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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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Los capítulos de este libro aportan reflexiones sobreprocesos innovadores en algunas ciudades europeas ylatinoamericanas. Pero ¿de qué hablamos cuando nos referimos a innovación urbana? Parece que existe ciertoconsenso en su definición: un proceso que facilita nuevas y más eficientes soluciones para resolver futuros y presentes problemas complejos. Sin embargo, losenfoques posibles son muchos, destacando la perspectiva actual de la innovación social. Además, no hay queperder de vista que para implementar lo nuevo hay que tener en cuenta su articulación con los modos y estructuras de organización preexistentes. En estas páginas veremos la capacidad de las ciudades para recuperarse de las crisis reinventando sus modelos urbanos,favoreciendo el desarrollo de industrias creativas, atrayendo talento o creando espacios y redes para la innovación, al mismo tiempo, veremos qué vías se han explorado para apoyar la economía fomentando un tejidosocial capaz de sostener la comunidad, y comprobaremos cuáles son los retos de la innovación en el contexto actual de pandemia. El objetivo de este volumen esconocer qué capacidades y habilidades favorecen la creación de sociedades más innovadoras, siempre en relación con las circunstancias específicas de los distintos territorios.
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Este Textos críticos 15 recoge muchos, casi todos, los textos que escribió Luis Moreno Mansilla a lo largo de su carrera, bastantes de ellos firmados con su inseparable socio Emilio Tuñón. Ordenados cronológicamente, van mostrando los variados asuntos que a lo largo de los años le fueron interesando, al hilo de los proyectos y concursos que dibujaba, los cursos y conferencias que impartía, los paisajes y ciudades que conocía y los innumerables temas que su curiosidad incansable le hacía explorar. Son, por ello, circunstanciales, de algún modo biográficos. Y aunque no quieren organizar una teoría abstracta de la arquitectura destilan, sin embargo, una inesperada vocación de universalidad, como corresponde a la poética sincera luminosa de un creador genuino.Juntos, estos escritos revelan la manera de pensar de Luis Moreno Mansilla sobre la arquitectura y sobre la vida, dos cosas que para él iban inevitablemente de la mano. El espacio inmóvil, acaso ajeno, y el tiempo imparable que desearíamos atrapar y se nos derrama entre los dedos, como Luis advertía, se amalgaman, pues, en estos escritos precisos, delicados, agudos, lúcidos. En ellos su fina sensibilidad, su penetrante inteligencia, su sentido del humor y su infalible olfato para detectar los nudos del panorama arquitectónico perfilan un territorio propio que Luis quiso siempre compartir, en su elegante aspiración de transformación personal y colectiva, con sencilla generosidad que siempre agradeceremos aquellos que tuvimos la fortuna de conocerle como tú, lector, puedes hacer hoy.
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14 parejas y un mosaico, 75 años de vivienda en España es un juego de espejos que, mediante la comparaciónde parejas de obras residenciales, pretende ilustrarlas enormes transformaciones acaecidas en este paísdesde la posguerra hasta nuestros días. Estos cambioshanafectado profundamente a la ciudad, a la vivienda ya la manera de concebirlas hasta configurar el paisaje que caracteriza las ciudades españolas. La viviendaes el sensor perfecto para detectar las innumerablespequeñas variaciones que han ido configurando nuestro hábitat.El emparejamiento alienta un diálogo entre los dos ejemplos confrontados, que juntosdicen cosasnuevas de cada uno, distintas de aquelloque dirían por separado. La selección contrasta muchas delas ideas de estos años con laperspectiva de su momento concreto: la necesidad, la experimentación,la técnica, el crecimiento de la ciudad, la agregación, laconciencia de lo urbano, el reaprovechamientode edificios, la convivencia entre lo nuevo y lo viejo...El juego de parejas, que no tienen por qué ser dela misma época ni pertenecer a la misma tipología, es capaz de revelar relaciones, coincidenciasydiferencias y así convertirse en un fértil método de análisis. Esta lectura transversal no pretende recoger las obras más significativas de cada época y se dejan de lado influencias, genealogías o tipos. Ello permite, en cambio, hablar de temas oportunos yrelevantes actualmente. Al final construiremos edificios inspirándonos en ejemplos distintos, sin importarnos sufiliación. Estees el propósito último de esta colección emparejada.
