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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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Son muchos los libros que abordan la fotografía desde un punto de vista técnico que nos enseña a mejorar ciertos aspectos de nuestras imágenes. Sin embargo, en pocas ocasiones nos acercamos a la esencia que subyace en el propio fotógrafo, sus relaciones con el equipo, con las decisiones que toma en cada situación. A partir de un cierto nivel, es necesario reflexionar sobre los motivos que nos acercan a una cámara, sobre por qué hacemos las cosas de un cierto modo. Es preciso entender cómo influyen en nosotros otros tipos de fotógrafos.Una buena imagen siempre tiene buenos elementos compositivos, pero hemos de considerar que están muy relacionados con nuestra forma de ser y de sentir. Los elegimos en función de nuestras prioridades vitales. Se habla mucho de los sentimientos que transmite una fotografía, pero muy poco de los que sentía el autor, de sus decisiones vitales mientras realizaba la toma. En este libro te cuento cómo ha influido la fotografía en mi desarrollo como persona y cómo sacarle el máximo partido para ser mejor fotógrafo.
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¿Nos hace la música mejores como personas y como sociedad? A lo largo de la historia, los filósofos han reflexionado sobre esta cuestión con una gran dosis deescepticismo. Gescinska está convencida de que la música puede desempeñar un papel muy importante en nuestro desarrollo personal y moral. Sin embargo, le prestamos muy poca atención: en la educación, la música apenas tiene relevancia.
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¿Quién nos iba a decir hace 15 años que el Episodio III de Star Wars no iba a ser la última película de laSaga? Porque, os recuerdo que George Lucas dijo quese acabó, que no había más historia que contar. Si acaso alguna serie de animación más y, a lo mejor, consuerte, una serie con actores. Pero, ¿películas? Y aquí estamos. cinco películas después, dos series de animación (sin contar Lego), una sobre un mandaloriano,zonas de parques temáticos y hasta un área exclusivaen una plataforma de esas de ver la tele. Es que, madre mía! Lo que nos crece el niño desde que Disney puso un cheque delante del Hacedor. Y él, a mirar obras. Este libro no es otra cosa que una segunda parte (oel Episodio II) de aquel Que la Fuerza te Acompañe!que repasaba toda la saga que habíamos vivido hasta que Lucas firmara el acuerdo. Dos trilogías, alguna serie de dibujos, un especial de Navidad y merchandising, mucho merchandising. Digamos que este libro es, enrealidad, el repaso de la Fase 1 (Como dirían los fans del MCU) de los planes de Disney con la saga. Porque habrá más fases (muchas más). Y como siempre, además de repasar las historias, veremos las cosas de losfans, los grupos de internet y el merchandising surgido desde entonces (sí, porque esto ha continuado). Yes que la magia Disney también ha llenado los bolsillos de nuestros soldados imperiales, si es que tienenbolsillos, para elevar a la Saga a otro mundo. Un mundo de fantasía.
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El presente libro aborda la producción y el consumo de música a lo largo del siglo xvii y principios del XVIII. El texto, que va más allá de una simple historia de los compositores, los estilos o los géneros musicales, explora asuntos relacionados con el mecenazgo, la educación, los rituales civiles y religiosos, el teatro y la cultura visual de la época. La autora se centra no sólo en la naturaleza de la música en el periodo barroco, sino también en los modos tan diferentes en que hombres y mujeres experimentaban la música en sus vidas cotidianas. Al tratar la música como expresión de identidad política y nacional, la examina en el contexto del arte y la literatura de la época, sin olvidarse de los conflictos políticos y religiosos, y de las cuestiones de clase y género.
