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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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Para Marc Chagall (1887-1985) la pintura era un intricado tapiz de sueños, cuentos y tradiciones. Con su vocabulario visual, reconocible al instante, Chagall se forjó un lugar único en el arte de principios del siglo XX y fue, a menudo, identificado como una de las primeras expresiones de nuestra experiencia psíquica. Los lienzos de Chagall se caracterizan por sus pinceladas vagas, sus colores profundos, su particular inclinación por el azul y un repertorio de tropos recurrentes entre los cuales figuran músicos, gallos, azoteas, flores y amantes que flotan en el aire. Rebosantes de encanto etéreo, sus composiciones solían estar plagadas de referencias complejas. En ellas combinó no sólo los colores y las formas, sino también sus raíces judías con su experiencia parisiense, las expresiones de fe con los gestos de amor, los símbolos de esperanza con los testimonios del trauma. Esta fiel introducción al artista indaga en las múltiples versiones del rico vocabulario de Chagall. A través de escenas de nacimiento, amor, matrimonio y muerte, valiéndose de imágenes de la torre Eiffel o de escenas de Vítebsk, su ciudad natal, esta obra rinde homenaje a la estética única, tan elegante a la vista como atractiva a la imaginación, de uno de los más reconocidos maestros de la modernidad y uno de los artistas judíos más influyentes de todos los tiempos.
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A menudo el pasado deja cabos sueltos, asuntos por resolver, interrogantes que persiguen nuestro futuro. Esto es lo que le ocurre al protagonista de El final de todos los agostos, de Alfonso Casas. Justo antes de casarse, con el pretexto de un proyecto fotográfico sobre el paso del tiempo, Dani viaja al pueblo costero donde solía veranear durante su infancia. Un lugar que hace veinte años que no pisa y que, a medida que avanza la historia, va revelando la importancia que adquirió en su vida, porque allí descubrió, entre otras muchas cosas, el profundo significado de la amistad. El viaje físico, pero sobre todo interior, que emprende Dani para tratar de dar respuesta a esa martilleante pregunta: «¿Y si...?» se articula en una historia conmovedora, dotada de una ternura excepcional, que aviva en nosotros la nostalgia por todo aquello que dejamos atrás.
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He aquí un libro que alumbra con luz viva, quirúrgica, porciones inmensas de geología cinematográfica. Esto se debe a que Garci alude alguna forma de ver cine que era una forma de ser, una forma de creer y de salvarse. Muchas películas memorables las recuerda Garci no como películas, sino como acontecimientos íntimos de su vida. Es el hombre de cine total... Maravilloso
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Limpieza y suciedad no son conceptos que se deban dirimir exclusivamente en el marco de las normas de higiene dictadas por las autoridades sanitarias o el de los servicios de limpieza y tratamiento de residuos dependientes de cualquier ayuntamiento. Por el contrario, ambas nociones han ido incorporando, a lo largo de su devenir histórico, una dimensión simbólica que ha conllevado su interpretación en términos morales. Los planos de la limpieza física y la limpieza moral aparecen socialmente fundidos y, por lo tanto, imposibles de disociar. Lo limpio es correcto, moral y decente, lo sucio constituye una transgresión de la norma. En el presente libro se abordan las estrategias discursivas. sobre lo limpio y lo sucio que se han desarrollado en el ámbito de las prácticas artísticas contemporáneas. Para ello, se examinan las acciones de lavar o ensuciar como actos políticos conducentes a la definición de cuerpos alternativos que buscan escapar a las presiones disciplinarias del orden social. Asimismo, se analiza cómo los conceptos de suciedad y polución son aplicados a una de las grandes construcciones culturales que han servido para clasificar y excluir: la raza. Por último, y como no podía ser de otro modo cuando se habla de las políticas de la limpieza como garantes del orden moral imperante, se estudia el caso de la sangre menstrual y de su invisibilización -por temor a su efecto de contagio y de corrupción por parte de las políticas visuales patriarcales-. Raza, genero y moral se entrelazan, en consecuencia, en el entramado discursivo elaborado en este ensayo, en el que, por primera vez, se afronta la gestión que los artistas contemporáneos han realizado de conceptos tan connotados simbólicamente como los de limpieza y suciedad.
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Un recorrido por la expresión de lo sagrado y lo esotérico en arquitectura: desde Stonehenge hasta nuestros días.En algún momento, en un remoto pasado, el ser humano proporcionó a sus edificaciones un carácter sagrado que transcendió la mera funcionalidad. Este hecho dio lugar a una clase sacerdotal privilegiada y, por lo tanto, al nacimiento de la religión. La mayoría de doctrinas religiosas han alejado al ser humano de sus orígenes y lo han sumido en la ignorancia y oscuridad, mediante la invención de una serie de mitos plagiados de unas culturas a otras.A través de este ensayo, recorreremos diferentes aspectos de la expresión arquitectónica de lo sagrado, como el culto al sol de Stonehenge, de las Pirámides de Guiza o de la arquitectura precolombina, la repercusión del Templo de Salomón en la historia de la arquitectura y su relevancia en el rito masónico, la geometría sagrada de las catedrales góticas, el simbolismo masónico de importantes metrópolis como París o Washington, o las referencias esotéricas de la arquitectura teosófica y antroposófica, entre otros.Todo ello con un afán divulgativo y un estilo sencillo para que cualquier lector pueda iniciarse, sin dificultad, en la materia.
