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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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Robert Gerhard i Ottenwaelder (Valls, 1896 – Cambridge 1970) es el compositor catalán más importante del siglo xx y seguramente uno de los pocos compositores catalanes universales. Su periplo vital, estético e intelectual es fascinante y explica de forma paradigmática la desdichada historia de Cataluña, de España y de Europa. A pesar de todo ello, todavía es una figura bastante desconocida para el gran público y su música de calidad y modernidad deslumbrantes sigue ausente de las programaciones.Con este libro, el apasionado gerhardiano Oriol Pérez i Treviño llena un vacío inexplicable. A partir de la bibliografía y de los estudios existentes, relativamente abundantes pero parciales y muy a menudo hechos desde ópticas extranjeras, construye un relato personal, documentado y con nuevas aportaciones de la trayectoria personal y artística de este creador único que dejó Cataluña para exiliarse a Cambridge, donde falleció en 1970.Les ofrecemos, ahora que las conmemoraciones de Gerhard ya han pasado, una verdadera invitación al descubrimiento de una mente privilegiada y apasionante de un hombre comprometido de la forma más radical, y sobre todo una invitación a escuchar una música extraordinaria y a profundizar en la misma.
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CONSEJOS, PROPUESTAS Y EJERCICIOS PARA APRENDER A TOCAR INCREÍBLES SOLOS DE GUITARRA. Aprende a dominar las escalas pentatónicas para guitarra en muy poco tiempo. Con las sencillas lecciones que te enseñará Diego Sola te convertirás en un experto guitarrista y a dominar el instrumento como solo los profesionales saben hacer. Podrás interpretar aquellas canciones que tanto te gustan y ser el centro de atención de cualquier encuentro musical. El autor de esta guía básica te ayudará a aprender, con muy poco esfuerzo, todos los trucos que esconden los guitarristas más avezados y adquirirás las estrategias y habilidades necesarias para ampliar nuevos registros musicales. Además, este libro también puede ser una valiosa guía para profesores, ya que se puede utilizar como un recurso metodológico y didáctico adaptable para el estudio en el aula. Así, aprenderás: • Relación escala/acorde, ¿cómo se aplica? • Los distintos gráficos de las escalas pentatónicas. • Silenciar las cuerdas con la palma de la mano (“palm mute”). • Ejecutar dos o tres cuerdas sucesivas. • La técnica del vibrato. • Aplicar recursos en clásicos del rock y el blues. • Ejemplos acompañados de su respectivo vídeo para un mejor aprendizaje. EL LIBRO ESTÁ ILUSTRADO CON EJERCICIOS Y ADAPTACIONS DE FRAGMENTOS DE LAS OBRAS ANALIZADAS Y CÓDIGOS QR PARA PODER SEGUIRLOS CON PRECISIÓN.
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Un planteamiento de todo aquello que es cercano, que nos acerca y nos une y también de lo que está por venir como profesión.La condición polisémica de la palabra Proximities implica nociones de lo próximo como lo cercano, y lo próximo como lo siguiente. Por un lado, hace referencia tanto a todo aquello que es cercano y específico de un lugar y/o contexto determinado. A su vez, implica aquello que nos acerca, nos une y que compartimos como estudiantes y docentes, investigadores y profesionales. Por otro lado, habla también del futuro, de lo que está por venir, de lo que debería ocuparnos para afrontar nuevos retos en nuestra disciplina, como buscadores de ‘lo siguiente’, como protagonistas del futuro cercano. Existe una coincidencia espacio-temporal, un lugar de encuentro, en el interés del DPA por estas cuestiones que abre una vía posible para establecer una relación dual de cercanía entre las partes.Se han rastreado investigaciones emergentes y específicas en múltiples instituciones culturales, académicas y centros de investigación que constituyen voces relevantes en el debate arquitectónico actual. Se ha adoptado una perspectiva global, con la firme intención de acoger voces y representantes diversas. Al dominante discurso occidental, entrelazamos protagonistas lejanos y discretos cuyos descubrimientos y especulaciones tienen mucho que aportar no sólo a sus contextos cercanos sino que también alcanzan un impacto global. La condición polisémica del término Proximities se ha organizado en seis categorías distintas: Ecologies: Urban Resilience, Preservation: Up-Cycled Architecture, Geopolitics: Pan-Territorial Identities, Housing: After the House, Public Space: the Public and the Common, Media: Other Narratives.
