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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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En una época de transformación acelerada de hábitos culturales y desarrollo tecnológico, la imagen fotográfica sigue ocupando un espacio privilegiado en nuestras vidas: hoy todos hablamos fotografía. Pero bajo la alfombra de esa flamante omnipresencia yacen muchos cadáveres. De 'cosa' congénita a la sociedad industrial, la fotografía se ha convertido en 'no-cosa' de la sociedad digital. El misterio de su alquimia fundacional está cediendo a otra magia, la de los algoritmos. Todos los valores de la imagen se están alterando: el horizonte de la inteligencia artificial presagia una revolución visual mucho más profunda que la que en 1839 promovió la aparición del daguerrotipo. La fotografía se hacía con luz, ahora se hace con datos. Y en esta transición de asombro e incertidumbre vale la pena pasar revista a los ámbitos en los que la cámara sigue lidiando, en la medida en que ese esfuerzo contribuye a entender mejor el espíritu de nuestro tiempo. La postverdad fotográfica, la memoria desmaterializada, la iconofagia, la construcción de identidades y la perspectiva de género en redes sociales, los drones y la automatización de la mirada, la fotografía como un lenguaje entre máquinas, las urgencias medioambientales, la postfotografía como síntoma de la economía postliberal, las imágenes de la guerra y la guerra de las imágenes… En este libro, Fontcuberta ofrece una docena de ensayos que, concebidos como casos de estudio, nos invitan a repensar si el símil del espejo con memoria sigue siendo el elemento definitorio de la condición fotográfica o si, por el contrario, ha llegado el momento de desbordar el espejo.
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¿Qué nos dicen las imágenes televisivas? ¿Qué discursos hay detrás de los diversos formatos audiovisuales? Un formato audiovisual es un conjunto de reglas capaces de generar una repetición narrativa. ¿Pero qué discursos hay detrás de estos formatos? ¿Cómo dialogan con otros lenguajes visuales? La imagen incesante plantea un recorrido a través de géneros tan diferentes como los concursos, los programas de vocación divulgativa, la telerrealidad, las películas y las series documentales, los talk shows o el contenido de las redes sociales para tratar de entender los debates y las fricciones que caracterizan las sociedades contemporáneas.A partir de esta anatomía de los formatos audiovisuales se exploran cuestiones trascendentales como la comprensión del yo y del otro, las tensiones comunitarias en situaciones extremas, las desigualdades de género, las nuevas formas de trabajo en la cultura de la fama, el mito de la libertad de elección o las paradojas de la difusión cultural. En esta indagación se comprueba que los formatos viajan de un país a otro, de un medio a otro, estableciendo puentes por donde circulan los imaginarios de la cultura popular. En contra de la idea de que los formatos audiovisuales son volátiles y no merece la pena volver a verlos, este libro propone el ejercicio contrario: pensar en la imagen incesante para saber qué nos dice de nosotros mismos.A caballo entre la mirada analítica y la vocación divulgativa, Jordi Balló y Mercè Oliva presentan un escenario que mezcla una alta consciencia filosófica con un sinfín de referencias que provienen de la cultura pop más espontánea y desenfadada, y afrontan todas estas preguntas con rigor ético y una firme precisión sociológica.
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Una representación que se sirve de la expresión escrita para, conjuntamente, trazar una investigación propia a la arquitectura.Textos gráficos reúne 15 aportaciones de 23 autores, profesores e investigadores de áreas de conocimiento que tienen en la representación gráfica su hilo conductor. Una representación que se sirve de la expresión escrita para, conjuntamente, trazar una investigación propia a la arquitectura y que encuentra un argumento adecuado en el título del presente volumen: Textos gráficos. Poner palabras a lo que los arquitectos e ingenieros transmitimos habitualmente a través de imágenes y dibujos es una dificultad propia al mundo académico en su intención de divulgar conocimiento a la sociedad. Esto obliga, en estos campos de conocimiento, a la aportación de planos, cartografías, imágenes, dibujos, figuras… argumentos visuales en definitiva dotados de una precisión y significado que refrende y amplie el valor de lo textual. De manera que estos Textos gráficos, como gráficos textualizados, acaban siendo una manera muy particular de afrontar la divulgación de la investigación en arquitectura. Agrupados alrededor de 4 temáticas: paisaje, cartografía, patrimonio y proyecto, Textos gráficos propone una transversalidad en la que se pueden encontrar proximidades, sintonías y asintonías, préstamos, hallazgos casuales e intencionados, los cuales trazan, en conjunto, un intenso panorama de investigación.