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Aquest llibre pretén reivindicar i donar a conèixer la figura i l'obra del pintor autodidacte Jaume Mercant Melis (Capdepera 1908-Palma 1999), un artista particular en el que és personal i peculiar en la seva manera de mirar, de veure i d'interpretar el paisatge mallorquí, i que, si bé al llarg de més de cinquanta anys de trajectòria va conrear diversos gèneres, és considerat un dels paisatgistes més interessants i renovadors de la segona meitat del segle xx a les Balears. El llibre fa un recorregut no tan sols a la seva figura «esquerpa, contradictòria, peculiar i sense redòs en els circuits artístics», sinó que també té present el seu entorn familiar i personal, a més de les circumstàncies i els esdeveniments socials, econòmics, culturals, ideològics i artístics que el varen marcar. Així mateix, s'hi analitzen la temàtica, els elements formals, les influències i les connexions estilístiques i iconogràfiques de gran part de les 265 obres que apareixen en l'extensa catalogació, que abasta des de les obres conservades dels anys vint fins a la darrera documentada, un esbós del 1984. L'obra de Mercant és el resultat d'un aprenentatge continu en solitari, perquè el pintor sempre va voler salvaguardar la seva llibertat, independentment de tendències i modes, per crear un llenguatge propi, personal i identificable, un llenguatge que traspua silenci, sensibilitat i poesia.
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Cuando una devastadora tragedia personal aplastó sus sueños de adolescente, Kid Congo Powers encontró consuelo a través del fandom, como fundador del club de fans de los Ramones de la costa oeste. Un encuentro casual con otro inadaptado punk chicano que dirigía el de Blondie, Jeffrey Lee Pierce, en la fila del Whiskey-A-Go-Go para entrar a un concierto de Pere Ubu, cambió el curso de su vida. Pierce le propuso formar una banda. Nació así The Gun Club, y comenzó la que parecía una improbable transición de admirador hasta artista. En Pierce encontró hermandad, una voz creativa y una causa común por la autodestrucción que se alargaría durante años. Extravagante, graciosa y conmovedora, con una evocación perfecta del tiempo y el lugar, el libro es una memoria de transformación personal, adicción y recuperación, amistad y pertenencia, en contraste con la implacable creatividad y el exceso de las escenas musicales underground de los las décadas de 1970 y 1980.
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La colección IMPRENTA DINÁMICA, puesta en circulación por ECAM (Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid) y DAMA (Derechos de Autor y Medios Audiovisuales), ofrece con este nuevo volúmen una de las obras más originales entre cuantas existen en el campo de los estudios sobre el cine. Su autor, Alain Bergala, se propone abordar los enigmas más fascinantes, y a veces también más perturbadores, implícitos en el acto mismo de la creación cinematográfica.La decisión del cineasta, en el momento crucial, es muchas veces fruto de intuiciones y de oscuras pulsiones, tanto como de razonamientos lógicos, y estos planteamientos perfi lan algunos de los componentes más específicos del acto creativo. Surgen así aspectos como la relación creador-criatura, o las imágenes ausentes que pueblan la obra visible. Bajo esta perspectiva, algunas de las películas más relevantes de creadores como Alfred Hitchcock, Roberto Rossellini, Ingmar Bergman, Jean Renoir, Abbas Kiarostami, Jean-Luc Godard, Éric Rohmer, Martin Scorsese, Kenji Mizoguchi, François Truffaut, Jean Eustache, Jean Vigo, Hou Hsiao-hsien, John Cassavetes o Leos Carax, entre otros, adquieren nuevas perspectivas y nos desvelan algunos de sus más ocultos y sugerentes secretos. Una invitación a pensar el cine desde otro ángulo.“Intento identificar en este libro el corazón mismo de la creación cinematográfica. Muchos libros analizan las películas como objetos acabados, pero pocos, hasta la fecha, tienen en cuenta frontalmente el acto de creación fílmica en sí mismo, en sus elecciones y en sus dinámicas. Este libro está destinado a todos aquellos que se interesan por ese gesto. Camino en busca de lo que hay de impuro, de embriagador, en el acto de creación en el cine, y que por el momento queda fuera del campo de análisis académico” . Alain Bergala.
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La música fue su salvación. James Rhodes fue víctimade abusos durante su infancia y su vida ha estado marcada por esa tragedia. Escuchar a Rajmáninov en bucledurante su adolescencia y descubrir el Adagio de Bach en un ala psiquiátrica le ayudó a combatir sus demonios y a transformar su vida. James Rhodes es uno delos más eminentes concertistas de piano de la actualidad y éstas son sus memorias.