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Los refugios costeros pueden crear momentos mágicos para quienes desean estar cerca del agua y la naturaleza. Propiedades codiciadas y destinos exóticos con playas de arena, lagunas vírgenes y verdes bosques tropicales a lo largo de las costas, constituyen el escenario ideal para viviendas abiertas al mar y al cielo. Las amplias terrazas y los patios celebran la vida al aire libre, mientras que los diseños de planta abierta facilitan la iluminación natural y la ventilación cruzada. En manos del diseñador adecuado, los retos de diseñar y construir en zonas vulnerables a los fenómenos climáticos pueden dar lugar a soluciones de diseño espectaculares que proporcionen confort y disfrute. Los materiales que envejecen bien en entornos costeros imprimen carácter a la arquitectura costera. Los elementos de diseño únicos y lujosos confieren a las casas junto al agua un atractivo inconfundible, pero es la quintaesencia del estilo de vida informal junto al mar lo que hace que estas casas sean excepcionales.
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Monografía de las últimas obras del arquitecto barcelonés Víctor Rahola. Prólogo de Josep Quetglas y fotografías de José Hevia.La demanda continua de novedad en las monografías de arquitectos hace que otros arquitectos de mayor edad, pero con una obra de gran calidad, hayan sido religados a un segundo plano. Esta monografía presenta la obra de Víctor Rahola (Barcelona, 1945), desde sus edificios públicos en Barcelona, como la biblioteca de la Facultad de Biología hasta el Edificio collage, hasta sus viviendas e instalaciones hoteleras en las Islas Baleares.
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Viviremos todos juntos, eso es inevitable. Pero la llegada de los vehículos autónomos al entorno urbano plantea otra cuestión urgente: ¿cómo se integrarán estos coches sin conductor en la vida cotidiana? Las industrias tecnológicas y del automóvil que desarrollan estos vehículos también están diseñando el futuro de nuestras ciudades. Sus visiones muestran calles que incorporan tecnologías autónomas y donde los humanos deambulan, despreocupados, por un espacio público donde máquinas automatizadas circulan a alta velocidad. Este ensayo, y las reflexiones que lo acompañan, exploran los conflictos inminentes asociados a esta tecnología y como estos transformaran nuestras calles, con una hipótesis en mente: el despliegue de la tecnología sin conductor, rápida y disruptiva, no conlleva una solución urbana integrada, más bien plantea preguntas y exige imaginar como responderlas. Este libro identifica algunas, responde a otras y, sobre todo, imagina cómo humanos y maquinas podrán influir en las decisiones sobre el ecosistema urbano, colectivamente.
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Los moriscos nunca vencieron su vulnerabilidad, angustia, mortalidad y siempre estuvieron cuestionándose qué hacer, quién ser, por qué luchar y a qué darle valor. Vivieron dentro de un mundo interior de negacióndebido al sufrimiento y trauma que tuvieron a lo largode su vida sintiendo una constante lucha interna porextrañar lo que fueron o lo que hubieran querido sercuestionándose cosas sin encontrar respuestas a lasmismas. Fueron conscientes de una realidad donde llegaron a ser lo que no quisieron ser. Donde el pasadodejó de existir. Donde el presente se transformó perpetuamente en pasado. Donde el futuro era incierto y desconocido. Y de la tristeza, la ira, la angustia, elmiedo, el dolor y el sufrimiento, de ser conscientesde su propia muerte y asumir ciertos riesgos, surgió, como un comportamiento mágico y milagroso, la alegría porque esta sirvió para convertir aquella posiciónesquizofrénica, esa situación difícil de resolver, la resiliencia traumática a la que se enfrentaron, ennuestraseñal de identidad. En lo flamenco. En lo andaluz. Através de la siguiente obra nos adentraremos,analizaremos y reflexionaremos en la influencia quetuvo el morisco en lo andaluz hasta crear nuestra propia identidad cultural. La evidencia de lo invisible. Y profundizaremos en la fiesta ya que esta, en general, posee, por sí misma y tras de sí, una rica y compleja historia asentada dentro de un contexto social, simbólico, ideológico y económico determinado porun espacio ytiempo concreto. Tiene múltiples aristasy de ahí su gran riqueza. Es un fenómeno de tal complejidad que cuanto más se profundiza en la misma, cuanto más se investiga y se apuesta por ampliar el focode la mirada,mayores facetas salen a la luz ofreciéndonos novedosas interpretaciones y aportando nuevasvisiones que trascienden los planteamientos históricos y etnográficosclásicos. Quizás la primera impresión pueda ser de sorpresa o incluso de rechazo. Tal vez, para otros, abra nuevos horizontes para construir un presente llenode futuro humano y sincero.