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Ya sea para honrar a los dioses o a los muertos, destacar el prestigio, celebrar un nacimiento, una unión, seducir, dibujar, pintar o escribir, el color siempre acude a la cita. Para conseguir los tonos con los que soñaban, los hombres han sabido descubrir pigmentos y tintes a menudo escondidos en vegetales, minerales, moluscos, hongos o insectos, y han llegado a imaginar técnicas complicadas o peligrosas para acceder a rojos intensos, amarillos luminosos, o a los más bellos azules. Este libro cuenta la historia de los colores, desde el descubrimiento de los pigmentos y tintes hasta su modo de aplicación, pero también las costumbres y los gestos que, desde los papúes a los inuit, de la China de Confucio a la Europa medieval, acompañan a esos materiales en rituales y ceremonias. Los múltiples caminos trazados por los hombres y las mujeres en su búsqueda del color ofrecen numerosas sorpresas y, a menudo, nos dejan maravillados.
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Existe la creencia, casi unánime, de que los artistas tienen una personalidad distintiva y de que siempre son y han sido egocéntricos, caprichosos, románticos, rebeldes, informales, licenciosos, estrafalarios, obsesionados por su trabajo y de difícil convivencia. Los historiadores del arte han contribuido poco a este tema, pues no consideran que el psicoanálisis sea útil para las investigaciones históricas, lo que en cierto modo les ha privado de un conocimiento más profundo, tanto del comportamiento de los artistas antiguos y modernos como de sus obras. Se trata, pues, de investigar cuándo, dónde y por qué se creó una imagen típica del artista en la mente del público en general y cuáles han sido sus rasgos distintivos y fortuna crítica. La respuesta se ha buscado en el maremágnum de fuentes históricas: biografías, cartas y documentos, es decir, que la investigación está enfocada rigurosamente hacia la documentación histórica.
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Dicen que la Historia la escriben los vencedores. En el rock, los grandes momentos se escriben en primera persona. A través de quince entrevistas y perfiles biográficos, Jacobo Celnik recorre con los protagonistas del libro varios momentos esenciales en el desarrollo de un género musical que cambió para siempre en octubre de 1962 con el lanzamiento de ''Love Me Do'' de The Beatles. Desde la llegada de Andrew Loog Oldham al management de The Rolling Stones, pasando por grandes hitos relacionados con la historia de The Who, Cream, Led Zeppelin, Pink Floyd, The Animals, Deep Purple, Black Sabbath, David Bowie, King Crimson, Genesis, Yes, Roxy Music, ELP, Queen, Van Der Graaf Generator y Jethro Tull, este libro es un viaje a la inmortalidad y la atemporalidad de varias edades de oro que tuvo el rock.
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“Desde arriba, Barcelona es como otra ciudad. Hay otra luz, otros colores, otros ritmos, otros sonidos, otra gente... ” Miguel Herranz se pasea cuaderno en ristre por las azoteas, miradores, terrazas y balcones de Barcelona y nos desvela los secretos y la belleza de esa otra ciudad desconocida que, por estar sobre nuestras cabezas, pocas veces conocemos. Entre la ilustración detallista y la premura del urban sketching, Miguel Herranz nos ofrece una crónica urbana ilustrada de Barcelona, los relatos de vida de una ciudad vista desde lo alto: desde panorámicas de sus barrios que caen al mar, hasta la vida íntima de sus característicos terrats, y los detalles de sus múltiples aleros, gárgolas, chimeneas y bosques de antenas. Un paseo secreto por una Barcelona desconocida.
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«Se invita a los jóvenes artistas de Zúrich para que acudan con sus propuestas y aportaciones sin que importe su orientación particular.» Así decía el llamamiento que Hugo Ball publicó en un periódico de Zúrich el 2 de febrero de 1916 cuando decidió fundar el mítico Cabaret Voltaire, la cuna del dadaísmo. Y lo hizo sin saber quiénes acudirían ni qué llevarían. Tres días más tarde, el Voltaire abrió sus puertas sin ninguna planificación previa. «Mítico» es un adjetivo que suele asociarse, con frecuencia, al dadaísmo y a algunos de sus geniales representantes: Tristan Tzara, primero en Zúrich y luego en París, junto a André Breton, futuro padre del surrealismo, George Grosz en Berlín, donde también destacaron artistas como Raoul Hausmann y Hannah Höch, pioneros del collage y del fotomontaje, y Richard Huelsenbeck, autor del insustituible Almanaque dadá, la pareja Duchamp-Picabia con su dadaísmo neoyorquino… Pero, como oportunamente se pregunta el autor de este libro, ¿qué hubo de verdad y qué de mito en el origen y la evolución del dadaísmo? En cualquier caso, esta amena y documentada biografía colectiva, en la senda de los trabajos de historia narrativa de Barbara Tuchman y Peter Gay, retrata las figuras y los momentos más brillantes de un movimiento que transformó radicalmente el arte del siglo XX y cuyas ramificaciones llegan hasta nuestros días. Una revolución antiacadémica y provocadora que, partiendo de la idea de destrucción, logró construir obras artísticas y literarias de una frescura y una vitalidad que aún no se han apagado. Sin dadá, nos dice Jed Rasula, hoy no tendríamos collages musicales, ni fotomontajes, ni happenings… Y ni siquiera habrían existido el surrealismo, el pop art y el punk. «Sin dadá, la vida moderna tal como la conocemos difícilmente podría calificarse de moderna.»
