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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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Un viaje, en fin, por la historia de la música para piano, desde las primeras espinetas a los teclados máscomplejos, desde Bach hasta la penúltima modernidad,plagado de arte y pasión y escrito por uno de los críticos musicales de referencia. Estas páginas son unregalo para aquellos que se interesen por la músicaparapiano y sus autores. Un regalo repleto de emociones musicales que repasa las creaciones más importantes yemblemáticas del género. Más allá de la historiadel propio instrumento, con certeza el que más y mejor música nos ha legado, el autor nos guía a través del «pianismo» de Mozart y de románticos como Chopin,Liszt oBrahms, con Beethoven y Schubert como eje central, pero sin dejar de mirar hacia los necesarios orígenes:Cabezón, Frescobaldi, los Couperin, DomenicoScarlatti y, naturalmente, Bach. No solo como antecesores dederecho sino como portadores de verdades musicales transmisibles al teclado moderno desde sus viejas consolas instaladas en los grandes órganos y losmás domésticos clavicémbalos. Páginas que miran hacia la modernidad de Debussy, Albéniz o Ravel, sin olvidar al «mestizo» Gershwin o al padre de la música actual norteamericana, Charles Ives, analizando su procedencia y sus fundamentos, amén de la inasible bellezade sus composiciones. A través de estas, conoceremoslas distintas maneras de afrontar la creación y la personalidad de cada compositor para comprender su realidad más intangible y su propio e indeleble sello personal, algoque, sin duda, supone mucho más que unadeterminada manera de combinar las notas. «El autor,fundamentado ensu larga experiencia de aficionado yde estudioso, vallevando al lector por un camino bien delimitado, orientándolo, conduciéndolo suavemente.» ARTURO REVERTER, crítico musical «Pedro González Mira tiene una pluma rigurosa, veterana, melómana y amena de la musicografía española (...), es un humanista en el más hermoso y legítimo sentido de la palabra.» JUSTO ROMERO, crítico musical
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El color es pigmento e ilusión visual, materia y cognición. Este libro presenta una serie de experimentos y ejercicios para explorar las posibilidades del color a partirde esta doble naturaleza. Con su habitual estilo ameno e instructivo, Peter Boerboom
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Este libro, nos dice su autor, es fruto de largos años de reflexión en torno a «líneas de pensamiento y experimentación poco habituales». Para él, la fuente es la imagen que mejor representa el misterio de la vida, en arquitectura, los rascacielos serían las fuentes heladas que han ido brotando en las ciudades. La forma, como afirmaba Sullivan, ha de ser siempre fiel a la función, pero, según Bragdon, la función debe expresar y determinar a la vez el significado mismo de la forma, como ocurre en los organismos naturales. Por tanto, la arquitectura ha de ser orgánica y estética, no en el sentido de «acorde con el buen gusto», sino en el más profundo de belleza. Después de repasar el fenómeno, puramente estadounidense, de los rascacielos, que nació de una necesidad práctica y no estética, Bragdon sostiene que un edificio no será una obra de arte si no obedece a una norma armoniosa de sus medidas, como va explicando mediante ejemplos a lo largo de esta obra. Por último, se ocupa de la ornamentación, suprimida de la arquitectura moderna porque, además de no cumplir ninguna función, encarecía la obra, a lo que Bragdon responde afirmando que es una expresión de nuestra singularidad. Y, como los modelos ornamentales se han quedado anticuados, crea nuevos patrones tan rigurosos como originales, inspirados en tres conceptos matemáticos: los sólidos platónicos, los cuadrados mágicos y la cuarta dimensión. En suma, este ensayo es un recorrido completo por el ideario de uno de los diseñadores más interesantes del siglo xx, injustamente olvidado.
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Un repaso por los libros de arquitectura representativos de los temas y escritos del siglo XXI.Los libros de arquitectura son un género literario. Lo son porque comparten un interés común por la ciudad, la vivienda, la construcción o el diseño. Porque hay editoriales especializadas, publicaciones abundantes y un público bien definido. Es un género rico y variado, no exclusivamente académico: abarca la investigación, el ensayo, la divulgación, las monografías, los estudios especializados, la crítica o el debate. Son obras que narran historias, presentan personajes, cruzan diálogos, proponen escenarios, explican pasados (y presentes, y futuros). Los libros de arquitectura son máquinas del tiempo, guías de viaje, memorias de lugares. Son una invitación a entender otros lugares y otros tiempos. Esta publicación registra una pequeña parte de la producción editorial del género en lo que llevamos de siglo XXI, un conjunto de reseñas con las que compartir esa fascinación por la arquitectura escrita.
