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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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Peintre d'un talent remarquable et d'un grand succès auprès de la haute bourgeoisie européenne et américaine, l'œuvre de l’américain John Singer Sargent (Florence, 1856 – Londres, 1925) suscita cependant des critiques très sévères, notamment de la part de Roger Fry, l’un des principaux représentants de la critique d’art britannique. La controverse qui s'ensuivit permettra à Sargent de partager ses réflexions sur la peinture de son époque.
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Antonio Allegri, conocido como Correggio (1489-1534), “es el Apeles de los Pintores modernos, pues poseyó como aquél la suma gracia del arte, y con sus singulares obras nos ha enseñado el camino de la perfección que debemos buscar en la práctica de la Pintura, y adonde se puede llegar en el efecto, y cuando se debe dar por acabada una obra.”
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Au regard des amateurs, le Monochrome est considéré comme un « genre » pictural à part entière, un genre parmi les autres (Paysage, Nature morte, Portrait, etc.). Le présent ouvrage l’inscrit dans la longue durée d’une histoire qui a connu des formulations dont il évoque les principaux avatars ― ainsi que les rebonds décisifs. Spécialiste des humours d’avant‐garde, d’Alphonse Allais à Marcel Duchamp, Daniel Grojnowski a notamment publié Les Arts incohérents et le rire dans les arts plastiques, en collaboration avec Denys Riout (José Corti, 2015), ainsi que Fumisteries, de la marge au centre (Champ Vallon, 2023).
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Memorias de una vida al límite: la cara humana detrás del rugido de Motörhead.Motörhead, In & Out es el viaje sin frenos de Lucas Fox, batería original de la banda y compañero de Lemmy en los años más salvajes del rock. Desde las calles de Notting Hill hasta las giras con Hendrix o Hawkwind, pasando por drogas, moteles, incendios y traiciones, esta autobiografía es la cara B del rock británico. Fox no solo fue testigo del nacimiento de Motörhead: lo vivió desde dentro. Su voz, tan afilada como un riff de los MC5, nos sumerge en un mundo que ya no existe... y que tal vez nunca debería haber existido. Un retrato brutal, sucio y lleno de verdad de una época que cambió la música para siempre.
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Los dóciles. Una posible obra de Societat Doctor Alonso
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Catalunya flamenca
La vitalitat del flamenc a casa nostra narrat de prop, dels locals del XIX a Ciutat Vella fins a RosalíaEl flamenc és una forma d'expressió artística de llarga tradició a Catalunya, que l'ha dotat d'una vitalitat nova i diversa. El flamenc es va vestir de gala a Barcelona l'any 1827 amb l'estrena de La Gitanilla al teatre de la Santa Creu. D'aquí fins a l'esclat de Rosalia, hi ha hagut Carmen Amaya, Los Tarantos de Rovira Beleta, els gitanos del Somorrostro, les penyes i la rumba, Morente i Camarón al barri de la Mina, l'Ona Laietana enamorada del flamenc, Lole y Manuel al Canet Rock, els tablaos, el Taller de Músics, Duquende, Mayte Martín, Miguel Poveda i nous artistes com Queralt Lahoz. Un reportatge periodístic apassionat d'un escriptor, observador i conversador.
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Un poderoso retrato de una comunidad en desaparición en Alejandría, Egipto, contado desde dentro.Combina fotografía, cartas personales y archivos para explorar la memoria y la pérdida.Esta publicación es el resultado del III Premi Mediterrani Albert Camus Incipiens, organizado por los Trobades & Premis Mediterranis Albert Camus de Menorca.Iniciado en 2016, el proyecto sigue -a través de la fotografía, archivos comunitarios, cartas manuscritas y testimonios- a los habitantes de Al-Max, un histórico barrio pesquero de Alejandría, Egipto, hoy amenazado por el desplazamiento. Mientras el desarrollo urbano borra su vida cotidiana y sus tradiciones, Mohamed Mahdy construye la obra junto a los propios residentes: las familias comparten archivos, escriben cartas de despedida antes de dejar sus hogares y participan en cómo se representan. El proyecto reflexiona sobre cómo la memoria, la identidad y el sentido de pertenencia perduran incluso cuando un lugar desaparece físicamente. El Premi Mediterrani Albert Camus Incipiens da voz a autores emergentes que encarnan la visión de Camus de ''dar voz a los que no la tienen''. En su tercera edición, el jurado -Mónica Allende, Carla Fibla y Tanya Habjouqa- seleccionó Here, the Doors Don't Know Me por el profundo compromiso de Mahdy con la comunidad, su narrativa visual innovadora y su sensibilidad al retratar historias compartidas.