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Un maravilloso recorrido por las películas quemejor capturaron su tiempo y terminaron por moldear el nuestro. El cine no es solo un reflejo del Zeitgeist que lo produce, sino que, en sentido contrario, puede influir en su momento histórico.Así lo demuestra Fernanda Solórzano en este espléndido libro que explora la relación entre el cine y su tiempo a través del análisis de películas que marcaronun hito en la gran pantalla. La naranja mecánica, que ejemplifica la historia de la violencia tanto en el cine como en Londres y las pandillas de Nueva York del siglo XIX, El último tango en París, conocida por la controversia que provocó, pero menos por el debate feminista que originó en su época, o El padrino, que ofrece una original e interesante mirada a la política estadounidense, son algunas de las películas icónicas sobre las que reflexiona Solórzano. A partir de su contexto, pero también de numerosas curiosidades (sobre actores, directores, productores, guionistas), sorprendentes ejemplos y conexiones inesperadas, Solórzano muestra con brillantez el poderoso papel que desempeñaron en el inconsciente colectivo. La crítica ha dicho...«Una guía que explica con erudición el presente en el que se desarrolló un producto cultural quelograría la inmortalidad. Cada película es diseccionada en un ensayo literario en el que lleva al lector aun viaje que incluye calzarse los zapatos de los creadores y explicar el contexto que llevó a los proyectos a convertirse en referencias de varias generaciones.»Luis Pablo Beauregard, El País «Acuciosa, informada y amena, la impecable prosa de Fernanda Solórzano es seguida por miles de lectores cinéfilos. Estupenda obra.»Los Angeles Times «Atractivo. Fernanda Solórzano ha encontrado en el cine una metáfora de la sociedad.»Aandrés Olascoaga, Gatopardo «Los nuevos libros sobre cine necesitan encontrar caminos diferentes. Este invita a recuperar el ritual de asistir a una salade cine y reflexionar sobre el contexto que da vida auna película dejando de lado la inmediatez.»Rafael Paz, Forbes «Su capacidad analíticaes envidiable. Compren este libro, léanlo y vean o vuelvan a ver las películas que lo vertebran. Aprendande cine.»Julio Patán, Milenio
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Lejos del glamour y el lujo de la alfombra roja de Hollywood, Toni Garcia, un profesional con más de 20 años en el sector, nos muestra cómo son de verdad en las distancias cortas algunos de los actores y directores que han marcado un antes y un después en la historia del cine.Algunos de los sospechosos habituales en este libro son: David Lynch, Helen Mirren, Ian McKellen, Anne Hathaway, Steven Soderbergh, George Clooney, Anthony Hopkins, Silvester Stallone, Meryl Streep, Todd Haynes, Emily Blunt, Naomi Watts, Johnny Depp, Idris Elba, Diego Luna & Gael García Bernal, Scarlett Johansson, Gwyneth Paltrow, Robert DeNiro, Jack Nicholson, Margott Robbie, Bill Murray, Philip Seymour Hoffman, Wes Anderson, Spike Jonze, Sigourney Weaver, Tom Hanks, Cate Blanchett, David Simon.
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La saga de Jurassic Park es, sin duda, una de las más exitosas de la historia del cine. Las dos películas de Steven Spielberg, la de Joe Johnston y la de Colin Trevorrowrecaudaron más de 3500 millones de dólares, y ahora la nueva entrega dirigida po
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José Luis Garci ha seleccionado sus 19 obras maestras del cine del siglo XXI y ha encargado a varios especialistas de prestigio queden su visión de ellas. Se ha encargado también de la iconografía del libro.
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Bernie Krause es el principal experto a nivel mundialen sonidos de la naturaleza. Todo comenzó con el rumor del trigo en un campo de Kansas, desde entonces hadedicado las últimas cuatro décadas a grabar paisajes sonoros ecológicos y sonidos de más de 15.000 especies en los lugares más recónditos, salvajes y vírgenes del planeta. A causa de la depredación humana, la mitad de los coros naturales que ha registrado ya no existen. Desde los sonidos imperceptibles de los viruso el estruendo de los glaciares rompiéndose, hasta el canto de los mamíferos marinos, en este libro fascinante expone sus postulados sobre el sonido natural,dividido en tres tipos: la biofonía que producen animales y plantas, la geofonía originada en el viento, el agua y la lluvia y a partir de la cual tribus remotas desarrollaron escalas musicales, y la antrofonía resultado de la acción humana que, por su creciente influencia en la naturaleza, tiene efectos negativos enlas demás especies, como el varamiento de ballenas.
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La música disco fue el vehículo expresivo que daba voz y solaz a minorías marginadas. Un estandarte de liberaciónpara muchos de ellos. Un generador de subculturas urbanas y una factoría de canciones y álbumes inapelables. Y laproliferación de grand
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¿Alguna vez quisiste alojarte en la casa subterránea en la que un joven granjero vivió de niño o deambular por el barrio de esclavos donde creció un adolescente abducido por el lado oscuro? Set Wars. Viaje a los escenarios de una galaxia no tan lejana te permitirá revivir en directo las aventuras protagonizadas por los Skywalker, Han Solo y compañía, explorando los mundos de Tatooine, Hoth o Naboo.
