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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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El somni del Dolfi
Dolfi era un jove dofí amb una gran passió: nedar en cercles. Un tomb cap a la dreta. Un tomb cap a l’esquerra. Fins que un dia la Lola, una petita orca, va arribar a la piscina i li va parlar d’un lloc meravellós anomenat oceà. Descobreix la història de Dolf i i Lola, un relat emotiu i sorprenent que parla sobre els cetacis que viuen en captivitat.
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La danza es el arte del cuerpo en movimiento. La memoria que se activa al bailar contiene imaginarios y corporalidades resultantes de sus propias historias. El estudio de los contextos y el análisis de los lenguajes, códigos, gestualidades y símbolos ayudan a entender críticamente cómo se construyen las identidades a través del tiempo como resultado del encuentro de lo colectivo y lo diverso. Este libro propone un recorrido introductorio a la historia de la danza occidental entre la Antigüedad y la Edad Contemporánea a través de sus claves y contribuciones principales. En él se reúnen las líneas que han definido los relatos históricos aunando piezas destacadas, fuentes primarias y bibliografía principal. A ello se suman referencias a la transculturalidad, el descentramiento y el intercambio internacional que interpelan a otras escrituras de las historias danzadas con las que expandir el conocimiento de/sobre/desde el cuerpo danzante.
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Publicado por encargo de Dia Art Foundation, el libro no es sólo una retrospectiva de la obra de Morelos, sino que también profundiza en las complejas relaciones entre las comunidades indígenas y su entorno natural.Al examinar las consideraciones estéticas y medioambientales de los materiales naturales utilizados en las instalaciones de Morelos, los lectores reflexionan sobre su propia relación con el medio ambiente y los materiales que conforman nuestro mundo.Incluye una conversación entre Morelos y la artista y poetisa chilena Cecilia Vicuña, así como relatos de comunidades indígenas de la Colombia amazónica, que permiten conocer de primera mano las narrativas culturales que informan la práctica de Morelos.Sus instalaciones inmersivas pretenden cultivar momentos de conexión con lo que la artista describe como la ''humedad íntima de la Tierra''. Esta monografía, la primera que se publica en Estados Unidos, sitúa la práctica de la artista bogotana dentro de una historia más amplia y global del Land art y la abstracción. A su vez examina las consideraciones estéticas y medioambientales de los materiales naturales utilizados en el encargo por parte de Dia, así como su singular impacto sensorial, espacial y fenomenológico en el espectador.El libro desvelará los fascinantes fundamentos histórico-artísticos del encargo a través de una introducción de Alexis Lowry, conservador de Dia. Esta visión general se complementará con una meditación sobre la turba, un material singular y controvertido en el Land art, a cargo de la comisaria Camila Marambio y la profesora de biología de la Universidad de Queensland Renee Rossini, así como un ensayo sobre el olor y la escultura de Oswaldo Macía. El libro también incluirá una declaración de la propia artista y una animada conversación entre Morelos y la artista y poeta chilena Cecilia Vicuña. Para profundizar en una de las principales inspiraciones creativas e intelectuales de Morelos -las narrativas indígenas sobre la tierra y el suelo-, este volumen publicará por primera vez una sección especial de relatos de cuatro comunidades -Barasana, Uitoto N+pode y Yucuna- asentadas en las tierras amazónicas más conocidas como Colombia.