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Más de un siglo después de su muerte, Gustav Mahler es el compositor más importante de los tiempos modernos. ¿Por qué Mahler? ¿Por qué su música nos afecta tanto? ¿Por qué un músico judío «tres veces apátrida» expresa tan cabalmente las añoranzas y ansiedades de nuestra sociedad postindustrial?Después de situar la relevancia actual de Mahler, Norman Lebrecht presenta un apasionante relato de su vida y su tiempo y, por último, ofrece al lector una guía segura que le orienta entre las numerosas interpretaciones de Mahler. Ameno y cargado de erudición, biografía y narración de un viaje al mismo tiempo, el presente libro es una exploración del papel que la música de Mahler desempeña como banda sonora de nuestro mundo.
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Edición ampliada con intervenciones de Sara Mesa, Mariana Enriquez, Carla Simón, Pilar Pedraza, Christina Rosenvinge, Elisa Victoria y muchas más. «Un libro lúcido y valiente sobre cómo el cine de terror ayuda a pensar el duelo, la soledad, la violencia sexual, la locura y ese pavor que te sigue, de noche, en la calle oscura.» MARIANA ENRIQUEZ «Una visión del horror que duele por su honestidad y emociona por su belleza, que desenmascara aquello que esconde la oscuridad de un cine: que el alma de las películas de terror es inmensa, libre y, sobre todo, femenina.» J.A. BAYONA Tengo miedo a caminar sola de noche por la calle. Miedo a no ser aceptada. Miedo a obsesionarme con el amor romántico. Miedo a desactivar los roles tradicionales en mis relaciones sentimentales y familiares. Miedo a desear. Miedo a mi propio cuerpo y al ajeno. Miedo a engordar y envejecer. Miedo a fracasar como madre, y a la presión social por la maternidad. Miedo a la pérdida. Miedo, en general, a no estar a la altura. Tengo mucho miedo. Todo el rato. Pero el cine de terror me ha ayudado desde que era niña: a la vez que alimentaba mis temores y generaba muchos nuevos, me ha brindado un lugar en el que cobijarme, en el que aprender. Ahora que tengo más herramientas para combatirlo soy capaz de enfrentarme a él. De ganar al miedo.
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La presente obra recrea el espacio como tema en la arquitectura y el arte contemporáneos, principalmente en el periodo que abarca desde los primeros años sesenta hasta finales de los ochenta, cuando la idea de espacio cobró un especial protagonismo. El análisis del papel del espacio en las artes se centra en la escultura y sus desbordamientos, de manera que se establece una especie de dialéctica entre el espacio arquitectónico y el escultórico, rastreando los ricos márgenes que se han generado en los límites de ambas disciplinas y que han dado origen a otros nuevos géneros en los que lo espacial aparece como una de sus características más definitorias. Sin pretender llega a hacer una historia de la cultura de una época o momento determinado, este ensayo intenta superar las metodologías al uso en historiografía del arte, así como los conceptos preestablecidos sobre las distintas artes para, sirviéndose de ideas y acontecimientos filosóficos, artístico, musicales, literarios y arquitectónicos, trazar un perfil del ambiente cultural que se respiró en Occidente tras la Segunda Guerra mundial. Para ello se sirve de un hilo conductor: la idea de espacio.