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La colección definitiva de fotografías de flores de Robert Mapplethorpe en una nueva edición sofisticadaRobert Mapplethorpe es uno de los artistas más importantes del siglo XX, conocido por su obra innovadora y provocativa. Estudió pintura, dibujo y escultura en Brooklyn en la década de 1960 y comenzó a tomar fotografías cuando adquirió una cámara Polaroid, en 1970. A partir de 1973 y hasta su muerte en 1989, Mapplethorpe exploró la flor con extraordinaria dedicación, utilizando una variedad de medios fotográficos. procesos: desde Polaroids hasta trabajos de color por transferencia de tinte.En composiciones cuidadosamente construidas, capturó rosas, orquídeas, bocas de dragón, margaritas, tulipanes y otras especies (tanto comunes como raras) y transformó para siempre la forma en que percibimos un tema clásico y familiar.El resultado, un impresionante conjunto de trabajos, se recoge en este elegante libro, con un prólogo del amigo íntimo de Mapplethorpe, Dimitri Levas, y una introducción de Herbert Muschamp.
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Un recorrido crítico y visual por las obras del gran arquitecto Alvar Aalto desde una nueva mirada.Gran parte de la crítica no ha reconocido el valor de lo transitivo y continuo en la arquitectura de Alvar Aalto. Se ha interpretado según una idea de orden en la cual las diferentes piezas de un edificio o espacio urbano se presentan de manera aislada, sin una estructura común que las una. De acuerdo con este enfoque, las diferentes partes y elementos de sus edificios o conjuntos urbanos se relacionan entre sí por pura contigüidad, sin inflexiones ni articulaciones. En otras palabras, los espacios de transición y recorrido han sido ignorados como aspectos cruciales de sus propuestas.En contraposición, este ensayo tiene como objetivo demostrar que la manera en que se produce, controla y organiza el recorrido de las personas es uno de los componentes fundamentales de su arquitectura. Los elementos que guían los itinerarios desde el exterior (preludio) hasta el centro de las propuestas (desenlace) se consideran cuidadosamente, siguiendo una secuencia premeditada. La circulación va más allá de su función de conectar áreas y funciones, convirtiéndose en un evento espacial independiente. En otras palabras, pasa de ser una mera utilidad a convertirse en el fundamento de la arquitectura.En resumen, pretendemos demostrar que los diversos ámbitos de las propuestas de Aalto no se limitan a la simple yuxtaposición o acumulación, a pesar de que no recurra a estructuras portantes o formales rígidas. El arquitecto busca continuidades en los movimientos y circulaciones desde o hacia los núcleos centrales que estructuran la forma, ya sean cubiertos o descubiertos, utilizando en todo momento aproximaciones tangenciales en lugar de axiales. En última instancia, este ensayo aborda el tema del recorrido como una parte esencial de la manera en que Alvar Aalto organiza el espacio y las formas construidas.
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En este extraordinario ensayo publicado originalmenteen 1963, Donald Mitchell examina con gran perspicacia y sensibilidad los valores filosóficos y estéticosque determinaron el lenguaje de la música del siglo xx. Para ello se centra en las figuras de Schoenberg yStravinski, representantes de dos estilos genuinamente modernos y de una nueva sensibilidad. Mediante larigurosa aplicación de técnica y construcción formal,ambos compositores dotaron a la música de nuevos vocabularios y transformaron las convenciones de escuchay composición para siempre. Dado el carácter multidisciplinar de este ensayo, los años lo han elevado alestatus de clásico no sólo en el campo de la musicología, sino también de los estudios culturales.