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NUEVA EDICIÓN 10.º ANIVERSARIO - NUEVO PRÓLOGO DEL AUTOR Aleix Vergés, DJ Sideral (Barcelona, 1973-2006), fue el emblema de una década, un faro involuntario y generacional que fraguó su leyenda a los platos del mítico club Nitsa y como líder, cantante y guitarrista del hype más clamoroso del pop español de los noventa: Peanut Pie. La estrella de Sideral afluyó en la encrucijada postolímpica, y su intuición, su talento y su influencia presenciaron el nacimiento de dos de los festivales de música de mayor envergadura planetaria: Sónar y Primavera Sound. El metro noventa y siete de Aleix rompió el techo e iluminó el camino de una generación de jóvenes hedonistas y noctámbulos, de los hijos de la democracia, la segunda residencia y el sueño dopado de la universidad. Poco a poco, los surcos del techno, la llegada de estrellas internacionales, el entusiasmo postolímpico y el desembarco masivo del éxtasis —la droga del amor— conformaron la banda sonora de una década, de la que Aleix se convertiría, muy a su pesar, en icono y estandarte. Aleix Vergés era la música y fue un pionero. Una esponja indiscriminada. Constante. Devoraba todo tipo de sonidos, y su curiosidad era infinita. Su altura y su delgadez, su insultante belleza y su irresistible magnetismo, convivieron con una personalidad quebradiza, sensible e insaciable. Aleix estaba convencido de no poder amar, de ser venenoso y de que la muerte se lo llevaría temprano. Vivió a degüello, escribió, pintó, fotografío y se bebió y rayó la vida como si siempre faltara un segundo para el final, un desenlace temprano como sus vaticinios que se consumó una noche de 2006. Tenía solo treinta y dos años y un legado gráfico, plástico y musical que incluye ochenta y cuatro mixtapes, el disco de Peanut Pie, tres discos como mezclador y su obra póstuma, «Canciones siderales», bajo el nombre de Leire. Aleix nunca compuso una canción, pintó un cuadro o escribió un poema para sí mismo: su familia, sus colegas y la gente que le apoyó fueron siempre el motivo sentimental y creativo de su existencia. Héctor Castells, amigo de Aleix Vergés, escribe una biografía, una novela generacional eléctrica e intensa, que fluye a la velocidad de las mezclas de Sideral. El libro es una crónica vibrante de la Barcelona de los noventa y de una vida efímera e imparable, vista, escuchada y sentida en boca de muchas de las personas que le conocieron en vida.
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The Sandman, la exitosa serie de Fantasía de Netflix que adapta el cómic de Neil Gaiman, es un Mito moderno. Pero ¿qué es en realidad un Mito?Siguiendo los pasos del Periplo del Héroe analizado por Joseph Campbell, el autor propone el Mito de la Caída como clave de lectura para entender estas Primeras Historias, rastreando en Platón y los Neoplatónicos el descubrimiento y formulación de las mismas.Tras ello ofrece un detallado comentario del cómic original The Sandman, desvelando su hondo significado y el simbolismo espiritual que como mito encierra, así como sus raíces en los Misterios Órficos, señalando también las referencias al Universo DC Comics (Vertigo) que lo vio nacer.
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DESCUBRE EL DESLUMBRANTE IMAGINARIO GRÁFICO DE UNO DE LOS DIRECTORES DE CINE MÁS INCONFUNDIBLES DE NUESTRO TIEMPO Conocemos a Álex de la Iglesia por sus obras como director de cine, por sus logros como productor, por la proyección internacional de sus cintas, por dejar huella como cineasta y por sus personalísimas incursiones en el cine de género. Títulos como Acciónmutante, El día de la Bestia, Balada triste de trompeta, 800 balas, Las brujas de Zugarramurdi o 30 monedas forman partede una extensa filmografía que lo ha consagrado como uno de los directores más influyentes de nuestro cine. Este libro, a través de ilustraciones y ensayos, se centra en la faceta gráfica de Álex: sus cómics, bocetos, apuntes de ideas,storyboards, planificaciones de rodajes, diseños para juegos de rol, flyers y dibujos, entre otras formas de expresión, quenos muestran sobre el papel cómo se gestan y nacen las ideas que este visionario director convierte luego en películas inolvidables
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El apogeo del expresionismo y los inicios de la pintura abstracta“Los cuadros de Kandinsky, en mi imaginación, están inmersos en las paredes azules del cielo, donde viven en silencio su vida festiva. Ya están ahí, y pronto escaparán de la oscuridad del silencio contemporáneo y volverán a brillar como cometas.'' Así describe Franz Marc (1880-1916) la impresión que le causan los cuadros de Wassily Kandinsky (1866-1944), el amigo con el compartió en Múnich proyectos artísticos, como el almanaque El jinete Azul.
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Un grupo de autores homenajean la película de José Luis Garci Sesión continua, considerándola como referente de todos aquellos que aman el cine. El libro cuenta con textos de los propios artífices del film, otros de análisis y homenaje, así como una entrevista y prólogo del propio Garci.
