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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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En el presente libro, Peter Sloterdijk toca todos los géneros_x000D_modernos de las artes, desde la música hasta la arquitectura, desde el uso de la luz hasta las artes vivas, desde el diseño hasta la tipografía. Transita por todos los campos de lo visible y lo invisible, de lo_x000D_audible y lo inaudible, en un arco histórico que se extiende desde la Antigüedad_x000D_hasta Hollywood. Cuando aplica su particular método de distanciamiento del_x000D_discurso a la contemplación de obras y géneros artísticos, los objetos_x000D_descritos se muestran súbitamente bajo una luz diferente, y con su despierto y_x000D_combativo sentido de la actualidad nos conduce lejos, muy lejos de los caminos_x000D_trillados del comentario artístico.A lo largo de sus páginas se despliega la manera singularísima, a un tiempo_x000D_jovial y seria, con que el gran filósofo alemán analiza los fenómenos estéticos más_x000D_dispares, caracterizando lo estético del arte y de las artes.
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Roger Alier, autor de la Guía universal de la ópera, obra de referencia entre los melómanos, nos ofrece una visión histórica del género lírico, desde Claudio Monteverdi, considerado el primer operista verdadero, hasta el postverismo y las últimas tendencias. Ilustrada con valiosos documentos gráficos, esta Historia de la ópera presenta de una manera estructurada y llena de brillantes comentarios el proceso por el que el género operístico se ha ido desarrollando desde sus remotos orígenes, en torno a 1600, hasta las complejas pero apasionantes propuestas de los primeros años del siglo XXI. Así, el interés de esta obra excepcional es doble, ya que no sólo expone la evolución del género lírico, los autores, los cantantes, los teatros, etc., sino que analiza las últimas tendencias que, sin duda, han de cambiar de manera radical muchos de los planteamientos que hasta ahora habían sido consustanciales a la ópera.
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Hace un millón de años recorre la historia de las producciones cinematográficas -grandes clásicos y joyasolvidadas- centradas en estos grandes animales del pasado, desde el nacimiento del séptimo arte hasta el ocaso del stop motion como método revitalizador a finales de la década de los ochenta. Un sentido homenajea todos aquellos artistas, que dedicaron su vida a rescatar de la extinción a estos fabulosos animales quedominaron la Tierra y dominan nuestra fantasía desdela más tierna infancia. Cuando los dinosaurios dominaban la Tierra, Gorgo, La tierra olvidada por el tiempo, El último dinosaurio, Viaje al centro de la Tierra, El planeta de los dinosaurios y muchas más películas en un libro bellamente ilustrado.
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En la televisión, en la cabina de los jets, en las salas de cine, en los quirófanos, los estudios de arquitectura y los laboratorios de física, las imágenes digitales son omnipresentes. Han revolucionado las formas de representación del mundo y la mirada que ponemos sobre las cosas y nuestro entorno. Transforman las artes plásticas, el cine... Este libro nos enfrenta a cuestiones sobre el modo de fabricación de las imágenes digitales y sus campos de aplicación. Su lectura no requiere de conocimientos en informática y su ambición es la de otorgar las claves necesarias para ayudar a comprender la nueva cultura visual, y permitir una reflexión estética y epistemológica.
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La fuerza de Antoni Gaudí como arquitecto radica en su prolífica invención de formas. La variedad y expresión de estas formas por sí solas, como esculturas o pinturas, le señalarían ya como notable artista moderno. Pero, de hecho, son el resultado de unos inventos estructurales extraordinarios, de un imaginativo empleo de materiales y de un sentido sin igual de la decoración..., tres atributos tradicionales de un arquitecto maestro. (George R. Collins). Este libro muestra la maestría y el genio de Gaudí en todo su esplendor y a través de todas sus obras con las mejores fotografías, textos descriptivos de cada obra, alzados, maquetas, proyecciones isométricas y vídeos exclusivos. Gaudí, arquitecto singular es un libro imprescindible para conocer la obra de un arquitecto mundialmente reconocido como creador genial. Así lo atestigua la UNESCO al otorgarle a buena parte de sus edificios la categoría de Patrimonio Mundial.