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En Arquitectura para los pobres Hassan Fathy relata su propia experiencia en la concepción, planificación,diseño y construcción de Nuevo Gourna, una poblaciónen las afueras de El Cairo pensada para realojar a los pobladores de un antiguo asentamiento de excavadores arqueológicos. Este poblado de nueva creación fuela primera tentativa de Fathy de aplicar a gran escala su concepto de arquitectura social, convencido de que la arquitectura podía y debía crear entornos favorables al desarrollo del ser humano por encima de cualquier otro objetivo. Es, por tanto, el relato de unasgrandes aspiraciones: el intento de mejorar la sociedad desde la arquitectura trabajando sobre la sostenibilidad ecológica, el uso de materiales y técnicas locales y la implicación de los habitantes en la construcción como medio de empoderamiento. Es también la historia de un relativo fracaso, achacable en cualquiercaso no al arquitecto sino a la intrahistoria del proyecto: las trabas burocráticas, la falta de medios yla inercia vital de aquellos a los que se intentabafavorecer impidieron el éxito total, aunque ello en absoluto invalida unas ideas realmente valientes. Además de ser una apasionante y vívida crónica, el libropresenta esta experiencia como una actuación generalizable y, por lo tanto, de posible aplicación en situaciones similares. Francis Diebedó Kéré, cuyas actividades y actitudes corren paralelas a las de Fathy ha redactado unas líneas certeras como presentación. El sostenido interés de los medios especializados por ambos arquitectos demuestra que la vía hacia una arquitectura sostenible que Fathy abrió sigue teniendo plenavigencia, pues sus ideas fomentan una verdadera arquitectura de la dignidad.
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La guerra ha terminado. El bando de Batman ha ganado, y ahora Superman ocupa una celda de la isla de Stryker que lo mantiene sometido a una luz solar roja de forma permanente. Sin embargo, al Hombre de Acero aún le quedan aliados. Y mientras el conflicto parece reavivarse poco a poco, Amanda Waller ha decidido reclutar a Harley Quinn para un equipo llamado Escuadrón Suicida en el que también está interesado un actor misterioso que está a punto de hacer acto de presencia. Y nos va a resultar muy familiar. Injustice: Zona cero concluye en este volumen para dar paso de inmediato a Injustice 2, la serie que supuso el regreso del guionista Tom Taylor a la saga en compañía de Bruno Redondo y Daniel Sampere, entre otros autores.
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La idea del paisaje como representación de la naturaleza, que simula certificar la realidad, con la consciencia, pero, que es puro artificio. La exposición se estructura en cuatro ámbitos temáticos que abordan el paisaje desde la ficción, los códigos culturales y artísticos, la noción del realismo y la consciencia medioambiental. En cada uno de estos puntos, obras del pasado histórico se relacionan con creaciones contemporáneas, rebelando equivalencias visuales a pesar de las diferencias de contexto histórico que hay entre todas.
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La naturaleza a lo largo de la historia del arte ha sido fuente de inspiración para los artistas desde el origen de la humanidad. Esta publicación muestra el diálogo constante entre el binomio arte-natura a través de un recorrido único por una dehesa en el sur de España donde el bosque mediterráneo de pinos y alcornoques están en completa simbiosis con los proyectos.
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Este volumen reúne una muestra exhaustiva del trabajo del artista de renombre internacional Leandro Erlich a través de 72 imágenes que representan obras de arte cautivadoras, modernas e interactivas.A lo largo de estas imágenes, ensayos críticos de Dan Cameron, Adrian Dannat, Andrés Duprat y Mari Carmen Ramírez ofrecen observaciones agudas sobre el encuentro de las obras de arte, el espacio y las personas.Publicado como parte de la exposición de Erlich ''Liminal'' en el Perez Art Museum Miami, el catálogo se erige como un camino perspicaz en la mente del artista y como testigo de la experiencia de los visitantes
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Greenwich Village, Nueva York. Principios de los años60. Un joven romántico de aspecto desaliñado y una post adolescente idealista de ascendencia italiana seconocen y se enamoran. Él es Bob Dylan, ella Suze Rotolo. Un par de años después de comenzar una breve pero intensa relación, se fotografiarán juntos caminandopor las calles nevadas de la ciudad, dando lugar a una de las imágenes más icónicas de la historia de lamúsica popular. Es la portada de «The Freewheelin’»,segundo disco del aclamado cantante, que acabaría porencumbrarlo a la fama, con himnos generacionales tanemblemáticos como «Blowin’ in the Wind» o «Don’t Think Twice, It’s All Right».Greenwich Village, Nueva York. Principios de los años 60. Un joven romántico deaspecto desaliñado y una post adolescente idealista de ascendencia italiana se conocen y se enamoran. Él es Bob Dylan, ella Suze Rotolo. Un par de años despuésde comenzar una breve pero intensa relación, se fotografiarán juntos caminando por las calles nevadas dela ciudad, dando lugar a una de las imágenes más icónicas de la historia de la música popular. Es la portada de «The Freewheelin’», segundo disco del aclamadocantante, que acabaría por encumbrarlo a la fama, conhimnos generacionales tan emblemáticos como «Blowin’in the Wind» o «Don’t Think Twice, It’s All Right».