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«Siempre me he sentido como esa pieza que no encaja.»El talento no puede enseñarse, pero sí puede explorarse a partir de la obra de un artista, y qué mejor que un diálogo entre Santi Balmes, cantante y compositor de Love of Lesbian, y David Escamilla, comunicador, escritor y también músico, para hablar de talento.Ahora, cuando han pasado más de veinticinco años desde la formación de Love of Lesbian, es el momento perfecto para echar la vista atrás y explorar la carrera de Santi Balmes en una conversación en la que descubriremos cómo ha desarrollado la creatividad para convertirse en el compositor reconocido que es a día de hoy y qué se esconde detrás de sus canciones y discos más celebrados.Esa pieza que no encaja es, en definitiva, un viaje musical por esa creatividad desbordante que caracteriza a Santi Balmes.
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Nuevo volumen de la colección de catálogos razonados del Museo del Prado, tras El Greco, Pintura holandesa, Las miniaturas en el Museo del Prado y Luca Giordano. Este catálogo estudia las pinturas realizadas en los Países Bajos durante el siglo XV que custodia el Museo del Prado, incluyendo las de artistas activos en el XVI pero vinculados con el quehacer del siglo anterior. Se trata de un momento trascendente para la cultura artística occidental, que alumbra la obra de creadores revolucionarios, como Jan van Eyck, Rogier van der Weyden o el Maestro de Flémalle, la de los maestros que siguieron su estela, como Dirk Bouts, Hans Memling o Hugo van der Goes, y la de otros autores de menos fama pero de producción igualmente notable. La pintura flamenca temprana es célebre no solo por su delicadeza técnica e intensidad narrativa, sino por la dificultad que entraña interpretar los asuntos representados. Además, la ausencia de documentación cierta sobre sus creadores, de muchos de los cuales se ignora hasta su identidad, y la escasez de datos sobre las propias obras, hacen que su estudio sea uno de los más complejos pero también más atractivos de la historia del arte. Esta publicación actualiza el conocimiento de esas obras y sus autores en el Museo. Se catalogan creaciones individuales, trípticos completos o escenas fragmentarias de unos veinte artistas, de quienes se ofrece una sucinta biografía con sus obras seguras y clave para atribuir las que se examinan, sean estas autógrafas, de taller o de seguidores. A los datos y el análisis histórico y artístico de cada una se añade un exhaustivo estudio técnico, fundamental para precisar conclusiones, incluyendo la revisión de atribuciones tradicionales y la propuesta de la más certera autoría para pinturas que hasta hoy se tenían por anónimas. Su autor, José Juan Pérez Preciado, técnico del Museo en el Área de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte, ha llevado a cabo este trabajo en colaboración con el Gabinete Técnico y Laboratorio del Museo y con la asesoría científica de Lorne Campbell, reconocido experto en la pintura de los Países Bajos, que escribe la introducción sobre el temprano interés que esas bellas creaciones despertaron en España.
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Un viaje musical por las ciudades que inspiraron la mejor música clásica, por las calles y plazas que transitaron los compositores indispensables y por los teatros que celebraron los estrenos más memorables de la historia. De San Petersburgo a Buenos Aires pasando por Viena, Londres, Barcelona o Venecia. Del éxito de Don Giovanni en Praga al fracaso de El lago de los cisnes en Moscú. De los paseos de Verdi por Milán al estrés de Dvorak en Nueva York. De la trascendencia de Bach en Leipzig a los sonidos salvajes de Stravinsky en París. Docenas de historias de la música clásica contadas desde el lugar donde se produjeron. . El incendio de Notre Dame y el organo que se salvo. . Haendel paseando por el Tamesis. . La Capilla Sixtina y el oido milagroso. . Arnold Schonberg en el Puente de Vallcarca de Barcelona. . El Kremlin y los canones de Chaikovsky.