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Entre casas escritas (intimidad de la lectura) y casas fotografiadas (interiores desvelados) este libro sedispersa por el habitar moderno. En este recorrido el lector se irá encontrando con diversas historias que son, precisamente, el reflejo incompleto de un habitar que, si bien vive en el deseo de hacer sitio y recogerse, a menudo le cuesta encontrar emplazamiento.Paredes empolvadas con mucho de nada por cualquier rincón de una casa pequeño burguesa en Viena. O paredesdébiles de un cuarto de alquiler, un habitar literalmente disperso o desposeído que huye precisamente deuna idea de hogar convertida en una condición única.
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El libro es una introducción comprehensiva y accesible a la relación ambivalente entre cine y política. Inspirándose en la teoría crítica (Michel Foucault, Theodor Adorno), el autor argumenta que el cine es una herramienta clave tanto en la construcción de la autoridad política y la dominación como en las críticas delas injusticias en las sociedades contemporáneas. Desde esta perspectiva, Cine y política incluyeanálisis precisos de los clásicos del cine occidental(Fritz Lang, Stanley Kubrick, Pier-Paolo Pasolini, Agnès Varda, Jean-Luc Godard) adoptando una visión global, con ejemplos del cine africano, asiático o latinoamericano (Ousmane Sembène, Akira Kurosawa, GlauberRocha). El libro comienza cronológicamente desde losinicios del cine a fines del siglo XIX, y avanza a través de diferentes períodos históricos que llegan hasta nuestros días con el análisis de películas recientes como Joker (2019) y de series brillantes como El cuento de la criada y The Black Mirror
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El estudio acadΘmico de la historia de las exposiciones y del comisariado es un fen≤meno relativamente reciente. Aunque en su inicio se entrelaz≤ con la historia del arte y con los estudios de museologφa, en los·ltimos a±os ha ido adquiriendo una progresiva autonomφa. Las exposiciones se pueden estudiar como generadoras de esfera p·blica, como ßmbitos discursivos y derepresentaci≤n, como dispositivos productores de experiencias psicol≤gicas y sociales y como formatos deproducci≤n susceptibles de determinar la producci≤n artφstica. El comisariado es una prßctica de mediaci≤ndiscursiva que toma fuerza en la segunda mitad del siglo XX y cuyo ''hacer'' se distingue por la combinaci≤n de aspectos prßcticos e intelectuales que dan sentido al conjunto heterogΘneo de las obras de arte contemporßneas. Este libro entrelaza ambas genealogφas ypropone una historia unificada de su convergencia. Para ello despliega seis relatos que atraviesan este entrecruzamiento y propone lφneas de interpretaci≤n denaturaleza mßs temßtica que cronol≤gica.
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Es verdad que la ecología ha recibido escasa atenciónen el ámbito de la historia del arte, pero también es cierto que su visibilidad e importancia han ido creciendo en los últimos tiempos, de la mano de las amenazas del cambio climático y la destrucción medioambiental. Al imbricar el extendido compromiso político yestético de diversos artistas con procesos y condiciones medioambientales por todo el planeta –y dirigiendo su mirada a los punteros avances teóricos, políticos y culturales que se han producido y producen en elSur y el Norte globales–, el presente libro ofrece una significativa y original contribución a los camposinterconectados la historia del arte, la ecología, la cultura visual, la geografía y la política medioambiental. A lo largo de sus seis capítulos, su autor aborda las propuestas creativas de diversos artistas yactivistas en pos de formas de vida que aúnen sostenibilidad ecológica, justicia climática y democracia radical, en un momento como el presente en el que se necesitan con urgencia este tipo de propuestas.