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Postectura. La construcció del demà
El catálogo de la exposición 'Postectura. La construcció del demà', compila diez textos sobre este grupo de jóvenes artistas de la decada de los cincuenta. Tiene como objetivo revisar los comienzos de esta modernidad artística y entender mejor el poliedro del arte catalán a las puertas de las segundas vanguardias. Además de reproducciones de las obras expuestas, incluye una traducción al inglés.
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Catálogo de la exposición que se celebrará en la Sala Recoletos, Fundación MAPFRE, Madrid, del 23 de septiembre de 2022 al 8 de enero de 2023.La muestra Picasso-González ofrece una nueva aproximación en torno a la colaboración artística entre ambos artistas y estudia el tema teniendo en cuenta el amplio contexto en el que se produce la escultura metálica de los años 20 así como los trabajos individuales del propio González en este campo antes de su colaboración con Picasso. Por otra parte, la muestra plantea que las afinidades artísticas e inquietudes comunes de ambos no se limitan a este periodo concreto, sino que comienzan en la Barcelona modernista de principios de siglo XX y continúan en París hasta el fallecimiento de González en 1942.
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Terres de l'Ebre i Matarranya
Durant quasi tres primaveres he recorregut pobles, muntanyes, valls, rius, boscos... He tastat pa acabat de fer en forns de llenya amable. He descobert perfums novells d'immensos camps de fruita dolça. El Delta m'ha pintat albades insòlites. He navegat per lleres curulles de cançons seductores. Des de talaies privilegiades he contemplat la frenesia dels sembrats. A boqueta nit, sota la llum inesgotable dels estels que embolcallen aquestes terres, he somiat mons de formositat exquisida, que m'il·lusiona de compartir amb vosaltres. Durante casi tres primaveras he recorrido pueblos, montañas, valles, ríos, bosques... He probado pan recién hecho en hornos de leña amable. He descubierto perfumes jóvenes de inmensos campos de fruta dulce. El Delta me ha pintado amaneceres insólitos. He navegado por lechos rebosantes de canciones seductoras. Desde privilegiadas atalayas he contemplado el frenesí de los sembrados. Al caer la noche, bajo la incesante luz de las estrellas que abrazan estas tierras, he soñado mundos de exquisita hermosura, que me ilusiona compartir con vosotros. For almost three springs I have travelled through villages, mountains, valleys, rivers and forests. I have tried freshly baked bread in friendly bakeries with wood ovens. I have discovered new perfumes in huge fields of sweet fruit. The Delta has painted me amazing sunsets. I have navigated riverbeds bubbling with seductive songs. From magnificent viewpoints, I have contemplated the frenzied fields of crops. When night fell, under the ever-present starlight that embraces this land, I have dreamed of worlds of exquisite beauty, which I am thrilled to share with you.
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Francis Bacon es una de las figuras icónicas del arte del siglo xx, un artista que transformó la manera en que vemos y experimentamos el cuerpo humano. A la manera de los trípticos de Bacon, Jonathan Littell, apasionado de la obra del pintor, divide su libro en tres partes, a la vez independientes y complementarias. En la primera, describe el día que pasa en el museo del Prado mirando las telas de Bacon, no muy lejos de las de Velázquez y Goya. La segunda revela las correspondencias ocultas entre las figuras que Bacon pinta a lo largo de su carrera. Los retratos de su amante, George Dryer, pintados poco antes del suicidio de este en 1971, son el hilo conductor de esta reflexión. La tercera parte pone en perspectiva la pintura de Bacon y la de los iconos, con el fin de abordar la cuestión de la representación de la verdad en la pintura. El libro incluye un centenar de ilustraciones escogidas por Jonathan Littell.