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Lluís Domènech i Montaner, un dels grans referents del moviment modernista i del catalanisme polític al tombant del segle XX, va desenvolupar una intensa tasca de recerca del patrimoni artístic. A fi de documentar-se sobre les arrels de l'arquitectura catalana, des del 1900 fins al 1906 va fer nombroses expedicions científiques pels racons més amagats del país, que havien de culminar amb la redacció de la primera història de l'art romànic a Catalunya. Malauradament, per raons polítiques, professionals i personals, l'obra va quedar inconclusa. Aquest quadern revisita, a tall de pelegrinatge artístic, alguns dels indrets més emblemàtics que l'arquitecte va recórrer en les seves campanyes pel Pirineu i recull també la transcripció d'una part de la seva introducció històrica sobre el romànic, un text -fragmentari i inacabat, però també programàtic- que, juntament amb centenars de fitxes, dibuixos, plànols i fotografies dels monuments estudiats, ha perviscut com un vestigi del llibre que no va arribar a escriure.
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APRENDE LOS SECRETOS QUE SE ESCONDEN TRAS LA CREACIÓN DEL ÉPICO VIDEOJUEGO DEL MUNDO MÁGICO: HOGWARTS LEGACY. El arte y la creación de Hogwarts Legacy es un viaje por la creación del videojuego de rol inmersivo de mundo abierto ambientado en el mundo que nos presentaron los libros y las películas de Harry Potter. Ve más allá del juego a través de entrevistas exclusivas al equipo de desarrollo, bocetos asombrosos, renders e ilustraciones mientras te sumerges en la creación de esta aproximación única a este mundo tan querido por muchos. ARTE CONCEPTUAL ORIGINAL: Incluye muchas piezas de hermoso arte conceptual inéditas que se usaron para construir convincentes escenarios del mundo mágico como Hogwarts, Hogsmeade, Gringotts y muchos otros. ENTREVISTAS EN EXCLUSIVA: Lee los comentarios del equipo de desarrollo sobre el proceso de creación de este excitante nuevo capítulo en la historia del Mundo Mágico. PERSONAJES, LUGARES Y MAGIA: Estudia a fondo los cautivadores personajes, detallados entornos y el asombroso sistema para la magia con el que se ha dado vida a Hogwarts Legacy. MIRA DETRÁS DEL JUEGO: Descubre un montón de divertidas anécdotas y datos sobre el proceso de creación del videojuego, desde la creación de escenarios al diseño de la jugabilidad. Sé testigo del trabajo y talento que requiere una experiencia de juego tan inmersiva. EL COMPLEMENTO PERFECTO PARA EL VIDEOJUEGO: Este hermoso volumen es ideal para los gamers coleccionistas y para los fans del Mundo Mágico.
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70 fotografías para zambullirse, comprender el cosmos y conocer las técnicas con las que se cosecha la luz de la oscuridad. Imágenes del cielo que cuentan historias, evocan mitos, siembran preguntas y sueñan respuestas para mezclar divulgación con ficción. Delirio cósmico es un libro astrofotográfico de Oswaldo Felipe Royo, ilustrado con textos del propio autor, imágenes deslumbrantes y palabras que son hallazgos, pensamientos poéticos, referencias mitológicas, delirios creativos de un espíritu inquieto, un actor y contador de historias de la PAI (Promotora de Acción Infantil) de Zaragoza, que inventa artilugios, captura estrellas y desvela constelaciones.El libro, editado en tapa dura, está protagonizado por imágenes de astrofotografía acompañadas cada una de ellas por un sugerente y breve texto, contenidos principales a los que se suman un apéndice de Datos cuerdos, con los datos reales de cada una de las imágenes (lugar, técnica utilizada, parámetros de la toma...) y otro apéndice de Tácticas y métodos, en el que el autor nos introduce de manera sucinta en los tres ámbitos básicos de la astrofotografía: la fotografía de cielo profundo, la lunar y planetaria y la de paisaje.Delirio cósmico no es un libro sobre técnica de astrofotografía, es un nuevo artilugio de Oswaldo Felipe para disfrutar, aprender y soñar planetas, estrellas y constelaciones. Un estupendo compañero para viajar por las noches de este año 2023 en el que Galáctica - Centro de Divulgación y Práctica de la Astronomía, ese fabuloso complejo creado a los pies del Observatorio Astrofisico Javalambre, en Arcos de las Salinas, abrirá su segundo espacio al público, y en el que la ciudad de Zaragoza acogerá el XXV Congreso Estatal de Astronomía, el último fin de semana de abril.
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Una moderna guía de dibujo para estudiantes y aspirantes a artista, ilustrador, creador de personajes y mucho más. Explica conceptos artísticos fundamentales, como la proporción y la anatomía, al tiempo que enseña a dibujar una gran variedad de animales con sus poses y expresiones características desde distintas perspectivas. Cada serie de ilustraciones comprende desde las primeras líneas del boceto hasta el dibujo terminado. Con la depurada técnica de dibujo de la artista y escritora Keilidh Bradley, esta obra se convertirá en un libro de consulta indispensable para dibujantes, artistas y diseñadores durante mucho tiempo. 100 animales de cómic es una colección imprescindible dedicada a todos aquellos artistas que quieren aprender las técnicas para dibujar animales al estilo cómic.
