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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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Joan Perucho i les edicions pop. L’aventura de Tàber
En l'any del centenari del naixement de Joan Perucho també era necessari descobrir la seva faceta com a editor i conèixer una de les aventures editorials barcelonines dels últims anys del franquisme, l'editorial Tàber (1967-1971). Frederic Clara la va fundar i va donar a conèixer el gust per la imaginació, la literatura fantàstica, l’hedonisme i l’erotisme. Perucho s'hi va afegir més tard i la seva personalitat es va projectar en la recuperació dels clàssics de la literatura fantàstica, en la tria dels llibres rars i curiosos, en la sensibilitat cap al nou llenguatge del còmic i en la reivindicació de la cultura gastronòmica.
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Desde su fundación en 1981, el estudio neoyorquino Diller Scofidio + Renfro (DS+R) ha diseñado algunos de los espacios cívicos e instituciones culturales más venerados del mundo. Su práctica abarca la arquitectura, el diseño urbano, el arte de instalación, la performance, los medios digitales y la impresión.Desde el famoso High Line en la ciudad de Nueva York hasta el próximo V&A East Storehouse en Londres y algunos de sus primeros proyectos como el edificio Blur diseñado para la Expo Suiza de 2002, DS+R explora estrategias alternativas en la creación de espacios que atraen y sorprenden a escala global.Diseñada por DS+R como un par de volúmenes unidos estructuralmente, esta monografía invita a los lectores a tender un puente entre diferentes modos de producción y reconsiderar los límites de la arquitectura. La encuadernación única permite leer cada volumen de forma individual o en paralelo desplegando el libro por el lomo. Los diseños especiales cruzados vinculan los dos volúmenes con obsesiones compartidas.La monografía incluye diseños de la consultora de diseño 2x4, con fotografías de Iwan Baan y Matthew Monteith, entre otros fotógrafos. También incluye nuevos diálogos con visionarios de otros campos creativos, entre ellos el artista Edmund de Waal, el crítico de arte y comisario Hans Ulrich Obrist, la comisaria Paola Antonelli, el actor Alan Cumming y el coreógrafo William Forsythe.
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TAG es un ciclo de conferencias y un espacio de reflexión a partir del trabajo profesional de los profesores más jóvenes del Departamento de Proyectos Arquitectónicos (DPA) de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (ETSAM). El comisariado del ciclo no es temático, sino que busca visibilizar la multiplicidad de sus prácticas, la complejidad de su ecosistema docente y la emergencia de intereses comunes. Desde los cruces y solapes resultantes, fomenta la conversación y la identificación de líneas de trabajo propias a la vez que pertinentes a nivel global. Las estructuras generadas a partir de etiquetas persiguen reflejar múltiples miradas posibles de un mismo conjunto, dando lugar a una mayor interacción con el receptor. Su intención radica en la superposición y en reflejar la complejidad del trabajo mostrado.TAG es también una publicación que reúne documentos, formatos y agendas superpuestas a lo largo del proceso, quedando abierto a nuevas etiquetas que están por llegar. Con esta intención, se han incorporado textos de invitados externos que abordan los # iniciales ya enunciados, bajo nuevas perspectivas.
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Este libro es un viaje apasionado al corazón de las sevillanas, un género que late con la fuerza de la tradición andaluza y que ha tejido, a lo largo de los siglos, una historia de emociones, fe y arte. Feliciano Pérez-Vera Hernández nos invita a descubrir cómo estas coplas han sido testigo de amores, devociones y costumbres populares, desde su infancia en Hinojos hasta los escenarios más emblemáticos de la cultura flamenca. Con un estilo cercano y lleno de vivencias personales, el autor nos comparte anécdotas entrañables, el proceso creativo tras sus composiciones más icónicas y su lucha por preservar la esencia de un género que une generaciones. Además, el libro ofrece un homenaje a las figuras que marcaron el auge de las sevillanas y una reflexión sobre su transformación a lo largo del tiempo.