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Fotografía con una sonrisa está en las antípodas de otra publicación del mismo autor que fuedurante mucho tiempo número uno en ventas: Los secretos de la Fotografía de Viajes. El humor y lacotidianidad diferencian a Fotografía con una sonrisa de los demás tratados porque concluye que todo está cerca de ti y solo tienes que aprender a verlo. Tino propone una filosofía de vida y un cantoa la felicidad por el método de apreciar fotográficamente los acontecimientos cotidianos, valorar el potencial de tu familia y de tus seres queridos como modelos y esforzarte para conseguir fotografías intrascendentes de tus vivencias, las mismas que quizás a la larga prevalecerán en el tiempo para subsistir en la memoria de la Humanidad. Encontrarás una propuesta divertida y útil para conseguir imágenes que trasciendana las típicas fotografías que se malgastan y se consumen en la memoria digital, sin más vida que compartirlas de inmediato. Además de unas ilustraciones hilarantes, Tino las acompaña de textos amenos con pequeños reportajes que aportan una visión de la película Alguien voló sobre el nido del cuco, la vuelta al mundo a partir de una idea estrafalaria, un homenaje a la iconografía del Che Guevara en Cuba o el recurso de las secuencias cinematográficas entre otras propuestas inspiradoras. Y lo mejor es que te reirás a mandíbula batiente mientras aprendes fotografía porque, ante todo, este es un libro concebido para deleitarinstruyendo. Verás cómo en los momentos más insospechados de la vida surgen las mejores oportunidadespara materializar fotos inolvidables porque el mundo, en realidad, es cómo te lo imaginas.
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QUE RULE EL AMOR es una ferviente y sentida invocación al principio activo que enhebra la vida y obra delroquero judeoantillano acaso más ecléctico que dieraaquella quinta estadounidense, mas también un alto enel camino que anuncia tiempo de reflexión. De ese afán por echar la vista atrás y desgranar las esenciasde una obra tildada de extemporánea en sus primeros compases, y encumbrada ahora a lo más alto del pedestal roquero, emerge este pausado alegato —no exento decierta candidez, inopinada psicogeografía, autoanálisis panteísta e inmisericorde humor—, narrado a capela, y escrito a cuatro manos, con la inestimable ayudade David Ritz, escriba y confesor, entre otros, de Ray Charles, Aretha Franklin, Marvin Gaye, Etta James yB. B. King. No corrían buenos tiempos para el rock cuando, tras unos primeros tientos inciertos, Kravitzenfrentábase —a contracorriente, para mayor gloria— alas modas del momento: en la cresta de la ola, rugíala incipiente insurgencia que, a hombros de sus conversos, hacía que el hip hop arrasara con los cimientos de la propia industria discográfica y, en el extremo más conservador, se resistía a fenecer la despampanante opulencia de las reliquias del rock más duro y grandilocuente que gastaban por aquel entonces sus máspálidos coetáneos. «Mi vida tiene que ver con los opuestos», subraya. «Blanco y negro. Judío y cristiano.Jackson Five y Led Zeppelin. Puro Géminis.» Es estala historia de una vocación temprana que, pese a unamuy lenta germinación —rechazaría contratos con las más grandes discográficas hasta dar con su propia voz—tendría final feliz: Lenny, mientras se curtía tocando por doquier, y sobrevivía pinchando en fiestas, rebozando pescado y alquilando el asiento trasero de unauto como vivienda, encontraría la salvación en la música, en el Todopoderoso (Little Richard mediante) yen el amor incondicional de los suyos.
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Cancionero bilingüe (1978-2019) de Nick Cave, desdesus canciones para The Birthday Party hasta muy aclamados álbumes como Murder Ballads, Henry’s Dream y Dig, Lazarus, Dig! hasta su último trabajo, Ghosteen. Deobligada lectura para todos los fanáticos de tan atormentado bardo y letrista.Prólogo de Will Self y conferencia del propio Cave sobre el arte de escribir canciones.