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¿Qué ocurre cuando decides dejar de agradar para empezar a sentir? Este es un libro valiente, íntimo y poderoso. La artista Sandra Delaporte abre sus diarios, muestra sus heridas y comparte sus poemas para contarnos -sin filtros- cómo se vive cuando el miedo, la dependencia emocional, la exigencia o el vacío ocupan demasiado espacio. Del barro al poema no es únicamente un testimonio o relato de dolor. Tiene algo de alquimia y transformación. Una voz que encuentra en la escritura un refugio, una amiga, un hogar. Con una mezcla única de lucidez, humor, vulnerabilidad y belleza, Sandra escribe para sí misma... y en ese gesto, acaba escribiendo para todos. Porque todos, en algún momento, hemos necesitado sentirnos menos solos. Se trata de un libro concebido como un itinerario de pequeñas conquistas, pero no es un libro de autoayuda. Este libro es para quien busca respuestas, para quien está cansado de huir, para quien quiere aprender a amar(se) sin dejarse atrás. Un acto de amor radical. Un viaje honesto, ferozmente humano y profundamente poético por las heridas que más duelen y las palabras que más sanan. No hay fórmulas ni promesas, pero sí algo mucho más valioso: una verdad contada con amor y palabras que curan. Del caos nace el verso. Del barro, el poema
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La historia del siglo XX, contada a través de una pintura. La novela gráfica más premiada de la temporada en Francia: la obra maestra de un autor de culto, superviviente a los atentados de Charlie Hebdo. Todo comenzó en 1919 en un bosque a las afueras de Berlín, cuando un joven pintor expresionista de origen gitano pintó el cuadro Dos mujeres desnudas. El pintor existió realmente y se llamaba Otto Müller. Todo lo que vemos en esta novela gráfica está contado desde el punto de vista de ese cuadro. Desde el estudio del artista hasta las paredes de la oficina de su primer propietario, la pintura observa la vida cotidiana antes de ser arrastrada por las tribulaciones de este periodo oscuro: el ascenso de Hitler al poder, el arte moderno calificado de «degenerado» por los nazis, el expolio de las familias judías, exposiciones y ventas, incendios...
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TU LUGAR DE TRABAJO ES MÁS IMPORTANTE QUE NUNCA. APRENDE CON MARIE KONDO A SACARLE EL MÁXIMO PARTIDO Y MEJORAR TU VIDA. El puesto de trabajo es un imán para el desorden y el caos. ¿Quién no se ha sentido agotado por reuniones improductivas, papeles revueltos, interminables correos electrónicos y tareas innecesarias? Todo esto consume tu motivación, limita tus posibilidades de progreso y socava tubienestar. La felicidad en el trabajo aplica el famoso método KonMari al espacio donde ejerces tu actividad laboral. Ofrece historias, consejos prácticos y estrategias para eliminar el desorden en el lugar donde trabajas y disfrutar de la productividad, el éxito y la felicidad que conllevan un entorno laboral y una mente ordenados. Los autores te guían mientras organizas tu vida laboral, ayudándote a desarrollar la confianza, a aumentar el éxito profesional y, por supuesto, a generar alegría.