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Ricardo Cavolo recrea a modo de diario personal una historia de la música a través de sus 100 artistas imprescindibles, desde Bach hasta Radiohead, pasando por Amy Winehouse, Nirvana o Daft Punk. Con más de 100 ilustraciones y textos escritos a mano, c
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La relación del arquitecto italiano Aldo Rossi con la península ibérica dio comienzo a mediados de los años sesenta y se prolongó hasta su muerte. Sus viajes a España y Portugal fueron numerosos a lo largo de todos esos años, durante los cuales no dejó de experimentar el impacto de determinadas arquitecturas ibéricas en su modo de entender y practicar la arquitectura, en el contexto del pensamiento analógico que caracterizó su personalísima poética. Sirviéndose de esa relación, en este libro se han seleccionado algunas arquitecturas de España y Portugal —una por cada una de las regiones con las que Rossi mantuvo una relación más estrecha y dilatada en el tiempo— para analizar aquellos aspectos concretos de su obra que pueden ser desvelados por medio de la lectura que él hizo de esas arquitecturas. Para ello se ponen en juego diversas facetas del discurso rossiano sobre la arquitectura y la ciudad, utilizando determinados edificios ligados al imaginario ibérico del arquitecto milanés para explicar algunos de sus proyectos más significativos. Así, recurriendo a varias parejas de conceptos contrapuestos se lleva a cabo una aproximación al núcleo de las cuestiones que cada uno de esos hechos construidos parece representar. Estas son, respectivamente, razón e imaginación, territorio y ciudad, geometría y naturaleza, interior y exterior, arquitectura y escenografía, y a modo de síntesis de todas ellas, eros y thánatos o, si se prefiere, pulsión de vida y pulsión de muerte.
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Si bien existe una importante constelación de ensayosque abarcan la trayectoria de Antoni Tàpies y que analizan sus obras polisémicas, la génesis de su proceso creativo sigue guardando secretos. Massimo Recalcati no pretende rastrear las influencias que impregnanla producción de Tàpies ni tampoco quiere poner a prueba las teorías avanzadas por los historiadores del arte. Recalcati aporta una relectura del gesto creativo, del estilo inconfundible y del proceso de subjetivación del maestro catalán desde la perspectiva del psicoanálisis lacaniano. El filósofo italiano trata dereconstruir el paradigma secreto del artista que busca crear desde la nada al mismo tiempo que recrear supropio pasado renovándolo. Cada artista se encuentralibre y vinculado, abierto y constreñido, expuesto ala contingencia de su acto singular y ligado a la inexorabilidad necesaria de la repetición. Éste es el «paradigma Tàpies» que Recalcati desvela en estas páginas. Un libro breve y original que sigue de cerca la intensa dialéctica que se desarrolla entre memoria y olvido, repetición y libertad, y que conduce al artista catalán a inventar una nueva y singular poética: «la poética del muro.»
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Fotografiar con el móvil ya es parte de nuestras vidas. La cámara del teléfono se ha convertido en un armafundamental para compartir la visión del mundo. También ha conseguido abrir un camino más artístico y modificar la forma de expresar y transmitir. Para quienes disponen de uno de estos dispositivos, conocer el mundo fotográfico se torna cada vez más interesante ynecesario. Pero la cantidad de imágenes que se producen a diario no siempre ofrecen un resultado con sentido narrativo y valor artístico. El conocimiento ayudaa producir imágenes con calidad, además de hacernoscrecer dentro de una manifestación tan apasionante, solo con la ayuda de una cámara portable y liviana. Este libro muestra cómo usar el móvil como una herramienta artística. Incluye contenido técnico y otros tannecesarios como la narración o la composición. Si queremos lograr un resultado superior al testimonio delo cotidiano, el móvil puede convertirse en nuestro mejor compañero de viaje para obtener fotos extraordinarias. Este libro es una invitación a abrir un mundode grandes posibilidades fotográficas con un dispositivo que cabe en el bolsillo.