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Moisés Puente —arquitecto, comisario, ensayista, traductor— es el responsable de algunas de las mejores colecciones de arquitectura que se publican en la actualidad. También, un observador silencioso que asiste a muchos de los acontecimientos, foros y congresos que reúnen al sector. «Teatrales e impacientes, en estos encuentros la premura y la publicidad especulativa sobre uno mismo gobierna sobre la exposición de ideas». Actos de autopromoción sobresaturados de imágenes efectistas en los que la ausencia de debate es evidente y llamativa. «¿Dónde queda el espacio crítico?». Los textos aquí reunidos surgen como reacción al hartazgo por una cháchara que el diccionario define como «conversación frívola», «abundancia de palabras inútiles», «baratijas, cachivaches».
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''Haced vibrar los sentidos y haréis vibrar tambiénel cerebro! Hacedlos vibrar mediante lo inesperado,lo misterioso, lo incógnito ytendréis la conmoción verdadera, intensa y profunda del alma!''Luigi Russolo(1885-1947), pintor y músico, se adhiere al futurismo en 1910, firmando los primeros manifiestos de la pintura futurista. En 1913 redacta el manifiesto El Arte de los ruidos, que ampliará en 1916 en forma de libro.
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Frente al tiempo lineal, acelerado y capitalizado del presente, en las últimas décadas un gran número de artistas ha tratado de explorar modalidades alternativas de experiencia temporal: interrupciones, demoras, alteraciones, saltos, discontinuidades, desincronizaciones... contratiempos que ponen en jaque un imperialismo cronológico cuyo origen puede buscarse en los albores de la modernidad y cuyos efectos llegan hasta nuestros días, multiplicados y expandidos. Partiendo del análisis de la obra de artistas como Rodney Graham, Tacita Dean, Fernando Bryce, Patrick Hamilton o Xu Bing, y de pensadores como Walter Benjamin, Georges Didi-Huberman, Mieke Bal o José Luis Brea, los ensayos de este libro modulan esa tesis a través de una serie de cuestiones fundamentales para entender el arte y la cultura visual de las últimas dos décadas: la potencia crítica de la obsolescencia y el retorno de la materialidad, el arte de historia y su cuestionamiento de la linealidad temporal, el anacronismo y la heterocronía, las estéticas migratorias, la complejidad del arte global, el fenómeno del bienalismo y la ética curatorial, las políticas del arte o la potencia del pensamiento visual. Cuestiones todas atravesadas por la convicción de que el arte piensa y nos hace pensar, y que, hoy más que nunca, se configura como un espacio único para ensayar formas críticas y diferentes de recordar el pasado, habitar el presente e imaginar el futuro.
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Este libro explora la presencia del deseo femenino que contienen las imágenes fílmicas del cine español producido durante el franquismo. El deseo aparece, en el marco filmográfico estudiado, como una fuente de resistencia simbólica y figurativa a las consignas represivas de la ideología censora. En la primera parte del libro se plantea una clasificación de los principales modelos de mujer que traspasaron los imaginarios cinematográficos durante las cuatro décadas del franquismo. El ''cuerpo-hogar'', la ''mujer-patria'', el ''cuerpo místico'', la ''virgen casadera'', el ''cuerpo-espectáculo'', la ''mujer moderna'' y ''la mujer-monstruo'' constituyen arquetipos cuyo examen pormenorizado permite descubrir las diferentes formas del deseo que la figuración femenina podía convocar, más allá de que la mujer se conformara con una vida doméstica, subordinada al marido o al orden patriarcal. En la segunda parte del libro se hace un recorrido por la filmografía de algunas de las principales actrices que encarnaron, matizaron e hicieron evolucionar dichos arquetipos: Aurora Bautista, Analía Gadé, Emma Penella, Josita Hernán, Lola Flores, Sara Montiel, Carmen Sevilla, Marisol, Concha Velasco, Geraldine Chaplin, Teresa Gimpera y Helga Liné. Todas ellas adoptaron, en su forma de actuar, una sugestiva poética de afirmación de los deseos femeninos. Siguiendo el mismo modelo de análisis de su anterior libro ''El cuerpo erótico de la actriz durante los fascismos: España, Italia, Alemania (1939-1945)'', Núria Bou y Xavier Pérez han convocado a un nutrido grupo de especialistas en cine español y estrellato fílmico para analizar la gestualidad, la fuerza expresiva de los cuerpos y las miradas de unas intérpretes que desbordaron, a veces de forma más visible, a veces de manera más sutil, las pautas de contención que el Régimen había exigido a las mujeres de la época.
