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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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La llavor immortal
Un clàssic de l'assaig en català que desgrana els arguments universals en el cinema en relació amb els relats fonamentals de la història de la cultura. Fins a quin punt són originals els arguments cinematogràfics? Des de les primeres projeccions dels Lumière, el cinema es va convertir en el gran fabulador del segle XX, i encara.La llavor immortal rastreja els motius argumentals que es repeteixen en el cinema de tots els temps i mostra la seva relació -no sempre conscient- amb les narracions fonamentals de la història de la cultura. Les pel·lícules esdevenen així una etapa fèrtil d'una continuïtat narrativa: obres que són fruit d'un llegat i que poden generar-ne un de nou.Jordi Balló i Xavier Pérez ens proposen un recorregut per la història del cinema i creen relacions sorprenents i apassionants amb els relats fundacionals de la ficció universal. Així, descobrim Ulisses errant pels deserts del western, la Ventafocs convertida en corista de Broadway, Macbeth encarnat en la figura tràgica d'un gàngster o Èdip descobrint la seva culpabilitat en un viatge interplanetari. Gràcies a aquesta indagació comparada, els autors estableixen una nova manera d'accedir al cinema com un art jove, impertinent, integrador i imprescindible per establir la plenitud de la ficció contemporània.
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Cinco años después de su muerte, la biografía definitiva de Luis Eduardo Aute, un artista cuyas canciones siguen coreándose con la misma emoción de siempre. Pintor, cineasta, compositor, poeta… la obra multifacética de Luis Eduardo Aute (Manila, 1943-Madrid, 2020) es un referente obligado en la cultura española de los últimos sesenta años. Canciones como Las cuatro y diez, Al alba -un icono de la Transición-, De alguna manera o Pasaba por aquí forman parte de la memoria colectiva de varias generaciones. Me va la vida en ello, la primera biografía que se publica coincidiendo con los 5 años de su muerte, nos acerca a la vida cotidiana y al proceso creativo de un artista que, frente a los cambios sociales y políticos que experimenta el mundo, supo mantener siempre una coherencia ética. ''A la única esclavitud que me someto es la de mis principios y valores'', repitió. Con los testimonios de quienes le conocieron y colaboraron más estrechamente, Miguel Fernández -autor de las biografías de Waldo de los Ríos, Amparo Muñoz o Mari Trini- relata la trayectoria y el compromiso del artista total que reivindicó ''el espejismo de intentar ser siempre uno mismo''.
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Desde el principio de la historia de la humanidad, lo único que nos ha definido es nuestro talento para fabricar cosas, desde tecnología básica y objetos cotidianos, como cuencos y hachas de mano, hasta inventos de alta tecnología, como aviones supersónicos, dispositivos inteligentes y vehículos exploradores de Marte. Los objetos dicen mucho de una civilización, nos cuentan cómo vivían nuestros antepasados, en qué creían y qué valoraban. Una momia de bronce de un gato nos muestra hasta qué punto los antiguos egipcios valoraban a sus felinos compañeros, mientras que un tigre mecánico de juguete nos cuenta la historia de las crecientes tensiones entre un sultán indio y los colonizadores europeos. Civilización expone un tesoro escondido de fascinantes artefactos –desde la prehistoria al presente, desde lo ordinario a lo extraordinario– revelando la historia de las civilizaciones del mundo a lo largo de los años.
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Aquí encontraremos a artistas como Picasso, Frida Kahlo, Georgia O Keeffe, Andy Warhol, David Hockney o Leonora Carrington, todos ellos referentes del mundo del arte, quienes ligaron su vida y obra a la de sus mascotas. Pero también a otros creadores, nombres propios de la pintura, la ilustración o la fotografía, que aunque resulten menos conocidos para el gran público, son de vital importancia para la historia del arte.