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TODA ESCOBA TIENE SU HISTORIAEn las películas de Harry Potter, las escobas mágicas son artefactos encantados que permiten a sus jinetes volar como una exhalación de un lugar a otro. Se pueden utilizar para esquivar peligrosos dragones, para escapar de los mortífagos y otras fuerzas oscuras, o para surcar los aires y disputar un movidito partido de Quidditch.Harry Potter: la colección de escobas es una guía visual de estos artefactos mágicos, de sus creadores, y de sus jinetes. Los perfiles de cada escoba presentan deslumbrantes nuevas fotografías de la utilería original, comentarios del reparto artístico y el equipo técnico, y otros secretos cinematográficos procedentes de los archivos de Warner Bros. También se incluyen apartados fascinantes sobre el Quidditch, con perfiles referentes a todo, desde la Snitch dorada hasta la Copa del Mundo de Quidditch.Este volumen para coleccionistas es un recurso ideal, tanto para los fans veteranos que buscan conocer la historia tras estos apreciados objetos como para una nueva generación que acaba de empezar su viaje por el mundo mágico.
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El arte y la creación constituyen las herramientas perfectas para imaginar el futuro, para descubrir que otros mundos, otros seres,otras maneras de medir el tiempo y lavida nos aguardan más allá de las fronteras de lo racional. La ciencia ficción se ha
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Viajar es una experiencia emocionante y eso mismodeberían reflejar las fotografías del viajero. Richard I’,Anson desvela cómo mejorar la habilidaden la composición y en la técnica fotográfica Incluye: Información totalmente actualizada sobre fotografía digital Técnicas para sacar el mayor partido a los propios conocimientos Consejos para evitar errores fotográficos frecuentes Ejercicios y ejemplos para perfeccionar y poner en práctica los consejos y técnicas reseñados en el texto. Cómo capturar el instante decisivo Trucos para valorar, mostrar y vender las fotografías Magníficas fotografías de viaje para inspirar al viajero. Cómo fotografiar con cualquier tipo de cámara: desde una analógica hasta la integrada en el teléfono móvil
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Dos décadas después de quélos Sex Pistols y los Ramones dieran nacimiento a la música punk, sus herederos artísticos irrumpieron en escena y cambiaron el género para siempre. Mientras quéla fama délos inventores del punk circulaba a un nivel casi clandestino con ventas regularmente bajas, sus herederos hicieron estallar todas las expectativas comerciales del género. Son muchos los libros, artículos y documentales que han centrado su interés en el nacimiento y auge del punk délos 70, pero pocos han dedíado un tiempo considerable a su resurgir durantélos 90.Smash! es el primero quélo hace, con el relato detallado délas circunstancias del cambio en la cultura musical délos 90 desde el grunge. Gracias a su fabuloso acceso a los protagonistas clave del momento, incluyendo a los mismos miembros de Green Day, Offspring, NOFX, Bad Religion, y muchos otros, el celebrado crítico musical Ian Winwood nos brinda por fin la historia, trascendental y absorbente que merecen.
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Este libro va dirigido a ceramistas que trabajan a muchos niveles. Es un libro que rinde homenaje a la tradición pero también presenta nuevas formas de aproximarse a la arcilla. Si eres principiante, encontrarásen él la información básica que necesitas. Si eres unceramista experimentado en busca de nuevas formas detrabajar a mano en profundidad, este libro también es para ti.
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El hombre que camina es posiblemente la escultura más célebre del siglo XX, del escultor Alberto Giacometti. Franck Maubert rastrealas circunstancias en las que la escultura fue concebida y nos descubre que la obra ha trascendido su época y dialoga tant
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“El verdadero arte es expresivo y simbólico, hace quetoda forma, sonido, color o gesto sea un signo de alguna esencia imaginativa imposible de analizar. El verdadero arte es la llama del último día, que comienzapara cada hombre cuando por primera vez lo emocionala belleza. Debemos entonces ser artistas en todas las cosas y que nuestra imaginación desee siempre la belleza, única máscara a través de la cual pueden verselos ojos sin velo de la eternidad.”