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En pocas décadas, la humanidad ha experimentado una revolución en sus hábitos ancestrales. Sin que nos demos cuenta, nuestra especie ha pasado de habitar cada rincón de la Tierra, inmersa en la naturaleza, a vivir en una parte verdaderamente ínfima de las tierras emergidas del planeta: la ciudad. Una revolución sólo comparable a la transición de cazadores-recolectores a agricultores que se produjo hace 12.000 años. Es cierto que en términos de acceso a los recursos, eficiencia, defensa y difusión de las especies esta transformación es ventajosa. Pero también nos expone a un riesgo terrible. Nuestro éxito urbano requiere, de hecho, un flujo continuo y exponencialmente creciente de recursos y energía, que sin embargo no son ilimitados. Además, el calentamiento global puede cambiar definitivamente el entorno de nuestras ciudades y constituir precisamente esa mutación fatal de las condiciones de las que depende nuestra supervivencia. Por eso se ha vuelto vital devolver la naturaleza a nuestro hábitat. Las ciudades del futuro, ya sean construidas desde cero o renovadas, deben transformarse en fitópolis, lugares donde la relación entre plantas y animales se acerque a la relación armoniosa que encontramos en la naturaleza. No hay nada de mayor importancia que esto para el futuro de la humanidad.
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En 1977 Frank O. Gehry y Berta Isabel Aguilera compraron en Santa Mónica una casa con la intención de convertirla en su hogar. Ella quería conservarla pero él se sentía incapaz de vivir en aquella construcción tan anodina. Casi sin recursos, Gehry ideó un proyecto con el que revertir el agotamiento emocional de la casa y desafiar la domesticidad del barrio. El resultado de la reforma indignó tanto al vecindario como fascinó a artistas y arquitectos. Gehry había envuelto la casa original con una estructura gamberra y desprejuiciada, de materiales baratos, que arrastraba el asfalto hasta la mismísima cocina y mostraba con descaro la solución que el arquitecto había imaginado: meter una casa dentro de otra y escuchar la conversación entre ambas. Estas páginas despliegan una breve historia de la casa, de lo que se ha dicho sobre ella y de lo que se ha callado. Y no solo narra la historia de una construcción singular, sino también del contexto en el que fue posible: la California de la época y la relación —natural, fértil, productiva— entre los artistas del momento y el arquitecto.
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El notable cuerpo de trabajo de Wangechi Mutu toca temas como la sexualidad, la ecología, la política y los ritmos y el caos que gobiernan el mundo. Sus pinturas, esculturas y collages, a menudo enriquecidos con materiales culturalmente cargados, como té, cabello sintético, tierra de Kenia, plumas y arena, entrelazan la realidad con la ficción, generando una forma única de creación de mitos que la diferencia de la historia clásica o cultura popular. Este es el primer libro que documenta su evolución y explora su impacto.Adrienne Edwards es curadora de Performance en el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York.Courtney J. Martin es directora del Centro de Arte Británico de Yale en New Haven.Kellie Jones es Profesora Hans Hofmann de Arte Moderno en los Departamentos de Historia del Arte y Arqueología, y Estudios Afroamericanos y de la Diáspora Africana en la Universidad de Columbia.Chika Okeke-Agulu es Directora de Estudios Africanos en la Universidad de Princeton, Nueva Jersey.
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Mundo de color es un homenaje al talento del ilustrador Kerby Rosanes y al de sus seguidores. El libro contiene una sección a todo color con trabajos exquisitamente coloreados por los fans, con comentarios estilísticos y trucos para colorear del propio Kerby. También incluye una sección en blanco y negro con esas mismas ilustraciones y otras escogidas por el autor de entre las mejores imágenes de su exitosa serie de libros World. De esta forma, el lector tendrá la oportunidad de recrear todos los impresionantes efectos que se detallan. El libro contiene materiales que han sido publicados anteriormente en las obras Fragile World, Worlds Within Worlds y Mythic World.
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Cuando, a comienzos de 1991, el mánager musical Danny Goldberg aceptó hacerse cargo de Nirvana, la banda era solo una de muchas en la agitada escena underground de Seattle, y su líder, Kurt Cobain, estaba lejos de ser el icono de la cultura popular a la altura de John Lennon o Elvis Presley en el que terminaría convirtiéndose. Goldberg trabajó con Kurt Cobain hasta 1994 y fue testigo del éxito estratosférico de Nevermind que consagró a Nirvana, asistió a su boda con Courtney Love y al nacimiento de su hija y, finalmente, fue testigo de su lucha contra la adicción a la heroína que lo llevó al suicidio.Goldberg resucita recuerdos no publicados hasta la fecha, indaga en sus archivos personales y recupera entrevistas a familiares, amigos y compañeros de banda para explorar la inmensa creatividad y brillantez que Kurt Cobain proyectó sobre su música, la increíble mezcla de compasión, rebeldía, feminismo y ambición que reunía, y el legado que forjó con su particular visión del punk-rock.