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Ir por el mundo dibujando gente in situ es toda una aventura que permite crear ilustraciones de forma espontánea además de recopilar valiosos recuerdos sobre las personas, los lugares y los momentos que has vivido. Pero dibujar gente también tiene sus retos y peculiaridades. ¿Qué secretos tiene dibujar unos labios, una oreja o un ojo? ¿Qué personas van a estar quietas mientras las dibujas? ¿Cómo plasmarlas en tus dibujos mientras se mueven? ¿Cómo dibujar rápido sin hacer esbozos? Este libro proporciona a quienes se inician en el dibujo un sinfín de consejos sencillos y prácticos que les darán la confianza para dibujar a todo tipo de personas en situaciones de lo más variado. Además de conocer los materiales y herramientas básicos del urban sketching, con esta guía aprenderás a mirar a tus modelos con atención y destreza, utilizando diversas técnicas que te ayudarán a dibujar rápido sin dejar de experimentar con nuevos estilos. Desde la anatomía humana, las acciones y las escenas más recurrentes, hasta los estilos, los enfoques y la captación del movimiento, este sencillo manual ilustrado te ayudará a reforzar tu habilidad en el dibujo y cambiará para siempre tu manera de dibujar.
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El presente libro examina la evolución del arte y la crítica en Europa occidental y Norteamérica a lo largo de los últimos veinticinco años, explorando su relación dinámica con la condición general de emergencia insuflada por el neoliberalismo y la guerra contra el terrorismo.Considerando la obra de artistas como Thomas Hirschhorn, Tacita Dean e Isa Genzken, y los escritos de pensadores como Jacques Rancière, Bruno Latour y Giorgio Agamben, Hal Foster pone de manifiesto los modos en que el arte ha anticipado esta condición, en ocasiones resistiendo al colapso del contrato social o apuntando a su reparación, en otras, parodiándolo.Contra la pretensión de que el arte ha alcanzado tal grado de heterogeneidad que desafía su análisis histórico, Foster sostiene que el crítico aún tiene que escribir un relato claramente articulado de lo contemporáneo en toda su complejidad. Con este fin, ofrece diversos paradigmas del arte de estos últimos años, a los que bautiza con términos como «abyecto», «archivo», «mimético» o «precario».
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Más allá de centrarse en la personalidad y obra de cada artista, esta historia busca captar la esencia y relevancia del arte contemporáneo partiendo de tres elementos de análisis: los desarrollos tecnológicos dela época (la evolución en la cultura material desde lo mecánico a lo electrónico), el ámbito de saberes delos que se nutre y con el que dialoga el arte (su propio acervo y las ideas de cada periodo) y, por último, las oscilaciones en el lenguaje artístico (entre estilos más abstractos o figurativos). Ofrece así treslongitudes de ondas (largas, medias y cortas) para interpretar y comprender el arte contemporáneo desde su nacimiento hasta los fenómenos más actuales.
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Puede que carezcas de experiencia y solo sientas curiosidad por la técnica. Puede que tengas un taller doméstico que te has propuesto ampliar buscando un espacio fuera de casa. Puede que trabajes en un estudio de diseño que quiera ofrecer servicios de ser
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Guitarras de doble mástil eléctricas semimacizas guitarras clásicas acústicas de tapa plana eléctricas huecas guitarras resonadoras modelos signature bajos sin trastes y mucho más...¿Distingues una Telecaster de una Stratocaster? ¿Y las guitarras de tapa plana de las de tapa arqueada? ¿Una Danelectro de una D’Angelico? Si eres guitarrista, o simplemente un amante del instrumento, este es tu libro. 2.OOO guitarras es una completa guía visual e histórica del más codiciado de los instrumentos: la guitarra. Elaborada por un equipo de expertos de Estados Unidos y Reino Unido, abarca desde las primeras guitarras acústicas, resonadoras y clásicas, pasando por los fabulosos instrumentos de caja hueca de la era del jazz, las célebres guitarras macizas y semiacústicas de las décadas de 1950 y 1960, hasta llegar a las eléctricas, acústicas y bajos más vanguardistas contemporáneos.Presentada en un práctico formato alfabético, esta obra cuenta con dos mil ilustraciones de guitarras pertenecientes a más de trescientas marcas distintas. Además, incluye la historia detallada de las principales marcas –Fender, Gibson, Martin, etcétera–, así como las claves más importantes de otras muchas firmas internacionales.