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Un viaje al estilo tardío de la obra de Sigurd Lewerentz, un estilo propio, inclasificable, una ruta abierta y transitable dentro de la arquitectura del maestro sueco.Sigurd Lewerentz era para mí una figura prácticamente desconocida cuando en el verano de 1993 tuve la oportunidad de visitar sus obras más importantes, obras que me impactaron profundamente y, debo reconocer, influyeron en mi posterior trayectoria proyectual. El acercamiento a Lewerentz que propongo en estas páginas tiene, pues, un carácter personal que brota del sentimiento de sorpresa, admiración y misterio que su obra me provoca.Lewerentz es, a la vez, actual e inactual, moderno y antimoderno, siempre inclasificable en cuanto seguidor de su propio camino. No es un maestro al que se pueda entender ni a partir del análisis estilístico de sus obras ni de la interpretación de sus textos (que nunca escribió). Sus obras son únicas, singulares, inimitables, fruto del trabajo experimental de aquel que va forjando progresivamente su trayectoria. He querido ensayar el concepto de “estilo tardío” —con el que destacados críticos han analizado las obras finales de maestros como Beethoven, Rembrandt, Poussin o Miguel Ángel— al que pertenecen sus últimas obras, las más interesantes vistas desde nuestro presente contexto cultural.La obra de Lewerentz es una obra difícil, no hay que esperar de ella certezas o caminos fáciles de seguir. Por el contrario, los que reconocen que la arquitectura es un universo complejo pero que, si se desarrolla en profundidad y sin recetas, puede llegar a alcanzar algunas de las experiencias más intensas del saber humano, estarán en condiciones de reconocer en la arquitectura del maestro sueco una ruta abierta y transitable.
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Cent dues artistes
Obra de referència que reivindica l'art fet per donesa Catalunya, des del segle XIX fins a l'actualitat.Primer assaig que repassa, exhaustivament, l'activitat de les dones artistas a Catalunya des del segle XIX fins a l'actualitat i en reprodueix, amb gran format i magnífica qualitat d'impressió, les seves obres més destacades. Incorporant tot l'àmbit de les arts visuals -pintura, escultura, cerámica, art textil, il·lustració, fotografia, vídeo, performance i instal·lacions-, l'assaig elabora una genealogia d'experiència creativa femenina i mostra més de cent obres produïdes en contextos molt diferents, però amb el vincle de coherència d'haver estat concebudes i realitzades per dones.Un ampli equip d'especialistes en art -i en estudis de gènere relacionats amb l'art- ha seleccionat les obres i ha escrit els articles on es repassa la vida i l'obra de les cent-dues artistas, moltes d'elles poc o gens conegudes.
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Un recorrido por algunas de las técnicas y genealogías asociadas a la idea de práctica documentalista.En este ensayo, Jacobo García-Germán recorre algunas de las técnicas y genealogías asociadas a la idea de práctica documentalista, identificada con aquellos arquitectos cuyas formas de trabajo se alejan de la invención, la originalidad o la novedad como objetivos, para operar en cambio desde la consciente reelaboración de antecedentes. Una posición que implica el manejo de un material de referencia prexistente —su análisis, manipulación, interpretación y reensamblaje—, en un proceso que se considera proyecto en sí mismo.
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Contra Florencia es una ironía y un testamento, un inicio y un final. Un juego de palabras tras el que se oculta un cuaderno de viajes compuesto por paseos, anécdotas o acontecimientos singulares. En él se dan cita la épica de Dante o la elegancia de la dinastía Medici, el heroísmo de Giovanni Papini, la elocuencia bifronte de Vernon Lee o el ocaso de la ciudad como la Nueva Atenas de Europa. Nos sumergimos entre sus páginas como testigos de un mundo que dormita bajo piedras encharcadas de sangre, esplendor y memoria.