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Mezclada entre veinticinco poesías se encuentra escondida una evolución personal que cuenta con una madurez y un valor emocional muy grande, creando preguntas metafísicas y un análisis propio que desnuda por completo la protagonista del libro a todos sus
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Akiko Kimura forma parte de una nueva generación de fotógrafos japoneses que trabajan el paisaje con extrema sensibilidad. Su obra se ha expuesto en galerías de Japón y del extranjero. El título de la serie ''i'', es el sonido /ai/ que es ''I'' en inglés y significa ''amor'' en japonés. Al contemplar estas fotografías, uno se queda con una sensación de paz y serenidad, un sentimiento de la suerte de vivir en este mundo. ''i'' es el primer libro de Akiko con distribución internacional, editado con extrema calidad en una edición limitada de 1000 ejemplares.
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Las películas slow comparten una serie de características formales, como el adelgazamiento y la supresión de la narración, el vaciado psicológico de los personajes, que parecen no experimentar ningún afecto ni realizar acciones coherentes, los planos se extienden más del tiempo estándar del cine de Hollywood y su contenido se reduce al mínimo y, en fin, tienden a desaparecer algunas exigencias clásicas, como la música o los diálogos. En cuanto al contenido, aborda cuestiones como la relación entre seres humanos y la naturaleza, las formas de vida perdidas o el interés por individuos y sociedades olvidados por la historia. Los directores y directoras que se incluyen en esta categoría son variables, pero en general se suele pensar en Lisandro Alonso, Wang Bing, Pedro Costa, Zhang Mengqi, Bruno Dumont, Otar Iosseliani, Darejan Omirbaev, Apichatpong Weerasethakul, Carlos Reygadas, Albert Serra, Béla Tarr, Tariq Teguia, Kelly Reichardt, Salomé Lamas, Tsai Ming-liang, Nikolaus Geyrhalter, Ben Rivers, Michelangelo Frammartino o Nuri Bilge Ceylan, entre muchos otros nombres. ¿Qué une a tales cineastas, cómo son sus películas? ¿Cuáles son sus preocupaciones principales, tanto éticas como estéticas? ¿Qué novedad representa el slow cinema con respecto a otras formas de cine? ¿Tiene sentido hablar de lentitud, es un concepto operativo o se ha vuelto una muletilla cómoda? En este volumen reunimos quince artículos para tratar de acercarnos a todas estas cuestiones.
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Las imágenes, desde sus orígenes, estuvieron ahí para contar historias, acompañadas siempre de palabras, en ocasiones escritas, otras imaginadas por el espectador, desde los petroglifos de los hombres-perro en el desierto de Libia a los dibujos de Jean-Jacques Lequeu. Y así ocurrió hasta la Revolución Industrial, la conquista del mundo por las máquinas. La cámara fotográfica fue una de esas máquinas, que cambió nuestro modo de ver, vivir y hacer literatura. A partir de entonces las imágenes y las palabras renunciaron al relato, a llevarnos a ningún otro lugar que no fueran las propias imágenes y las mismas palabras, en su color, materia, espacio, forma, sonido, dando lugar a imágenes y palabras ensimismadas. Las vanguardias escenificaron por primera vez este cambio de paradigma que ha determinado la práctica artística hasta la actualidad.
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Las mujeres que constituyen la materia de este libro fueron lasestrellas femeninas más importantes de las cinematografías española,italiana y alemana, durante los años de la Segunda Guerra Mundial(1939-1945), en los que el nuevo régimen totalitario en España coexistecon el nazismo alemán y el fascismo italiano. En las tres dictaduras, lacensura ejerció un severo control no solo sobre los contenidospolíticos, sino también sobre el erotismo y la sexualidad. Las stars femeninas de los fascismos trabajaron en connivencia, más o menosexplícita, con la ideología de los Estados en los que desarrollaron sufilmografía, pero su cuerpo habló (desde las imágenes) ofreciendomensajes a menudo contradictorios con la moral imperante.Este libro propone un estudio de la gestualidad de dichos cuerpos, y seinterroga sobre la tensión subyacente entre feminidad servil y feminidadliberada, entre sexualidad negada y afirmación erótica. A lo largo desus páginas, se desgrana con minuciosidad la relación entre actuación eimaginario erótico en las filmografías de Imperio Argentina, EstrellitaCastro, Ana Mariscal, Conchita Montenegro, Conchita Montes, MercedesVecino y Amparo Rivelles para la cinematografía española Clara Calamai,Luisa Ferida, Anna Magnani, Isa Miranda, Assia Noris y Alida Valli en elcontexto italiano, y Zarah Leander, Marika Rökk y Kristina Söderbaumpara el caso alemán.