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Por fin tienes entre manos el primer volumen antológico de las más destacadas delicias del periodismo musical español.Escogida y compilada por el periodista Bruno Galindo, esta exquisita selección recoge 51 míticos artículos escritos a lo largo de los últimos 60 años por leyendas del periodismo como:José María Íñigo, Joaquín Luqui, Tina Blanco, Carlos Tena, Diego A. Manrique, Ángel Casas, Constantino Romero, Pepe Ribas, Jesús Ordovás, Magda Bonet, Jordi Sierra i Fabra, Nativel Preciado, Rafa Cervera, Fernando Navarro, Mercedes Arancibia, Ruth Baza, Íñigo Munster, Ignacio Juliá, Santi Carrillo, Grace Morales, Tina Blanco, Claudi Montañá, Jerry Corral, Aïda Camprubí, ... KOKOTXAS está cronológicamente dividida en seis capítulos: ‘Todo esto era campo’ (1965-1972), ‘Underground’ (1973-1979), ‘Modernidad’ (1980-1989), ‘Revistas y suplementos’ (1994-2005) y ‘Presente y el futuro’ (2010-2022)
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Guion escrito por Isabel Peña y Rodrigo Sorogoyen
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La presente edición recoge el conjunto de los versos que el P. Antonio Soler escribió para el órgano en el monasterio de El Escorial. Los versos de Regina caeli y Te Deum ya habían sido editados por este mismo autor.Los versos para la Misa se editan ahora por primera vez y suponen una enorme aportación a la obra organística del P. Soler, no solo porque no eran conocidos, sino por ser un conjunto de tres juegos perfectamente ideados y simétricos en su conjunto.Cada juego de versos, escritos para las partes del común de la misa, consta de 19 versos, correspondientes a las partes de los Kyries (4), Gloria (8), Sanctus (3) y Agnus Dei (3) más uno para el final llamado Coreado y que, en realidad, no podría llamarse verso, porque no alterna con ningún otro canto, sino que sirve para cerrar el final del acto, teniendo un carácter improvisatorio muy destacado. Un total de 57 versos.Una característica importante del conjunto consiste en que se indican siempre el tempo y los registros del órgano, que suelen coincidir casi exactamente en cada uno de los juegos, consiguiendo una perfecta unidad y equilibrio.La estructurada mente de Antonio Soler muestra con esta obra una nueva aportación para el conocimiento de la historia de la música en el monasterio de El Escorial, obra que tiene su más exacta presentación con la música de los cantorales escurialenses y su estilo de interpretación.
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La divulgadora del momento te explica por qué el arte es para todos.Eugenia Tenenbaum revive en este libro periodos históricos desde la Antigüedad hasta el siglo XX, con el objetivo de disfrutar de las obras de arte que vieron la luz en esas épocas. Gracias a su voz cercana y rigurosa, nos reconciliaremos con el placer inmenso que nos ofrece el arte sin otro requisito que nuestras ganas. A lo largo de todo el recorrido, sin embargo, se nos obligará a volver a mirar, una y otra vez, para encontrar algo nuevo. Porque cuestionar lo que sabemos es la única manera de comprender mejor quiénes somos, y de conseguir que el arte sea algo para todos.
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Mito erótico de la Transición, novia de España, imagen de la cultura comprometida con la justicia social, musa de dramaturgos, cineastas y compositores, Ana Belén encarna nuestra historia reciente. María del Pilar Cuesta Acosta, Ana Belén para el resto del universo, fue la última niña prodigio. Desde que empezó a cantar en los concursos radiofónicos, supo que quería ser artista, como Marisol, y darle a su familia una casa mejor que la que tenían en el madrileño barrio de Lavapiés. Lo consiguió a los trece años, cuando se convirtió en Ana Belén con Zampo y yo , su primera película. En esta conversación con el escritor y guionista Edu Galán, repasa su trayectoria vital y profesional, donde ha habido muchos éxitos y algún fracaso, y donde ha llevado en paralelo sus dos carreras artísticas: la de cantante, que ha desarrollado con su compañero de vida, Víctor Manuel, y la de actriz de teatro y de cine. Sus canciones y películas son hoy parte de nuestra memoria colectiva.En 2025 estrena nuevo disco, Vengo con los ojos nuevos , que presentará en la gira Más D Ana.