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Los artistas emergentes más excitantes del mundo contemporáneo û quién es quién y qué viene después- elegidos por la nueva generación de expertos.Presentamos los 100 artistas nacidos después de 1980 que han sido más votados por un extenso panel de expertos como aquellos que están haciendo y harán las obras más interesantes. Son las estrellas del futuro y aquellos que venderán a altos precios. Algunos elegidos son : Lawrence Abu Hamdan, Farah Al Qasimi, Korakrit Arunanondchai, Firelei Báez, Meriem Bennani, Amoako Boafo, Danielle Brathwaite-Shirley, Jordan Casteel, Jesse Darling, Jadé Fadojutimi, Louis Fratino, Lauren Halsey, Kudzanai-Violet Hwami, Joy Labinjo, Lina Lapelyte, Carolyn Lazard, Ad Minoliti, Tyler Mitchell, Toyin Ojih Odutola, Ima-Abasi Okon, Thao Nguyen Phan, Christina Quarles, Tschabalala Self, Paul Mpagi Sepuya, Shen Xin, Avery Singer, Martine Syms, Salman Toor, Zadie Xa Los expertos trabajan en instituciones como Baltimore Museum of Art, Bellas Artes Projects (Manila), ESPAC (Mexico), The Factory Contemporary Arts Centre (Ho Chi Minh), KW Institute for Contemporary Art (Berlin), MoMA (NY), Museo de Arte Moderno (Medellín), Museums Victoria (Melbourne), RAW Material Company (Dakar), Sharjah Art Foundation, Studio Museum in Harlem (NY), Tai Kwun Contemporary (Hong Kong), Tate Modern (Londres), Whitechapel Gallery (Londres), Whitney Museum of American Art (NY), and X Museum (Beijing)
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Liberar a la ambigüedad de los intereses desde los que se discutió hace medio siglo y centrar la atención en lo que ésta pueda ofrecer a la arquitecturaLa ambigüedad como propuesta arquitectónica ha estado a menudo asociada a la efervescencia posmodernista, y, sin embargo, es parte esencial de muchas de las obras de la modernidad que mayor interés y seguimiento han generado. Este ensayo, Francisco González de Canales propone liberar a la ambigüedad de los intereses desde los que se discutió hace medio siglo, es decir, los estudios lingüísticos, comunicativos, la semiótica, para centrar la atención en lo que ésta pueda ofrecer a la arquitectura como soporte de la experiencia espacial y ambiental, y cómo esta lo hace, precisamente, en relación a disposiciones formales y materiales muy precisas.
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L'exposició de París (1937) L'art medieval català a París durant la Guerra Civil espanyola
L'art medieval català a París durant la Guerra Civil espanyola
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Con sus hombres con bombín flotando en el cielo o la pintura de una pipa sobre la leyenda «Esto no es una pipa», René Magritte (1898-1967) creó una caja de resonancia de objetos e imágenes, nombres y cosas, realidad y representación. Como otras obras surrealistas, las pinturas de Magritte combinan una técnica mimética precisa con configuraciones alienantes inusitadas que desafían las leyes de la escala, la lógica y la ciencia. Un peine del tamaño de un armario, rocas que flotan en el cielo, nubes que atraviesan una puerta abierta: el resultado es un mundo directo pero desorientador, a menudo ingenioso y desconcertante, el cual nos impulsa invariablemente a intentar ver más allá de lo visible y discernir «lo que se oculta tras lo que vemos». Este libro introductorio explora el amplio repertorio de humor visual, paradoja y sorpresa de Magritte, que aún hoy nos impulsa a examinar repetidas veces no solo la pintura, sino nuestra condición de individuos y el mundo que nos rodea.
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Tokio es una de las ciudades más dinámicas y atractivas del mundo, una inmensa metrópolis donde el crecimiento masivo y la vida comunitaria coexisten de manera sorprendente. Su modelo de desarrollo ofrece un innovador ecosistema urbano a escala humana que permite a los ciudadanos moldear su entorno y preservar un hábitat acogedor y adaptable al margen de la planificación gubernamental y de los intereses corporativos. Mediante un análisis detallado de lectura accesible, que incluye excelentes gráficos, planos y diagramas, ''Tokio emergente'' derriba clichés y ofrece un mensaje esperanzador sobre cómo el urbanismo del futuro puede tomar como referencia las mejores particularidades que hacen de Tokio la ciudad más fascinante del mundo.