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INDI VISIBLE
Tushita
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En nuestro siglo, las formas creativas y expresivas del dibujo se han multiplicado significativamente. La ilustración, el diseño, la gráfica descriptiva, el sketching, etc. parecen haber redescu¬bierto el dibujo, no solo como modo de representación, sino también como modo de acción, de acceso y relación con nuevas realidades. Los nuevos contextos de la ilustración gráfica, que vienen a ampliar aquellos en los que esta cumplía funciones editoriales, ornamentales, testimoniales, educativas, etcétera, se han vuelto especialmente noto¬rios dentro de las artes visuales, el diseño gráfico, el diseño industrial, de espacios, moda y arquitectura han rehabilitado el dibujo conce¬diéndole valor de relato, y volviendo así a proclamarse como arti del disegno, por su parte, dentro de los discursos del arte contemporáneo, el arte gráfico ha encontrado un espacio mucho más amplio, dejando atrás su tradicional estatuto de inconclusión o incompletitud. Todos estos desarrollos suponen modos de imbricación entre lo que podemos llamar dibujo-trayecto y dibujo-proyecto en tanto que ponen en rela¬ción las ideas que solo toman forma en la línea y desde la línea, y las ideas que se formalizan mediante la línea, el punto o el plano. En toda esta expansión de las formas y medios del dibujo las crea¬doras juegan un papel determinante. Existe cierta sincronía, cierta conexión lógica y efectiva entre esta emancipación del dibujo y la socialización de una nueva conciencia feminista, auténtico huma¬nismo de nuestro siglo. La autarquía del dibujo está necesariamente motivada por una liberación y transvaloración del acto mismo de dibujar, del gesto, de la acción y del cuerpo, y no solo por modifica¬ciones en las condiciones del medio (editorial, artístico, etcétera).
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La primera vez que surgió el concepto Heavy Metal fue en una novela del gran maldito de la literatura, William Borroughs. Fue en 1962, el relato se llama «The soft machine», y la utilizoy 769, para de definir uno se sus personajes, Uranian Willy, como un «heavy metal kid». Desde entonces, el género hermano del rock se disparó en bandas, corrientes y seguidores. Estas páginas se adentran en un ecosistema musical que abarca una red mundial de fans que intentan escapar de la vulgaridad cotidiana y protestar contra las políticas establecidas, a través de la síntesis del rock and roll tradicional y el blues. Así conoceremos por primera vez, en un libro escrito en español, a estrellas épicas que viven en planetas lejanos con dioses de otras épocas que se ocupan de semanas llenas de sábados en la noche. Un ecosistema musical con una leyenda marcada por yonquis, satanistas, camorristas, cristianos renacidos, trotamundos millonarios, conciertos multitudinarios y mucha «buen rollo». Con un saber enciclopédico y una pasión inquebrantable por el género, Mariano Muniesa y Mariskal Romero, aunando el saber pionero con el gran presente de la crónica metalera, repasan la historia no canónica, jamás contada y muchas veces tergiversada del Heavy Metal. Historias de excesos pero también de gloria. De Ozzy Osbourne a Metallica pasando por Lemmy, desde la nueva ola del heavy británico hasta la escena underground del black metal noruego. Si asientes con la cabeza, si haces headbanging mientras lees estas líneas y se te disparan los cuernos con los dedos... este es tu libro. Pero si te has quedado de piedra, también deberías leerlo para entender, por fin, que el Heavy Metal es una forma de entender el mundo. «Basta ya de libros sesudos de RockyRoll. Aquí tienes a Mariano Muniesa, con el apoyo de Mariskal Romero, contándote historias inéditas y sorprendentes. Te enterarás de lo que nadie te contó nunca y, de paso, te echaras unas risas...que buena falta nos hace. Ya sabes, ¡Rock y Diversión!» El Pirata
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Españolada, Landismo, Cine de barrio. Términos todos bastante poco precisos que sirven para designar a la comedia popular española. Esa que convoca a más público. Esa que levanta pasiones inconfesas. Y esa que supone un vehículo ideológico de primera magnitud demasiadas veces pasada por alto. Una comedia que parece haber ido cambiando durante los últimos cincuenta años, aunque un análisis en profundidad revela que distintas pieles esconden los mismos discursos reaccionarios y machistas. Por ello nos detendremos en los ejes temáticos de cada uno de los cinco periodos en que hemos dividido este estudio que también aborda las constantes formales de unas comedias que, como género, han cambiado tan poco que suponen nuestra tragedia particular.