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Photography Phaidon
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De piedra, de madera, de colores o incluso de música. De enormes dimensiones, como el Akashi Kaikyō o el Golden Gate, tan finos como el hilo tendido entre las Torres Gemelas por un acróbata o efímeros como la franja de nieve helada que une las grietas de un glaciar. Escenarios de batallas y de reconciliaciones, parte de nuestro paisaje físico y emocional, los puentes son un símbolo de paso entre mundos lejanos, un remiendo en el territorio capaz de sortear agua y aire. Puentes, no muros recoge cincuenta ilustraciones de puentes de todo el mundo y nos invita a recorrerlos a pie o con la imaginación. Un libro que nos permite viajar a través de las historias de quienes diseñaron, construyeron y cruzaron estas mágicas arquitecturas.
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Teatro nuevo y Teatro viejo incluye una serie de reflexiones sobre la creatividad teatral, en donde Pirandello pondera la independencia de criterio de los dramaturgos. Proclamaba Pirandello: Hay que dejar atrás la verdad concebida como un Dios y un trozo de vida que fotografiar. No existe verdad o falsedad, no existe virtud o error, no existe nada de objetivo, de inmutable y mucho menos de eterno, no existe una ley por encima de ella y tampoco en ella, no existe una realidad afectiva fuera de nosotros y tampoco en nosotros, nosotros mismos no somos como creemos ser, sino tan solo como de vez en cuando nos construimos o como le parecemos a este, a aquel, a aquel otro, la vida, en fin, no es más que una fúnebre farsa en la que nosotros representamos, de una manera más o menos inconscientes, los personajes más diversos, como desventurados títeres en las manos de un destino ciego. ¿Qué aporta, entonces, Pirandello al teatro? No tanto las contrariedades de la vida y de la forma, de la realidad y de la ficción, de la razón y de la locura, sino, una búsqueda intelectual que carcoma los cimientos de la realidad de todos los días y cuestione el entendimiento de esa vida que generalmente se denomina normal. La siguiente afirmación de Jean Paul Sartre bien se podría aplicar al mismísimo Pirandello, ya que su compromiso con la creación teatral fue siempre irrenunciable: En el teatro de Pirandello cada vez que un personaje está acosado por la pasión, habla todo el tiempo, porque la pasión se expresa por las palabras, por los razonamientos, por las indagaciones, un personaje que intenta ver lo más lúcidamente posible.
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Para desentrañar las causas políticas, culturales y psicológicas del resentimiento y su evolución contemporánea, Alberto González Pascual analiza el trumpismo y el islamofascismo, así como la persistencia en nuestro tiempo del nacionalismo, el racismo y el antisemitismo. Revisita las propagandas de Mussolini y Hitler, y sus ecos resucitados que colean en el presente. Profundiza en los efectos ambivalentes que tuvo el juicio de Auschwitz y en los rasgos del virus eclosionado durante la Guerra de los Balcanes. Y descubre sin tapujos la ligazón arcaica que las estructuras familiares producen no solamente sobre el psiquismo de la persona, sino también sobre los impulsos políticos que adopta por su influencia y con los que después funciona en los diferentes ámbitos de la sociedad. La insatisfacción, la falta, la incomprensión, el vacío de sentido y el sufrimiento son, entre otros, aceleradores del resentimiento, aprovechados por los diferentes discursos y estéticas del fascismo para formar sus rebaños. AUTOR Doctor cum laude en Ciencias de la Información (UCM) y en Pensamiento Político (Pablo de Olavide), Alberto González Pascual colabora como articulista con EL PAÍS Retina, El Huffington Post, Harvard Deusto Review y Diario de Sevilla. Es profesor asociado de las Universidades Rey Juan Carlos y Villanueva. Alumni de la JFK School of Government de Harvard University y de Cornell University, donde se ha graduado en psicología del liderazgo. Investigador de Cártel especializado en la noción de angustia en la Escuela Lacaniana de Psicoanálisis y Campo Freudiano de Madrid. También es director de talento y formación de PRISA. En libros anteriores ha tratado la función de la ideología en el cine estadounidense contemporáneo y el pensamiento crítico del filósofo Fredric Jameson.