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Optimiza cualquier espacio de tu casa para que esté siempre ordenada.¿Eres de esas personas que están siempre luchando contra el desorden? ¿Sientes que no tienes suficiente espacio para guardar tus cosas? ¿O que lograr que el salón esté ordenado es imposible viviendo en familia? Si aspiras a un orden real que transmita paz y que mejore tu calidad de vida y la de quienes viven contigo, Armonía de hogar es la guía que necesitas. Teresa Fernández recorre cada estancia de la casa para enseñarte que, con motivación, esfuerzo y las herramientas adecuadas, se puede optimizar cualquier espacio y conseguir que esté organizado y, sobre todo, que ese orden sea duradero, independientemente de si vives en familia o solo. Descubre cómo diseñar armarios que se ajusten a tus necesidades, cómo doblar la ropa de manera efectiva y cómo hacer uso de los accesorios de almacenamiento adecuados para organizar el típico «cuarto desastre». También aprenderás a establecer unas normas básicas para todos los habitantes de la casa que ayudarán a crear un ambiente más agradable y acogedor. El orden perfecto no existe. La armonía en tu hogar y en tu vida, sí.
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El tigre y la guitarra es la historia de Yoichiro Yamada, un japonés que vino a España para ser guitarrista flamenco y jamás regresó a su país. Terminó abducido por dos mundos idílicos y en principio opuestos: el del flamenco que amaba y el de los samuráis de los que era descendiente. En su deriva no supo encontrar la salida a su propio laberinto. «¡Vuelve a casa!», le pedían sus amigos. Pero se negaba: no podía regresar porque no se había convertido en el guitarrista que soñó. El tigre y la guitarra nos habla del choque de universos paralelos, de pasiones y de obsesiones, pero también de hasta dónde nos arrastran nuestros pensamientos, del fracaso y de cómo los sueños que perseguimos pueden acabar persiguiéndonos. David López Canales se obsesionó por la fascinante vida -por insólita y única- de Yoichiro Yamada hasta comprenderla para contarla como se merece: como la trágica historia de un hombre de honor y su viaje hacia la locura.
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Juhani Pallasmaa, arquitecto y teórico de la arquitectura de gran reconocimiento inter¬nacional, se dirige a estudiantes y jóvenes arquitectos para compartir con ellos sus pensamientos acerca del propósito de la arquitectura y su relación con otros ámbitos culturales. Concebidos inicialmente como una serie de conferencias, los textos que componen esta obra construyen una idea de la arquitectura basada en la autoconciencia, la reconexión con el medio ambiente y la responsabilidad ética, reflexiones profundas y sinceras que resultarán inspiradoras no solo para estudian-tes y arquitectos, también para diseñadores y otros profesionales de las industrias creativas.
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Nos acercaremos a estas comunidades a través del análisis de sus refugios y de las estrategias bioclimáticas pasivas que utilizaron para habitarlos.La documentación recopilada por los exploradores que llegaron a Norteamérica a partir del siglo XV nos proporciona una oportunidad inigualable para viajar en el tiempo. Los testimonios, dibujos, planimetrías y grabados que reunieron nos acercan a los conocimientos que los nativos norteamericanos habían depurado durante siglos. Estos conocimientos abarcaban todos los campos que podamos imaginar: medicina, botánica, química y, por supuesto, arquitectura. Nos acercaremos a estas comunidades a través del análisis de sus refugios y de las estrategias bioclimáticas pasivas que utilizaron para habitarlos.Mediante sus viviendas de tierra, los mandan, los arikara y los hidatsa nos mostrarán cómo era posible vivir a orillas del río Missouri, los sioux, los cheyenne y los crow nos enseñarán cómo habitar un territorio tan complicado como las Grandes Planicies, por su parte, la comunidad de los chippewa, nos mostrará cómo gracias a la construcción de los wigwams, despedían el invierno y recibían la primavera, recolectando frutos y extrayendo el sirope de los arces más cercanos. Invitamos al lector a realizar un pequeño viaje a este mundo, prácticamente ya extinguido.