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Tradiciones inventadas. Pintores que no existen. Libros que debieran haber existido. Identidades tomadas en préstamo. La rica cultura de lo falso se ha tejido a la sombra de diferentes regulaciones de la verdad destinadas a delimitar qué es ficción y qué realidad. Hoy sabemos que son la misma cosa, y que la ficción funda realidades, que tiene voluntad pública, cuestionando la común interpretación de lo verdadero. La gestión de la verdad y de sus formatos es la base de toda autoridad. El «fake» surge precisamente para cortocircuitarla, explorando sus quimeras lingüísticas.
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Si eres de los que han intentado empezar varias veces pero no han logrado adquirir la práctica, ¡éste es el libro perfecto para ti! Al final de este libro sabrás… ¡Dibujar! combina los conceptos de tutorial y cuaderno de dibujo. Y va más allá de los paso fundamentales para aprender y mejorar, puesto que además te aporta el espacio que necesitas para tu práctica.
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No se puede poner límites a la imaginación. Todo cabe en el mundo de la fantasía, y si es de cine de lo que hablamos, entonces las posibilidades no solo son fascinantes, sino también infinitas. Y eso es lo que quiere transmitir y compartir este libro, en el que se aborda el cine fantástico de la forma más amplia y panorámica posible, incluyendo en él la ciencia ficción, el terror y otros subgéneros imprescindibles para entender este universo fílmico en su globalidad. El objetivo de esta obra es, por lo tanto, desglosar y analizar en diferentes apartados temáticos un género ecléctico por definición, y cuyo denominador común en todas las películas que de él forman parte es la ruptura con la realidad. A partir de ahí, la mirada es poliédrica: mitos, leyendas, monstruos, criaturas, robots, extraterrestres, brujas, demonios, fantasmas, vampiros, zombis, viajes en el tiempo y en el espacio... Un universo simplemente alucinante.
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¿Cómo surge un libro tan determinante para la disciplina como ''Learning from Las Vegas''? ¿cómo se produce y trasmite el conocimiento pedagógico en arquitectura?Cuando Denise Scott Brown se registra la primera noche en su hotel de Las Vegas, se pregunta de manera irónica: ¿puede Las Vegas ser educacional? Ella inicia un proyecto docente sin anticipar, ni siquiera sospechar, el alcance de lo que producirá. Confía en todo lo aprendido, incluidas las ideas resonantes de los Smithson, que le revelaron el Strip como un gran objeto «as-found». También otorga valor a su intuición, a ese frisson que dice haber sentido cuando llegó. ¿Era odio o amor? No lo sabía, pero tampoco le importó. Algo le dijo: «Denise, esto es clave, será muy importante para ti».¿Cómo surge un libro tan determinante para la disciplina como Learning from Las Vegas? Tras dialogar con Scott Brown y examinar los Architectural Archives of the University of Pennsylvania, Lina Toro revisita este proyecto y propone analizarlo desde una perspectiva completamente nueva: la pedagógica. Su objetivo no solo es destacar a Scott Brown como el motor intelectual detrás de esta obra y como creadora de una pedagogía tan necesaria como «incómoda», sino también ilustrar a través de este libro seminal cómo se produce y trasmite el conocimiento pedagógico en arquitectura. Esta exploración recorre los tres pilares esenciales para crearlo: los contenidos, los métodos y los lenguajes, centrándose en el caso de Las Vegas porque, como señala Scott Brown, aunque este sea un trabajo muy visitado, «aún no se ha entendido muy bien. No se conoce ni la mitad de lo que hicimos».
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Rosalía en 100 palabras: una biografía no oficial.Si un abecedario sirve para designar la serie ordenada de las letras con que se representan los fonemas o sonidos distintivos de una lengua, este libro quiere ofrecer una lista de elementos con los que Rosalía da forma a su lenguaje. Marta Salicrú, periodista musical, te llevará a través de los conceptos más icónicos utilizados por la artista -palabras como bizcochito, despechá, motomami o tra tra- en un viaje salvaje y emocionante por el fenómeno Rosalía. Desde su estilo único y las fusiones musicales que la caracterizan hasta su impacto en la moda y las redes sociales, cada página es una inmersión en el universo de una artista que no conoce los límites y desafía el statu quo.
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La etiqueta «indie» se ha convertido en un término cotidiano y problemático, objeto de eternas discusiones entre melómanos sobre su legitimidad como género musical. Más allá de lo estrictamente musical, el público, periodistas especializados, promotores de conciertos y festivales, discográficas y académicos también consideran que el «indie» es, al mismo tiempo, una postura autónoma en la industria de la música, una actitud frente al hecho musical y una huida del mercado comercial y masivo. Sin embargo, rara vez se cumplen todas estas premisas en un grupo o artista musical considerado «indie». Además de que estas características no son exclusivas de esta «categoría» musical. Artistas de «rap», «heavy metal», música electrónica o adscritos a cualquier otra etiqueta musical pueden ser igualmente independientes, minoritarios, innovadores, musicalmente ambiciosos y no llegar a considerarse «indies». Entonces, ¿qué es el «indie»? Este ensayo aborda los orígenes, características, usos y funciones de un concepto confuso que despierta simpatías y recelos a partes iguales. Con un enfoque académico pero muy accesible, la obra propone una lectura crítica sobre cómo los diferentes agentes que intervienen en la industria musical, pero, sobre todo, la prensa musical especializada y generalista, conforman los significados de los que hacemos uso y que, en el caso del «indie», se vuelven difusos e incluso contradictorios, dando lugar a un debate fascinante.