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Seis años le ha llevado a José Luis Ortiz Nuevo reconstruir la vida de Enrique Morente durante el periodo (1969-1976) de su consolidación como cantaor bajo el convencimiento de que el flamenco debía buscar nuevas perspectivas desde la tradición y abrirse a otros caminos. «El cante no puede quedarse monumentalizado, fosilizado, en la seguiriya de Manuel Torre. O crece o muere», escribía José G. Ladrón de Guevara al hilo de este Morente ya revolucionario que vislumbraba cantes en los versos de Miguel Hernández. Así, es el nacimiento de la arriesgada heterodoxia morentiana lo que se celebra en esta primera entrega de Libro de Morente, el reto más ambicioso de los enfrentados por el Poeta de Archidona, pues Ortiz Nuevo no solo se contenta aquí con documentar y ahuyentar de tópicos, mentiras y lugares comunes aquellos años irrepetibles de juventud compartida con el cantaor granadino. Igualmente, revoluciona sus anteriores memorias flamencas -en las que se dejara poseer por los recuerdos de Pepe el de la Matrona, Enrique el Cojo, Tía Anica...- abriendo su escrito a una sentida autobiografía en forma de diálogo con el amigo desaparecido antes de tiempo. Puede que, simplemente, porque ya no quede más «viejo superviviente» que él mismo, ni mejor manera de recordar que entablando conversación con lo que perdura y resiste.
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Juan Travnik es un fotógrafo argentino reconocido por captar la esencia de Buenos Aires y su lado menos conocido a través de una mirada poética y reveladora.MATERIA se sumerge en el intrigante mundo de Buenos Aires más allá de las bulliciosas multitudes.La magistral fotografía de Travnik capta hábilmente el encanto sórdido de la ciudad, presentando un fascinante conjunto de edificios oscurecidos y abandonados, ventanas tapiadas y carteles rotos, que desvelan su oculta belleza urbana.Las fotografías de Travnik van más allá de la documentación, sumergen al espectador en una experiencia rica y táctil. Desde muestras de pintura en las paredes hasta capas de cemento y fragmentos de plástico, su obra se convierte en una fascinante exploración del mundo material que captura.Desde la década de 1980, Juan Travnik deambula al alba por una Buenos Aires fantasmagórica, vacía de toda presencia humana, registrando la negrura de los severos paisajes urbanos y periféricos. Con los años, el color fue cobrando una importancia cada vez mayor. Los matices mortecinos de su repertorio cromático traducen su abatimiento frente a la crisis que actualmente atraviesa Argentina. Por doquier, la alteración de los muros y de las banquetas, las salpicaduras y las manchas aquí y allá, las oxidaciones, las fisuras y los hoyos, las herrumbres, la acumulación de yeso desprenden una sombría angustia y bañan la ciudad con una luz funesta.
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Elvis Presley es una figura de talla mundial de lacultura popular, un artista cuyo talento y fama sólofueron igualados por sus excesos y su trágico final.Con su deslumbrante voz, este ícono del siglo XX incorporó influencias del rhythm and blues y delfolk de raíces americanas para crear un tipo de música completamente nuevo y una nueva manera de expresar la sensibilidad masculina.En Ser Elvis. Una vida solitaria, el veterano periodista derock Ray Connolly ofrece una revisión de la carreradel cantante más famoso de la música popular, ubicándolo no sólo bajo las chillonas luces de neón de Las Vegas, donde concluyó su carrera, sino también en el contexto del sur de Estados Unidos, en los barrios pobres donde Elvis se creció y formó musicalmente asintiendo a conciertos clandestinos de blues, frecuentandoiglesias donde escuchaba góspel y aprendiendo a tocar la guitarra entre melodías de country y hillbilly.A través de entrevistas a músicos que lo conocieron personalmente, como John Lennon,Bob Dylan, B. B. King, Sam Phillips y Roy Orbison, entre muchos otros, Ray Connolly logra uno de los retratos más matizados y maduros escritos hasta el presente del fenómeno cultural que fue Elvis Presley.