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El lenguaje audiovisual está experimentando una auténtica revolución. Elespectador ya no se halla sometido a la dictadura de un canal emisorsino que no solo elige qué quiere ver y en qué momento lo quiere ver,sino que además pretende intervenir en aquello que está visualizando oexperimentando. Este libro ofrece una visión global y exhaustiva de laactual situación de los nuevos medios audiovisuales interactivos,analizando las principales herramientas para su creación, difusión yexplotación e indicando –con la precisión de un zahorí que conoce biensu oficio– los caminos que la industria parece estar tomando y losnuevos formatos cinematográficos y audiovisuales que están apareciendocon el objetivo de explorar –y tal vez descubrir– las nuevas obras quedefinirán el futuro inmediato de las artes audiovisuales.
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Quizás el término sitcom esté perdiendo ya toda vigencia y, por tanto, este sea un pésimo momento para ponerlo en el título de cualquier libro: ¿es que alguiense va a desvelar a estas alturas por ese formato caduco? Sin embargo, crecimos con ellas: Las chicas de oro, El show de Bill Cosby, Padres forzosos? Nos dejamos embaucar por sus familias reunidas en la sala de estar, sus atardeceres pintados en las ventanas y, porsupuesto, las risas enlatadas que nos indicaban cuándo celebrar un chiste. Pero, ¿qué tenía aquel raquítico formato televisivo para llegar a ser una pieza clave de la cultura popular y de nuestra memoria sentimental? ¿Y por qué sigue siendo el género predilecto decómicos tan lúcidos como Tina Fey, Larry David o Louis C. K.?, ¿qué secretos esconden esas puertas de salón que no llevan a ninguna parte? Los críticos, humoristas y cineastas aquí reunidos dibujan un recorridoque empieza fijándose en los dos focos de atención principales de la sitcom clásica (el trabajo y la familia) durante sus primeras décadas de vida. El segundotramo se centra en Seinfeld y Friends, las dos series de más éxito de los 90, con las que la amistad pasóa ser el asunto central. Finalmente, el tercer bloque repasa ejemplos y transformaciones recientes (The Big Bang Theory, The Office, Padre de familia, Fleabag?) que muestran las muchas formas en que el género salió de casa y tantas otras veces en que regresó.
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Un exhaustivo estudio de los más de cien años de cine, desde las grandes producciones a las películas másdesconocidas. Un viaje en el que la mirada sobre lasmujeres ha condicionado, no solo a estas, sino también al conjunto de la sociedadEste libro está divididoen dos partes. En la primera se hace un recorrido por cómo han sido retratadas las mujeres en las películas a lo largo de la historia del cine. Desde los primeros años hasta el día de hoy, donde los personajes femeninos han ido evolucionando de meros objetos dentro de una película a ir paulatinamente adquiriendo protagonismo por sí mismas y no como parte de una tramapensada para hombres. La autora nos habla de una sociedad en la que una industria tan relevante ha mantenido un discurso en el que se ignoraba a las mujeres, sus deseos, sus pasiones, sus sentimientos, problema que generaba en gran medida poca o ninguna posibilidadde que las mujeres pudieran verse reflejadas, o identificadas, con las protagonistas de las películas queinundaban las salas de cine, y esa falta de referentes ha sido, y aún sigue siendo en algunos ámbitos, unproblem
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A lo largo de su dilatada historia, la utopía concibió modelos sociales que se sabían ambivalentes e irrealizables porque, desde su mismo origen, las contradicciones han de formar parte de la esencia de todo paisaje utópico. Sometida a sus dogmas incuestionables,la utopía se pervierte y se transforma en distopía,aunque con frecuencia resulta difícil establecer lasfronteras entre una y otra. Partiendo de los modelosclásicos de Huxley y Orwell, en un itinerario que nosllevará desde '' Metrópolis '' hasta el OASIS de'' Ready Player One '' , el presente volumen notificará, a partir de una variada selección filmográfica,el fracaso de estos modelos de sociedad rígidos y reglamentados. Recuperar el pensamiento utópico hoy supone enfrentarlo con los problemas de nuestro tiempo en un mundo real donde individuo y comunidad puedan convivir sin fricciones. El cine contribuye poderosamente a mantener vivo este relato, pues uno y otro se sitúan bajo el mismo entorno del sueño.