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La Barcelona actual, a través de los cinematográficos ojos de Loquillo. Paseo de gracia, más allá de una autobiografía, es un recorrido por la ciudad de Barcelona, por sus calles y su esencia. Por todos los cambios y evoluciones que ha vivido la Ciudad Condal y quienes viven en ella. La propia historia, pasada y presente, de Loquillo es parte intrínseca de esa ciudad y la influencia en su arte es palpable. Paseo de gracia también rescata aquellos artistas, de diversos ámbitos, que ayudaron a conformar al Loquillo actual. Todo ello es narrado con un estilo muy lírico y que se dirige al lector para hacerle partícipe de toda esta historia. Además de un testimonio de su evolución y crecimiento como artista, es un homenaje a su ciudad y a sus raíces, aquella que lo vio convertirse en un icono del rock español.
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Enigmas se plantea diferentes preguntas sobre algunos protagonistas de los más célebres cuentos infantiles. Muchos no saben que hay una Caperucita Blanca, la primera de todas, ni una Caperucita Negra, a la que temen hasta los lobos. Ni tampoco saben de la hermana de Blancanieves, Rosa Roja. Hay tantas preguntas... ¿Qué soñó la Bella Durmiente durante cien años? ¿Por qué volvieron con sus padres Hansel y Gretel? ¿Por qué no se quedaron en la casita de caramelo? ¿La Madrastra nació malvada o se volvió así? ¿Sintió alguna pena Pulgarcito por las siete hijas del Ogro? ¿Perdonaron al príncipe las hermanas de la Sirenita? ¿No sintió alivio Rapunzel al perder la trenza?
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Recuperamos un análisis cultural del arte referente tanto para profesionales como para individuos interesados en la materia.En La invención del arte, Larry Shiner nos invita a reconsiderar la historia del arte en su conjunto, y sostiene que algunas de las ideas que todos tenemos de dicha historia (como que el arte comenzó en la Antigua Grecia o en el Renacimento) son, en realidad, invenciones modernas, y que la línea que separa el arte y la artesanía fue producto de las cruciales transformaciones que se dieron en Europa durante el siglo XVIII. También muestra cómo el sistema moderno sostiene su hegemonía asimilando a los artistas y a los músicos que le ofrecen resistencia y trazando una estricta distinción entre artistas y artesanos, arte culto y artesanía.
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En 2013 se cumplieron cincuenta años de la publicación de uno de los clásicos imprescindibles de la enseñanza artística: «Interacción del color», que ofreció las bases para la enseñanza experimental del valor y el sentido de los colores. Defensor del aprendizaje en acción, la revolucionaria y polémica teoría pedagógica de Josef Albers no fue aceptada de manera inmediata por los defensores de la ciencia colorométrica, que propugnaban la separación a ultranza entre el observador y el fenómeno del color. Albers demuestra, al contrario, que un mismo color es capaz de evocar múltiples lecturas y que lo importante es educar la vista con el fin de poder apreciar sus efectos. En poco tiempo, la obra se convirtió en un manual de referencia en los principales departamentos de pedagogía de las artes y del diseño de todo el mundo. Libro práctico, «Interacción del color» está compuesto por iluminadoras estrategias perceptivas que, además de procurar un infinito placer personal al lector, le ayudarán a ampliar la manera de usar y percibir los colores en las artes visuales, la arquitectura, los textiles, el diseño interior y el grafismo... Con nuevas imágenes y otros detalles que refinan su propuesta pedagógica, esta actualización de un clásico hace posible que prospere la valiente invitación de Albers a la experimentación, a la apertura y a la expansión intelectual y personal.
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Un actor se prepara es la primera obra de pedagogía teatral de Konstantín Stanislavski (pesudónimo de Konstantín Serguéievich Alekséyev, Moscú, 1863-1963), todo un clásico y uno de los grandes renovadores del mundo de la escena y del arte teatral del primer terciodel siglo XX, junto con Serguéi Diáguilev (el creadorde los Ballets Rusos) y Erwin Piscator (director teatral y autor de Teatro político). Un actor se prepara, aunque obra de carácter autobiográfico, adopta la forma narrativa de diario de un estudiante, llamado Kostya, durante su primer año de aprendizaje del «sistema Stanislavski», que no se presenta como un «método»particular sino como todo un análisis sistemático del orden «natural» de la verdad teatral. En él se abordan numerosos aspectos relacionados con las habilidades que tiene que desarrollar un actor en escena, desde la relajación de los músculos o la memoria emotivaa la concentración y motivación interna.