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Cuando la Historia de la ópera analice el final del siglo XX y el comienzo del siglo XXI, todos los nombres que aparecen en este libro tendrán un capítulo especial como representantes de cuatro generaciones entrecruzadas. Por un lado, la de Plácido Domingo, Luciano Pavarotti, Josep Carreras o Teresa Berganza, por otro, la de Renée Fleming, Barbara Hendricks y Roberto Alagna, junto a quienes también han marcado con fuerza las dos primeras décadas del nuevo milenio, como Cecilia Bartoli, Anna Netrebko, Sondra Radvanovsky, Carlos Álvarez, Jonas Kaufmann, Juan Diego Flórez, Javier Camarena, Rolando Villazón o, después, Philip Jaroussky y Jakub Jozef Orlinsky. En el escenario todos ellos se sienten, en su fortaleza y su fragilidad, auténticamente divos. Pero también, desde fuera, figuras como Peter Gelb o Gerard Mortier, verdaderos magos, han sido capaces de transformar, desde su audaz visión de la cultura, un espectáculo como la ópera, para que sobreviva en el futuro. A todos ellos los ha conocido de cerca y entrevistado a menudo Jesús Ruiz Mantilla, como cronista musical. Juntos conforman una visión apasionada, lúcida y polémica del mundo del arte y de la música. Todos abordan sus valores y filosofías de la vida, sus carreras, la política, el amor, ciertas manías, pasiones, excesos y locuras, sus glorias y ocasos… Un retrato colectivo donde prima la dimensión humana de estos seres divinos que bordean la tragedia y saben también reírse de sí mismos y de lo que les rodea sin dejar indiferente a nadie.
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Comprender es todo lo contrario de describir, y para comprender es necesario observar. Además, «la calidad de la comprensión depende de la calidad de la observación». Es decir, su resultado no solo necesita del observador, sino de cierta especialización para poder representar esa realidad que se desea transmitir. Pedagogías dibujadas para tiempos de crisis es una llamada a una preocupación pedagógica que entiende el dibujo como una forma de pensar propia de la arquitectura. Construye un contexto y un marco conceptual donde los libros Learning from Las Vegas (1972) y Made in Tokyo (2001) se reconocen como proyectos pedagógicos potenciales por practicar una sensibilidad hacia lo existente, y por reaccionar con objetividad ante una realidad convulsa a través de registros y procedimientos soportados en dibujos, observaciones que lograron transmitir teorías trasgresoras de proyecto. Además, son sustancia del pensamiento combinado resultante de enseñar, practicar, e investigar en arquitectura. Pedagogías dibujadas para tiempos de crisis es también una especie de guía para quien desee aprender y enseñar a proyectar. Ofrece una serie de ideas sobre cómo podría abordarse un proyecto de enseñanza hoy: diez bazas operativas de dibujo abren una ruta exploratoria y útil para reaccionar ante escenarios de incertidumbre radical.
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Acostumbramos a hablar del mundo de la ficción como si a un texto o una imagen le correspondiera uno y solo un mundo, como si una novela representara todos los estados de cosas y los hechos de ese mundo. Sin embargo, los estados de cosas descritos y los hechos narrados en una novela no dibujan un mundo en su totalidad, ni siquiera son todos los que necesitamos para entenderla. El mundo desborda el texto de la obra y a la propia la obra, que sería ilegible sin ese mundo sobre el que tiene sentido. El lector hace inferencias, establece hipótesis, llega a conclusiones y adopta actitudes -más o menos deliberadamente- haciendo uso de supuestos y creencias que no son explícitas, sino que tienen que ver con ese mundo de trasfondo. Los personajes adultos han tenido una infancia, las emociones que motivan sus actos tienen una historia, cuando la acción deja de centrarse en ellos, siguen existiendo, los acontecimientos siguen teniendo consecuencias, las geografías de los lugares preexisten o en todo caso se suponen el escenario permanente de las historias, etc.
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Un retrato de Madrid desde diversas ópticas, con textos de Victoria Acebo, Berta Gutiérrez, Gonzalo del Val, Carlos Copertone y Patxi Eguiluz. Entrevista de Paula García-Masedo al estudio Burr, reseña de Lluís Alexandre Casanovas Blanco sobre el último libro de Uriel Fogué. Un proyecto de María Langarita y Víctor Navarro, y un colegio de Andrés Jaque. En el ámbito de la escena artística, Julia Spínola se encuentra con José Diaz y Yaby nos muestran un retrato posible de lo que significa generación en la capital.