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Dolfi era un joven delfín con una gran pasión: nadar en círculos. Una vuelta hacia la derecha. Una vuelta hacia la izquierda. Hasta que un día Lola, una pequeña orca, llegó a su piscina y le habló de un lugar maravilloso llamado océano. Descubre la historia de Dolf i y Lola,un emotivo y sorprendente relato que habla sobre los cetáceos que viven en cautividad.
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El revolucionario de la escultura, el precursor de Rodin.La emoción es un instante, se vislumbra y enseguida huye, y el artista la persigue y la llama para que no se vaya, como hace el niño que va tras su madre.Mi obra es una concepción de luz, de emoción, de una perspectiva móvil, ilimitada, no es algo estatuario, muerto, sino que está marcada por la vibración del estado de ánimo y por las diferentes coloraciones de la naturaleza.
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Cuando falleció Mozart, su cortejo fúnebre fue seguido por los varones de la familia y por un único músico: Antonio Salieri. Pocos días después, se origina un rumor por toda la ciudad: el compositor italiano habría asesinado a Mozart por celos.El 5 de diciembre de 1791 fallecía en Viena Wolfgang Amadeus Mozart. Su cortejo fúnebre fue seguido por los varones de la familia y por un único músico, que también le había visitado horas antes de expirar: Antonio Salieri. Pocos días después el nuevo emperador reorganiza su Cappella, desplazando a Salieri, y se origina un rumor por toda la ciudad: el compositor italiano habría asesinado a Mozart por celos. Se inician así dos siglos de mitos, ficciones literarias, películas, series, dramas, óperas o musicales, que consolidan un relato de envidia y crimen pasional.Al Salieri histórico le restaban casi 34 años de vida. Fue el grosspapa de la música de su tiempo, con casi cuarenta óperas, misas y otras producciones musicales de éxito, y un venerado maestro del que aprendieron Schubert, Beethoven, Liszt o Meyerbeer. A su muerte, Viena contaba con numerosas instituciones que Salieri había ayudado a levantar.En esta primera biografía completa de Salieri en castellano y con motivo del bicentenario de su fallecimiento, el autor aborda esta contradicción entre mito y realidad.
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Memorias de Joni Mitchell a través de sus conversa
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Esta correspondencia, la primera que abarca toda la vida de Pau Casals, es un documento de valor inestimable: a través del ingente intercambio epistolar con sus numerosos interlocutores''entre los que se cuentan compositores, instrumentistas, poetas, políticos e intelectuales del siglo xx'', descubrimos la personalidad del músico y la relación inextricable que para él existía entre el arte y la vida. Observador privilegiado de acontecimientos que marcaron a fuego el mundo contemporáneo''la Primera y la Segunda Guerra Mundial, la Revolución rusa, la Guerra Civil, la Francia de Vichy...'', estas páginas no so´lo muestran las ideas, preocupaciones y creencias del gran violonchelista, meticuloso profesor, compositor y director de orquesta, sino también al artista comprometido que se erigió en símbolo de la paz en todo el mundo.
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Trabajo esencial que muestra la obra de más de 300 artistas modernos y contemporáneos nacidos o afincados en América Latina.Los artistas latinoamericanos han ido adquiriendo cada vez más relevancia internacional a medida que el mundo del arte ha ido descubriendo las extraordinarias escenas artísticas de la zona. En un formato accesible ordenado alfabéticamente, este volumen presenta obras clave de 308 artistas que, en conjunto, demuestran la variedad y vitalidad de las obras de arte que se están realizando. Centrándose en los artistas nacidos o que han vivido en las 20 regiones de habla hispana y portuguesa de América Latina, y presentando a artistas históricos y vivos -tanto conocidos internacionalmente como nombres menos conocidos fuera de sus países de origen-, este libro ha sido creado en estrecha colaboración con un experto panel de 68 asesores y escritores.
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Pintora francesa muy celebrada en su época, especializada en pintura de animalesNacida en Burdeos pero crecida en París, Rosa Bonheur tuvo desde niña predilección por el lápiz y el pincel. Siendo adolescente, pasaba horas y horas en el Louvre, copiando a los grandes maestros. Pronto también descubrió su pasión por los animales.Rosa Bonheur acabará convirtiéndose en la más destacada pintora de animales de la pintura francesa de todos los tiempos, y su éxito será tal que cuanto cuadro completaba era de inmediato adquirido por coleccionistas, sobre todo, de Inglaterra y de los Estados Unidos.Pintora pionera, Rosa Bonheur fue también mujer adelantada por la independencia y libertad con que vivió su vida, con plena autosuficiencia económica y siempre junto a Nathalie, su compañera.