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Un relato arquitectónico, personal e histórico de una de las figuras más destacadas de la Edad Dorada de Estados Unidos.Publicado por primera vez en 2001, este aclamado volumen vuelve a imprimirse y destaca las cuatro casas principales compradas o construidas y renovadas para Henry Clay Frick, el mundialmente famoso coleccionista de arte y magnate del acero.El libro contiene contenido exclusivo, como fotografías antiguas, documentos, cartas, dibujos de trabajo originales, bocetos de artistas y notas de diseñadores.Con muebles, interiores y jardines diseñados por los arquitectos más prestigiosos de la época, las casas que aparecen en este libro ejemplifican las grandes residencias de la época: la Clayton de finales de la época victoriana en Pittsburgh, Pensilvania, alberga el Frick Pittsburgh, el neoclásico Eagle Rock en Massachusetts fue el retiro de verano de Frick, One East Seventieth Street en Nueva York alberga la mundialmente famosa Colección Frick, y Clayton Estate en Roslyn, Nueva York, es una obra maestra del Renacimiento georgiano.La autora, bisnieta de Henry Clay Frick, entrelaza historias de las vidas de Frick y su familia con la historia de las casas.
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Un libro revolucionario de un pensador revolucionario para todas aquellas personas interesadas en la música, en las ciudades y en hacer de nuestro mundo un lugar mejor.La ciudad donde quiero estar analiza de forma accesible la relación de la música con las ciudades. No se trata de la influencia que los entornos urbanos tienen en la música, sino del poderoso impacto que esta puede tener en cómo se desarrollan, construyen, gestionan y gobiernan los espacios en los que vivimos. Shain Shapiro, experto en políticas musicales y culturales, a través de sus trabajos en ciudades de todo el mundo —como Londres, Melbourne, Nashville, Austin o Zúrich—, adopta una perspectiva global sobre las formas en las que la música es parte integral de la vida cotidiana pero es descuidada por las políticas públicas.Este libro examina el poderoso impacto que la música puede tener en nuestras ciudades y constituye una caja de herramientas para reinventar las comunidades.
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Tanto las periferias urbanas como el papel que han jugado sus habitantes en la definición del hábitat y de las formas de residencia merecen una observación crítica en el ámbito de la arquitectura y los estudios urbanos. Las periferias son contextos habitualmente marcados por un carácter de singularidad y complejidad, atractivos desde la perspectiva de las microhistorias implicadas, elocuentes respecto a la evolución de las comunidades sociales que las pueblan y peculiares cuando analizamos los factores que han determinado sus formas de crecimiento o sus vínculos con los contextos urbanos existentes. Son territorios que anticipan la necesidad de una comprensión difusa de la vivienda, atenta a las coordenadas de escasez, incertidumbre o contingencia que operan en la arquitectura residencial contemporánea.
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Drawing the Body, el tercer título del exitoso autor Robert Osti, es un libro muy accesible que presenta una forma atractiva y sistematizada de dibujar la figura humana, desde representaciones estáticas, estructurales y anatómicas hasta formas realistas y expresivas.Con un texto mínimo y esencial, el libro está organizado como un cuaderno de bocetos con abundantes imágenes y ejercicios prácticos. Se incluyen demostraciones paso a paso que incluyen ilustraciones originales del autor, fotografías de figuras humanas y referencias históricas del arte de viejos maestros.Esta hermosa y utilitaria guía es indispensable y atraerá a artistas, estudiantes de arte y cualquier persona interesada en la representación artística y científica de la figura y la anatomía humanas.