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Caires circulars
Vam descobrir el batec, el del món i el propi i calia proclamar-ho. Ens va semblar tan bona notícia, que hauria estat injust no fer-la saber i vam dir, des de tots els angles i amb la major contundència possible, que el món palpitava, es movia. Estàvem tan tips d’immobilisme, que encara que fos a sotragades vam triar apuntar-nos a l'incipient canvi. Somiàvem llibertat i drets i, assumíem els deures derivats. Mirant-nos al mirall havíem vist l’objectiu com el fons difuminat del voltant de la nostra imatge. Ens vam acostar al desig, el vam examinar de tots els vèrtexs trobats i, fins i tot en vam fer un tast. De cop, un mal vent i molts mals caps, ens van robar el somni. No ho hem callat i seguim explorant dreceres dins el cercle.
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Textos gráficos II continúa la línea de su predecesor, Textos gráficos (Ediciones Asimétricas, 2024), en su voluntad de reunir textos de investigación de áreas de conocimiento afines a la expresión gráfica y los proyectos arquitectónicos. Esta vez son diecisiete aportaciones de treinta y cinco autores que se sirven de la expresión gráfica y escrita para trazar una investigación armada desde la palabra y el dibujo, como argumentos de transferencia de conocimiento a la sociedad.Poner palabras a lo que los arquitectos transmiten habitualmente a través de imágenes y dibujos es una dificultad propia al mundo académico en su intención de divulgar conocimiento. A través de planos, cartografías, imágenes, dibujos, figuras y otros argumentos visuales se refrenda y amplia el significado de lo textual. De manera que estos Textos gráficos acaban siendo una manera muy particular de afrontar la divulgación de esta investigación.Agrupados alrededor de tres temáticas: Expresiones, Territorios y Proyecto, Textos gráficos II propone una transversalidad en la que el lector podrá encontrar un intenso crisol de pensamiento crítico y contemporáneo de arquitectura.
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En este libro, Jan Doat nos descubre un método para la educación del lenguaje corporal que ofrece, sin duda, una ayuda práctica a los alumnos y alumnas de arte dramáticoSi se compara una obra de teatro con una sinfonía, se puede decir que el actor es, a la vez, el instrumentista y el instrumento, instrumentista, porque traduce, con su inteligencia, su sensibilidad y su sentido artístico un texto escrito, así como el músico traduce su partitura, instrumento, porque solo puede exteriorizarse con la voz, la mímica, los movimientos del cuerpo.La actuación sutil y emotiva de un personaje exige de los actores y actrices una fluidez expresiva que debe ser desarrollada.
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Si en 1964 Por un puñado de dólares había reinterpretado el Western, al año siguiente La muerte tenía un precio sofisticó y perfeccionó tan asombroso enfoque innovador, reuniendo los principales responsables del éxito anterior: Sergio Leone (director y coguionista), Ennio Morricone (músico), Carlo Simi (escenógrafo y figurinista) y Clint Eastwood y Gian Maria Volonté (protagonistas). Entreverando la identidad americana del género con rasgos del cine japonés y múltiples epítetos característicamente mediterráneos, dentro de un hipnótico trazado visual donde resalta la extraordinaria química entre los actores, Leone niqueló una personalísima obra maestra, de éxito grandioso en los cinco continentes. A partir de entonces el Western ya no sería lo mismo: La muerte tenía un precio, coproducción italo-hispano-alemana, introduce un punto de inflexión en la historia del género, pero también en el decurso del cine europeo, e incluso del Séptimo Arte. Carlos Aguilar, uno de los historiadores cinematográficos más prestigiosos y premiados de España.
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Les pintures de Sixena
De quina manera una obra mestra del romànic europeu ha esdevingut el símbol d'una batalla política.Les pintures murals del monestir de Sixena són una obra cabdal del patrimoni europeu medieval. Pintades cap a l'any 1200 per un taller d'artistes segurament anglesos, representen l'últim esclat del romànic i mostren la influència de l'art de les croades. Però la seva història posterior, entre el foc i la política, les ha convertides en un símbol de la complexa relació entre art, poder i identitat a Espanya. Des de l'incendi del 1936, quan van ser rescatades heroicament per un equip de catalans dirigits per l'historiador de l'art Josep Gudiol en plena Guerra Civil, fins als litigis judicials del segle XXI entre Catalunya i l'Aragó, les pintures de Sixena han esdevingut molt més que un tresor artístic: són un camp de batalla entre la conservació patrimonial i la reivindicació territorial.