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Espejo crítico de nuestro tiempo, el arte contemporáneo juega un papel crucial para cuestionar nuestra realidad histórica y plantear los problemas filosóficos de la sociedad actual. Por medio de un estilo ameno y elegante, y valiéndose de ensayos que parten del arte y recorren otras disciplinas, Pol Capdevila nos sumerge en algunos de los dilemas filosóficos acerca del tiempo y nos muestra cómo afectan al desarrollo de nuestras vidas y de nuestra cultura. Espectros del tiempo penetra en debates trascendentales sobre nuestro tiempo histórico, tales como la tiranía del reloj, la aceleración de nuestras sociedades, el desvanecimiento del pasado y la sensación generalizada de un fin de la historia. En un constante diálogo filosófico con el arte contemporáneo, Pol Capdevila recorre las contradicciones y crisis de sentido de las sociedades contemporáneas, haciendo partícipe al lector de las dimensiones de la tragedia. ¿Por qué la experiencia del presente ha perdido su consistencia? ¿Podrán el pasado, el presente y el futuro articular una relación productiva, que permita hacer avanzar la historia? ¿Podemos entender el tiempo como algo que se construye colectivamente, en lugar de padecerlo bajo la forma de una dramática finitud? A través de un enfoque que combina la hermenéutica del arte y la filosofía del tiempo, Espectros del tiempo es una obra fundamental para entender la relación entre el arte, la historia y nuestra experiencia temporal en la sociedad contemporánea.
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Un extraordinario libro de fotografía que nos muestra La Alhambra a través de la mirada de uno de los fotógrafos más prestigiosos de nuestro país. Fernando Manso nos vuelve a cautivar con la belleza y la poesía de unas imágenes únicas, capturadas a través de una técnica paciente depurada a lo largo de los años. Uno de los monumentos más visitados de nuestro país retratado de una forma sorprendente y más fascinante que nunca.
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En este taller de dibujo aprenderás a crear animales de todo tipo de forma sencilla y divertida: animales domésticos como perros y gatos, de granja como cerditos, ovejas o gansos, habitantes de bosques y praderas como jabalíes, osos, bisontes o alces, o de selvas tropicales como el tigre, el jaguar y el orangután... ¡y también animales fantásticos como dinosaurios y unicornios! Con instrucciones e ilustraciones paso a paso, Heegyum Kim te guiará para enseñarte cómo con simples formas puedes dar rienda suelta a tu imaginación y dibujar todo el reino animal. Y si necesitas más apoyo, ¡encontrarás un código QR con acceso a los videotutoriales de todos los animales!
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Compendio de trabajos de Oteiza. Poesía, prosa, cartas, escritos, todos ellos inéditos y sorprendentes como el propio autor. ElíasáAmézagaáha sido capaz de expresar su trayectoria en unas líneas: ''Oteiza no es la paz, ni la concordia, ni el conformismo, ni el triunfo, ni el dinero, ni la gloria. Es la lucha, los nervios, la inquietud, la cólera de Dios, la reencarnación de Lope de Aguirre con sus furores épicos''. El mismo Jorge se definió como ''un utopista, no creo más que en una utopía yáesaáha sido mi desgracia. Creer en la revolución, siguiendo una utopía, unos programas, unos sueños''.