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Alfonso Salazar presenta la evolución del tango, el bolero y la copla a través de las letras de las canciones, estableciendo la relación entre los tres géneros.El libro ofrece un panorama de las diferencias y las coincidencias de los géneros musicales aquí tratados, con un interés especial en la diferencia que se hace entre los géneros masculino y femenino: la masculinización de los cantantes de copla cuando utilizaban canciones cuya voz narradora era femenina, o cómo las cantantes de tango frecuentaban letras que no comprometiesen su voz cantora, su identidad de género que limitaba su repertorio o bien se veían o bien se veían abocadas a modificar sustantivos y adjetivos. De la misma manera, personas transgénero utilizaban la copla como una bandera de identidad, pues la folclórica seguía identificando a una mujer en vías de emancipación, como a ellas mismas les sucedía.En esa bifurcación de géneros, aparece el nosotros del bolero.
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Si quiere aprender a realizar sus propias fotografías digitales infrarrojas sin grandes esfuerzos y con resultados favorables, ha llegado al libro indicado. Tiene a su alcance el primer manual de fotografía infrarroja en castellano, en el que encontrará consejos, sugerencias y orientaciones de mano de un experto en el tema. Con él, aprenderá paso a paso el apasionante e invisible mundo de la fotografía infrarroja y conseguirá dominarla totalmente. Descubra todo lo que necesita saber para realizar sus fotografías digitales infrarrojas con éxito. Ginés Guirao es un apasionado de la fotografía, autodidacta durante muchos años. Completó sus estudios de fotografía profesional en el Centro de Enseñanzas de la Imagen (CEI) en Barcelona. Ha participado en diversos reportajes sociales en FORESA (Fotógrafos Reunidos, S.A.) y en concursos creativos, todo ello dentro del contexto de la fotografía química y analógica. Con la llegada de la fotografía digital, se adentró en el mundo del Alto Rango Dinámico (HDR) y durante cinco años perfeccionó su técnica, plasmada en el libro Todos los secretos de la fotografía en HDR. Desde 2017 ha indagado en la fotografía infrarroja, en sus diferentes longitudes de onda, y ha presentado en este libro, de forma simultánea, las técnicas que domina con resultados sorprendentes.
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«Todo procede de algún lugar, aunque este no sea sinónimo o promesa de ningún origen ni de ningún sello de autenticidad.» Como bailarina, coreógrafa y antropóloga del cuerpo, Núria Guiu ha iniciado un nuevo paradigma en la creación coreográfica local. Su obra, fruto de la investigación-creación desde el campo de la antropología, pone el foco en el movimiento, la imagen, el poder y la performatividad en un contexto de mundo globalizado, impactado por las redes sociales y la digitalización de la vida. ''POV'' es una rica, profunda y sólida exposición de los fundamentos conceptuales, reflexiones, experiencias, metodologías y procesos de trabajo de esta creadora de referencia, que recibió el Premio Nacional de Cultura en 2022 en la modalidad de Danza. Escrito íntegramente en primera persona en un lenguaje directo y desgarrador, el texto nos permite captar el mundo interior y los referentes conceptuales y críticos que articulan el discurso artístico de esta creadora.
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A través de sus ojos, reviviremos momentos clave en la historia de Granada: la llegada de personalidades icónicas como la Argentinita, Bob Dylan o José Saramago, la transformación urbanística con la construcción del Palacio de Deportes, el Metro o la A-92, y los altibajos del Granada C.F. como si estuviéramos en la grada.Pero este libro es mucho más que un recuento de eventos. Es una reflexión sobre el privilegio de estar en primera línea de la noticia, el peaje personal que implica perderse momentos familiares irrecuperables y la sensación agridulce del tiempo pasado. Con un estilo cercano y lleno de chispa, Ramón L. Pérez nos invita a compartir su particular visión de Granada, una ciudad que ha cambiado ante su objetivo, dejando una huella imborrable en su vida y en estas páginas.Descubre las primeras veces que marcaron una época: la inauguración del AVE, el primer viaje del Metro, la colocación de las primeras piedras de edificios emblemáticos. Acompaña al autor en sus inicios como jefe de fotografía del periódico Ideal, sus primicias digitales y sus incontables viajes a la redacción. Sorpréndete con anécdotas insólitas, como fotografiar una obra de teatro en una zapatería o la llegada al periódico de una mujer con una escalofriante historia real.