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El dibujo constituye la obra primigenia que todo artista debe abordar, es la estructura elemental de cualquier creación plástica. Por tanto, para iniciarse encualquier procedimiento artístico es necesario tenerun conocimiento previo de las técnicas de representación dibujísticas. Esto es precisamente lo que ofreceeste libro: una guía completa y detallada de los principios elementales del dibujo.
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Gabriel Ruiz Cabrero, arquitecto encargado de la conservación de la Mezquita-Catedral de Córdoba desde 1978, ofrece en este libro una mirada profunda y detallada sobre uno de los edificios más emblemáticos del mundo. Nos sumerge en el misterio de los orígenes de esta estructura única, que hunde sus raíces en los edificios de la antigua Hispania y en la cultura omeya del Oriente, y describe como sus sucesivas autorías desembocan en un monumento que parece haberse creado a sí mismo en el tiempo. Desde la visión de Abderramán I, emigrado sirio, y un arquitecto local en el siglo VIII, hasta las sucesivas ampliaciones y reformas, cada etapa de la construcción de la Mezquita-Catedral de Córdoba supone una réplica intelectual y artística de la anterior. Con su estudio, Ruiz Cabrero desvela las leyes que han regido la evolución de este prodigio arquitectónico e invita al lector a contemplar la Mezquita-Catedral con comprensión y admiración nuevas y a celebrar su genuina evolución a lo largo de los siglos.
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El presente libro recopila textos inéditos del arquitecto y doctor en Historia del Arte Enrique X. de Anda Alanís acerca de aquello que, en términos generales, puede entenderse como cultura arquitectónica. Escritos a lo largo de los últimos 20 años, aun y la diversidad de sus orígenes -investigaciones, reflexiones, conferencias y seminarios- todos ellos se apoyan sobre las líneas teóricas fundamentales y recurrentes del autor, a saber, la historiografía y la preservación de la arquitectura moderna mexicana. Desde la relación de la arquitectura mexicana con ámbitos y pensamientos procedentes de otros lugares del mundo, pasando por una revisión de la historia de la arquitectura desde perspectivas inéditas que ponen el foco en el amplio abanico de circunstancias culturales que ejercieron influencia sobre ella, y llegando a la necesaria atención del autor sobre la importancia de la conservación del patrimonio arquitectónico del siglo xx, todos estos textos arrojan una nueva luz sobre los temas clave que invitan repensar la cultura arquitectónica mexicana.
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Una indagación sobre el concepto de ''pato'' y ''cobertizo decorado'' establecidos por Robert Venturi y Denise Scott-Brown, sus relaciones y conexiones.Este ensayo explora la relación entre palabras, imágenes e ideas en la construcción de una de las teorías más extendidas en la cultura arquitectónica del siglo XX: la famosa distinción entre el pato y el cobertizo decorado establecida por Robert Venturi y Denise Scott Brown a finales de los años sesenta. La indagación en sus antecedentes y las conexiones con otros materiales de la cultura arquitectónica reciente lleva a Silvia Colmenares a construir una secuencia de relaciones que permite comprender mejor cómo operan los ideogramas que la sostienen y cuestionar su vigencia actual.
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Cumplidos ciento veinte años del nacimiento de Nikolaus Pevsner (enero de 1902) y cuarenta de su desaparición (agosto de 1983), la editorial Abada publica bajo el título Sobre lo pintoresco seis artículos suyos dedicados a los autores más conspicuos de la teoría del jardín paisajista, y a la postre del paisaje, en la Inglaterra del siglo XVIII, aparecidos entre los años 1944 y 1949, en la inmediata posguerra, y una conferencia dictada el 25 de noviembre de 1947 en el Royal Institute of British Architects sobre su aplicación a la arquitectura moderna, que aporta las claves del valor otorgado a lo Pintoresco en ese preciso momento histórico. Todo ello precedido de un estudio introductorio de Miguel Ángel Aníbarro que sitúa en su contexto el acercamiento del autor al tema. Pevsner actúa como un historiador no solamente atento a examinar uno de los fenómenos culturales más llamativos de la Ilustración, sino comprometido con su tiempo, que intuye en lo Pintoresco una de las raíces -y no la menos profunda- de la arquitectura del Movimiento Moderno, así como cierta capacidad para solven- tar algunos problemas urbanos actuales.