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Enrique Morente: Universe Morente presents the fascinating work of one of the most important flamenco 'cantaores' of all time - Enrique Morente (Granada, 25th December 1942- Madrid, 13 December 2010).He was also a composer, interpreter and creator. Enrique Morente was brave, revolutionary and visionary. Gifted with genius and talent, he is one of those that root themselves in the purest traditions in order to renovate them: making flamenco an art of the vanguard, with no borders or prejudice.This book comprises over 400 pictures, numerous quotes from Enrique Morente, and texts by José Manuel Gamboa, Balbino Gutiérez, Pedro G. Romereo, José Luis Ortiz Nuevo, Miguel Mora and Antonio Pradel. It includes essays that reflect on the discography, the coplas, the life, personality, ethics, aesthetics, friends and family of the Maestro.
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El anhelo por alcanzar las estrellas ha representado para la especie humana un instinto heredado capaz de generar fantasías y aventuras asombrosas. Sin embargo, el último siglo ha demostrado que la realización de este sueño no solo es factible, sino, en última instancia, inevitable. Este libro exploratorio aspira a demostrar que la humanidad pretende establecerse entre las estrellas sin llevar a cabo la transformación necesaria para lograrlo, evidenciando que el planteamiento actual no conduce a una renovación, sino a parálisis y regresión. A través del análisis de hábitats extraterrestres paradigmáticos, se evidencia cómo sus tendencias principales no son evolutivas, sino reaccionarias, favoreciendo que la vida en el espacio exterior actúe como muro en lugar de umbral para la condición humana. La arquitectura del espacio exterior evidencia el fracaso en la ambición humana por transformarse en una especie extraterrestre. En vez de ejercer como catalizadora evolutiva, arrastra la obsolescencia de metodologías condenadas a la perdición, reduciendo la disciplina a un mero objeto de exhibición tecnológica que revoca el potencial creativo del habitar. La obra propone un enfoque renovado que permita expandir los fundamentos de la arquitectura extraterrestre, con la esperanza de superar las ataduras que contienen el avance de la especie para adentrarse en la noche primordial.
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De sensibilidades y criterios previos al enfrentarse a la arquitectura, de la fruición de la misma, de ese arte útil... De cómo acercarnos a todo ello trata el presente libro.Pero estas acciones necesarias previas al actuar no brotan espontáneamente: solo desde la curiosidad seremos conscientes de la importancia de la sensibilidad en la formación del arquitecto. Y hablar de sensibilidad estética, de Arte, es hablar de Belleza, es deleite, disfrute, empatía, para concluir que solo las personas con sensibilidad son capaces de percibirla y cultivarla con perseverancia, y de percibir así el eco que los objetos proyectan en nuestro interior, provocan- do sensaciones de emoción y disfrute.De la sensación iremos al juicio o entendimiento, donde buscaremos ayuda para elaborar un criterio que nos permita dilucidar la razón de ser de las cosas y cómo enfrentarnos a ellas. En otros capítulos, en fin, hablaremos de historia, de lugares, de necesidad..., todo lo que nos acerca (y a la vez condiciona) la arquitectura que estamos buscando definir. ¿No es éste un proceso similar a la propia vida, que nos vamos construyendo nosotros mismos?
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Catálogo de la exposición temporal 'En fugida' (Museu d'Història de Catalunya, hasta el 25 de mayo de 2025) que quiere acercarse a la cuestión de los refugiados a partir del relato del equipo del profesor Javier Rodrigo, que parte de los testimonios y la investigación realizada en el marco del proyecto europeo SO-CLOSE. La cuestión de los refugiados, personas que se ven obligadas a abandonar su país de origen a causa de conflictos armados, persecuciones, violaciones de derechos humanos o desastres naturales, es hoy en día, una de las crisis humanitarias más urgentes y complejas con las que se enfrenta el mundo. La exposición cuenta con la colaboración de ACNUR/UNCHR -Agencia de la ONU para los Refugiados y de la ONG Open Arms, que han aportado materiales y experiencias directas de su labor de salvamento y acogida llevada a cabo en lugares especialmente sensibles.
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Les bandes de música han estat, des de sempre, una part essencial del teixit cultural i social dels nostres pobles. La Banda de Música d'Esporles. 150 anys d'història, d'Antoni Aulí i Bartomeu Garau, ens convida a descobrir el llegat d'aquesta institució a través d'una recerca rigorosa que combina documents històrics, cròniques periodístiques i testimonis orals. Aquest estudi umpl un buit en la bibliografia musical mallorquina i ens apropa a la memòria col·lectiva d'Esporles. Una obra imprescindible per als amants de la música, la història local i la cultura popular.