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¿Quién fue ese músico, historiador y poeta, suerte de performer punk con aromas de folclore? ¿Quién era el que navegaba con parada rockera entre Antonin Artaud, el teatro de la crueldad, Juan Manuel de Rosas, los vampiros y Leonardo Favio? ¿Cómo habrá sido eso de permanecer y querer ser un secreto? Militante de ciertas causas justas, documentalista de su época. ¿Quién fue Gabo Ferro?Los periodistas Lalo Ugarte y Sergio Sánchez parten de estas y muchas otras preguntas que dejó la obra de Gabo Ferro y su temprana muerte en 2020. Estas páginas son una invitación a redescubrir su trayectoria. En este libro hablan sus cómplices, las personas que estuvieron presentes en la vida artística de Gabo y que fueron importantes en la construcción de su obra. Un derrotero que incluye la música, la poesía, la historia, el teatro y la performance. Un tornado dulce comienza por sus orígenes en el barrio popular de Mataderos y dibuja todo el arco de sus pasos como artista que lo llevaron a encontrar su propia voz, única y personal, pero a la vez estar sintonizado con el espíritu de su época. Recorrer el trayecto artístico de Gabo, desde su banda Porco hasta su etapa solista, también es describir la escena de una Buenos Aires que estallaba de creatividad en los primeros veinte años del siglo XXI. La originalidad de la obra de Gabo Ferro descansa en la decisión política y estética de ser un artista libre, audaz y rebelde. De no tener miedo a romper la voz y provocar con las palabras.''Su cuerpo tenía algo elástico, de bailarín y de fauno, la barba y el pelo en los brazos, los ojos oscuros y filosos, de párpados pesados, la sonrisa gigantesca: un animal mitológico, sexual y antiguo. [...] Gabo cantaba como un joven dios.'' - MARIANA ENRÍQUEZ''Este libro, riguroso y emotivo, nos permite conocer en detalle la aventura de un artista insumiso cuya obra, a no dudarlo, no dejará de crecer en importancia con el transcurso de los años.'' - SERGIO PUJOL, del prólogo del libro
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Miriam Margarita Basilio Gaztambide (nacida en 1967 en San Juan, Puerto Rico) es una historiadora del arteestadounidense y profesora asociada de estudios de museos e historia del arte en la Universidad de NuevaYork. Los intereses intelectuales de Basilio incluyenel arte latinoamericano, el arte político y otros temas de política, arte e identidad.
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Este libro no es solo una reflexión sobre sostenibilidad, es una invitación a cambiar nuestra perspectiva y transformar cómo diseñamos y habitamos el mundo. Con una mirada crítica, aborda la saturación del término ''sostenible'', instando a redescubrir su verdadero significado: la capacidad de mantener la vida sin agotar los recursos ni hipotecar el futuro. Desde esta premisa, la naturaleza se posiciona no solo como inspiración, sino como mentora y modelo para rediseñar nuestras ciudades y edificios. El contenido de estas páginas nos lleva a imaginar un futuro en el que los edificios funcionan como organismos vivos, respirando, adaptándose al entorno y generando equilibrio dinámico. En esta visión, las ciudades se asemejan a bosques: ecosistemas interconectados donde el aire, el agua, la energía y los desechos fluyen en circuitos cerrados y regenerativos, como las raíces y micorrizas de un bosque. La obra no solo aspira a resolver problemas técnicos, sino a proponer un cambio de paradigma: mirar el diseño urbano como una extensión de los sistemas naturales. Con un enfoque interdisciplinario, el texto enfatiza la colaboración entre arquitectos, biólogos, ingenieros, biotecnólogos, diseñadores, humanistas y químicos, entre muchos otros. Este enfoque bioinspirado nos recuerda que, al fin y al cabo, formamos parte de la naturaleza, y nuestro futuro depende de cómo decidamos aprender de ella y con ella.
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Este es el relato de un tiempo y un lugar: el momento en el que el rock 'n' roll cobró vida y los caminos de leyendas como Buddy Holly y Bo Diddley se entrecruzaban en clubs y moteles desde Texas a Toronto, la época en la que los Beatles, Hendrix, los Stones y Warhol se movían por las mismas calles y las mismas habitaciones de hotel. Es la crónica de los emocionantes cambios que se produjeron a finales de los sesenta y principios de los setenta, cuando una generación cimentada en la música, el amor y la libertad alcanzó la mayoría de edad. Pero sobre todo, es la historia de la profunda amistad entre cinco jóvenes que, juntos, crearon un nuevo tipo de música.
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Adobant l'arquitectura III
Després de les dues primeres edicions del curs Organització Cooperativa i món professional (ETSAV 2022 i 2023), ara arriben els resultats de la tercera edició del curs (2024), on porfesssorat i alumnat presenten els seus articles i treballs per a intentar donar resposta a aquesta pregunta.