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Tresors Naturals de Catalunya
El llibre que teniu a les mans té dos objectius ferms: donar-vos a conèixer tots els espais protegits de Catalunya i conscienciar-vos que la seva conservació és el millor llegat que podeu deixar a les properes generacions. A través de les seves pàgines podreu fer un viatge visual pels 182 espais naturals de Catalunya, i així descobrir els llacs glacials i les crestes de l'alta muntanya, els turons de les nostres serralades, les estepes semidesèrtiques, els nostres rius i torrents, els aiguamolls litorals i la costa mediterrània. En un sol llibre desplegareu tot aquest univers fotografiat magníficament durant cinc anys per l'autor, un treball curós i minuciós que l'ha portat a visitar cada espai natural en el moment precís en què esclataven els seus valors paisatgístics. L'aliança de l'autor i la natura no us decebran en absolut, com tampoc el descobriment de tots els espais protegits, ara al vostre abast. ''EDITAT AMB EL SUPORT DEL DEPARTAMENT DE CULTURA DE LA GENERALITAT''
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GUÍA DEL ARTE URBANO DE MADRID Una historia de Madrid a través de su arte urbano y su grafiti Este libro es un recorrido por las calles y barrios de Madrid, pero también un viaje a través de la historia del arte urbano y el grafiti. Una historia en la que Madrid ha jugado un papel singular desde los ochenta hasta hoy y que cuenta con unos antecedentes que se remontan a finales del siglo XIX. Un relato cuajado de enfoques y anécdotas que dan acceso a los secretos del arte en la calle, que obligan a replantear mitos sobre su pasado y trazan constantes vínculos con la historia y el mapa de Madrid. En estas páginas descubrirás los personajes, momentos y lugares que han marcado el rumbo del arte callejero de la ciudad. Artistas míticos como Muelle, Suso33, SpY o Eltono, barrios clásicos como Lavapiés o Malasaña, y espacios emblemáticos como La Tabacalera o Noviciado 9. El autor de esta guía no es un observador cualquiera, Javier Abarca es un influyente pionero del grafiti español que durante cuatro décadas ha compartido conversaciones y aventuras con grandes figuras del arte callejero madrileño. Actualmente es un investigador especializado de fama internacional.
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El cine, como la literatura o la fotografía, tiene lacapacidad de reflejar las transformaciones sufridaspor una ciudad a lo largo de su historia, y al mismotiempo participa en la construcción del imaginario asociado a ella, influyendo en nuestra manera de percibirla y recordarla. Este libro realiza un recorrido através de diversas películas rodadas en Barcelona desde mediados del siglo XX hasta la actualidad, un lapso de tiempo en el que tanto la fisionomía como la imagen de la ciudad han sufrido grandes cambios. Así, laautora toma el cine como una fuente histórica para investigar la evolución sufrida por la ciudad en las últimas décadas, a la vez que lo caracteriza como un instrumento capaz de influir en la percepción del espacio urbano y en la construcción de su imagen, lo quecontribuye, de forma más o menos voluntaria, a su promoción y comercialización en el mercado turístico global. Sara Antoniazzi es doctora en Lenguas, Culturasy Sociedades Modernas por la Università Ca? Foscari de Venecia, donde actualmente enseña literatura y cultura catalana, y doctora en Humanidades por la Universitat Pompeu Fabra de Barcelona. Sus principales campos de investigación son la literatura española y catalana del siglo XX, el cine europeo y las representaciones literarias y cinematográficas de la ciudad de Barcelona. Barcelona en pantalla es su primer libro.
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Historias del Rock. Leyendas, cuentos y mitos alucinantes cuenta con impostores, suicidas, enterradores, vendedores de esqueletos, fantasmas, mentirosos, elegidos, encapuchados, parricidas, marbellíes, forajidos,nazis y otras historias.Como profesional delrock y amante seguidor de esta cultura desde hace másde medio siglo, ofrece su visión y su conocimiento en algunas de las leyendas que aquí se relatan.En otros casos, se limita a dejar que las historias fluyan por sí mismas para que cada cual saque sus propias conclusiones, sin invitar a creerlo ciegamente nitampoco a ser un completo escéptico.
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Escrito como un relato autobiográfico en tres tramos—periodístico, industrial, artístico— relaciona los grandes acontecimientos y procesos sociales de las últimas décadas (de la Transición a la Covid19, del optimismo económico de la segunda mitad de los noventa aal crack de Lehman Brothers, de la muerte de Elvis al15M, del boom gentrificador al #MeToo) con una largalista de personajes vistos a corta distancia: Lou Reed, Patti Smith, Miles Davis, Radio Futura, Jarvis Cocker, Debbie Harry, David Bowie, Morrisey, Ramones, R.E.M., Tom Waits, Bob Dylan, John Lee Hooker, Joe Strummer, Oasis, Antonio Vega, Prince, U2, Iggy Pop, Rolling Stones, Joaquín Sabina, Andrés Calamaro, Radiohead, Nacho Vegas, Manu Chao, Sex Pistols, Nick Cave, Enrique Morente, Rosalía… Entre el diario, el ensayoy el anecdotario, Toma de tierra —título que hace referencia al misterioso cable suelto de la parte trasera del tocadiscos, pero también a un aterrizaje forzoso personal y colectivo— es un contenedor de asombros,peripecias, intimidad y nostalgia.