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El arte no es tan hetero como te contaron.El segundo libro de la divulgadora Claramore (Un Van Gogh en el salón) y la primera historia del arte LGTBIQ+ contada como un periódico. Se dice que el arte es la casa de todos, aunque durante siglos se excluyó a quienes no seguían los estándares. Este libro muestra cómo el colectivo LGTBIQ+ ha transformado el mundo a través de las artes desde sus inicios hasta la actualidad. Con cada capítulo inspirado en un color distinto de la bandera arcoíris, Claramore explora la obra de artistas como Toulouse Lautrec, Rubens, Hilma af Klimt o Natalie Clifford y su impacto en la sexualidad, las disidencias, la salud, el orgullo, la espiritualidad o el racismo a lo largo de la historia. Combinando artes plásticas, fotografía o escultura, Nos recordarán ilumina la capacidad de crear, resistir y brillar más allá de etiquetas y escándalos. Para cualquiera que haya sentido que no encajaba, que haya buscado referentes y que haya amado fuera de los márgenes. Es para ti, que quieres mirar el arte con otros ojos.
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Estrategias de su enseñanza en el siglo XX.
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Concebido a la sombra de la aspiración a ''prácticas'' de ruptura que desde 1970 animaba a cineastas-teóricos como Godard y Straub, El tragaluz del infinitopretende ser, ante todo, la crítica de los discursos teóricos e históricos que tendían a naturalizarel sistema de representación ''hollywoodiense''.Eligiendo el periodo del cine primitivo, Noël Burchse enfrenta explícitamente a los lugares comunes queen torno a la genealogía del lenguaje cinematográficose han venido repitiendo incansablemente.La aportación de Burch a una historia de las escrituras fílmicas, capaz de integrar junto a los vitales análisis textuales la imprescindible inscripción de estos textos en el contradictorio flujo de la historia, es una de las más relevantes de las realizadas en los últimos años.
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En esta antología, cuidadosamente seleccionada, el autor de La música clásica ha elegido setentas y seis obras representativas del siglo XVIII y comienzos del XIX, que constituyen una completa ilustración de los géneros, estilos y combinaciones instrumentales del periodo, de la sinfonía al cuarteto, pasando por el concierto, la sonata o la ópera. Los grandes genios de la época, Haydn, Mozart y Beethoven, están representados con ejemplos de las formas musicales que utilizaron. Y junto a ellos, el lector encontrará una generosa recopilación de la obra de esos compositores «menores» que trabajaron diligentemente en toda Europa para proveer a un público cada vez mayor de las últimas tendencias musicales.
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Un complejo léxico ilustrado de términos relacionados con el arte y la arquitectura, en una presentación manejable y práctica para estudiantes, profesores y aficionados a las artes visuales. Cada entrada incluye notas etimológicas, historia, dibujos y ejemplos de los términos descritos.
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El presente volumen, que constituye al mismo tiempo una historia general y un ensayo crítico sobre el desarrollo y desarrollos del arte moderno, desde el clasicismo y el romanticismo francés hasta los años ochenta, se articula materialmente sobre dos grandes ejes: una síntesis histórica por períodos, con atención a las corrientes y problemas centrales que los conforman, y un análisis pormenorizado de ciertas obras representativas de los artistas. Con este doble esfuerzo complementario Giulio Garlo Argan, uno de los mayores eruditos y pensadores -en materia de arte- de nuestro siglo, logra estructurar un modelo coherente en el que el debate sobre los problemas estéticos de nuestro tiempo constituye n un verdadero sistema conceptual.