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La mayoría de los hechos que se cuentan en este libro se concentran entre 1984 y 1988. Y sus protagonistas repiten a menudo, ya sea para recordar a Kortatu o para situar al grupo en su contexto político y social, que en aquellos años ''todo iba muy rápido''. El punk en el sentido amplio -tal y como se utiliza el término en este texto- es el vehículo perfecto para capturar este tipo de períodos turbulentos. El estado de las cosas es un disco electrizante por donde pasean los fantasmas de la Reconversión industrial, el terrorismo de Estado y los triunfos de la contracultura. A ritmo de punk, ska, hardcore, reggae y dub, la juventud empezó a disfrutar de un enfoque político (y un estilo de vida) muy distinto al de sus padres. Las letras de Kortatu, un relato alternativo de la Transición, fueron la banda sonora de esa red cultural formada por radios libres, centros sociales okupados y boletines de contrainformación. Nada menos que el magma político que mantuvo viva a la izquierda alernativa hasta el estallido del 15M.
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Esta guía ofrece la posibilidad de identificar algunas de las flores que más fácilmente se encuentran durante una visita al Parque: en concreto, 130 de las 1150 especies del parque nacional y su zona periférica. Las diferentes especies las encontraremos ordenadas por el ambiente en el que viven mayoritariamente. Dentro de cada tipo de ambiente, las plantas están agrupadas por familias, según el criterio botánico establecido en la bibliografía más usual. Cada especie viene acompañada de una referencia donde está escrito el nombre de la familia, la altitud donde se puede encontrar y los meses en que florece y un triángulo que representa los diferentes pisos de vegetación: montano de color marrón, subalpino de color verdoso y alpino de color ocre.
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Caprichos Ediciones Akal
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Primer volumen de la famosa Historia de la estética del gran teórico polaco. El libro incluye numerosos textos originales que -siempre presentados en edición bilingüe- constituyen el fundamento teórico de la obra.
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Un festival que nace en Madrid y que ha crecido hasta convertirse en un hito mundial (El País)''Después de todo'' es el lema de la nueva edición del festival que, desde 1998, se ha convertido en uno de los grandes acontecimientos de la fotografía del mundo. En sus 28 años de historia casi 20 millones de personas han visitado el festival y, y ha programado 2.000 exposiciones protagonizadas por más de 4.000 autores.Además de en Madrid, PhotoESPAÑA está presente en otras ciudades como Alcalá De Henares, Barcelona, Santander, Segovia, Valencia y Zaragoza, donde gracias al festival, la fotografía forma parte de la vida de sus habitantes.
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‘Masereel. Visiones de un infierno moderno’ es una nueva primicia de La linterna sorda. La faceta del famosoartista como innovador periodista gráfico y cofundador de las publicaciones refractarias más importantes de suépoca es muy desconocida. Sus aportaciones en ‘Demain’, ‘Les Tablettes’, ‘La Feuille’, ‘Monde’ o ‘Clarté’ nuncase han recopilado ni investigado hasta ahora, en particular sus dramáticos dibujos sobre la España antifascistaen lucha, cuando estuvo en Madrid y Barcelona en 1937.Este libro de Frans Masereel (1889-1972), con unas imágenes en blanco y negro que incitan y aúllan contrala barbarie de las guerras por el reparto del mundo, consta de 110 dibujos y xilografías recopiladas y reproducidasde los periódicos originales. Sus ilustraciones para la prensa destacan por su lenguaje expresivo, dinámico, muyvivo. Del caos capitalista emerge su obra, ardiente, emocionante, insumisa, rebosante de humanismo.“Mi obra está dedicada a las personas oprimidas, va dirigida contra los opresores en todos los ámbitos de lavida social e intelectual. Es por la fraternidad entre todos los pueblos”. Frans Masereel, 1961
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Una mujer, una vida, una causa: mantener viva la memoria de Blas Infante. Este libro es un acto de gratitud y justicia hacia María de los Ángeles Infante, una mujer valiente, generosa y luminosa que dedicó su vida a custodiar el legado de su padre, Blas Infante, el Padre de la Patria Andaluza. Presidió la Fundación Blas Infante durante más de cuarenta años con discreción firme, sensibilidad política y una entrega sin fisuras. A través de su voz —tan clara como serena—, Blas Infante volvió a ser escuchado. A través de su esfuerzo incansable, Andalucía pudo reencontrarse con su historia y su dignidad. En estas páginas, familiares, amistades, compañeras y compañeros de causa rinden homenaje a una figura imprescindible del andalucismo contemporáneo. Una mujer de luz, de trabajo silencioso, de memoria viva. Una andaluza que hizo de su vida una forma de servicio, y del recuerdo de su padre, un compromiso permanente con la libertad, la justicia y la esperanza.
