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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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El paisaje no es un concepto que ha aparecido subrept
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Fitòpolis, la ciutat viva
En poques dècades, la humanitat ha experimentat una revolució en els hàbits ancestrals. Sense que ens n'adonem, la nostra espècie ha passat d'habitar cada racó de la Terra, immersa en la natura, a viure en una part veritablement ínfima de les terres emergides del planeta: la ciutat. Una revolución només comparable a la transició de caçadors-recol·lectors a agricultors que es va produir fa 12.000 anys. És cert que en termes d'accés als recursos, eficiència, defensa i difusión de les espècies, aquesta transformació és avantatjosa. Però també ens exposa a un risc terrible. El nostre èxit urbà requereix, de fet, un flux continu i exponencialment creixent de recursos i energia, que tanmateix no són il·limitats. A més, l'escalfament global pot canviar definitivament l'entorn de les nostres ciutats i constituir precisament aquesta mutació fatal de les condicions de què depèn la nostra supervivència. Per això s'ha tornat vital tornar la natura al nostre hàbitat. Les ciutats del futur, ja siguin construïdes des de zero o renovades, s'han de transformar en fitòpolis, llocs on la relació entre plantes i animals s'acosti a la relació harmoniosa que trobem a la natura. No hi ha res de més important que això per al futur de la humanitat.
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«Locura y Arte» es un libro sobre el horror de quienes dedicaron su vida a crear belleza. Por sus páginas desfilan los nombres más ilustres de la historia de la música, la pintura y la literatura: Shakespeare, Cervantes, Poe, Rimbaud, Artaud, Edith Piaf, Frida Kahlo, Janis Joplin, Stevenson, Hemingway, Nietzsche, Joyce, Van Gogh, Goya, Schumann, Tchaikovsky, Alejandra Pizarnik y tantos otros artistas que, al mismo tiempo que eran atormentados por voces, angustias, pesadillas, demonios y una cautivante tendencia al suicidio, construían una obra única que elevó el espíritu de la Humanidad. Un libro sobre la locura, pero también sobre el alto costo que significa comprender demasiado el mundo, la vida y la realidad. Con un estilo sencillo y personal, el Dr. Adrián Sapetti vuelve a internarse entre los laberintos de la psiquiatría y desentraña los misterios de estos hombres y mujeres que murieron en las sombras, tras haber iluminado el camino para siempre. AUTOR Adrián Sapetti nació en Buenos Aires, en 1947. Es médico especialista en psiquiatría, psicoterapeuta y sexólogo. Desde hace años escribe y colabora en calidad de asesor sobre temas de psiquiatría y sexología en distintos medios periodísticos y revistas científicas. Es docente invitado en universidades de Argentina, Chile, Ecuador, Colombia y Portugal, miembro titular de la Asociación Argentina de Psiquiatras (AAP) y de la Asociación de Psiquiatras Argentinos (APSA), miembro de la Academia Internacional de Sexología Médica (AISM), miembro internacional de la American Psychiatric Association, presidente de la Sociedad Argentina de Sexualidad Humana (SASH) y director del Centro Médico Sexológico y del sitio de www.sexovida.com. Ha publicado «La sexualidad masculina», «Sexualidad en la pareja», «Los varones que saben amar», «Nuevo manual de sexualidad femenina: derecho al goce», «El sexo y el varón de hoy», «Los senderos masculinos del placer», «Los artistas y la depresión», «Confesiones íntimas» y la novela «La cara de Dios», entre otros.
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Maryní Callejo comenzó en la producción discográfica (¡dirigiendo a Los Brincos!) en un tiempo en que era impensable que una mujer realizara ese trabajo. Fue la primera productora del pop español, y la única durante décadas. En este libro decide hablar casi por vez primera.Maryní Callejo es algo así como el secreto mejor guardado del pop español. Pionera en la producción discográfica, en 1964 lideró el lanzamiento de Los Brincos, un trabajo impensable para una mujer de aquel tiempo, en una industria dominada por hombres, cuando la propia figura del productor musical era toda una rareza. También arreglista, compositora y pianista de formación clásica, su meteórica carrera la llevó a colaborar con artistas como Massiel, Los Relámpagos,Marisol, Nino Bravo, Fórmula V,Mari Trini o Rocío Dúrcal.Su discreción iba unida a esa actividad que suele permanecer en la sombra, en los locales de ensayo o estudios de grabación, creando el arreglo que daba entidad a una canción, componiendo la línea melódica, ese detalle que la convertía en un hit o dirigiendo a músicos de primer nivel.Maryní Callejo, tras una vida dedicada a la música, se ha animado a rememorar en estas conversaciones con Esther Zecco la que es una de las trayectoriasmás asombrosas del pop. Y lo ha hecho consciente de que con sus palabras y recuerdos ayuda a sacar a la luz una parte esencial de la intrahistoria de nuestra música.Maryní Callejo no fue solo la primera productora del pop español—y de las pocas en la escena internacional—, sino prácticamente la única hasta tiempos recientes, cuando otras mujeres han reclamado su sitio en trabajos que hasta hace muy poco eran exclusivamente masculinos.Desconocida para el gran público es, sin embargo, una de las figuras imprescindibles de la música española.