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¿Qué es un musical y cuáles son los aspectos clave que se deben conocer sobre el teatro musical? En este libro se explican algunos aspectos que pueden ayudar a entender mejor en qué consiste este mundo: Broadway y West End la cuna de los musicales, Tony Awards y Laurence Olivier Awards los Óscar del teatro musical y algunos apuntes sobre los personajes más significativos en el ámbito de los musicales. Los musicales que se recogen en esta obra se han clasificado según las siguientes categorías: 1. Los imprescindibles. Los grandes musicales modernos (20) 2. Musicales y películas imprescindibles que han ido de la mano (25) 3. ¿Qué fue primero: el musical o la película? (22) 4. Musicales que no debemos olvidar (39) 5. Apuestas locales de éxito (5) Con una amplia documentación gráfica, se detallan una serie de características en torno a cada musical: creadores, fecha de estreno, datos básicos, sinopsis, principales personajes, números musicales del espectáculo, cinta cinematográfica relacionada, curiosidades, etc. Si eres amante de este género teatral, este libro te permitirá conocer toda la información sobre los principales musicales que se han producido a lo largo de la historia.
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Con la luna como testigo imparcial de la milenaria cultura japonesa, el genial artista del siglo XIX Tsukioka Yoshitoshi trazó lo que se convertiría en su serie de grabados ukiyo-e más celebrada: Cien aspectos dela luna. La cuidada edición que nos ofrece V. DavidAlmazán Tomás, plagada de referencias y explicacionesque nos acercan al universo creativo de Yoshitoshi yal folklore nipón desde sus remotos inicios, se convierte de este modo en una completa enciclopedia visual de la historia de Japón por la que veremos desfilarpoesía y teatro, bellas geishas y fieros samuráis, misteriosos fantasmas y tradiciones ancestrales, cortesanos versados en el uso de la espada y la palabra, ehistorias que nos hablan de amor y guerra.
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¿Qué representan los cinco sentidos en la iconografía barroca? ¿Por qué las alegorías y emblemas fueron tan utilizados en la pintura y escultura de este periodo? ¿Qué papel jugó la Contrarreforma en el desarrollo de la iconografía religiosa? ¿Cómo influyó la Iconología de Cesare Ripa en la representación simbólica del Barroco? ¿Qué significados ocultos pueden encontrarse en la pintura de artistas como Rubens, Caravaggio o Velázquez? El Barroco, con su exuberancia visual y su afán de persuasión, erigió un lenguaje simbólico en el que cada imagen, cada gesto y cada atributo poseían un significado preciso. Desde la espiritualidad exaltada de la imaginería religiosa hasta la sutil carga ideológica de los retratos cortesanos, este período se convirtió en una de las cumbres de la representación artística. Carlos Taranilla nos guía en un recorrido fascinante por la iconografía barroca, desentrañando sus códigos y revelando el complejo sistema de símbolos que rige sus composiciones. A través de la pintura, la escultura y las artes decorativas, esta obra ofrece un estudio detallado de las alegorías, los emblemas y las escenas bíblicas, profanas y mitológicas que poblaron los retablos, las bóvedas y los lienzos de la época. Un volumen imprescindible para historiadores del arte, artistas, estudiantes y todos aquellos interesados en comprender los significados ocultos de un arte que transformó la manera de comunicar mensajes a través de la imagen.