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Con este libro aprenderás a seleccionar música, a elegir las técnicas adecuadas para mezclarla, a configurar equipos y a enfrentarte al público como parte de tu aprendizaje. Puedes trabajar los capítulos por separado, pero te recomendamos que previamente hagas una lectura rápida para entender la dimensión del oficio. Tal vez, una de las cosas que te sorprenda de este manual es la utilización de un lenguaje llano y ameno para explicar conceptos teóricos y técnicos. La idea es que cualquier persona, sin conocimientos previos y sin supervisión, pueda introducirse en el mundo de la animación musical sin tropezarse con la barrera de un lenguaje excesivamente formal. Este libro está desarrollado atendiendo al currículo del módulo de Animación Musical en Vivo del Ciclo de Formación Profesional de Video Disc-Jockey y Sonido. Por tanto, y, en primer lugar, está destinado tanto a profesores como alumnos de este ciclo, pero también ha sido escrito pensando en todos los DJs, desde principiantes hasta profesionales del sector. Pablo Blanco es Licenciado en Psicología, máster en profesorado en educación secundaria y formación profesional, es músico, DJ y productor musical. Ha fundado su propia escuela de producción musical y DJ en Galicia, REC label, desde la que imparte cursos presenciales y online de composición por ordenador, mezcla de sonido y masterización digital, y cursos de DJ analógico y digital. Es especialista en software profesional de producción musical y DJ, como Logic Pro, Pro Tools, Ableton Live, Serato y Traktor Pro. Tiene formación como guitarrista de música moderna y realiza, además de composición propia, producciones musicales para eventos y publicidad. Compagina esta faceta con su labor como profesor especialista de los módulos de Animación Musical en Vivo y Control, Mezcla y Edición de Sonido del Ciclo de Vídeo Disc-Jockey y Sonido en la Escuela de Imagen y Sonido de Vigo.
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Guía para comprender y representar la forma del cuerpo humano: • Los procedimientos de dibujo • Las formas externas • Las proporciones • El componente óseo • El componente articular • El componente muscular Para uso de estudiantes de escuelas de arte y de artistas.
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En Piedrabuena (Ciudad Real), hace ciento y pico añospasaban cosas muy raras: un tal Sánchez se fue a Estados Unidos y al volver montó en el pueblo una fábrica revolucionaria (porque fabricaba un aparato para ver a la gente por dentro y porque pagaba sueldos justos, una de estas dos cosas es revolucionaria todavía hoy). Por esos años cundió también la monomanía de diseñar y fabricar el submarino perfecto: con periscopioo sin él, a hélice o a brazo, para recuperar el imperio o para mariscar. La cosa, en el caso de Peral, Monturiol y otros, acabó en naufragio, aunque tuvierana Julio Verne de su parte. No nos olvidamos tampoco de un sabio llamado Cervera que, hasta donde sabemos,es posible que inventara la radio. Y ya puestos a innovar, nada como lo de aquel señor cura de Segorbe (Castellón) que hacía música electrónica y diseñaba sintetizadores mientras Franco andaba por ahí bajo palio.Ni santos, ni visionarios, ni locos: genios españoles. En medio de la nada, o en un país que los saludó como a reyes y los olvidó como a mendigos. Con una historia que merece ser contada y leída… por aquello deconocer el pasado y repetirlo un poco menos.
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El astuto Pradera ha tramado en este libro un ardid diabólico (y muy propio de su ya inveterada perfidia): primero nos encandila con la añagaza de unos misterios sibilinos que algunos tacharían de capciosos: ¿sabéis cuáles eran las canciones favoritas de melómanos tan delicados como Sadam Huseín, Francisco Franco o Adolf Hitler, de sensibilidades tan exquisitas como Lauren Bacall, Audrey Hepburn o Isabel II (reina del Reino Unido)? Muñida esa intriga, el intrigante procede a saciar nuestros apetitos con una deliciosa (y, por cierto, divertidísima) catarata de anécdotas, calamidades y portentos que arrojan una luz nueva o hasta ahora inédita sobre varias decenas de piezas musicales (veinticuatro para ser exactos). ¿Sabíais, por ejemplo, que «As Time Goes By» debe su inmarcesible presencia en Casablanca al inoportuno corte de pelo que padeció la icónica Ingrid Bergman? (No hemos hallado adjetivos más vulgares.) Pues bien: ese incidente es apenas el principio de la fiesta. Después vienen cuantiosos despelotes. No obstante, debemos señalar que esta obra magna no se arredra frente a ciertas observaciones algo sesudas y muy musicológicas, pero su taimado autor las viste de tal modo que brillan por su claridad hasta en los oídos más obtusos. Milagros de la divulgación bien entendida.Aquí se nos ofrece un opíparo banquete musical (ya lo hemos dicho) cuyo rasgo más insólito es su riguroso catolicismo (eso no lo hemos dicho): imbuido de un admirable espíritu ecuménico, el padre Máximo acoge en su seno un tumulto de obras casi pecaminoso y desde luego insolente por su variedad: baja a las cabañas y sube a los palacios, transita desde lo cutre (e incluso lo chungo) hasta lo sublime sin mover una ceja displicente. Todo le interesa, nada humano le es ajeno. Así, de «Mambrú se fue a la guerra» pasamos a Lohengrin con pasión wagneriana, de Juanita Reina a Shostakóvich con folclórica alegría, de La marsellesa a «Like a Rolling Stone» con ardor guerrero y mala leche dylanita. Etcétera, etcétera. Los gustos que maneja el señor arzobispo (ya lo hemos ascendido) son severamente eclécticos porque las músicas del mundo son severamente heterogéneas: si la verdad puede brotar en cualquier sitio, la belleza brota en las melodías más dispares y el interés en los rincones más inesperados. Hasta ellos nos conduce el astuto Pradera. Que Dios se lo pague.