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Durante los últimos seis años de la vida de Pablo Picasso, Roland Dumas fue su abogado y su amigo. Más allá de esta relación íntima, Picasso también le encomendó la misión de supervisar el destino del Guernica tras su muerte, en particular el traslado del cuadro a España cuando las condiciones políticas fueran las adecuadas. Conocedor de la vida privada del artista que había depositado en él toda su confianza, Dumas conserva numerosos recuerdos de esa época, anécdotas inéditas y abundante documentación. Por primera vez, el historiador del arte Thierry Savatier tuvo acceso a todos los archivos de Roland Dumas sobre Picasso. Durante sus conversaciones, los dos autores se acercan al genio a través de la obra del artista, la gestación del Guernica y la abundante creación de los últimos años. Estos diálogos revelan también aspectos menos conocidos, como la relación de Picasso con los maestros del pasado y sus contemporáneos, sus opiniones políticas, el lugar a menudo controvertido que ocupó su última esposa, Jacqueline, los procesos en los que estuvo involucrado o los tumultuosos episodios de su sucesión. De estos intercambios entre un historiador y un gran testigo surge el perfil, a veces inesperado y siempre fascinante, del último Picasso.
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A finals del segle XIX, Sitges va viure un període de gran esplendor. A la tornada de comerciants pròspers d'Amèrica, s'hi va sumar el desembarcament d'artistes modernistes. Des de llavors, Sitges s'ha convertit en un pol d'atracció cultural, lúdica i turística. La presència actual de museus i festivals la mantenen a primera línia.
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A lo largo de su vida creativa Leonardo da Vinci reflexionó sobre la figura de san Juan. Tuvo que ver en él resabios o máscaras de mitos antiguos, provenientes de otras culturas, que remarcaban su relación con la naturaleza y lo divino. Seguramente relacionó esa figura con la de Orfeo y la de Dioniso o con la de José, el hijo de Jacob, y, aunque, por su biografía y sus escritos, parecería que Leonardo tuvo poco que ver con preocupaciones de orden religioso o místico, sus cuadros sobre Juan indicarían lo contrario.
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Ya sea saltando las grietas, saludando a las urracas o tocando madera, todos buscamos la buena fortuna realizando curiosos rituales. Pero, ¿hay algo de saber ancestral tras el folclore de las supersticiones?En este recorrido, exquisitamente ilustrado, a través de siglos de tradición, Willow Winsham explora los misteriosos orígenes de cien de las supersticiones más enigmáticas de todo el mundo.
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¿Cómo podemos hablar de arquitectura sin hacerlo del ambiente en el que habitamos? La dimensión ambiental está enraizada en el origen de la arquitectura. Esta publicación busca aproximarse a dicha condición desde una realidad contemporánea, entendiendo lo ambiental en el sentido más amplio del término: desde lo meteorológico hasta la intervención sobre el entorno construido, pasando por lo fenomenológico, lo experiencial o lo atmosférico entre otros asuntos.Para llevar a cabo dicha aproximación se pone en valor el diálogo como instrumento de conocimiento, invitando a diez autores a compartir sus puntos de vista sobre estas cuestiones. Sus planteamientos nos descubrirán distintos recursos para vivir de forma más respetuosa con el planeta, al mismo tiempo que nos revelarán sugerentes alternativas a la hora de pensar la arquitectura, reivindicando el interés por lo medioambiental y la reutilización de lo existente como temas centrales en la redefinición del paradigma arquitectónico y cultural de nuestro tiempo.En su conjunto, tal y como apunta en el prólogo del trabajo Philippe Rahm, podemos afirmar que «estas entrevistas reflejan un cambio de paradigma, un acondicionamiento climático generalizado de la disciplina arquitectónica, la cual, más allá del fugaz paréntesis de los combustibles fósiles, retorna al corazón del oficio: el de diseñar formas que abriguen cuando hace mucho frío y que refresquen cuando hace demasiado calor».