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El carácter universal del jazz latino se manifiesta en la diversificación de sus repertorios. La importancia de este género de la música popular se aprecia por la influencia del Caribe y de Latinoamérica en todos los ámbitos de la cultura. Delannoy hace un registro de los músicos y las corrientes esenciales que han dado vida a esta expresión musical, además de hacer una invitación a profundizar en el estudio de los ritmos afrolatinos.
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La revista Rolling Stone puso a Ramones en el número 26 de la lista de los mejores artistas de todos los tiempos. En 2011 recibieron un Grammy por su trayectoria profesional y fueron incluidos en el Rock and Roll Hall of Fame en 2002. Marky Ramone fue una parte esencial de la consecución de este éxito: su particular estilo al tocar la batería, denominado blitzkrieg, caracterizaba el sonido del que la banda fue pionera. Antes de unirse a Ramones, Marc Bell ya tenía un nombre en la escena musical neoyorquina, pero al encontrarse con otros tres inadaptados sociales, se convirtió en Marky Ramone, y con él llegó el ritmo que encarnaría al punk. En este libro, el legendario batería narra los secretos del inimaginable ascenso desde los torpes inicios del grupo hasta la entrada en el Salón de la Fama del Rock. Pero no todo fueron buenos tiempos y temazos, y Marky no se corta al hablar sobre sus propias luchas internas, incluyendo su adicción al alcohol, que lo llevó a estar temporalmente fuera de la banda, y retrata también los aspectos más disfuncionales de una banda que cambió a una generación.
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En los años 50 del siglo pasado comenzaron a viajar aJapón los flamencos españoles. Lo hicieron, por temporadas larguísimas, artistas como Chiquito de la Calzada, Tomás de Madrid o Cristina Hoyos. Pero también empezaron a llenar los teatros japoneses genios como Antonio Gades o Paco de Lucía. Ellos son los responsables de la pasión por el flamenco que comenzó a extenderse en Japón. Este libro habla de todos aquellos artistas flamencos, de sus orígenes y de sus fascinantesexperiencias en aquel lejano y desconocido Oriente.Y también explica la historia de muchos de los japoneses que vinieron a la España de la Dictadura, dejándolo todo, para cumplir su destino más insólito: hacerse flamencos. Unos encontraron en Japón dinero, famay respeto. También conocieron a unos japoneses que resultaban las víctimas perfectas para su picaresca...porque si algo caracteriza a los flamencos es el reírse de todo y tomar la vida como llega. Los otros hallaron en el flamenco un arte tan ancestral como complejo, la forma de expresarse y romper la represión social. Y aquellos japoneses se preocuparon de entender el flamenco, de descifrarlo y de aprenderlo hasta que,de alguna manera, lo han hecho suyo. Esta es la asombrosa historia de cómo el flamenco conquistó el almade los japoneses.
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El siglo XXI nos ha llenado de nuevas preguntas. No sabemos si hemos superado el XX, si seguimos en las mismas cuestiones de entonces, si estamos en otras o sihemos vuelto, incluso, hacia atrás.El presente volumen colectivo pretende abordar el sinfín de preguntasy fenómenos sonoros que caracterizan estos años.