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En casi todos los guiones hay palabras que expresan lo que dicen, y palabras que no. A veces son mentiras, y otras un modo alternativo de comunicación, indispensable para construir un guion excelente. Pero cabe también expresar ese mismo contenido mediante asociaciones de imágenes, objetos, nombres y evocaciones, que proporcionan al espectador la información que necesita para sospechar, alegrarse y amar, desconfiar o sorprenderse con los personajes, que adquieren una realidad inesperada. El subtexto constituye un lenguaje indispensable para el gran cine, y también para la novela. Linda Seger elabora, como siempre de un modo sintético, un magnífico manual divulgativo para amantes del cine y de la creación literararia, novelistas y guionistas, pero también para academias y universidades, y para todo aquel que busca disfrutar y aprender con el buen cine.
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Teplitz, julio de 1812. Dos de las figuras mayores de la cultura alemana, Johann Wolfgang von Goethe y Ludwig van Beethoven, se encuentran en la que es por entonces una de las ciudades-balneario más frecuentadas por la aristocracia centroeuropea de la época. El 9 de agosto, sin embargo, Beethoven escribe a Bernhard Christoph Breitkopf, editor de sus partituras: «A Goethe le agrada el aire de la corte. Más de lo que conviene a un poeta». Apenas un mes más tarde, es Goethe quien desliza sus impresiones sobre el compositor en una carta dirigida a Carl Friedrich Zelter: «He conocido a Beethoven en Teplitz. Su talento me ha llenado de asombro, sólo que, por desgracia, es una personalidad completamente desenfrenada». Siguiendo la espiral de los acontecimientos a través de la correspondencia de sus protagonistas y de los testimonios (en ocasiones, de lo más subjetivo) de Bettina Brentano, quien despertase en ambos un interés recíproco con el afán de unirlos en una suerte de amistad estelar, el premio Nobel francés Romain Rolland incluye en Goethe y Beethoven un compendio de ensayos narrativos en los que reconstruye con tanto aliento como sutileza aquella ocasión perdida y aborda magistralmente el retrato conjunto de dos genios cuya sombra creadora se extiende hasta nuestros días.
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La música ha estat i és un element bàsic per bastir cultures i societats, i les diferents entitats corals són un reflex del context social i polític de cada etapa històrica. Arran de dues publicacions anteriors, en què l'autora va investigar sobre les agrupacions instrumentals a la Conca de Barberà, va aparèixer molta informació sobre cors, orfeons i societats corals: la música no és només a les orquestres. Aquest llibre és el fruit de la recerca sobre aquesta temàtica. L'objectiu principal és descriure, analitzar i interpretar les agrupacions corals des de les primeres notícies documentades, de mitjans del segle xix, amb la corresponent contextualització. La documentació, les fotografies i el record de moltes persones han permès bastir aquest text.
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Robert Schumann escribió este libro en 1848 como parte de la obra Album for the Young. Estos consejos siguen siendo hoy en día uno de los textos más influyentes para músicos de todas las categorías. Steven Isserlis, uno de los chelistas más famosos del mundo y autor de dos libros sobre las vidas de varios compositores que se han convertido en referencia por su humor y agudeza, ha ampliado el texto con comentarios y consejos de su propia cosecha, actualizando las sabias palabras de Schumann y dándole un giro más práctico, humorístico y profundo que consigue actualizar el texto para hacerlo imprescindible a cualquier persona, de cualquier edad, que quiera ser músico o que simplemente ame la música. Robert Schumann fue un innovador, sus obras anticiparon muchos de los temas que, 150 años después de su muerte, continúan desarrollándose, prácticamente todos los compositores importantes reconocen su influencia e importancia. Pero fue también un innovador en el trato que dispensaba a los niños y jóvenes aspirantes a estudiar música, involucrándose en su educación. Este libro es fiel reflejo de su pensamiento, e Isserlis un magnífico compañero, cuyo interés en fomentar el amor a la música en los jóvenes, y no tan jóvenes, lo desarrolla en conciertos, clases y conferencias.
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Què ens diuen, les imatges televisives? Quins discursos hi ha al darrere dels formats audiovisuals d'entreteniment? Un format audiovisual és un conjunt de regles capaces de generar una repetició narrativa. Però quins discursos hi ha darrere aquests formats? Com dialoguen amb altres llenguatges visuals? La imatge incessant planteja un recorregut a través de gèneres tan diversos com els concursos, els programes de vocació divulgativa, la telerealitat, els films i les sèries documentals, els talk shows o els continguts de les xarxes socials per tal d'entendre els debats i les friccions que caracteritzen les societats contemporànies.A partir d'aquesta anatomia dels formats audiovisuals s'exploren qüestions transcendentals com la comprensió del jo i de l'altre, les tensions comunitàries en situacions extremes, les desigualtats de gènere, les noves formes de treball en la cultura de la fama, el mite de la llibertat d'elecció o les paradoxes de la difusió cultural. En aquesta indagació es comprova que els formats viatgen d'un país a un altre, d'un mitjà a un altre, establint ponts per on circulen els imaginaris de la cultura popular. Contra la idea que els formats audiovisuals són volàtils i no val la pena tornar-los a mirar, aquest llibre proposa l'exercici contrari: pensar en la imatge incessant per saber què ens diu de nosaltres mateixos.A cavall entre la mirada analítica i la vocació divulgativa, Jordi Balló i Mercè Oliva presenten un escenari que barreja una alta consciència filosòfica amb tot de referències que provenen de la cultura pop més espontània i desimbolta, i afronten totes aquestes preguntes amb rigor ètic i una ferma precisió sociològica.