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Está a punto de embarcarse en un viaje creativo por el mundo del arte, desde el antiguo Egipto y la Italia renacentista hasta la India mogol y la Australia aborigen, pasando por Leonardo y Lichtenstein, Miguel Ángel y Miró. A lo largo del camino podrá adm
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Zurich, 1916. En plena guerra mundial, las oscuras callejuelas y ruidosos tugurios de este ciudad suiza acogen a una nutrida flota de refugiados políticos, agentes secretos, jóvenes objetores renuentes a marchar al frente, artistas, literatos y poetas exiliados. Entre todos ellos, un grupo de amigos encabezados por el rumano Tristan Tzara da a conocer el movimiento Dada en una serie de manifiestos. Su lugar de reunión es el mítico Cabaret Voltaire, en el número 1 de la Spielgasse, frente al domicilio de Lenin y Krupskaia. Tzara, Arp y Schwitters, entre otros, juegan al ajedrez con el revolucionario ruso por la tarde, y por la noche se entregan a la rebelión espiritual contra una sociedad responsable de haber transformado Europa en una inmensa carnicería. Tal vez ningún otro movimiento espiritual haya pretendido renovar el arte y la literatura desde unos presupuestos tan radicales y subversivos como los que alientan en cada uno de estos siete manifiestos.
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¿Qué es un dibujo animado sin ninguna clase de acción? Carlos Gomes Cabral, dibujante e ilustrador, comparte sus herramientas, consejos y trucos para que tus dibujos cobren vida: ubicar las sombras, usar líneas de barrido, exagerar las expresiones... Carlos te enseña cómo dibujar docenas de motivos cargados de acción. Además, varios artistas invitados de estilos diversos comparten también sus métodos únicos para dibujar el movimiento. Tanto si dibujas en el medio digital como si prefieres el lápiz de toda la vida, este libro te proporciona las habilidades que necesitas.
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Una aproximación a la Historia de la música en España e Hispanoamérica, en ocho tomos, desde una perspectiva de nuestro tiempo, supone un ejercicio de reflexión, o de rigurosa divulgación, para comprender mejor, en términos musicales, de donde venimos y lo que somos. No pretende esta colección sentar cátedra sino invitar a pensar por qué la música ha evolucionado de una manera determinada y no de otra. Los criterios de acercamiento son plurales y abiertos, sin ningún tipo de dogmatismo, buscando más la sugerencia que la tesis, la información precisa que la especulación, el espíritu científico que la ficción. En el fondo pretenden estos sustanciosos ensayos suministrar claves para disfrutar más con la música, situándola en sus contextos, subrayando sus prioridades, indagando en sus rebeldías. Las aportaciones provienen de diferentes universidades o instituciones de España y América, y buscan en la diversidad un enriquecimiento de planteamientos y posturas. Hay una apertura a la brillantez de las nuevas generaciones pero sin prescindir de la sabiduría de los expertos. El resultado de todo ello es apasionante, tanto por su complejidad como por la resistencia a un encasillamiento. La Historia de la Música en España e Hispanoamérica no se agota, evidentemente, en estas páginas. La síntesis de los rasgos esenciales de la música del siglo XX en España plantea problemas específicos que sobrevuelan sobre cualquier enfoque. Está todo demasiado cercano para que las conclusiones sean definitivas. Hay un factor de riesgo añadido en las opiniones, al no haber entrado en juego la consolidación del paso del tiempo. Para evitar posturas determinadas en una u otra dirección se optó para este volumen por un coordinador joven que garantizase la frescura de una nueva mirada. La dedicación a la musicología y a la zarzuela de Alberto González Lapuente se complementa por el oficio de escribir y su dedicación periodística. Cuenta además con un equipo multidisciplinar en el que militan Jorge de Persia, Gemma Zalduondo, German Gan y Víctor Pliego. Con sus aportaciones el volumen se enriquece gracias a la variedad de propuestas que despliegan. Las bases de un acercamiento están, en cualquier caso, sobre la mesa y boca arriba. Es lo que se pretendía.
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El alcance de las reflexiones de John Berger es tan diverso comosustancial e influyente. En 1972, Bergerrevolucionó la teoría del arte con el programa televisivo Ways ofSeeing, que posteriormente se publicaría en elcélebre libro homónimo Modos de ver. Poco después aparecieron MiraryOtra manera de contar y, en paralelo, laobra artística y literaria de Berger. La presente antología viene allenar un vacío en la publicación de su obra teóricay reúne, por primera vez en un solo volumen, los textos sobre fotografíamás importantes del artista e intelectualbritánico.Los cerca de veinticinco ensayos que componen este volumen,cuidadosamente seleccionados por el novelista yensayista Geoff Dyer, aparecen ordenados cronológicamente en unrecorrido donde se suceden desde textosemblemáticos ya publicados en algunas de las obras más conocidas deBerger, hasta artículos inéditos aparecidosen catálogos de exposiciones. También comparte sus visiones con colegascomo Sebastião Salgado o MartineFranck y nos regala brillantes reflexiones sobre la obra fotográfica deHenri Cartier-Bresson, Paul Strand o EugeneSmith. Un conjunto reflexivo de peso que pasa a formar parte por derechopropio de las grandes obras sobre elmedio fotográfico.