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La fama de Miguel Bosé es tal que la mayoría de nosotros le consideramos un viejo conocido. Alguien dequien creemos saberlo todo y que, pensamos, es muy difícil que nos sorprenda. Sin embargo, si hay algo para lo que el autor tiene un talento extraordinario, ylo ha demostrado desde el principio de su carrera, espara pulverizar los prejuicios. Todos los lectores que al ver este libro se hayan preguntado, ?¿qué me puede contar que yo no sepa?? se quedarán prendados de las primeras páginas (¡y qué páginas!) de unahistoria, la suya, que comienza con el aliento de loscuentos atemporales: unos niños perdidos a merced deun padre todopoderoso, acostumbrado a que su voluntad fuera ley, y una madre arrolladora de belleza legendaria. Generoso y audaz como nunca le hemos visto, el autor nos ofrece la cara menos conocida de personajes memorables, desde un Picasso vulnerable y crepuscular, al hermoso y maldito Helmut Berger. Y, destinada a permanecer con nosotros mucho tiempo despuésde cerrar el libro, la Tata, auténtico espíritu benéfico, que nos recuerda a las mujeres corajudas dispuestas a todo para proteger a las criaturas indefensas. Una historia que transcurre en el país de nuestro pasado, que bebe en los recuerdos de nuestra infancia y juventud y que demuestra, una vez más, que enla contradicción, en el dolor y en la alegría de vivir, Miguel Bosé nos entiende, nos acompaña y nos representa.
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Hija de uno de los mayores mitos de Estados Unidos y criada en la jungla de Graceland, Lisa Marie Presley cuenta por primera vez su historia en estas memorias sinceras, conmovedoras y totalmente únicas, fielmente completadas por su hija, Riley Keough. En 2022, Lisa Marie Presley le pidió a su hija que la ayudase a terminar las memorias que tanto tiempo llevaba preparando. Un mes después, Lisa Marie fallecía, dejando al mundo sin la posibilidad de escuchar su historia en sus propias palabras. Nunca llegarían a descubrir a la mujer apasionada, alegre, cariñosa y complicada que Riley tanto quería y añoraba. Riley recogió las cintas que su madre había grabado para el libro, se tumbó en su cama, y escuchó a Lisa Marie contar historia tras historia sobre cómo solían estrellar coches de golf en los jardines de Graceland, sobre el amor incondicional que le profesaba su padre, sobre el tiempo que pasaban en la planta de arriba, solos los dos. Y sobre cómo tuvieron que sacarla a la fuerza del cuarto de baño mientras corría chillando hacia su cuerpo, inerte en el suelo. Sobre su vida con su madre en Los Ángeles, donde pasaba de un colegio a otro, acumulando expulsiones, siempre metida en líos. Sobre la especial relación con Danny Keough, que se prolongó durante toda su vida, sobre su matrimonio con Michael Jackson y todo lo que tenían en común. Sobre la maternidad. Sobre los abismos de la adicción. Sobre la tristeza que la acechaba constantemente. Riley supo que tenía que cumplir el deseo de su madre y compartir esos recuerdos, incandescentes y dolorosos, con el mundo. Para permitir que la conozcamos por fin. Este libro extraordinario está compuesto tanto de la voz de Lisa Marie como de la de Riley, una madre y una hija comunicándose incluso después dela muerte para intentar curarse la una a la otra. Profundamente conmovedor e intensamente revelador, De aquí a lo desconocido es una obra inigualable: las últimas palabras de la única hija de una auténtica leyenda.
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Casa de labrador en las afueras de Madrid, la Quintafue comprada por Goya en 1819. En 1820 pintó sus paredes con los motivos mássombríos. Poco después el lugar fue cayendo en el olvido, perseguido por las desventuras, dando las llamadas Pinturas Negras pie a todasuerte de interpretaciones.En esta edición crítica aumentada, el autor sopesa las divergentes teorías surgidas recientemente sobre las salas y las pinturas de la Quinta, para, con carácter casi definitivo, deducir, con nuevas pruebas gráficas, la distribución real de las mismas.