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El lugar que la obra de Gego ocupa en la tradición abstracto-geométrica de Venezuela, una de las más fecundas de América, es complejo, y es que esta obra sutil, que paradójicamente comunica tantos significados,se resiste a las definiciones. Por ello, este libro se plantea como una aproximación a la manera en que esta artista, en dialogó con los principales exponentesde esta tradición, reconociendo y compartiendo algunas de sus ideas, expresó libremente su pensamiento.
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Desde el mismo momento de su estreno en 1977, Star Wars: Una nueva esperanza se convirtió en un clásico de la historia del cine y muchas de sus escenas quedaron grabadas a fuego en el imaginario colectivo. La superproducción de George Lucas incluía una hipnotizante sucesión de momentos reconocibles que, durante medio siglo, han sido recreados y reconstruidos por legiones de seguidores y cantidades infinitas de merchandising. En Star Wars: Escena por escena, Alberto López Calvo realiza un pormenorizado y exhaustivo análisis fotograma a fotograma, escena por escena, del Episodio IV, desde sus icónicos rótulos de texto iniciales a la destrucción de la Estrella de la Muerte. Este libro se complementa con descripciones del proceso de grabación, curiosidades sobre el rodaje y un detallado desglose de las diferencias entre las escenas en los borradores iniciales, la cinta original y sus distintas revisiones posteriores, constituyéndose como el estudio más completo jamás hecho sobre Star Wars.
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En el 75 aniversario del film El tercer hombre, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: el original literario, el director, los actores y sus personajes, el rodaje, la música... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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En esta antología se realiza una aproximación poética al flamenco, con una selección de algunas de las letras más populares y tradicionales, junto con otras más recientes y de autor conocido. Para la selección se han seguido criterios poéticos, pero también se ha tenido en cuenta el valor histórico y tradicional de las letras dentro de los estilos flamencos. La presentación de estas, agrupadas por palos, facilita una aproximación a la compleja estructura de los estilos flamencos. Además, para resaltar la importancia de los letristas y sus letras dentro del flamenco, se acompaña un listado de los autores conocidos de los que se han seleccionado algunas de sus creaciones. Una aproximación al flamenco a través de una antología de coplas centrada en su valor poético y tradicional. La selección ha sido realizada por: José Cenizo Jiménez. Profesor, experto en flamenco y poesía, crítico literario, escritor y letrista. Rafael Domínguez Villa. Escritor, poeta y letrista. Domingo Giménez Cánovas. Aficionado al flamenco y la poesía, coordinador de esta antología. Catalina León Benítez. Profesora, escritora, estudiosa del flamenco y experta en su didáctica. Francisco Antonio Linares Lucena. Profesor, escritor, investigador, poeta, letrista, lexicógrafo, dialectólogo y estudioso del flamenco. José Francisco Ortega Castejón. Experto en música y flamenco, editor de la Revista de Investigación sobre Flamenco La Madrugá. María del Mar Prats Yusta. Profesora de baile, poeta y letrista. María Victoria Verdú González. Escritora, poeta, letrista y experta en flamenco.
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¡YA ESTÁN AQUÍ! TÚ ERES EL SIGUIENTE! Los ladrones de cuerpos, novela de Jack Finney, es un hito dentro de la ciencia ficción del siglo XX, con una influencia trascendental que sigue resonando en la cultura popular. Ya están aquí! Tú eres el siguiente!, de Julio Vallejo Herán, ofrece un análisis profundo sobre el impacto de este fenómeno en el cine y la televisión, explorando no solo las adaptaciones directas de la obra, sino también otras producciones donde su huella es menos evidente. Estas historias, en las que entidades extraterrestres toman posesión de cuerpos humanos para despojarlos de emociones y sentimientos, han dejado una marca indeleble en la narrativa de ciencia ficción, evidenciando temores y reflexiones sobre la humanidad.