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Después de los tres volúmenes precedentes dedicados al écorché, la esquematización y el esqueleto, Michel Lauricella vuelve con sus conocidas lecciones de anatomía artística basadas en la comprensión profunda de la morfología del cuerpo humano. Esta vez Lauricella deja de lado los huesos y los músculos y aplica su exitosa fórmula pedagógica al tejido adiposo y sus distintos comportamientos.Más de 500 dibujos de las grasas y las pieles de cabeza y cuello, torso, miembros superiores y miembros inferiores en función del peso, la edad y el sexo, entre otras variables.Descripción visual de las zonas adiposas y sus comportamientos físicos a partir de la posición del cuerpo, el peso y el volumen de la grasa y, fi nalmente, su relación con la fi siología, las articulaciones y los pliegues que generan los movimientos.Desarrollo de la capacidad de observación y selección a través de una mirada precisa y muy dirigida sobre el cuerpo humano.
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Leonardo da Vinci, uno de los seres humanos más brillantes que haya existido jamás, sigue considerándose el genio renacentista por excelencia. Creador de algunas de las pinturas más famosas de la historia, este científico, artista, filósofo, inventor, arquitecto e ingeniero encarnó el florecimiento de la conciencia humana que marcó su época.Integrado en nuestra colección Bibliotheca Universalis, Leonardo da Vinci - Obra gráfica presenta reproducciones de calidad excepcional de 663 dibujos de Leonardo, más de la mitad de los cuales proceden de la Royal Collection of Windsor Castle. Estudios anatómicos, retratos de niños rollizos, complejos proyectos de ingeniería y planos arquitectónicos le permitirán adentrarse en su obra y deleitarse con la sutil delicadeza de una de las mentes (y manos) más brillantes de la historia.Sobre la serieBibliotheca Universalis - Compañeros culturales en formato compacto para celebrar el universo ecléctico de TASCHEN.
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La popularidad imperecedera de Gustav Klimt (1862-1918) atestigua no solo el particular atractivo de su exuberante pintura, sinotambién de los temas universales con los que trabajó: el amor, la belleza femenina, el paso del tiempo y la muerte.K
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Fundador en 1897 del Teatro del Arte de Moscú, la figura de Constantin Stanislavski (1863-1937) ocupa un puesto destacado en la reformulación de la labor interpretativa planteada a principios del siglo XX a causade su empeño en desarrollar una concepción teatral basada en la adecuada ambientación de cada obra y en la preparación psicotécnica del actor. LA CONSTRUCCIÓNDEL PERSONAJE, su último libro, fue publicado póstumamente, y el tratamiento de los temas que en él se abordan la caracterización física de los autores, el vestuario, la expresión corporal, la plasticidad del movimiento, la contención y el control, la dicción y elcanto, la acentuación y la expresividad, el ritmo enel movimiento y el lenguaje, la ética teatral, etc.da fe de la riqueza de experiencias, el talento didáctico y el sentido dramático del gran actor y directorde escena.