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Gracias a este libro el lector descubrirá los orígenes del flamenco, su historia, sus protagonistas y su geografía, así como su filosofía de vida. También aprenderá acerca de las formas y los estilos que componen este género musical identitario de nuestro país, a través de sus tres disciplinas: el cante, el baile y el toque. Una forma de expresión, que en su riqueza vocal, literaria, musical e incluso mística, ha conseguido convertirse en Patrimonio Inmaterial de la Humanidad por la Unesco.
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La nuestra es una época de aceleración de la experiencia, de imperio de lo efímero, de ascenso de la insignificancia.
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Simon Edelstein recorre el mundo desde hace doce años tras las huellas de los cines abandonados en EE. UU., Francia, Italia, India, Marruecos, Cuba$÷ Ha estado en más de treinta países, callejeando por los lejanos barrios de numerosas ciudades para enco
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«ENCONTRÉ UN PATRÓN EN MI COMPORTAMIENTO QUE LLEVABA AÑOS REPITIÉNDOSE, DÉCADAS INCLUSO. LAS MALAS ELECCIONES ERAN MI ESPECIALIDAD, Y SI ME SURGÍA ALGO DECENTE Y SINCERO, LO RECHAZABA O SALÍA CORRIENDO». &,#8212ERIC CLAPTON Más que una celebridad, Eric Clapton es uno de los grandes iconos de la música contemporánea, un hombre sumamente reservado que ha sabido sortear la ostentación y la excentricidad de su profesión para convertirse en un enorme referente en la historia del rock. Desde muy joven, Clapton se refugió en la guitarra y gracias a su talento comenzó a destacar y a hacerse un hueco en el mundo de la música, su trabajo provocaba tanta admiración entre los británicos que en las paredes del metro londinense podía leerse la frase «Clapton es Dios». Sin embargo, las drogas, el alcohol y sus demonios personales cambiaron el rumbo de su vida y su carrera y lo llevaron a la desesperación y la reclusión durante muchos años. Con un estilo sorprendentemente íntimo y cercano, Eric Clapton narra su intenso viaje personal y musical en una de las obras autobiográficas más cautivadoras y emocionantes de nuestra época.
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Bajo el mecenazgo de la poderosa familia Medici, con un importante catálogo de obras religiosas y seglares, y contribuciones a la célebre Capilla Sixtina, Sandro Botticelli (1444/1445-1510) tenía asegurada la fama. Aún así, tras su muerte su obra quedó en el olvido durante cuatrocientos años. Fue en el siglo XIX cuando el pintor empezó a obtener un importante reconocimiento histórico y artístico. En la actualidad, Botticelli está considerado una figura destacada del Renacimiento temprano florentino. Sus obras seglares El nacimiento de Venus y Primavera, sobre todo interpretadas como alegorías de la primavera, se encuentran entre las pinturas más célebres del mundo, espléndidas con sus delicados detalles, líneas elegantes y equilibrio compositivo. Sus disposiciones son fluidas pero preparadas, sus figuras, serenas pero sensuales. Venus, en particular, está considerada como un icono histórico-artístico de la belleza: de tez pálida y rasgos delicados, con una tenue promesa de fecundidad. Esta introducción esencial presenta obras clave de Botticelli para comprender el nacimiento de una leyenda del Renacimiento. A través de las escenas alegóricas y mitológicas más famosas del pintor, así como de sus brillantes obras religiosas, exploramos su maestría en figuración, movimiento y las líneas que ha inspirado a artistas como Edgar Degas, Andy Warhol, René Magritte o Cindy Sherman.
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Alternando relatos de ficción con detallados episodios históricos, esta obra traza el curso que ha llevado a las máquinas a hacer suyo el lenguaje de las antiguas profecías para llegar a interpretar y juzgarlo todo y a todos a través de las imágenes que procesan. La inteligencia artificial ha hecho de ellas auténticas máquinas videntes.