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Se han reunido en este libro las contribuciones de once investigadoras e investigadores de la música provenientes de diferentes países de América Latina, anclados en diferentes disciplinas, cuya confluencia nos permite medir y entender mejor los roles de lo musical en los distintos momentos y contextos de las sociedades de dicha región. Las diferentes contribuciones abordan, por eso, las músicas como un ''hecho social total'' que implica inventividad y en todo caso pluridisciplinaridad. Algunos textos recurren al análisis literario de las canciones o del discurso, otros -y no es sorpresa- a metodologías propias de la musicología y etnomusicología, o de la sociología o de la historia. El resultado, es un libro que reúne miradas disímiles, pero hermanadas por el deseo común de interrogar sobre la importancia de la música en la conformación de la nación a lo largo de América Latina.
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Interestratos es un proyecto expositivo y editorial que visibiliza nuevas maneras de formalizar lo escultórico a partir de las intervenciones de las artistas Nora Aurrekoetxea (Bilbao, 1989), Miren Doiz (Pamplona, 1980) y Marina González Guerreiro (A Guarda, 1992). Sus propuestas constituyen una aproximación a las nuevas maneras de articular y resignificar las obras de arte, cercanas a la huella de lo real y lo subjetivo y responden a la diversidad de materiales y modos constructivos que determinan las prácticas creativas contemporáneas.El título alude al concepto de `interestrato`, identificado por Gilles Deleuze y Felix Guattari en relación a las transcodificaciones, intersecciones y encuentros que se producen en los procesos de creación de nuevas formas. Tomando esta referencia como punto de partida, esta exposición indaga en la manera de abordar los encuentros entre objetos y materiales, entendiendo su articulación como un elemento pleno de significado y atendiendo así a algunas de las preocupaciones de la escultura contemporánea. Concebido como un libro objeto, este volumen contiene un desarrollo visual de las instalaciones realizadas por las artistas, junto con un texto crítico a cargo de J. P. Huercanos, comisario del proyecto y subdirector del Museo Oteiza.
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Una nueva forma de crítica literaria.“¿Cómo es que el arte se ha vuelto tan poderoso que ni siquiera podamos imaginar una realidad que no esté gobernada por sus parámetros?”. El joven académico alemán Markus Gabriel, autor de varias obras renovadoras del panorama filosófico contemporáneo, como Por qué no existe el mundo y Yo no soy mi cerebro, intenta responder en este breve ensayo un tópico ampliamente discutido en la historia del pensamiento: la naturaleza del arte.En El poder del arte, junto con desplegar un audaz cruce entre epistemología, cultura popular y contingencia social, Gabriel sostiene que el arte ostenta un poder incontrolable. Por eso nadie, ni el observador ni el artista, están en posición de dirigir y dominar su destino. Cada obra de arte genera su propio juicio estético y, así, es capaz de juzgarse a sí misma.Al mismo tiempo, junto con dar luces sobre el vínculo entre la estética y su propuesta filosófica, el Nuevo Realismo, El poder del arte es una perfecta puerta de entrada al corpus filosófico de uno de los pensadores más influyentes de la actualidad.
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Esta antología se inicia con un primer texto publicado en un fanzine y finaliza con un ensayo destinado al espacio académico. La palabra circunda el tiempo. Ambos escritos denotan la evolución en la escritura al tiempo que reflejan la del pensamiento. No progresa el escribir por su precisión técnica, sino por el discurso que al madurar encuentra en la palabra su transcripción.Estos textos dispersos conforman mis reflexiones sobre la fotografía y la vida, un tránsito por etapas entrelazado con las voces de obras y autorías, sonoridades que forman círculos concéntricos en torno a un origen compartido: la fotografía.
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¿Te interesa la fotografía submarina y quieres hacer buenas fotos de la fauna marina? Esta guía ilustrada te desvela las técnicas y trucos indispensables para practicar la caza fotográfica de peces. El autor ha recogido en este libro más de 230 especies del mediterráneo, costa cantábrica, atlántico norte y canarias. Con Fotografiar peces descubrirás: Características de los peces y cómo distinguirlos Cómo aproximarnos para conseguir la mejor foto Diferentes hábitats submarinos y qué podemos encontrar en ellos Qué equipos utilizar para fotografiar bajo el agua Claves de la fotografía submarina nocturna Si quieres hacer fotos espectaculares del mundo submarino, no esperes más. Hazte con el libro, reconoce las diferentes especies de peces del litoral español e inmortaliza cada instante con precisión. Xavier Salvador nació en 1991 en plena Costa Brava. Especialista en la caza fotográfica en apnea, conocida como Fotosub apnea, ha sido campeón de España en 2016 (La Gomera) y subcampeón de España en 2015 (Mallorca). Fue campeón absoluto de Cataluña en 2016 y 2017, y campeón de Cataluña en la categoría Cámara no Réflex en 2014, 2015 y 2016. Descubrió su pasión por el mar a los ocho años. Fruto de esa pasión, acabó formándose como biólogo y trabaja, desde hace años, en investigación marina. Es todo un fanático de la clasificación de la fauna marina y posee un archivo personal con más de 1.000 especies distintas fotografiadas por él mismo. Con este libro quiere hacerte llegar la mejor parte de su archivo: 230 especies del litoral español.