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Los monumentos son reflejo del pasado, de los valores de la sociedad que encargó y sufragó la obra, y retratan el imaginario de la memoria colectiva. Por lo general, no constituyen sino un elemento más del paisaje por el que paseamos o un atractivo turístico que visitar y ante el que fotografiarse. Pero, en ocasiones, cuando se produce un profundo giro de mentalidad o una aguda agitación política, estos monumentos estorban. Ocurre entonces que estas obras, en el peor de los casos, son objeto de vandalismo y reciben la violencia que está dirigida contra aquellos valores o personalidades que representan.En esta historia de los monumentos públicos, en la que se contextualiza el uso que se ha hecho –y se hace– de ellos para construir un discurso, se pone de relieve que la actual cancelación histórica es el último eslabón de una larga secuencia que se inicia en la Antigüedad. En sus páginas, asistiremos a la ocultación, sustitución, modificación o destrucción de estatuas para comprender que la reacción social de distintas épocas ante sus monumentos es cualquier cosa menos inocua. Tampoco en esto resultamos particularmente originales.
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Un acercamiento al caprichoso mundo artístico para que todos podamos disfrutarlo. ¿Qué es el arte, dónde puedo encontrarlo? Cuando lo tengo delante ¿cómo se supone que debería mirarlo? Kate Brian es una adicta confesa al arte y lleva más de veinte años trabajando en el sector. Sin embargo, antes de ponerse a estudiar Historia del Arte en la universidad, solo había estado en una galería en dos ocasiones y no tenía ni idea de que estaba a punto de adentrarse en un mundo elitista. Ahora, su misión es ayudar a todo el mundo a acercarse al arte. Ya sea escuchando música, cocinando, leyendo, comiendo platos deliciosos o viendo películas, hacer o contemplar arte es algo que debe enriquecer nuestras vidas. En El arte de entender el arte encontrarás una ingeniosa vía para acercarte al universo artístico con tus propias reglas. Descubrirás dónde encontrarlo y cómo entenderlo, así como indicaciones sobre cómo disfrutar de obras tan conocidas como la Mona Lisa. Aprenderás también a poseer arte y a desarrollarlo en casa, y encontrarás buenos consejos para orientar una carrera como artista e, incluso, para hacer que tu perro parezca más culto. El arte de entender el arte ofrece arte a todo el mundo de una manera entretenida. El libro cuenta con ilustraciones inéditas de David Shirgley, un grandísimo artista con los pies en la tierra.La crítica ha dicho «Igual que la comida, el arte cuenta con esa maravillosa capacidad de traernos alegría. Kate es la perfecta profesional que nos ayudará a todos a desarrollar una relación más estrecha con el arte». Jamie Oliver «Toda una lección de arte en un solo libro. Escrito con un lenguaje accesible, nos explica la belleza que tiene el arte y nos enseña a hacerlo y a disfrutarlo. Es lo que el mundo del arte necesita». Philippa Perry «Un texto increíblemente maravilloso para aprender a disfrutar del arte. Un libro sorprendente, fácil de leer, que sitúa el arte en nuestras vidas, nuestras cabezas y corazones». Richard Curtis«El libro que tienes en tus manos contiene una serie de claves luminosas hacia las infinitas puertas del mundo del arte». Es Devlin «El arte es una parte fundamental de estar vivo, y el libro de Kate ayuda a todo el mundo a relacionarse con él». Russell Tovey, actor y presentador de Talk Art «La guía definitiva para no verte intimidado por el mundo del arte y los artistas. Un libro que nos brinda incluso algo más importante: alegría». Maria Balshaw, directora del Tate
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El programa televisivo Ways of seeing, dirigido en 1972 por un jovencísimo John Berger, se propuso analizar cómo nuestros modos de ver afectan a la forma de interpretar. La serie recibió diversos premios, revolucionó la teoría del arte y fue adaptada al presente libro, convirtiéndose desde entonces en un título indispensable de la teoría del arte y de la comunicación visual. En estas páginas, Berger analiza cuatro aspectos de la interpretación de la pintura al óleo: su origen relacionado con el sentido de la propiedad, el uso continuado de la mujer como objeto pictórico, la relación entre la herencia visual de la pintura y la publicidad y, finalmente, la transformación del significado de la obra original en el marco de sus múltiples reproducciones. En esta nueva edición, minuciosamente revisada, se ha recuperado el diseño original de Richard Hollis.