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Venice Unclocked es la primera publicación en colaboración entre la escritora Rachel Spence y el fotógrafo Giacomo Cosua. Ambos autores han vivido en Venecia y comparten el deseo de capturar la esencia de la ciudad italiana. La selección de imágenes de este libro ofrece una mirada desde la perspectiva de un hijo nativo de la ciudad. Las fotografías se centran en los muros de Venecia, en sus colores, sus tonos rojizos y el juego de la luz. Las referencias a tiempos pasados se entremezclan con escenas de la vida cotidiana. En su texto Rachel Spence invita al lector a adentrarse en las diversas capas del tiempo que se pueden experimentar en Venecia. En conjunto, texto e imágenes presentan una impresión inesperada de la ciudad, una visión personal y reposada, alejada del ajetreo de los visitantes.Esta publicación, encuadernada en tela y de pequeño formato, es la tercera entrega de la colección Ivorypress Cities, que explora la visión de un lugar a través de los ojos de un artista y las palabras de un escritor.
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Un ensayo original e inédito en español, que nos propone un recorrido por los principales hitos de la dirección orquestal: de los compositores-directores, de Richard Strauss a Leif Segerstam, los titanes, como Toscanini, Furtwängler, Walter, Kemplerer, los Kleiber o Celibidache, los artífices del Festival de Bayreuth, de Knappertsbusch a Janowski, los directores europeos emigrados a Estados Unidos, de Koussevitzky a Dorati, la edad de oro de la música grabada, con Karajan a la cabeza, las grandes batutas de Radio, de Jochum a Haitink, los directores italianos, los rusos, los «sires»... o los especializados en el Barroco. Están, sin duda, todos los grandes nombres, pero también unos cuantos más que lo merecen por su interés y, como apunta Martín Llade en su prólogo, «el juicio que sus autores nos proponen, podrá ser compartido o no, pero nunca dejará de ser justo, o de tratar de serlo». Un libro plagado con casi 1000 referencias onomásticas, 200 biografías de directores -no falta mención a las directoras de orquesta: las pioneras, las que ya han triunfado y las emergentes-, y un capítulo especial dedicado a las principales figuras de la dirección en España, que no renuncia a la concisión y que pone por encima de todo la honestidad. En efecto, los temas espinosos, que no escasean, no se eluden pero se enfocan siempre desde el respeto, «alejándose de esos chismes que tantas veces han llenado algunos libros con la pretensión de hacer historiografía a golpe de chascarrillo», apunta Llade. Un libro del que va a disfrutar cualquier amante de esa lengua universal que es la música clásica.
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Ens morirem sense haver-los escabetxat a tots
Coneixem la música de Carles Santos, el pianista transgressor, l'artista integral. I ara, amb Ens morirem sense haver-los escabetxat a tots, podem llegir els textos que va escriure en ple procés de creació dels seus espectacles musicals. Així, recuperem amb les seves pròpies paraules la memòria d'Asdrúbila, La pantera imperial, Ricardo i Elena, L'adéu de Lucrècia Borja o La meua filla sóc jo. Són pàgines que s'inscriuen en la tradició de les escriptures fragmentàries, que esborren les fronteres genèriques, amb les quals Santos ens convida a sentir i a mirar amb una força poètica i subversiva. Com a «53 maneres de matar un capellà». Ens introduïm en la cuina de Carles Santos per valorar la meticulositat amb què preparava els seus muntatges escènics, i accedim a les invencions i els pensaments d'un artista indispensable. «És evident que quan una professió, en aquest cas la musical, és viscuda amb tota la intensitat possible, condiciona absolutament l'existència del ateix individu-músic». -Carles Santos
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«Este libro trata de delimitar la problemática de la creación óptica contemporánea. Los medios que la fotografía nos ha proporcionado juegan un papel importante ignorado aún hoy por la mayoría: la ampliación de los límites de la representación de la naturaleza, así como el empleo de la luz como factor creativo: el claroscuro en lugar de los pigmentos. »El aparato fotográfico nos ha brindado sorprendentes posibilidades que apenas estamos comenzando a explotar. En la expansión de la imagen visual, la lente actual en sí misma no se encuentra ya sujeta a los estrechos límites de nuestro ojo, ningún medio de creación manual (lápiz, pincel, etc.) es capaz de registrar en la misma medida los fragmentos observados del mundo. [...] igualmente, las posibilidades de distorsión de la lente -contrapicado, picado, plano holandés- de ninguna manera deben ser valoradas de forma exclusivamente negativa, pues otorgan una visión imparcial que nuestros ojos, sujetos a las leyes de la asociación, no proporcionan» (Moholy-Nagy).
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