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¿Cuál es la verdadera identidad que se escondetras el cuadro más famoso del mundo? Existen al menos cinco referencias históricas reales que certifican la existencia de un retrato femenino de manos de Leonardo da Vinci. Un encargo que, al parecer,nunca entregó. Sin embargo, a la hora de identificara la modelo de la Gioconda, las palabras de Agostino Vespucci, Antonio de Beatis, Giorgio Vasari, Cassiano dal Pozzo y el Anónimo Gaddiano no coinciden. ¿A qué retrato se refieren cada uno de ellos?¿Al cuadro que exhibe el Museo del Louvre en París yque mundialmente se reconoce como Lisa Gherardini, la esposa de Francesco del Giocondo, o por el contrario al retrato que hoy en día cuelga en las paredes delmadrileño Museo del Prado? ¿Son compatibles ambos retratos? ¿Coinciden esas imágenes con el resto del imaginario de la Gioconda, tales como La MonaLisa de Isleworth o La Monna Vanna? ¿Es Leonardo el creador de cada una de estas representaciones femeninas? ¿Cuáles son los enigmas que esconde la Gioconda y cómo se gestó su ascenso meteóricoa la fama? A través de estas páginas examinaremos la situación global del rol femenino en el Renacimiento, descubriremos a mujeres brillantes que la historia eclipsó, pondremos en valor el papel de la mujer en la evolución del retrato en la Historia del Artey analizaremos todas las teorías que eruditos, historiadores y expertos en arte han elaborado en torno ala representación femenina en la obra Leonardo da Vinci con el propósito de encontrar la verdadera identidad del retrato más conocido de la historia de la humanidad: la Gioconda. Lo que la crítica ha dicho de Leonardo da Vinci -cara a cara-:«Un profundo estudio histórico y artístico en buscadel verdadero rostro de Da Vinci.»David Zurdo, Qué Leer «Christian Gálvez tiene algo de hombredel Renacimiento. Su curiosidad innata, el respeto alos clásicos y su capacidad de trabajo le han granjeado no solo una legión de seguidores, sino la consideración de los mayores especialistas de la historia y el arte de ese tiempo.»Alberto Frutos de Dávalos,Revista Historia «Cuando un outsider llama a las puertas de la comunidad científica y estasse abren, será por algo. Una de las mejores mezclas de rigor y pasión que he leído.»Jorge Alcalde, QUO
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2023, con 200 fotografías a color. Este libro, uno de los mayores éxitos ensayísticos de los últimos años, es una denuncia muy trabajada de la triada letal que ha malbaratado el territorio español: la especulación, la corrupción y la incultura. Esta cuidada edición a cargo del arquitecto Luis Feduchi ofrece una versión actualizada y ampliada del texto, completada con un relato paralelo a través de una minuciosa selección de imágenes con extensos pies de foto explicativos, entre las que destacan las de fotógrafos como Julia Schulz-Dornburg, Txema Salvans o Ben Roberts. Una convincente defensa de la arquitectura, el urbanismo y el paisajismo que muestra de manera constructiva y accesible hasta qué punto la pérdida de un paisaje es un ataque imperdonable a la identidad de un país.
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En pleno fragor de la Primera Guerra Mundial, poco despuΘs de que en Z·rich naciera el Dadaφsmo y en Rusiael Suprematismo, un reducido grupo de artistas fundaen Holanda la revista De Stijl y establece los principios fundamentales de la estΘtica neoplßstica. Hoy son de sobra conocidos los productos de la moda y delmarketing que utilizan el lenguaje de Mondrian: desdeel famoso vestido de Yves Saint Laurent a los frascos de cosmΘticos de l’,OrΘal. Pero muy pocos saben quΘ se esconde en realidad detrßs de esas lφneasy de esos colores tan caracterφsticos. En el presentevolumen, Charo Crego desentra±a lo que nos quieren decir los cuadros de Mondrian, los muebles de Rietveldo las casas de Oud. Tras un detallado estudio hist≤rico del grupo y de sus relaciones con las demßs corrientes de vanguardia de la Θpoca, la autora analiza las obras artφsticas y las ideas estΘticas de estos artistas, ofreciΘndonos un apasionante y riguroso retrato de este movimiento artφstico
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Harry Potter en 100 objetos es el libro en el que encontrarás una gran cantidad de accesorios, artefactos y elementos escenográficos increíbles de las legendarias películas de Harry Potter. A través de fotografías coloridas y datos internos de los creadores de las ocho películas, los lectores descubrirán el significado de cada objeto y su papel único en la configuración de la saga. Lleno de entrevistas con el elenco y el equipo de diseño, relatos de detrás de las cámaras y datos cinematográficos este es un libro imprescindible para todos los fans de Harry Potter. 100 objetos icónicos que juegan un papel importantísimo en el viaje de Harry, desde la varita de Saúco hasta la capa de invisibilidad y la espada de Gryffindor. Aprende sobre el diseño, la creación y el significado de docenas de estos importantes artefactos del Mundo Mágico.