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¿Quiere descubrir el significado de la pintura prehistórica? ¿Descifrar los jeroglíficos egipcios y admirar los frescos conservados por las cenizas del Vesubio en la Villa de los Misterios de la antigua Pompeya? ¿Iniciar un viaje por las obras más intrigantes del Renacimiento, el Barroco y los siglos XIX y XX? ¿Desvelar los secretos de La Gioconda, La Virgen de las Rocas, El caballero de la mano en el pecho, la Capilla Sixtina y las pinturas de Rafael o Tiziano, entre otras célebres obras? Estas páginas lo llevarán también a la fascinante pintura del Siglo de Oro, desde clásicos como La Venus del espejo o Las meninas hasta el mundo macabro de Valdés Leal. Descubriremos los misterios del Renacimiento en el pincel de los grandes maestros del norte de Europa: Los esposos Arnolfini de Jan van Eyck, La dama de la perla de Vermeer, Los embajadores de Holbein el Joven, Los proverbios flamencos de Brueghel y sus refranes ocultos. Nos sorprenderán la fantasía presurrealista de la última etapa de Goya, las creaciones de los llamados artistas malditos, como el rebelde Caravaggio, o las obras magistrales de Van Gogh, Francis Bacon, Frida Kahlo, Modigliani y Jackson Pollock. Enigmas aún sin resolver se ocultan en cuadros oníricos como La pesadilla del suizo Füssli, Et in Arcadia ego del clasicista francés Poussin o El almuerzo sobre la hierba del impresionista Manet. También exploraremos posibles viajes en el tiempo y a los llamados pintores sensoriales. A lo largo de la historia, el arte ha transmitido, a menudo de manera velada, mensajes secretos. Los artistas, ante todo intelectuales –incluso los autodidactas–, utilizaron el pincel no solo para plasmar la perfección de un cuadro o una escultura, sino también para comunicar sentimientos, emociones, reflexiones filosóficas, proporciones matemáticas y reivindicaciones ideológicas. Estas se ponían al servicio del poder político, religioso o de la clientela, pero siempre con el sello personal de su época. Una obra necesaria como método y guía para desentrañar los enigmas que ocultan los grandes maestros del arte. Una obra necesaria como método y guía para desentrañar los enigmas que ocultan los grandes maestros del arte.
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El Candela abrió sus puertas en octubre de 1982, en el corazón de Lavapiés. Era un tiempo en el que Madrid y toda España se agitaban al ritmo de sonidos musicales, sociales y políticos muy diversos. A lo largo de casi cuarenta años, el local cobijó durante noches interminables a la práctica totalidad de los artistas flamencos, con el cantaor Enrique Morente como prócer, pero también con la presencia habitual de Paco de Lucía, Camarón y muchos otros. Estas páginas narran la historia de aquel mítico lugar hasta su cierre en 2022, con dos etapas marcadas por el punto de inflexión que supuso la muerte del fundador Miguel Aguilera en 2008. A partir de entrevistas con varias personalidades del mundo flamenco -Pablo Tortosa, La Tati, Antonio Benamargo, Israel Fernández, Josemi Carmona, Antonia Jiménez, etcétera-, Jacobo Rivero construye un relato coral que refleja la efervescencia social y cultural del Madrid de esos años y, en particular, de Lavapiés y el Rastro, cuyas calles han acogido a los más virtuosos talentos del arte jondo. Partiendo de la mirada particular del flamenco, este relato trasciende la mera historia del Candela para reivindicar la memoria de un barrio y una ciudad atravesados en sus entrañas por una irrepetible tensión creativa, en un momento de incierta transformación a todos los niveles.
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¿Te sientes culpable cuando te gusta una película de masas? ¿Te autoflagelas viendo cine de autor? No te preocupes, Pedro Vallín quiere curarte y ha escrito un ensayo herético que ni los superhéroes yanquis defienden la propiedad privada ni el cine de autor europeo transmite valores progresistas. Y que puestos a generalizar ocurre lo contrario.