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En el presente estudio las notables realizaciones del Renacimiento temprano quedan situadas en una perspectiva histórica global. Situándose a ambos lados de la frontera entre las artes plásticas y la literatura, el libro nos describe el mundo de Dante y Giotto, analizando las circunstancias e innovaciones que lo hicieron posible. La vida política, económica, cultural y religiosa de Toscana entre el 1260 y el 1320 es aquí objeto de una minuciosa investigación, haciéndose especial hincapié en la importancia de las relaciones con la corte del papal. Cierto que el mecenazgo papal impulso las influencias clásicas sobre las artes visuales, pero además el papado vino a jugar un papel preponderante y rector en la existencia económica y política de la Liga Güelfa, en conexión con Florencia. Viena, Nápoles y Francia. La intervención papal en Florencia en el año 1301, que provoco el exilio de Dante, y el traslado de la sede papal en 1305 a tierras de Francia, conformaron las nuevas condiciones en las que surgirían las obras maestras de Dante y Giotto.
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Elaborado por un equipo de profesionales del color y de la enseñanza, este libro va dirigido fundamentalmente a los alumnos de arte de un nivel medio-alto. Alumnos de distintas escuelas que no se conforman con una simple descripción de los fenómenos, y que demandan unas explicaciones convincentes de los mismos. Con esta intención como premisa, se elaborado un manual sobre el color, descriptivo en los capítulos esenciales, reflexivo y conectado estrechamente con las disciplinas afines de las que se alimenta y a las que también remite. Contiene fundamentos teóricos y físicos del color, de óptica, de historia y simbología en el uso del color, así como fundamentos de armonía y las últimas técnicas y soportes digitales para imagen.
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Cuando contemplamos los vertiginosos espacios de la catedral de Chartres o las brillantes páginas de un manuscrito iluminado, somos testigos de un nuevo modo de ver las cosas. En esta radical revisión del arte gótico en Europa, la palabra «gótico» no sólo describe un estilo artístico, sino un concepto cambiante del espacio, el tiempo y la sociedad: un nuevo tipo de percepción, tanto visual como espiritual, en el que la luz tiene una importancia fundamental. Camille nos muestra cómo veía su propia época el arte de los siglos XIII y XIV, al tiempo que explora el modo en que se entendía la visión en sí. En esta época de pintura gloriosa, de arquitectura y escultura magníficas y complejas, de lujosa iluminación de manuscritos, el arte era la expresión de la pasión religiosa y del poder terreno, de la riqueza pública y privada, de la ciencia y del conocimiento. La nueva visión condujo a un estallido de brillantes imágenes, pero tenía su lado sombrío, al que la Historia del arte rara vez ha prestado atención: la representación deformada de los «otros» -judíos, herejes, leprosos-. una nueva visión, pues, no sólo de lo maravilloso, sino también de lo grotesco. Este libro contrasta con los enfoques tradicionales, centrados con frecuencia en la tecnología arquitectónica y en los pequeños detalles de la iconografía. Elementos inusuales, como el revival gótico del siglo XIX, proporcionan un marco amplio, mientras que las numerosas obras de arte seleccionadas, de Londres a Praga, de Escandinavia a España, revelan el estilo gótico como un verdadero estilo internacional.
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Aparecido en 1926, Punto y línea sobre el plano es la continuación orgánica de otro texto de Kandinsky también publicado por Paidós, De lo espiritual en el arte, y debe su origen, en su mayor parte, a la tarea que su autor había asumido en la Bauhaus desde 1922. En efecto, tanto en su pintura como en sus ideas estéticas, Kandinsky mostró siempre una personalidad absolutamente vanguardista y provocadora de acaloradas polémicas. Y, en este sentido, la presente obra es uno de sus trabajos fundamentales, ya que, a la par que una esclarecedora contribución al análisis de los elementos esenciales del quehacer pictórico, constituye una aportación básica a la búsqueda de un método genérico para las investigaciones de las ciencias artísticas. El libro, finalmente, también revela a Kandinsky como un artista apasionado y siempre deseoso de explicar y explicarse las razones primeras y más profundas de esa extraña y singular aventura que es la creación artística.