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Un viaje delicioso en busca de las huellas que la melancolía ha dejado en la música clásica, un libro que abre puertas al goce a través de la comprensión y el conocimiento. Explica el autor que «este libro es un viaje en busca de las huellas que la melancolía ha dejado en la música clásica (...). La melancolía nos lleva a las esferas de la locura, de la desesperación, del tedio y de la muerte, pero también es un sentimiento de goce espiritual y de dulzura. Es una enfermedad maligna y al mismo tiempo es una emoción noble y un tipo de personalidad».Lo que se nos ofrece aquí es un seductor recorrido por la presencia de la melancolía y sus formas cambiantes en la historia de la música occidental, desde el Renacimiento hasta nuestros días. Roger Bartra aborda piezas de Dowland, de Händel, el Cuarteto número 6 de Beethoven, los lieder románticos de Schubert y Schumann, el impresionismo de Debussy, las evocadoras partituras de los nórdicos Sibelius y Nielsen y del británico Vaughan Williams, el desgarro dodecafónico...¿Cómo transmite el lenguaje musical las emociones y las sensaciones vinculadas con la melancolía? ¿Cómo ha evolucionado la expresión de ese sentimiento en cada periodo histórico?Roger Bartra despliega una inmensa erudición y una inteligencia mayúscula al servicio del disfrute y el enriquecimiento del lector. Un libro precioso.
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D'orfeu a Monteverdi
La inspiració se sol entendre com la presència d'un influx extraordinari en la creació artística, com un element misteriós directament vinculat al caràcter perdurable de l'obra tocada per aquest alè transcendent. A més, la capacitat de la música d'endinsar-se en aquest àmbit elevat, lligat a la divinitat, impulsa l'obra artística a la categoria de revelació: ja era aquesta la intenció última dels aedes de l'antiguitat, i potser també l'ha siguda per grans compositors que, com Bach, Beethoven o Brahms, escrivien conscients de tocar amb el seu art els ressorts de la intimitat humana i envigorir-los. Com deia George Steiner, la música és la teologia dels que no tenen cap credo formal. En aquest assaig docte i clar, el musicòleg i cantant Josep Maria Gregori reflexiona sobre el lligam íntim de la música amb la inspiració, la sacralitat i el pensament simbòlic. I ho fa endinsant-se en l'experiència transcendent de la creació d'alguns grans compositors, transmissors del vincle que uneix el món humà amb el món arquetipal. L'autor estudia el relat platònic de l'harmonia de les esferes i n'analitza l'aplicació als mites de les sirenes i les Muses, inspiradores dels grans relats d'Occident. Per últim, s'endinsa en la figura d'Orfeu i en l'obra que Striggio i Monteverdi van dedicar-li, i proposa una anàlisi afinada d'aquesta fita musical que conjuga so, número i paraula com a expressions d'un únic verb.
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La mujer es la gran protagonista de esta exposición organizada por el Museo Sorolla y la Fundación Bancaja, en la que se presenta una muestra de las innumerables obras de Joaquín Sorolla que reflejan su vida cotidiana y los estereotipos en torno a ella
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El protagonismo del sector inmobiliario en la dinámica especulativa del capitalismo financiarizado ha derivado en una crisis de la vivienda sin precedentes. El acceso a la vivienda urbana se ha convertido en uno de los problemas más acuciantes de las metrópolis contemporáneas. El acceso a la vivienda es cada vez más evidente en las grandes ciudades del norte y el sur global y ha dejado de ser un problema vinculado a colectivos específicos, especialmente vulnerables, para afectar a amplias capas de población, en particular, a nuevos sectores sociales precarizados, transformándose en una “crisis del hábitat”. En este escenario, son cada vez más visibles las prácticas alternativas de producción del hábitat, promoción cooperativa, vivienda cooperativa en régimen de cesión de uso, distintas formas de cohousing, etc., que, desde una lógica comunitaria y autogestionaria, reclaman el derecho a la ciudad, desafiando la lógica del mercado e interpelando a un Estado que ha intensificado su alineación con las políticas urbanas propias del régimen capitalista neoliberal.Este libro es el resultado de la colaboración de diferentes investigadores e investigadoras de universidades y centros de investigación europeos y latinoamericanos, que en su mayoría poseen una trayectoria militante por el derecho al hábitat.
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Què hi ha de nou?