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En el 60 aniversario del film West Side Story, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: sugestación, el director, los actores, el original deBroadway, la banda sonora... Todo ello acompañado porun gran despliegue fotográfico.
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En 1968 el periódico The Sunday Times de Londres, propuso organizar una regata en solitario y sin escalas alrededor del mundo a un grupo de navegantes entre los que se encontraba Bernard Moitessier. Nunca se había hecho nada parecido. Aquí se inició la insólita historia que se narra en este libro: 37.000 millas marinas para llegar... al corazón de un hombre. Esta nueva edición incluye un inestimable prólogo de Julio Villar, quien compartió escala (y muchas cosas más) con Moitessier en este largo viaje. El largo viaje es el relato de diez meses navegando en solitario. El periplo significó una vuelta y media al mundo a través del mar, que, «según el viento, según el cielo, según que el ocaso fuera rojo o gris, ruge, murmura o gime bajo el casco». En este libro descubrimos la audacia, calculada y prudente, de un marino fuera de serie que decidió llegar hasta el límite de la resistencia humana y de la de su barco, sobre un mar a veces en calma, y a veces rugiente como una fiera. Se trata de la travesía más larga en solitario: 37.455 millas sin tocar tierra. Además de ser el relato de una pericia que pocos hombres han asumido en la historia, este libro contiene múltiples consejos, trucos y apreciaciones para aquellos apasionados de la navegación a vela más tradicional, con un apéndice de más de 100 páginas con pautas para la preparación de una navegación sin escalas de este tipo. Esta reedición revisada, contiene además materiales inéditos como múltiples fotos que realizó el autor durante su travesía y diseños realizados por el mismo. Un testimonio de la navegación de altura sin igual.
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En 1912 el arquitecto Frank Lloyd Wright (1867-1959) publicó en Chicago un breve ensayo con el título La estampa japonesa: Una interpretación. Para entonces ya era un prestigioso arquitecto y sus viajes, primero por Japón y después por Europa, fueron de
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Aunque nos gustaría cartografiarlo de forma minuciosa, el cuerpo humano siempre se ha resistido a ofrecernos un mapa definitivo de sí mismo. Lo único que tenemos de él son retazos y jirones, invitaciones a la digresión y al ensueño. El ensayista Pablo Maurette y el artista Julio César Pérez se han embarcado en esa aventura cartográfica asumiendo de antemano la derrota de toda pretensión universal y han compuesto un atlas del cuerpo tan fragmentario como deslumbrante: un itinerario que se sirve de la historia de la ciencia y de la historia del arte, pero también del detalle y lo particular, de la anécdota prosaica, del asombro y la melancolía, para invitarnos a reflexionar sobre la materia de la que estamos hechos.
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«Me he estado preparando para esta película toda mi vida», afirmaba Andrei Tarkovski. Stalker es, de hecho, un espléndido fruto de madurez artística, que reúne los más profundos anhelos del ser humano, junto a una honda reflexión sobre los medios que usa el arte para estimular nuestro interés y cumplir su misión. Considerada obra maestra dentro del breve legado de Tarkovski, Stalker se caracteriza por su sencillez de medios, la originalidad y coherencia de sus planteamientos formales, y el compromiso del equipo de rodaje para trabajar en condiciones extraordinariamente adversas.Al conocimiento de lo esencial se accede por un camino sembrado de peligros y trampas, donde la línea recta no existe, la naturaleza es cambiante y el regreso incierto. Eso parece decirnos el director ruso: a partir de sus principios poéticos, este libro acompaña la interpretación que se hace del camino en Stalker, indaga en la metáfora y en la sugerencia, en el uso de la temporalidad y en los mecanismo para implicar al espectador.