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A lo largo de la historia del arte, los períodos de transición se hancaracterizado siempre por un notable incremento en la producción teóricade los artistas, cuyos argumentos se convertían así en una de lasfuentes más seguras para explicar el porqué de esas crisis, sus orígenesy su proceso de desarrollo. La ruptura con los sistemas derepresentación tradicionales que en torno a 1900 emprende la vanguardiaartística constituye, por la brusquedad y radicalidad con que se llevó acabo, un magnífico ejemplo: manifiestos, cartas, declaraciones,panfletos, tratados y testimonios de todo tipo pretender dar cuenta delas razones que animaban a sus ejecutores, y esgrimen los argumentos conque las distintas facciones de la vanguardía histórica se opusieronentre sí o establecieron alianzas frente a enemigos comunes. Explicar ycombatir son los dos objetivos principales que la vanguardia persigue ensus escritos. escritos que día a día nos van descubriendo aspectos malconocidos o prácticamente ignorados de la historia del arte moderno,pues esos mismos escritos son también día a día rescatados del olvido enque estaban. No hace apenas diez o quince años, el número de manifiestosy textos programáticos de la primera vanguardia, recogido y difundidopor las antologías al uso, era todavía muy restringido. hoy, por elcontrario, las reediciones de libros y revistas que habían llegado a serauténticas rarezas bibliográficas, así como la historiografía artísticamás reciente, han puesto ya a nuestro alcance un volumen casidesmesurado de documentos, donde resulta fácil perderse.
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El profesor Esteban Lorente ha realizado un trabajo sólidos y rigurosoque alude al significado profundo de la obra de arte desde unaperspectiva global histórica y artística en el ámbito del Occidenteeuropeo. Con un sentido investigador y didáctico renovador el autor nospresenta algo más que un simple manual. su vasto conocimiento en muchasparcelas del saber dota al libro de una proyección más amplia. Enpalabras de Gonzalo M. Borrás: Esta obra está destinada a convertirse enun clásico del temaDisponibilidad
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El arte japonés del sumi-e es la técnica que utiliza la pintura zen para expresar el mundo interior. Su práctica implica una actitud consciente que sosiega la mente, permite encontrar un espacio para la calma, la creatividad y la sensibilidad, y reflejar la constante transformación de nuestra naturaleza vital. Este libro, con un lenguaje sencillo y poético, nos ofrece una clara visión de los principales aspectos de la pintura zen y del método del sumi-e. En sus páginas se describen detalladamente los materiales utilizados (tinta sólida, tinteros de piedra, pinceles de bambú y papeles de fibras) y nos enseña las diferentes pinceladas y técnicas particulares de los cuatro honorables caballeros: el bambú, el ciruelo, el crisantemo y la orquídea silvestre, con la noble finalidad de encontrar un camino para expresar nuestra creatividad, disfrutando de la espontaneidad y la fluidez al pintar.
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Es una obra indispensable tanto para los planificadores urbanos como para los políticos y gestores de la ciudad, por la ambiciosa síntesis que presenta sobre la historia del planteamiento urbano en el siglo XX. Un libro que será útil a todos los que se plantean el problema del papel del arquitecto, del urbanista, del sociólogo o del geógrafo en la resolución de los graves problemas urbanos de nuestros días. El autor también debate las posibilidades del urbanismo para diseñar nuevos espacios en un mundo crecientemente globalizado y polarizado. Resumen del índice: Las ciudades de la imaginación.- La ciudad de la noche espantosa.- La ciudad de las vías de circunvalación abarrotadas.- La ciudad en el jardín.- La ciudad en la región.- La ciudad de los monumentos.- La ciudad de las torres.- La ciudad de la difícil equidad.- La ciudad en la autopista.- La ciudad de la teoría.- La ciudad de los promotores.- La ciudad de la eterna pobreza.- La ciudad a lo Belle Epoque.- Bibliografía.