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El dietari d’El foraster recorre el paisatge més humàde Catalunya. Amb humor i tendresa, la particular visió d’en Quim Masferrer, el foraster, ens redescobreix tots els racons i les persones més entranyables decada poble visitat durant el programa. Una aventura gratificant, farcida de sorpreses, descobertes i persones anònimes que han omplert la part del darrere de la pick-up taronja de records inesborrables. Un dietari personal que també inclou imatges inèdites, fitxesinformatives, reflexions de l’autor, secrets del rodatge i del making of i que ens convida a conèixer la nostra geografia més emocional. Dotze pobles d'onze comarques diferents. Més de 4.000 quilòmetres de distància i més de 250 persones entrevistades. Més de 14 hores de monòlegs i més de 360 hores de material de rodatge. Dotze pobles tan petits que sumats fan un totalde 7.619 habitants, menys que la població de Ripollo la Bisbal d’Empordà. ''Visca la bona gent''.
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Una invitación a descubrir la vida y obra de uno de los genios del cine, cuyo legado ha inspirado a generaciones de espectadores y creadores. George Lucas es uno de los cineastas más reconocidos y admirados de todos los tiempos. En este libro, David M. Buisán nos descubre la fascinante historia de su vida y obra. A través de sus vibrantes ilustraciones, podremos revivir escenas icónicas de las películas de Lucas, además de conocer detalles y curiosidades sobre la producción y realización de sus grandes trabajos y de otras obras menos conocidas. Sumérgete en la vida del mago de la luz y conoce desde sus primeros contactos con el cine, las películas que marcaron su juventud y su amistad con los artistas que le ayudaron a desarrollar su visión cinematográfica (Francis Ford Coppola, Steven Spielberg), hasta el éxito mundial de sus obras más famosas, como Star Wars o Indiana Jones.
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Las mujeres reclaman su lugar en la historia de la pintura Para ver hay que mirar. Hasta ahora, en la historia de la pintura que nos han contado, las mujeres desempeñaban un papel menor: son solo musas, meros objetos a los que plasmar en el lienzo. Así, las grandes mujeres que ejercieron como artistas por derecho propio apenas se mencionan en una nota al pie, y sus figuras quedaron arrinconadas por las de sus colegas varones. Hemos oído hablar de Caravaggio y Monet, pero, aún hoy, nombres como Berthe Morisot o Remedios Varo no son conocidos por el gran público. En El taller de Artemisia, Sandra Ferrer, autora especializada en la historia de las mujeres, nos invita a descubrir la vida y obra de algunas de las mejores pintoras de los últimos cinco siglos. Viajaremos con Sofonisba Anguissola, dama de la reina Isabel de Valois y autora del retrato más famoso del Rey Prudente. Conoceremos la traumática experiencia de Artemisia Gentileschi, quien, violada y humillada por una sociedad que no creyó su testimonio, pintó audaces cuadros barrocos desde una óptica casi feminista. Recorreremos los grandes estilos del siglo XIX francés de la mano de Élisabeth Vigée-Lebrun, Rosa Bonheur y Berthe Morisot, y nos sumergiremos en el torbellino de las vanguardias y la modernidad junto a Paula Modersohn-Becker, Maruja Mallo, Tamara Lempicka, Remedios Varo y Frida Kahlo, entre otras grandes artistas. Hasta ahora, un velo ha cubierto los nombres de las mujeres pintoras: ha llegado el momento de alzarlo y contar su historia. Igual que Virginia Woolf reclamaba una habitación propia para las escritoras, Sandra Ferrer reclama su propio espacio para las pintoras en la historia del arte.
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El Volumen III 1986-1990 muestra los cuadernos de dibujo realizados en la segunda mitad de los años 1980. Incluye 761 dibujos seleccionados de 123 cuadernos. El punto de partida enlaza con el el final del Volumen II, cuando la finalización del proyecto del banco de Hong Kong implicó una importante reorganización de la firma Foster Associates. Aquel momento también supuso el comienzo del trabajo en el diseño final del Carré d'Art en Nîmes, que llevaría ocho años desde el encargo hasta la finalización de la construcción del edificio en 1993. El final de este periodo está también marcado por dos sucesos importantes en la vida de Foster, el primero fue la muerte de su compañera y esposa, Wendy, el segundo el traslado al nuevo estudio junto al río en Battersea.
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