Què hi ha de nou en la cultura urbanística contemporània? Una paradoxa de l’urbanisme contemporani és la coexistència de diagnòstics, visions i estratègies disruptives amb la recuperació de certes concepcions i tradicions que emergeixen en moments i situacions urbanes anteriors. Paral·lelament, les mirades retrospectives de la història de l’urbanisme solen presentar un procés de construcció lenta del saber urbà en correspondència amb els canvis graduals i progressius en la modernització de les ciutats. En lloc de revolucions o canvis bruscos, hi hauria hagut avenços continus en el planejament, el disseny urbà, amb ajustos i adaptacions al llarg del temps.Abordar els desafiaments actuals de les ciutats i els processos urbans implica reflexionar sobre el significat i l’abast del projecte modern en el camp de l’urbanisme. Sorgeix la pregunta fonamental si el projecte modern és un projecte incomplet, susceptible de ser continuat i enriquit amb noves aportacions i revisions crítiques, com suggereix Habermas, o si representa un discurs històricament superat, propi de l’era de la modernitat. En aquest llibre s’examinen alguns dels debats clau de l’urbanisme des de la dècada de 1950 fins a l’actualitat. L’objectiu és identificar tant el nou com el no tan nou, així com les continuïtats i ruptures, les influències i les innovacions que han modelat el discurs urbanístic contemporani. Amb aquesta finalitat, s’han seleccionat i aparellat vint urbanistes contemporanis de dues generacions. A partir de la revisió de les seves obres entorn de deu temes recurrents en debat urbanístic, es pretén fomentar el coneixement i el diàleg entre les diverses perspectives i visions que han donat forma i continuen sent a la base del pensament i la pràctica urbanística actual.
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Toiles de cauchemar, dont jamais on n’avait vu les équivalentes dans la peinture. Si réels, et si sauvages, avec une sorte d’accent à demi caricatural qui double l’horreur de la scène, les Désastres de la guerre sont des impressions, des visions brèves et globales de l’effroi, où le détail ne joue que pour en multiplier l’effet, une apparition fulgurante qui semble jaillir de la nuit pour y rentrer aussitôt. Si le mot de “ visionnaire ” n’avait existé, il eût fallu le créer pour désigner l’art de Goya. Et si le “ réalisme ” était autre chose qu’un mot, c’est peut‐être Goya qui nous eût contraints de l’insérer dans notre vocabulaire. Il est le plus grand visionnaire du réel qui ait sans doute existé.
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«Compositoras» revela las extraordinarias vidas y obras de mujeres que revolucionaron la música, desafiando los cánones de su tiempo. A través de biografías profundas y reveladoras, Silvia Olivero rescata del olvido histórico a compositoras fundamentales como Clara Schumann, Alma Mahler y Sofia Gubaidulina, exponiendo no solo su extraordinario talento musical, sino también las barreras sociales y personales que debieron superar. Descubriremos las complejas trayectorias de estas artistas, cómo navegaron en un mundo musical dominado por hombres, donde sus composiciones fueron sistemáticamente marginadas o directamente invisibilizadas gracias a mecanismos históricos y sociales. Olivero reconstruye sus luchas profesionales, las presiones familiares, los obstáculos académicos y sociales que enfrentaron, revelando historias de resistencia, pasión y resiliencia creativa. Cada capítulo es un viaje que desentraña no solo la obra musical de estas mujeres, sino también sus universos emocionales, sus estrategias de supervivencia y sus aportaciones a la música, que lejos de convertirlas en figuras periféricas, demuestran que fueron auténticas innovadoras que expandieron las fronteras del arte. Esta obra no solo rinde homenaje a estas pioneras, reescribe la narrativa de la música clásica, recordándonos que la genialidad no conoce género y que la historia del arte está incompleta sin las voces de quienes fueron deliberadamente silenciadas.
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He crecido viendo, disfrutando y algunas veces padeciendo distintas películas, series y shows del género. Leyendo novelas y ensayos sobre el vampirismo. Parte de ese bagaje que he ido acumulando está volcado en estas hojas. Material en el que se mezclan
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En el 60 aniversario del film Con la muerte en los talones, varios autores de prestigio analizan los diferentes aspectos de la película. El rodaje, el tema del falso culpable, el film en la obra de Hitchcock, el paisaje y la arquitectura, el estilo, la gu
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