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L'era dels àlbums
Un llibre imprescindible per descobrir les històries humanes darrere dels millors àlbums de la història de la música moderna.Aquest llibre no pretén ser exhaustiu. Tampoc aspira a ser consistent respecte a un criteri universal. No té intenció, tampoc, de fer equilibris sobre cap mena de paritat. Àlex Torío ha mirat de distribuir els discos amb una certa equitat cronològica i s'ha sacrificat per no posar més d'un disc d'un mateix músic o banda. Per tant, és un llibre injust en què tothom pot trobar a faltar alguna cosa. Ell hi troba a faltar molts discos, però ha acabat acceptant que no feia una enciclopèdia. Es podria haver fet el mateix llibre amb 40 discos diferents. Amb tries alternatives, es podrien haver fet altres llibres que no serien secundaris. No es descarta que es faci. Sintetitzar la història del pop-rock, música d'arrel negra i anglosaxona, és una tasca inabastable, i sempre serà incompleta, però ens ho podem passar bé considerant-la encara que només sigui parcialment.
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High Line, la famosa línea ferroviaria elevada convertida en vía verde de la ciudad de Nueva York, recibe millones de visitantes anualmente y brinda un espacio único para encontrarse con el arte y el espectáculo. Elevated examina las ofertas ricas y multifacéticas de su programa de arte público, High Line Art, presentando obras y proyectos de la última década de artistas clave de todo el mundo.El libro presenta una variedad de proyectos de talla mundial de artistas como Simone Leigh, Paola Pivi, Sam Durant, Jordan Casteel, Cecilia Vicuña, Sheila Hicks, El Anatsui, Phyllida Barlow, Faith Ringgold, Barbara Kruger, Zoe Leonard y muchos otros. Documenta la evolución creativa y la vibrante programación cultural de High Line Art, que ofrece un lienzo a escala de ciudad para que artistas e intérpretes interactúen.A través de s fotografías y conversaciones únicas con los artistas participantes, así como ensayos de críticos clave como Julia Bryan-Wilson y Aruna D'Souza, este libro examina las docenas de instalaciones al aire libre, vallas publicitarias, murales, proyectos de video y participaciones y eventos.
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Breu tractat sobre la mort i la bellesa
El moment de la mort, per breu que sigui, es projecta cap a l'eternitat. Tots, com Aquil·les, podem ser «literaturitzats» i la nostra memòria pot perdurar més enllà de la nostra mort. A Breu tractat sobre la mort i la bellesa Albert Mestres revisa les manifestacions artístiques - pintura, literatura, música, cinema- que han tractat la mort de personatges mítics o històrics en el moment culminant de les seves vides, i com han anat variant al llarg de la història cultural d'Occident.
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El libro se centra en esta nueva televisión de ficción, que desde los 80 crea una segunda edad dorada de la televisión. Series como Hill Street Blues, Los Soprano, Breaking Bad, Homeland,revolucionaron la televisión y marcaron el horizonte de lo que vemos hoy en las producciones de HBO, Showtime o Netflix
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¿Cómo hacer que nuestra mirada sea de respeto, valoración y admiración ante las creaciones de cada niño? Sencillamente permitiendo que los niños prueben por elgusto de mirar, de tocar y de imprimir sus señales.Considerando el trabajo de un niño como su firma, suhuella, como una muestra de su identidad, como una parte de si mismo, y por ello respetando, valorando, cuidando y disfrutando con sus creaciones. «Me gustaríaser capaz de transmitir, a través de estos escritossobre el trabajo artístico en la escuela infantil, aqué me refiero cuando hablo de una escuela en la quese desee estar, en la que se pueda sentir, pensar, crear y vivir con los otros, placenteramente. Lo que aquí propongo es vivir la cotidianidad en la escuela amarrando con un mismo hilo lo del pensar y lo del sentir, lo de aprender y lo de estar juntos, lo de ser inteligentes con lo de ser gente.» Mari Carmen Díez
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Tres ensayos de William Morris (Cómo vivimos y cómo podríamos vivir Trabajo útil o esfuerzo inútil. El arte bajo la plutocracia.) acompañados del prólogo de Estela Schindel «William Morris: la técnica, la belleza y la revolución»
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La belleza puede ser reconfortante, perturbadora, sagrada o profana, puede resultar estimulante, atrayente, inspiradora, incluso escalofriante. Puede afectarnos de maneras muy distintas, pero nunca nos deja indiferentes. En esta obra, el brillante y ecléctico filósofo Roger Scruton explora el concepto de belleza, indagando en aquellos elementos que confieren a un objeto -artístico, humano o natural- esta cualidad y sugiriendo formas de comparar la variedad de criterios que existen al respecto. ¿Hay una manera precisa de medir y juzgar la belleza? ¿Es siquiera posible definirla? ¿Es justo afirmar que es más bello un templo clásico que un edificio de oficinas hecho de hormigón, que hay más belleza en un Rembrandt que en la obra que ganó el último Premio Turner? Las conclusiones a las que llega el autor en este texto, directo y sugerente, tan accesible como intelectualmente riguroso, sin duda pueden resultar controvertidas. No obstante, todas ellas invitan a reflexionar sobre los objetos bellos que nos rodean y a tratar de hallar un sentido más profundo en el efecto que la belleza tiene sobre nosotros.