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'En Ruskin, la paradoja, el capricho, el gusto personal y exclusivo se hace convincente, se eleva y se hace hasta inspiración celeste a fuerza de dominar el procedimiento demostrativo, con sedicencias y seducciones.''''Ruskin no es nunca un teórico, cuenta con pisar el paisaje que alaba, con entrar en él, lo ve todovivo, asequible, tibio, móvil y por eso en las cosasmás petrificadas encuentra la brisa que fuera con ellas, la luz que las anima y las adentra.ö
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Entre la divulgación musical y la irreverencia, el pianista Miguel Baselga desvela la (casi) siempre oculta cara B de la música clásica en este libro en el que tienen cabida batallas de chelos, armonías, panettones y la suegra de Marilyn Monroe. Para acercarse a un mundo tan cerrado y eminente como el de la música clásica, a veces no solo basta con llamar a la puerta: hay que tirarla abajo y desmitificar a sus venerados y peculiares habitantes. Miguel Baselga, el concertista de piano con el espíritu más rock and roll de la escena nacional (e internacional), se enfrenta como nadie a los clichés y paradojas que siempre han rodeado la música clásica. Y lo hace con humor, con su particular estilo irreverente y apasionado, con rigor y, sobre todo, con mucha erudición. ¿Qué le pasaba a Puccini con los panettones? ¿Cómo se construye una armonía? ¿Por quién hay que apostar en una pelea de chelos? ¿Cuál es la diferencia entre la intensidad de un sonido y su frecuencia? ¿Qué tiene que ver la suegra de Marilyn Monroe con el director de orquesta alemán Wilhelm Furtwängler? ¿Los estudiantes del conservatorio escuchan reggaetón? Lo que no me contaron en el conservatorio es un ensayo que surge de la sección homónima que Miguel Baselga presenta cada semana en ''Las Mañanas'' de RNE, en el que se entremezclan la divulgación musical y con las inconfesables confidencias de un pianista.
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En colaboración con el Museo Nacional del Prado, estelibro estudia las obras de contenido mitológico másimportantes de nuestra universal pinacoteca. La descripción de cada obra se acompaña de una imagen de la misma, a todo color, de una calidad inigualable. Las imágenes han sido tomadas por los fotógrafos del Prado. Las partes en las que se divide el libro (entre lasque sobresalen, por destacar algunas, Las fábulas deVelázquez y su entorno o La torre de la Parada) vienen precedidas por claras introducciones al conjunto en cuestión. Todas ellas incluyen bellos grabados, cuidadosamente seleccionados por los autores. Como complemento, el lector podrá aproximarse a los textos antiguos que sirvieron de inspiración para la realizaciónde estas obras.
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El viaje de Aby Warburg a Nuevo México es un hito enla biografía del historiador alemán siendo muchos losestudios que lo han analizado en relación a su pensamiento y a su legado intelectual. Sin embargo, son escasísimos los trabajos que han mostrado una actitud crítica hacia el mismo y el encuentro que Warburg tuvocon los indios pueblo. Los estudios de David Freedberg que aquí se presentan, inéditos en castellano, plantean el viaje de Warburg a Nuevo México como nunca antes se había hecho. Si la historiografía del arte había alabado el acercamiento de Warburg a la antropología, los textos de Freedberg, empleando una expresiónde Walter Benjamin, pasan la historia de este viajea contrapelo, para ver en ese movimiento lo que los relatos sobre el mismo han silenciado.