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La nit portuguesa
A principis de setembre de 2018, l'excèntric equip d'Andergraun Films, liderat pel director Albert Serra i la productora i actriu Montse Triola, arriba a l'Alentejo, al sud de Portugal, per rodar la que serà la pel·lícula més provocadora i procaç del cineasta de Banyoles: Liberté , que acabarà guanyant el prestigiós premi especial del jurat al Festival de Cannes de 2019, dins la secció Un Certain Regard. Entre els actors destaquen dues velles glòries del cinema europeu: Helmut Berger ?adonis del cinema de Visconti? i Ingrid Caven ?musa de Fassbinder. La pel·lícula es rodarà de nit, en ple bosc, on s'escenificaran les sàdiques trobades sexuals d'un grup de llibertins del segle XVIII. Per documentar aquesta aventura, Albert Serra va convidar el poeta Gabriel Ventura a escriure una crònica del rodatge. La nit portuguesa s'endinsa en la peculiar manera de treballar ?oberta a l'imprevist i l'atzar? d'un dels directors més originals del cinema contemporani.
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Desde Mozart, a mediados del siglo xviii, hasta AlbanBerg ya bien entrado el siglo xx, veintidós compositores desnudan su alma en estas cartas, que hablan deamor, pero también de la vida cotidiana, las ideas, los sueños y los sentimientos personales. Su autor, que dedicó su vida al estudio de los protagonistas, plantea: ?Alguno de ellos tal vez se desvele ante el lector de un modo del todo inesperado: su música o su retrato presagiaban una persona completamente distinta. ¿Es entonces la carta de amor la auténtica vía de acceso a un alma siempre oculta??.
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La temática de este libro, la estimulación musical, se refiere al conjunto de actividades que utilizan el sonido o la música para desarrollar capacidades y habilidades musicales y no musicales, implicando la activación sensorial, motora, emocional, cognitiva, expresiva y creativa, en su conjunto o parcialmente. Se aborda desde una doble perspectiva, la integral, aplicada al desarrollo global del infante, y la terapéutica, aplicada a mejorar su estado general de salud y bienestar.Esta publicación va dirigida a profesionales que trabajan con población infantil (0-6 años) dentro de amplio espectro: educadores musicales, maestros de educación infantil, maestros de educación especial, estudiantes de educación superior de las áreas de ciencias de la educación o logopedas, entre otros. Asimismo, es también recomendable para consulta de los padres, entendido como una guía orientativa en el proceso de estimulación musical de sus hijos.La Dra. Laura Cuervo Calvo es profesora del Departamento de Didáctica de las Lenguas, Artes y Educación Física de la Facultad de Educación de la UCM.
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Este libro reúne consejos y advertencias para los actores y actrices que piensan orientar su carrera haciael teatro musical y, en este empeño, tendrán que pasar una y otra vez por las temidas «audiciones». Estapráctica recurrente e ineludible es siempre u
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A quienes la escuchamos, una canción nos evoca laépoca en que la descubrimos. A aquella persona con quien la compartimos. El sentimiento que nos provocó.Para quien la crea, el proceso es similar: transitarpor ella es reencontrarse en otro espacio y tiempo. Tras veinte años de carrera, en este libro, Rayden toma prestadas las letras de toda su discografíapara viajar al pasado y a esos múltiples yo que fue.Son esas canciones que le sirven de excusa para descubrir la intimidad que se encuentra tras ellas, los motivos vitales que le llevaron a escribirlas. Es así como todas esas canciones, testimonio de una carrera musical ascendente, pero también de un crecimiento y desarrollo tanto artístico como personal, dan pie a reflexiones muy íntimas y poemas inéditos sobre la identidad, el amor, la libertad y el sentido de la vida.
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