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La autora plantea analizar las nuevas vías de investigación en Psicología de la Música como medio para perfeccionar las metodologías y técnicas educativas musicales. Difícilmente se puede plantear una didáctica de la música sin conocer las capacidades y l
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Desde su clamoroso redescubrimiento mediada la pasada centuria, la figura de Antonio Lucio Vivaldi (Venecia, 4 de marzo de 1678-Viena, 28 de julio de 1741) no ha hecho sino ganar adeptos, provocar estudios, protagonizar ciclos de conciertos, propiciar ingentes grabaciones discográficas, suscitar, en suma, una creciente, justificada fascinación que aún hoy, recién comenzado el siglo xxi, parece estar lejos de su techo. Vivaldi –también conocido como el Prete Rosso (el cura rojo) en virtud de su condición sacerdotal y del color de sus cabellos– no fue sólo uno de los compositores más prestigiosos e influyentes de su generación, un formidable maestro del Barroco Italiano, sino que fue ante todo un genio vanguardista y visionario que renovó el lenguaje Barroco para dotarlo de una exuberancia dramática sin parangón entre sus contemporáneos. El libro que el lector tiene en sus manos, el primero en lengua castellana dedicado in extenso a la música de Vivaldi, constituye un profundo estudio de la obra instrumental vivaldiana, la parcela más emblemática y revolucionaria de la producción del Prete Rosso. Para ello se ha prestado una atención pormenorizada a todos los géneros instrumentales cultivados por Vivaldi, desde la música de cámara a la obra concertante y sinfónica, de la sonata al concierto, de las obras publicadas a las páginas manuscritas, de las piezas más famosas a las páginas menos frecuentadas. Pese a estar consagrado a la obra instrumental, el presente volumen no pierde de vista, naturalmente, la igualmente extraordinaria obra vocal vivaldiana, tanto sacra como profana, cuya referencia se antoja imprescindible para un conocimiento pleno del inmortal legado instrumental del compositor veneciano. El texto presta también especial atención al célebre «autoprestamismo» del Prete Rosso, y revela de hecho algunas conexiones temáticas hasta ahora inéditas, concernientes tanto a la música instrumental como a la vocal.
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El filósofo Slavoj Zizec reflexiona sobre el cine contemporáneo, lasnuevas formas de expresión artística, el ciberespacio, el universo deMatrix y sus dimensiones. Un ensayo que muestra los caminos del cine ylas nuevas tendencias. Slavoj Zizec es un pensador muy respetado por susideas y por lo variado y novedoso de su forma de escribir, compararrealidades y reflexionar sobre el mundo moderno. En esta obra aborda unode los fenómenos de comunicación de masas más importantes del siglo XX:el cine contemporáneo. Zizec, gran conocedor del «séptimo arte» y de losmedios de comunicación y su influencia en la sociedad, estudia losgrandes maestros del cine y sus motivaciones: Alfred Hitchcock,Tarkovsky, David Lynch, Krzystof Kieslowski, el fenómeno Matrix o lasdos caras de la «perversión espacial» con la idea de ciberespacio comosuspensión de la realidad. El libro se cierra con un sorprendentecapítulo final sobre la posibilidad (remota) de viajar en el espacio dela mano de los personajes de la serie Matrix.
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Partiendo de conceptos básicos (¿qué es una escena?, ¿qué es una secuencia?, ¿cómo lograr el clímax de una película?) McKee muestrael misterio de las estructuras, explica las características de cada género, define la importancia de la ambientación,
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El arco iris del deseo glosa las diferentes técnicas que el gran pedagogo teatral brasileño ha desarrollado a lo largo de su dilatada carrera en la que se ha centrado en utilizar el teatro como instrumento de liberación personal que además es capaz de operar cambios profundos en la vida de los individuos.
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Montserrat català
Montserrat, la montaña sagrada de los catalanes, es uno de los parques naturales más admirados del país. Sus agujas, cimas y peñas de formas fantásticas han hechizado generaciones de viajeros. Montaña, santuario y monasterio se reúnen en un enclave único. El Museu de Montserrat alberga un fondo artístico importante, con pinturas desde los siglos XIII al XX.
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Calas luminosas y playas vírgenes. Rutas para practicar el senderismo. La cultura megalítica délos talaiots. Parques naturales en S?Albufera, Sa Dragonera o Cabrera. La Seu y el castillo de Bélver. El taller de Joan Miró. Un recorrido completo por el mosaico de béleza, color y contrastes déla isla. Incluye pequeños mapas de zonas.
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