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La plástica narración recoge la trayectoria del artista Víctor López Rúa desde sus inicios hasta la actualidad. Estructurado por décadas, Paz Gago realiza con maestría y minuciosidad un análisis de la obra pictórica que, a su juicio, se sustenta en tres pilares: un asombroso dominio del dibujo, una profunda reflexión teórica y una constante indagación en la Historia del Arte. Precisamente este acercamiento histórico hace que en los cuadros de López-Rúa se puedan observar influencias de Rembrandt, Velázquez, Vermeer o Balthus, referencias intertextuales utilizadas para buscar su propio camino en las artes visuales. Su silente e incansable labor investigadora le lleva también a establecer un diálogo fecundo entre plasticidad y narración, evocando a escritores como Edgar Allan Poe y Honoré de Balzac, Cortázar o Piglia, a través de los cuales muchas de sus obras adquieren una atmósfera de suspense, de inquietante extrañeza, una sensación de peligro inminente con una depuradísima técnica pictórica que atrapa, irremediablemente, al observador.
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Este libro de fotofrafía y texto es un homenaje al mítico Tren Hullero: “Aún llevo el silbar de sus locomotoras en mis oídos. Es el viaje, las imágenes del pasado que aparecen, no siempre nítidas, mientras voy asomado a las ventanillas del Tren Hullero. Hoy estas imágenes me dejan caminar entre ellas, y lo que reviste el paso del tiempo son líquenes y herrumbre, son ortigas y sueños que crecen y se alargan como zarzas encadenadas al olvido. Existe el regreso, el humo envuelve las estaciones, es la niebla con los remansos de un río largo de vagones y locomotoras de vapor con su nitidez soñada. Antes de escribir algo referente a la vida, es necesario haberlo escuchado en nuestro interior… Necesito que en este viaje, me acompañen los recuerdos y también los olvidos. Los subo a bordo del vagón o de la locomotora, no los puedo dejar en tierra o suprimir del conjunto de todo mi equipaje, ese que siempre está abierto sobre el asiento de madera del Tren Hullero”.
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William Monk es un artista nacido en Gran Bretaña y radicado en Nueva York, conocido por sus pinturas enigmáticas y vibrantes que a menudo investigan el mismo motivo o tema en diferentes permutaciones. Profundamente interesado en la idea de crear imágenes que no sean una transcripción directa del mundo real sino un producto de su mente, Monk crea composiciones claramente divisorias con intensidades irregulares de detalle, línea, primer plano y fondo, impulsando su trabajo y los elementos fundamentales. de la pintura hasta el punto de que modelo y sujeto se convierten en dos entidades separadas.
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Fuertemente vinculada al paisaje y a la historia cultural norteamericana, la obra de Edward Weston (Illinois, 1886 – California, 1958) permite discernir una perspectiva única en el proceso de consolidación de la fotografía como medio artístico y su relevante papel en el contexto del modernismo en las artes visuales. La exposición Edward Weston, está concebida como una antológica que recorre las distintas fases de la producción fotográfica del artista, desde su interés inicial por los planteamientos pictorialistas, hasta su consolidación como una de las figuras centrales en la afirmación del valor poético y especulativo de la fotografía directa. Pionero en el uso de un estilo fotográfico modernista, su trabajo se caracteriza por el uso de cámara de gran formato, dando lugar imágenes en blanco y negro ricamente detalladas y de una extraordinaria nitidez.