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¿Quién no ha soñado, al visitar un museo, con poseer las claves para descifrar una pintura? Françoise Barbe-Gall toma como punto de partida las impresiones que sentimos frente al lienzo y nos enseña a agudizar la mirada. Gracias a la claridad expositiva y a la simplicidad de la demostración, todo se vuelve luminoso y accesible. El discurso da la espalda a la enseñanza tradicional de la historia del arte. Nos invita a dejarnos llevar por nuestras impresiones para tomar poco a poco conciencia del sentido de las obras: Giotto, Rembrandt, Vermeer, Goya, Hopper, Rothko... Y el arte se torna límpido. 42 CUADROS PRINCIPALES PARA OBSERVAR Y ENTENDER•, Análisis de la obra «paso a paso»•, Detalles puestos de relieve 42 PÁGINAS DE REFERENCIAS PARA PROFUNDIZAR AÚN MÁS•, Contexto histórico y cultural•, Cuadros complementarios
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* Una historia de la pintura accesible y entretenida. * Una presentación cronológica y de los artistas clasificados por movimientos, escuelas o estilos. * Focos temáticos para identificar los movimientos artísticos, reconocer los símbolos y descubrir los entresijos de los museos. Una historia de la pintura narrada a través de los artistas y sus obras, que se descifran paso a paso: salpicada de paréntesis instructivos y paralelismos gratificantes, para comprender cómo se ha construido este gran fresco universal ininterrumpido, desde Giotto hasta Banksy. Un trabajo clave que reúne los fundamentos y conocimientos que permiten descifrar una pintura cargada de referencias.
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La mejor guía visual para iniciarse en el mundo artístico de Antoni Gaudí. Contiene las claves de cada una de sus obras arquitectónicas, acompañándolas de imágenes específicas y actualizadas. Incluye un texto del especialista Juan Eduardo Cirlot. El clási
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Las alumnas de la Bauhaus. Artes, oficios y revolución: Las mujeres que marcaron la diferencia supone un interesante estudio centrado en todos los talleres y la realidad completa de la escuela de arte más apasionante del siglo XX: la Bauhaus (1919-1933)
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Mirades dels 70
Què vull explicar? Jo mateix, per tal d'ordenar-me, feia molt temps que volia recuperar i redescobrir aquelles primeres fotografies relacionades amb els anys setanta, la meva joventut, abans que m'impliqués plenament en el fotoperiodisme musical. Una bona part del contingut d'aquest llibre també va conformar l'exposició Amateur que vaig fer al Celler de Can Ginestar de Sant Just Desvern, l'any 2019, però també hi apareixen imatges inèdites. Són petites col·leccions i fotos d'un caràcter més intimista i personal. Són memòria d'uns anys excepcionals que vàrem viure.'' (Francesc Fàbregas)
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Delve into the mystical world of Swedish artist Hilma af Klint, whose work from the early 20th century has only recently gained critical attention. An early pioneer of abstraction, af Klint created immersive, colorful paintings filled with geometric variations and biomorphic shapes.
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La arquitectura siempre nos rodea. Es la escenografía de nuestras vidas. Pero, ¿qué sabemos de edificios y ciudades? ¿Cómo son y cómo deberían ser nuestros pisos y casas? ¿Qué podemos aprender del pasado para construir el futuro? Para responder a estas preguntas y otras, Núria Moliner realiza diez estadas en diez viviendas únicas y escribe sus impresiones. La chef de tres estrellas Michelin y su casa de premio Pritzker o el taller de Miró en Palma construido por Sert. Viviendas de emergencia, construcciones postburbuja inmobiliaria, una casa de pueblo autosuficiente o cooperativas devivienda. Espacios domésticos totalmente diferentes y vidas que dicen mucho de quiénes somos y hacia dónde vamos.
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Un extraordinario libro de fotografía que nos muestra La Alhambra a través de la mirada de uno de los fotógrafos más prestigiosos de nuestro país. Fernando Manso nos vuelve a cautivar con la belleza y la poesía de unas imágenes únicas, capturadas a través de una técnica paciente depurada a lo largo de los años. Uno de los monumentos más visitados de nuestro país retratado de una forma sorprendente y más fascinante que nunca.