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Ya Francisco Pacheco, en su Libro de los retratos de 1599, dejó dicho de Maese Pedro de Campaña, nombre castellanizado de Pieter Kempeneer, que «fue extremado escultor, grande astrólogo, fundado aritmético, geómetra, arquitecto y perspectivo», dedicaciones que sumadas a su condición de pintor excelentemente dotado lo convirtieron en uno de los creadores y humanistas más importantes y afamados de la Europa del Renacimiento. Nacido y formado en Bruselas, perfeccionó su técnica durante una estancia en Italia -de la que no se conservan obras- y desde allí viajaría en 1537 a Sevilla, la gran metrópolis donde alcanzó la madurez artística y, a lo largo de casi tres décadas, realizó el grueso de su producción. Buena parte de esas obras aún pueden contemplarse en los lugares para los que fueron concebidas, como la Catedral o la Iglesia de Santa Ana de Sevilla, otras se han diseminado en grandes colecciones como la del Museo del Prado, la Gemäldegalerie de Berlín, la Galería Uffizi de Florencia o el Louvre de París. Hasta su regreso a Bruselas en 1562, Campaña ocupó una posición relevante en la pintura sevillana, celebrado por su extrema sensibilidad a la hora de describir los episodios de la Pasión y por su enorme calidad en el retrato. La ciudad vivía entonces un extraordinario desarrollo económico, artístico y social, y un pintor como él, que conjugaba con equilibrio el gusto nórdico por el detalle y la técnica italiana de los maestros, se adecuó desde muy pronto a una clientela cada vez más formada, próspera y preocupada por su imagen para la posteridad. En esta imprescindible monografía, el profesor Enrique Valdivieso reúne la obra conocida de Campaña y la analiza desde una perspectiva novedosa, recuperando una pintura que se nos presenta como una de las grandes creaciones del Renacimiento hispánico.
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Les pintures de Sixena
De quina manera una obra mestra del romànic europeu ha esdevingut el símbol d'una batalla política.Les pintures murals del monestir de Sixena són una obra cabdal del patrimoni europeu medieval. Pintades cap a l'any 1200 per un taller d'artistes segurament anglesos, representen l'últim esclat del romànic i mostren la influència de l'art de les croades. Però la seva història posterior, entre el foc i la política, les ha convertides en un símbol de la complexa relació entre art, poder i identitat a Espanya. Des de l'incendi del 1936, quan van ser rescatades heroicament per un equip de catalans dirigits per l'historiador de l'art Josep Gudiol en plena Guerra Civil, fins als litigis judicials del segle XXI entre Catalunya i l'Aragó, les pintures de Sixena han esdevingut molt més que un tresor artístic: són un camp de batalla entre la conservació patrimonial i la reivindicació territorial.
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Aquesta és una guia fotogràfica pensada, especialment, per acompanyar els visitants que desitgin conèixer la ciutat de València, passejant amb el Bus Turístic. El centre històric, els eixamples, el jardí de la Turia, les noves avingudes, la Ciutat de les Arts i les Ciències, la presència urbana del modernisme, el port, les platges urbanes, el parc natural de l'Albufera...són escenaris privilegiats d'aquesta guia visual, on es descobreix que la recreació en imatges dels dos mil·lennis d'història de València constitueixen un autèntic goig per als cinc sentits.
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Desde las primeras anécdotas de su infancia hasta la oración fúnebre que el dramaturgo Franz Grillparzer escribió con motivo de su muerte, el presente libro recopila una amplia selección de testimonios sobre Beethoven escritos por sus directos contemporáneos, aquellos que lo trataron y lo conocieron en su día a día. Por sus páginas desfilan algunas de las más ilustres figuras de la cultura y la historia de los siglos XVIII y XIX (Mozart, Goethe, Rossini, Listz...), ofreciendo un mosaico de cartas, diarios y memorias que forman en conjunto un vívido retrato del genial compositor alemán.El juego de luces y sombras que producen los dispares juicios de cada uno de ellos da como resultado una imagen caleidoscópica que va cambiando y evolucionando en cada página para aportar una perspectiva completa de sus complejidades y pliegues, de su genio artístico, pero también de su vida cotidiana, acercando el Maestro de Bonn a los lectores hispanohablantes en el doscientos cincuenta aniversario de su nacimiento.Pues, como dice Grillparzer en su oración fúnebre: «Era un artista, pero también era un hombre».