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Todos podemos dibujar, y con este libro... ¡lo dibujaremos absolutamente todo! En esta extensa y simpática guía, la ilustradora japonesa Kamo te enseña a dibujar de forma fácil y divertida todo tipo de motivos de la vida cotidiana: desde animales, personas, insectos y flores hasta alimentos, muebles, vehículos y todo tipo de edificios (¡también los más famosos del mundo!). Con breves y facilísimas instrucciones paso a paso, consejos sobre la práctica del dibujo y un sinfín de trucos de valor inestimable, esta enciclopedia de dibujo es una herramienta ideal para ponerte manos a la obra y empezar a crear todo aquello que se te pase por la cabeza.
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Desde su creación en 1996, el Centro de Investigación de Arquitectura Tradicional (CIAT) ha venido trabajando en el conocimiento, la transferencia, la formación y la difusión de los valores de la arquitectura y la construcción tradicional, la ciudad histórica, el paisaje cultural y el patrimonio edificado. Con motivo de la celebración de su vigésimo quinto aniversario se desarrolló en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Madrid un programa de actividades académicas en el que se integraron una pequeña exposición, un seminario dirigido a estudiantes de postgrado y a investigadores en formación, y una serie de mesas redondas con especialistas invitados en las que, desde una pluralidad de voces y posiciones, se sometieron a debate los temas que han terminado por vertebrar este volumen: patrimonio cultural y medio rural, oficio y tradición en el momento actual, y paisaje rural y cultura contemporánea.
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A pesar de los siglos de historia y el amplio legado de diseños de viviendas, barrios y ciudades, y pese al desarrollo de todo tipo de tecnologías y productos para el hogar, hay un aspecto olvidado —no del todo abordado, ni mucho menos resuelto— por arquitectes, visionaries, promotores y empresas a lo largo y ancho del mundo: el trabajo doméstico. En este libro, la filósofa xenofeminista Helen Hester analiza la disfuncionalidad y las implicaciones de los estancos imaginarios domésticos a lo largo del siglo XX —este realismo doméstico, o la incapacidad para imaginar alternativas a nuestros modelos y aspiraciones—. Mira al corazón mismo de lo doméstico para imaginar lo impensable: una política prometeica y feminista que confíe en la automatización hacia la emancipación, una arquitectura diseñada no para sostener ni ocultar el trabajo, sino para abolirlo —o, al menos, minimizarlo—, y una tecnología que no solo asista, sino que cuide, cuestione, transforme y nos libere de las cargas del trabajo doméstico. Desde el mito de la casa suburbana de ensueño hasta la encantadora distopía de los robots de compañía, de las aspiraciones domésticas masculinas del piso de soltero de Playboy a las innovadoras utopías de los años sesenta, este ensayo dibuja un mapa para repensar radicalmente la reproducción social y los cuidados dentro de las paredes de la cotidianeidad de nuestro hogares.
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El catàleg “Les contradiccions de la modernitat convulsa” de Fundació MAPFRE és una obra essencial que presenta la primera exposició dedicada al fotògraf Joan Andreu Puig Farran, abastant el seu treball entre 1929 i 1939. Aquest catàleg ofereix una visió detallada d'esdeveniments històrics significatius com la crisi econòmica de 1929, la proclamació de la Segona República en 1931, i la Guerra Civil Espanyola en 1936. A través de seccions que exploren la transformació urbana de Barcelona, la col·laboració de Puig Farran amb Antoni Campañà, i les seves experiències durant la guerra i l'exili, el catàleg destaca fotografies inèdites que capturen la vida quotidiana, l'activitat política i els horrors de la guerra. Amb una recerca exhaustiva i un disseny acurat, aquesta obra no sols és educativa, sinó també una peça de col·lecció per als qui desitgen explorar la història a través del lent d'un fotògraf destacat.