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En la televisión, en la cabina de los jets, en las salas de cine, en los quirófanos, los estudios de arquitectura y los laboratorios de física, las imágenes digitales son omnipresentes. Han revolucionado las formas de representación del mundo y la mirada que ponemos sobre las cosas y nuestro entorno. Transforman las artes plásticas, el cine... Este libro nos enfrenta a cuestiones sobre el modo de fabricación de las imágenes digitales y sus campos de aplicación. Su lectura no requiere de conocimientos en informática y su ambición es la de otorgar las claves necesarias para ayudar a comprender la nueva cultura visual, y permitir una reflexión estética y epistemológica.
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Este libro reconstruye la historia del espectáculo que se estrenó en mayo de 1947 en el madrileño Teatro de la Comedia bajo el título Historia del romancero, protagonizado por los alumnos del Colegio «Estudio». El proyecto fue impulsado por Jimena Menéndez-Pidal, quien, inspirada por las investigaciones en torno al romancero español de sus padres, María Goyri y Ramón Menéndez Pidal, y alentada por su experiencia teatral previa en el Instituto-Escuela, decidió llevar a escena la historia y evolución de los romances desde su nacimiento en el medievo español hasta su actualidad en el mundo hispánico moderno. Gracias a la privilegiada memoria de la historiadora y pedagoga Elvira Ontañón -que participó de niña en la obra-, el musicólogo Víctor Pliego ha transcrito las letras y elaborado las partituras de los romances representados, además de poner en contexto aquella iniciativa. Teatro, poesía, historia, tradición, música y danza se funden en este testimonio de la historia de la educación en España durante la posguerra que, a la vez, es un material didáctico plenamente vigente.
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Este libro nos invita a pasear sin prisas por Bilbao y a escuchar con la mirada. Se trata de una guía con coordenadas espacio-temporales que nos orienta por el Bilbao de la música clásica. Y es que, lo sepamos o no, en varios de los objetos que nuestros ojos encuentran en el paisaje urbano resuena la creatividad de nuestros antepasados músicos, como un eco que enriquece la memoria colectiva. Para algunas personas la contemplación supondrá un descubrimiento. Para otras, un viaje al pasado. Y para muchas, ambos goces a la vez.Tanto si vivimos en Bilbao como si somos visitantes casuales o reincidentes, este libro nos permite transformar esta ciudad melómana y estimulante en una galería-auditorio con múltiples paseos sonoros. De trazado breve o de largo recorrido. En apacible y libre soledad o en amena y amigable compañía.Los beneficios de la venta de este libro están destinados a la Asociación Inés de Pablo Llorens por su labor de apoyo a la investigación de tumores raros.
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Decir que el cine no es ya lo que fue, entregándonos al recuerdo nostálgico de sus épocas doradas, puede distraernos de lo que continúa siendo: un medio artístico singular que mantiene su vitalidad en un mundo que se ha llenado de pantallas. En nuestros d
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Según el relato histórico aceptado, el advenimiento de la arquitectura «postmoderna» en torno a 1970 marcó el fin del Movimiento Moderno e inauguró un cambio de paradigma, una transformación que acabó dando lugar a la arquitectura del mundo contemporáneo. Pero, si fue así, ¿cuál es la naturaleza del paradigma que engloba la producción arquitectónica actual, si es que en efecto existe semejante modelo de referencia? El presente libro trata de responder a esta pregunta a través de once entrevistas protagonizadas por algunas de las figuras más significativas de la teoría, la historiografía y el pensamiento arquitectónico de los últimos cincuenta años, desde la crítica de arquitectura al urbanismo, desde la investigación histórica a la protección del patrimonio, desde la agitación cultural al patronazgo y la influencia política, siempre con el telón de fondo de los desarrollos sociales más recientes. A lo largo de intensas y polémicas conversaciones el análisis de la situación arquitectónica se adentra en asuntos capitales como la crisis del Movimiento Moderno a lo largo de la década de 1970, la «restauración» parcial de la ortodoxia funcionalista en la década de 1980, la consolidación del modelo del «arquitecto-estrella» en torno al año 2000 o la transformación de las ideas dominantes acerca de cómo deberían ser las ciudades en las que vivimos, temas que se hallan siempre cerca de las preocupaciones del arquitecto actual y en relación con los cuales es difícil no tomar un partido apasionado.
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