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«La magia es vista como una capacidad innata de la humanidad que siempre vuelve a emerger, especialmente tras largos períodos de racionalismo, y que ni la religión, ni la ciencia ni la política consiguen erradicar jamás.» Nadia Choucha, Surrealism and the OccultDurante años, El arte mágico de André Breton fue un auténtico libro de culto, objeto de deseo de los bibliófilos parisinos. Publicado en 1957 por el Club Français du Livre en una tirada limitada, a ojos de su autor representaba el anhelo de toda una vida: nada menos que una historia universal del arte, desde sus orígenes prehistóricos hasta nuestro tiempo, acompañada de una iconografía irreprochable, de la que estaba convencido que sería uno de sus mensajes más duraderos.La particularidad de esta historia, cuyas notas y documentos visuales había ido acumulando a lo largo de los años, es la de estar contada con las premisas delsurrealismo. Por sus páginas desfilan: el Bosco, Brueghel, Uccello, Durero, Grünewald, Altdorfer, Holbein,Arcimboldo, Caron, Desiderio, Blake, Füssli, Goya, Friedrich, Böcklin, Gauguin, Gustave Moreau, Rousseau,De Chirico..., sin olvidar el arte religioso de lasmás diversas épocas y culturas del mundo. Toda esta fabulosa corriente visual, compuesta por más de doscientas reproducciones de gran calidad, constituye el último sueño de Breton. El volumen se cierra con una interesante e insólita sección de ciento cincuenta páginas sobre el valor y la significación de lo mágico ennuestra época, en forma de encuesta realizada a personajes de la talla de Martin Heidegger, Octavio Paz,René Magritte, Georges Bataille, Claude Lévi-Strauss,Julien Gracq, Benjamin Péret, Pierre Klossowski, Roger Caillois, Juan Eduardo Cirlot, Leonora Carrington,Julius Evola, Maurice Blanchot, René Nelli... Unade las figuras más representativas de las grandes pulsiones artísticas y literarias del primer tercio delsiglo xx es sin duda André Breton (1896-1966). Bretoncreía que el ser humano es como un animal encerradoen una jaula, dando vueltas y vueltas sobre sí mismo,y asumió una suerte de pasión amorosa por la purezasalvaje, por la desnudez original, donde la vida vuelve a ser lo que era, realidad viviente, no una mera exterioridad cuantificable sin sustancia ni contenido.Y pensó que esto sólo puede cumplirse si la potenciadel deseo nos conduce a las raíces más profundas y auténticas de la Imaginación. De ahí que terminara proclamando que «solamente es bello lo maravilloso», como da buena muestra el río de imágenes que seleccionótan cuidadosamente para este libro.
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El folclore japonés está poblado por terroríficos monstruos sobrenaturales, demonios y fantasmas. Duranteel periodo Edo (1603-1868), grandes maestros como Hokusai, Hiroshige y Kuniyoshi realizaron multitud de coloridos grabados en los que estos seres monstruosos cobraban vida para ilustrar cuentos populares e historias de terror. Presentamos las ilustraciones más icónicas y espectaculares de yurei (espectros), oni (demonios), kaijin (hechiceros) y yokai (monstruos sobrenaturales) acompañadas de una introducción básica a lahistoria de cada criatura. Más de 120 obras de arte brindan a los lectores una imagen clara y aterradora del mundo sobrenatural japonés, cuyas criaturas han pervivido través de los años e influenciado numerosos géneros artísticos, incluidos el manga y los videojuegos.
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EL GÉNERO MUSICAL MÁS RECONOCIBLE, EXTRAVAGANTE, BELLO Y ORDINARIO QUE HA DADO EL ROCK. El arranque de la década de los setenta trajo consigo el nacimiento del “glam”, una sorprendente e inimitable variante del rock que se materializó en tres elementos esenciales: la vestimenta, el uso del maquillaje para favorecer la androginia (al menos en sus inicios) y la teatralidad. También fue considerado un movimiento social, ya que incorporó en el discurso de la industria temáticas relacionadas con la ambigüedad sexual y los géneros fluidos. Esta es la historia de una época que, aunque efímera, permitió a los artistas crear propuestas muy singulares. La gran mayoría lo hicieron con absoluta libertad creativa, a través de personajes y estilismos únicos, aunque también fueron cuestionados por quienes querían mantener el virtuosismo y la formalidad técnica característica de la psicodelia y la contracultura. • New York Dolls: laca, “eyeliner” y mucho “rock’n’roll”. • Lady Gaga, la criatura del “shock pop”. • Mötley Crüe: el exceso por defecto. • La escandalosa e irreverente Jayne County. • Brakaman, vena y espíritu “art rock”. • Jobriath, el chico que ni pudo ni quiso ser estrella.