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El catálogo “Les contradiccions de la modernitat convulsa” de Fundación MAPFRE es una obra esencial que presenta la primera exposición dedicada al fotógrafo Joan Andreu Puig Farran, abarcando su trabajo entre 1929 y 1939. Este catálogo ofrece una visión detallada de eventos históricos significativos como la crisis económica de 1929, la proclamación de la Segunda República en 1931, y la Guerra Civil Española en 1936. A través de secciones que exploran la transformación urbana de Barcelona, la colaboración de Puig Farran con Antoni Campañà, y sus experiencias durante la guerra y el exilio, el catálogo destaca fotografías inéditas que capturan la vida cotidiana, la actividad política y los horrores de la guerra. Con una investigación exhaustiva y un diseño cuidadoso, esta obra no solo es educativa, sino también una pieza de colección para quienes desean explorar la historia a través del lente de un fotógrafo destacado.
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Catàleg de l'exposició que se celebrarà en KBr. Fundació MAPFRE, Barcelona, del 20 de febrer al 18 de maig de 2025, i en Sala Recoletos, Fundació MAPFRE, MadridEl present volum acompanya a l'exposició homònima amb la qual Fundació MAPFRE recorre els vint anys de trajectòria del fotògraf José Guerrero (des del 2002 fins a l'actualitat), el corpus de treball de la qual gira entorn de la representació i percepció del paisatge i l'arquitectura a través de la imatge fotogràfica.Inclou reproduccions de totes les obres presents en la mostra. Destaca la incorporació de Fes (2024), conjunt de fotografies fruit de l'encàrrec directe de Fundació MAPFRE.La publicació ofereix assajos crítics a càrrec de la prestigiosa especialista en Fotografia i comissària del projecte, Marta Gili, de Marta Llorente, arquitecta i catedràtica de Teoria i Història a l'Escola Tècnica Superior d'Arquitectura de Barcelona, i de Lorenzo Bruni, crític d'art i comissari independent.
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La investigación artística de Jorge Satorre —surgida de su inicial interés por desarrollar una carrera como ilustrador editorial— ha mantenido una sostenida preocupación por experimentar con los límites de diversas disciplinas ligadas al dibujo. Con el tiempo, esta práctica ha estado cada vez más vinculada a una vertiente escultórica desde la que establece diálogos con los diversos contextos donde concibe y expone su trabajo. Sus proyectos recientes suelen implicar actos de transformación y subversión derivados de acciones esenciales, como moldear, estampar, forjar, fundir o romper. Estos procesos entrelazan lo íntimo con lo industrial, lo funcional con el uso indebido, las anécdotas con los arquetipos, los recuerdos con lo imaginario.Con motivo de su exposición en el Museo Centro de Arte Dos de Mayo [Ría, CA2M, del 1 de febrero al 31 de agosto de 2025], se publica su primera monografía, que incluye nuevos ensayos de Daniel Garza Usabiaga, director del museo del Palacio de Bellas Artes, en Ciudad de México, y del artista irlandés Sean Lynch, así como una conversación entre Satorre y Latitudes, comisarios de la muestra, que reúne obras de nueva creación, junto a esculturas, dibujos e instalaciones producidas entre 2013 y 2025. Esta publicación está estructurada en orden cronológico inverso en torno a las exposiciones y trabajos realizados en los últimos quince años.
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Los protagonistas de los escenarios apocalípticos del Bosco son el mundo, el cuerpo y el deseo, con todos sus desórdenes, pero presentados como un gran carnaval demoníaco. A diferencia de la fantasía medieval, la imaginación del pintor brabanzón se hibrida perfectamente con el mundo de la experiencia sensible. El medio del que se sirve nuestro artista para injertar lo fantástico en el corazón de lo real es ese particular estado de ánimo que es la melancolía, sazonada siempre con el humor. En un momento crítico de la historia europea en el que aún no se han redefinido los nuevos modelos científicos y religiosos, el Bosco introduce como parte integrante de la realidad los miedos, las tentaciones y las pesadillas de un hombre que se ha quedado sin Dios.
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Miles Davis ha sido uno de los músicos más importantes e influyentes del mundo. En esta autobiografía Miles se desnuda ante el lector y habla con toda crudeza de su vida personal, de su adicción a las drogas, del alcohol, de su relación con las mujer
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