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La presente obra ofrece la primera historia coherentede la imagen sagrada en el cristianismo. Una historia que abarca 1200 años, desde las postrimerías de laAntigüedad, cuando los cristianos comenzaron a haceruso de la imagen de culto «pagana», hasta entonces mal vista, hasta los comienzos de la Edad Moderna, cuando la imagen de culto cristiana entró en crisis. Durante más de un milenio, los iconos, las estatuas y lasimágenes de altar se situaron en el centro del interés público, desempeñaron funciones simbólicas en la historia social, dieron testimonio de la verdad de lareligión y del rango de las instituciones, y no se libraron de la destrucción. Y no se puede olvidar que las imágenes de culto presentan una estética propia, que el autor intenta reconstruir. Con sus más de 300 ilustraciones y el anexo de fuentes escritas sobre eluso y el abuso de las imágenes, Imagen y culto constituye un libro imprescindible para comprender la posición de la imagen en Oriente y en Occidente, así comola «aparición del arte» en la incipiente Edad Moderna.
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Una innovadora propuesta al analizar obras de arte: una búsqueda visual que deconstruye 50 creaciones clave para descubrir los elementos que componen una obra maestra. Una introducción a la historia de la cultura visual que presenta nuevas tipologías artísticas y ofrece una visión renovada de los objetos conocidos. 50 obras que abarcan un extensísimo periodo, que va desde las primeras imágenes creadas por humanos que conocemos, que datan de hace unos 30 000 años, hasta una instalación en la frontera entre México y Estados Unidos realizada en 2017. Un libro que pretende disolver las barreras entre los distintos tipos de artefactos culturales, de forma que junto a la pintura y la escultura -que a menudo se consideran las formas artísticas tradicionales- se analizan dibujos, fotografías, grabados, ornamentos, máscaras, miniaturas y carteles. Como objetivo secundario, se establecen vínculos entre el arte «occidental» y el del resto del mundo. La historia del arte es un tema apasionante, repleto de reglas complejas y de palabras técnicas. Ni siquiera los más avezados diletantes están a salvo del eterno enigma que plantea la forma de pensar el arte. Este libro le ayudará a resolverlo.
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El anillo del nibelungo es sin duda una de las mayores obras de la música moderna, y ha fascinado tanto a críticos como a melómanos durante más de un siglo. Ningún trabajo reciente ha estudiado la obra maestra de Richard Wagner con la exhaustividad y la agudeza del filósofo Richard Scruton, que no sólo examina los aspectos dramáticos y musicales, sino también la simbología y la filosofía del ciclo del Anillo. El íntimo vínculo entre la estructura musical y dramática permite a Scruton descubrirnos la singular concepción de la humanidad en Wagner, para quien la nalidad del arte consistía en «mostrarnos la libertad en su forma más inmediata, contingente y humana, recordándonos lo que signi ca para nosotros». La dramatización de temas como el amor, la muerte, el sacrificio y la libertad permitieron a Wagner mostrar las más profundas verdades de nuestra condición y, con ello, renovar nuestra fe en ellas.
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El pla mestre
Torna Javier Sierra amb un llibre apassionant i ple d'enigmes on es disputa quins han de ser els legítims guardians de l'art.El 1989 Javier Sierra va ser abordat a les sales del Museu del Prado per un estrany personatge que li va ensenyar a interpretar els símbols més ocults de l'art. Aquell incident va donar lloc a El maestro del Prado, on va compartir la visió d'aquell desconegut amb centenars de milers de lectors arreu del món. Sierra es va obsessionar amb aquell individu i ha passat mitja vida tractant de trobar-lo de nou. En el seu camí, ha descobert que hi ha un subtil «pla mestre» que dona a la invenció de l'art un sentit transcendental. L'art, juntament amb coneixements com l'agricultura, l'astronomia o la filosofia, ens van ser revelats per altres mestres misteriosos, els mestres instructors. Aquests tenen en comú que les seves idees han transformat la nostra espècie d'una manera profunda i irreversible. El seu particular mestre va formar part d'aquesta genealogia. Però qui són realment i quin és el seu pla per a nosaltres?
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