por ende emocionado, absorbiendo el ejemplo de aquellos que nos han precedido,retomando el conocimiento de los grandes maestros que nos han enseñado a entender qué es el ARTE y de cuya mano hemos aprendido a saber reconocerlo.'' Juan Pablo Rodríguez Frade AUTOR Juan Pablo Rodríguez Fradees Premio Nacional 1995 de Restauración y Conservación de Bienes Culturales por la Rehabilitación del Palacio de Carlos V como Museo de la Alhambra. Entre susproyectos más destacados cabe citar el Museo Arqueológico Nacional, el Premio Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid, el Museo de Málaga (Finalista como Museo Europeo del Año) y el Museo de Historia de Madrid.Ha sido ganador del concurso de realización de los nuevos accesos del Museo Nacional Centro de Arte ReinaSofía, y ha impartido conferencias y realizado cercade trescientas exposiciones en los cinco continentes.
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Con el estilo divertido, irreverente y siempre polémico propio de los vídeos de su canal de YouTube, Antonio García Villarán revisa en este libro los diferentes movimientos artísticos y la obra de los grandes maestros para poner en duda los cánones establecidos a la hora de valorar el arte. Con el concepto Hamparte (creado por él mismo a partir de las palabras «hampa» y «arte»)como hilo conductor, plantea desde un punto de vista crítico la validez de los criterios actuales para encumbrar aautores españoles de la talla de Dalí, Miró o Chillida, e internacionales como Yoko Ono, Damien Hirst o Jeff Koons.
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En esta antología completa de sus ensayos sobre artistas, John Bergernos revela su forma de ahondar en una obra de arte. Sus textos no solonos sumergen en la singularidad de cada creación artística, sino que vanmucho más allá y nos conducen con maestría entre lo personal, locultural y lo político. No en vano Berger es considerado uno de losintelectuales europeos más importantes de nuestro tiempo y uno de loscríticos que ha sacudido los cimientos de nuestra concepción del arte yel lenguaje visual reformulando su papel en la cultura contemporánea.En este segundo y último volumen dedicado a los artistas, el críticobritánico nos introduce en el advenimiento de la modernidad con la obrade Claude Monet hasta llegar a Randa Mdah, una artista palestina nacidaen 1983. Al igual que en el primer volumen, que arrancaba con laspinturas prehistóricas de la cueva de Chauvet hasta llegar a PaulCezánne, los ensayos han sido compilados por Tom Overton a partir de losarchivos que Berger donó aun en vida a la British Library. Del conjuntode textos se desprende nuevamente la mirada incisiva y siempresorprendente de Berger, una mirada que se materializa en una prosaigualmente directa e iluminadora. En definitiva, una ediciónimprescindible para conocer el gran legado teórico y vivencial de JohnBerger.
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Manual de introducción al estudio de la anatomía según una dirección teórica y práctica, ricamente ilustrado con fotografías y dibujos. Destinado a los alumnos de las escuelas o academias artísticas y a los artistas que tienen intención de dedicarse al dibujo y la pintura de la figura humana. El libro incluye: - Información general sobre el estudio de la anatomía - Anatomía del aparato locomotor: componentes articulares, musculares y esqueléticos. - Aparato tegumentario, venas superficiales, tejido adiposo. - Anatomía sistemática y de superficie: cabeza, tronco y extremidades superiores e inferiores. - Repertorio iconográfico.
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Décadas de valiosas imágenes, resumidas ahora en 512 páginas de fotografías que constituyen la retrospectiva definitiva de la obra de Nobuyoshi Araki, seleccionadas por el propio artista.Publicada originalmente como edición limitada y ahora disponible en un nuevo formato para celebrar el 40 aniversario de TASCHEN, esta selección profundiza en los temas más conocidos de Araki: escenas callejeras de Tokio, rostros y comidas, sensuales flores de colores intensos, genitales femeninos y el kinbaku, el arte japonés de atar con cuerdas. Mientras las muchachas yacen sujetas pero en posición desafiante y pétalos de colores brillantes adoptan sugerentes formas a su alrededor, Araki juega constantemente con los motivos de la subyugación y la emancipación, la muerte y el deseo, al tiempo que combina imágenes serenas e impactantes.Araki, que describe sus fotografías de mujeres atadas como “,una colaboración entre los personajes tratados y el fotógrafo”,, busca acercarse a sus personajes femeninos a través de la fotografía, subrayando el papel que juegan las conversaciones entre las modelos y él mismo. En su tierra natal, Japón, muchas mujeres rinden culto a Araki al sentirse liberadas por su disposición a fotografiar la expresión de su deseo.Sobre la serie¡TASCHEN ya tiene 40 años! Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN se ha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, y ayuda a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. Hoy celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles al credo de nuestra empresa. La serie 40th Anniversary Edition reúne a algunas de las estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
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El Museo del Prado no es solamente la mejor pinacoteca del mundo, es también el álbum familiar de las dinastías españolas, los Austrias y los Borbones, quehan regido los destinos de España desde hace cinco siglos. En este libro, Juan Eslava Galán, con su inconfundible estilo ameno y riguroso, nos propone un recorrido por el museo, del mismo modo que repasamos nuestro álbum familiar contando quién fue cada persona. Pero no se trata en esta ocasión de una historia de nuestro país, sino de una historia del día a día de susprotagonistas: de sus reyes, esposas e hijos, pero también de personajes ilustres, pintores, amantes y plebeyos. Y de los episodios más emocionantes, las anécdotas más divertidas y los secretos mejor guardados que se esconden tras los cuadros. «Nadiecuenta la historia como Eslava Galán. Esa mezcla desabia erudición, arte narrativo e ironía inteligentesuele producir mezclas explosivas», Arturo Pérez-Reverte.
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Sigues un rebel de l'art
Amb un to despreocupat i una mica irreverent, aquest llibre està pensat per apropar l'art als infants, que aprendran que pot ser molt i molt divertit i esbojarrat. Sota la guia del gat Roc, descobriran que en l'art tot s'hi val, només calen ganes de passar-s'ho bomba. El text es complementa amb una magnífica combinació d'il·lustració i fotografia.
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