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Conozco a un niño al que le aterrorizaban los monstruos. Un día se armó de valor y decidió hablar con uno de ellos. Este es el universo fantástico del director de cine Guillermo del Toro, el niño que pactó con los monstruos.Descubre la biografía de uno de los directores de cine más fantásticos de todos los tiempos: Guillermo del Toro. Una aventura llena de misterios y desafíos, de criaturas extraordinarias y películas inolvidables como Hellboy, La forma del agua, Pinocho o Pacific Rim, entre otras. Entra en un universo cinematográfico fascinante y en la vida de un creador único.
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El baix d'òpera Miquel Riera Sureda
El baix d'òpera Miquel Riera (Manacor, 1859-1939) va cantar al Teatre Alla Scala de Milà, al de Sant Petersburg, a Odessa, al Teatro Colón de Bons Aires, a l'Albisú de l'Havana, al Teatro Real de Madrid, a Mèxic, Puerto Rico, l'Uruguai i molts altres indrets. La seva carrera fou, sens dubte, de dimensió internacional, però la seva figura no és coneguda. Aquesta obra presenta un treball coordinat per Bàrbara Duran sobre dos estudis previs: els records, les anècdotes i els articles reunits per Ramon Codina Bonet, i la recerca realitzada per la mateixa Duran a partir d'una biografia elaborada pel net del cantant Riera, l'arquitecte Antoni Riera Jaume. El pròleg de Maria del Mar Trias Magraner enquadra els dos treballs, i també la riquesa del món mallorquí de la música escènica al final del xix i al començament del xx, que arribava a més de cent cinquanta representacions per temporada.
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No se puede poner límites a la imaginación. Todo cabe en el mundo de la fantasía, y si es de cine de lo que hablamos, entonces las posibilidades no solo son fascinantes, sino también infinitas. Y eso es lo que quiere transmitir y compartir este libro, en el que se aborda el cine fantástico de la forma más amplia y panorámica posible, incluyendo en él la ciencia ficción, el terror y otros subgéneros imprescindibles para entender este universo fílmico en su globalidad. El objetivo de esta obra es, por lo tanto, desglosar y analizar en diferentes apartados temáticos un género ecléctico por definición, y cuyo denominador común en todas las películas que de él forman parte es la ruptura con la realidad. A partir de ahí, la mirada es poliédrica: mitos, leyendas, monstruos, criaturas, robots, extraterrestres, brujas, demonios, fantasmas, vampiros, zombis, viajes en el tiempo y en el espacio... Un universo simplemente alucinante.
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Un recorrido histórico, sociológico y auto
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Stephen Sondheim, uno de los compositores más significativos del siglo xx, ocupa un lugar preeminente en el género que cultivó, el teatro musical, y las reacciones tras su muerte corroboraron la creciente importancia de su legado, como demuestra el que obras como Sweeney Todd o Company se sigan interpretando en los mejores escenarios del mundo.Su trabajo se caracteriza por un diálogo riguroso con diversas tradiciones musicales y dramáticas. El presente libro, que llena un importante hueco en la bibliografía en castellano, se centra en una idea de teatro musical que incluiría ópera, operetas, cabaret y otras manifestaciones en las que la música «se representa» y no simplemente se canta. Una forma específica la constituye el musical de Broadway, que evoluciona desde los años veinte hasta relacionar lo que los números dicen o hacen y el sentido general de la obra. El concepto clave es el de «integración» entre escenas habladas y lo musical, y Sondheim representa la culminación de esta estética.Mientras que la primera parte aborda un panorama de la creación de Sondheim, tomando como base el germen o «noción» de cada obra, la segunda analiza en detalle algunos de sus grandes números, poniendo de relieve las innovaciones que introdujo y que lo han convertido en un referente para las posteriores generaciones de músicos.
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