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Hitchcock y la dimensión erotómana de su cine, Hitchcock como un Barba Azul de cuento, Hitchcock el Maestro. A ratos deliciosamente perversas, y con teorías atrevidas pero muy atractivas, estas páginas de Serge Koster abordan, con conocimiento de causa y brío literario, los temas que intrigan a los amantes del cine y excitan también la curiosidad de los espectadores novatos. Y están tan llenas de su amor de fan por los personajes como por las personas: la Grace Kelly de La ventana indiscreta, la Kim Novak de Vértigo, la ladrona Marnie interpretada por Tippi Hedren… Vouyerismo, fascinación, diálogos llenos de dobles sentidos: la cara B de un Hitchcock no tan oculto aparece aquí como en sus películas: siempre casi escondiéndose y a la vez mostrándose, el adorador de ídolos femeninos que coloca en un altar a sus actrices para luego, en muchos casos, derrumbar con sólo un gesto ese mismo altar, el genio de las contradicciones. Narración y ensayo, diario de lecturas y películas, de placeres y vicios (a veces la misma cosa), Serge Koster, siempre entre la erudición y la divulgación, propone a los lectores, con una prosa llena de hallazgos líricos y también, ¿por qué no decirlo así?, «psicológicos», una estupenda conversación que recuerda a la ya mítica entre François Truffaut y el propio Alfred Hitchcock, sólo que ahora, al abrir este libro, seremos nosotros mismos quienes nos convertiremos en contertulios de Serge Koster, para aprender de él y para debatir con él.
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Nueva guía paso a paso para crear grandes dibujosEste libro le enseña a crear veintiocho espantosos monstruos, divertidosy absolutamente únicos, utilizando unas técnicas muy sencillas deaprender. Cada dibujo le lleva por una secuencia de pasos básicos, quetras una aplicación de tintas de colores le conducen al dibujo final.Para que el proceso resulte más sencillo, se empieza esbozando el dibujobásico, con formas simples para la cara y el cuerpo normalmente soncírculos, óvalos o formas alargadas. Se trata de ser creativo y dedivertirse, y la práctica le ayudará a conseguir mejores resultados.
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Lo que Stanislavsky intuía a partir de la observación de sus actores a principios del siglo 20, ahora, la neurociencia viene a explicarlo desde un punto de vista científico. Como dijo Peter Brook «la neurociencia ha empezado a comprender lo que el teatro ha sabido desde siempre».A partir de esta idea Javi Luna ha centrado su trabajo e investigación de los últimos años. Al estudio de los grandes maestros de la interpretación ha unido el estudio de algunos de los nombres que más importancia están cobrando en el mundo de la neurociencia (Antonio Damásio, Giacomo Rizzolatti, Ignacio Morgado, Nazareth Castellanos o Mariano Sigma). Pero siempre desde un punto de vista práctico y experimental, usando sus clases como laboratorio donde «testar» cada una de las conexiones que intuía entre estos dos mundos. Un viaje fascinante, que le ha llevado a entender el porqué de muchas de esas cosas que los actores y los directores hacemos o decimos, sin saber muy bien el por qué. El resultado es un estudio muy práctico y lleno de ejemplos concretos. Cuestiones como la memoria, las neuronas espejo, las emociones y los sentimientos, el proceso de identificación personaje/actor/espectador, la creatividad, la imaginación y la intuición, explicados y dirigidos al servicio del arte actoral. Todo con el fin de dotar al interprete de unas herramientas concretas, que le den seguridad y confianza. En nuestro cerebro está la base de nuestro comportamiento (de nuestras emociones y sentimientos), entendamos cómo funciona, y tal vez podamos comportarnos (emocionarnos y sentir) como lo haría nuestro personaje.
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