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Un recorrido por la casa, la domesticidad y la vida cotidiana a través de situaciones y escenarios de Europa y América Latina desde nuevas alternativas.Este ensayo trata de desmontar las ideas y discursos dominantes sobre la casa, la domesticidad y la vida cotidiana asumidos por los arquitectos desde los años sesenta-setenta del siglo XX hasta la actualidad. El recorrido a través de una serie de situaciones y escenarios de Europa y América Latina permite a Sergio Martín Blas formular alternativas al paradójico efecto ‘desactivador’ causado por el activismo artístico-arquitectónico, al determinismo tecnológico y a la idealización de la libertad individual o de la acción comunitaria, reconstruyendo na dimensión histórica de la vivienda que ha sido negada tanto por las visiones volcadas al futuro como por la retórica de lo atemporal.
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Desde la importancia del papel jugado por la música en la Revolución francesa hasta la ''Séptima sinfonía'' de Shostakovich, la música clásica y el nacionalismo han mantenido a lo largo de la historia una relación simbiótica que ha definido buena parte de nuestro imaginario a través de la creación de comunidades nacionales y todo el andamiaje cultural que las sostiene,la puesta en valor de las tradiciones folclóricas, etc. Escrito desde la privilegiada perspectiva aportada por el cruce de caminos entre la musicología y la sociología, ''Nacionalismo y música clásica'' presentaun análisis riguroso y brillante de la relación entre estos dos elementos fundamentales de la historia contemporánea y de los productos de su encuentro, explorando el modo en que la música ha participado en la gestación de las naciones occidentales y la forma en que esta vinculación definió a su vez los caminos seguidos por la música clásica.
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En el 90 aniversario del film El doctor Frankenstein,de James Whale, varios autores de prestigio analizanlos diferentes aspectos de la película. El originalliterario, los actores, las influencias, las otras versiones, las parodias... Todo ello acompañado por ungran despliegue fotográfico.
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Siempre se dice que lo más importante de cualquier proyecto es la idea.Pero sin argumento, sin relato que la defienda, una idea se quedahuérfana. Las ideas hay que dotarlas de “ verdad” y laverdad surge de tus vivencias, experiencias vividas y compartidas, es loque define la singularidad de tu proyecto. Esto exige una implicación,ambición e ilusión importantes. En este nuevo libro el autor nos enseñacómo las conexiones entre los objetos cotidianos y las palabras producenimágenes y relatos que confluyen para definir su obra, su identidad
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Muchas son las casas en las que nada más llegar te encuentras un felpudo, un cuadro o cualquier otro objeto de decoración en los que aparece la conocida expresión “Hogar, dulce hogar”. El origen de esta famosa locución se la debemos a la canción Home! Sweet Home!, cuya letra y melodía fueron compuestas, respectivamente, por John Howard Payne y Henry Rowley Bishop en el año 1823 para formar parte de la ópera Clari, or the Maid of Milan (Clari o la doncella de Milán). La canción, particularmente su estribillo, se hizo inmensamente popular en los Estados Unidos durante los años en los que duró la Guerra de Secesión (1861-1865), era cantada por ambos bandos y, curiosamente, la melancolía y la añoranza del hogar que suscitaba hizo que llegara a estar prohibida entre los miembros del Ejército de la Unión porque empezó a provocar un buen número de deserciones de soldados. Además, la famosa expresión no quedó solo en el ámbito musical, sino que Hogar, dulce hogar (Home, Sweet Home) fue también el nombre de un mediometraje mudo norteamericano del año 1914 dirigido por D. W. Griffith e igualmente el título para España de Room for One More (Norman Taurog, 1952), película protagonizada por Cary Grant y por su entonces mujer Betsy Drake, en la que interpretaban a Poppy y Anna Rose, quienes, con sus tres hijos, formaban una típica familia norteamericana que, a instancia de ella y con la aquiescencia de él, iban ampliando los componentes de su hogar familiar, adoptando dos niños con problemas y dando refugio a perros y gatos sin techo, en una meliflua y superficial comedia que defendía la importancia de la cohesión familiar para sobreponerse a las dificultades.
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