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El que m'agradaria que la dansa fos
L'experiència del coreògraf, la complicitat del mestre, la proximitat de qui tradueix en paraules el que fa anys que exercita a la seva vida i en les seves creacions. Cesc Gelabert ens acosta aquí a la veritable essència d'un moviment habitat pel cor i la ment. Els seus espectacles han estat mostraris vius d'aquesta mateixa caixa d'eines, així que el llibre ajuda a entendre com i per què ens movem, però també com i per (a) què s'ha mogut l'artista, des de la «diversitat informada» que sempre ha defensat: conèixer-ho tot de tot arreu, però contribuint a la diversitat general des de la singularitat local. Vet aquí les notes a peu de pàgina d'una obra en marxa, el llibre testimonial de qui sempre ha ambicionat ser «el xaman que somia els somnis de la tribu».
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Pedro Almodóvar ha filmado la mayoría de sus películas en Madrid o, mejor dicho, en los muchos Madrid que hay en Madrid. En todos sus trabajos, la ciudad envuelve a los protagonistas. Este libro ofrece al lector una serie de itinerarios físicos y conceptuales que no sólo permitirán conocer el Madrid que, desde edificios emblemáticos hasta modestos barrios de la periferia, protagoniza sus películas, sino descubrir el modo en que la ciudad se ha convertido en eje vertebral de una cinematografía que no se puede entender sin su presencia. Edición actualizada que incluye Dolor y gloria.
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Con el cine como hilo conductor, este libro realiza un recorrido por las grandes reivindicaciones, hitos, conceptos y figuras destacadas del feminismo, abordando cuestiones de plena vigencia como el debate sexo-género, el techo de cristal, la brecha salarial, la violencia de género y el papel de la mujer en el islam. La obra está estructurada en cinco grandes ejes: la lucha feminista a través de la historia, retos de la mujer en el mundo occidental, la situación de la mujer en España, retos de la mujer en el mundo musulmán y relatos mágicos de lo femenino. Desde el rigor y la profundidad que exige su temática, el libro se ofrece a docentes, alumnado y a cualquier persona comprometida con la igualdad. Cada capítulo incluye una propuesta didáctica coeducativa para trabajar en el aula los contenidos de las películas seleccionadas..
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Sin miedo a la fotografía es una obra didáctica pensada y creada no solo para el fotógrafo que empieza y quiere disponer de una buena base, sino también para aquel que desea ampliar y profundizar en sus conocimientos fotográficos. Se trata de un libro planteado como un curso de fotografía, con numerosas imágenes de ejemplo, gráficas ilustrativas y tareas propuestas, que también se puede usar como manual de consulta.En sus páginas podemos encontrar explicaciones precisas y consejos aplicados a la fotografía, desde la planificación a la edición y el tratamiento posterior de las imágenes, pasando por las cuatro acciones básicas de la toma: composición, exposición, enfoque y disparo.Una obra completa en la que apoyarte para tu aprendizaje, partiendo de los primeros pasos con la cámara hasta la creación de las imágenes más elaboradas, de la mano de Jose Antonio Fernández y Rosa Isabel Vázquez, dos fotógrafos con una gran experiencia docente y autores de varias publicaciones didácticas que se han convertido en libros de referencia, como Sin miedo al flash, Sin miedo al retrato y El proyecto fotográfico personal.Sin duda, la guía definitiva para aprender fotografía, una obra de consulta para disfrutar del arte y toda la técnica del atractivo mundo de la imagen.
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Uno de los libros más exhaustivos e ilustrativos de la obra del polifacético artista mexicano Damián Ortega. Publicado con motivo de la exposición homónima en el Centro Botín, Santander y comisariado por Vicente Todolí que resalta el ingenio y el humor de Ortega para deconstruir objetos y procesos conocidos, alterando sus funciones y transformándolos en experiencias novedosas y situaciones hipotéticas.Textos del comisario y crítico de arte Peio Aguirre. 9 poemas concretos del escritor Rafael Toriz. Conversación entre el artista Damián Ortega y la comisaria Roberta Tenconi.
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L'art de l'escenificació
Aquest és alhora un assaig sobre la creació artística i un estudi sobre els principis tècnics, ètics i estètics de la direcció d'escena. Amb vocació divulgativa, l'autor proposa respostes a les preguntes que es fa qui vol ser director o directora teatral: què cal fer i saber? És un art o un ofici? Es pot parlar d'uns fonaments sòlids de l'art de l'escenificació? Pouant en la seva experiència com a artista de l'escena i com a pedagog, Ramon Simó ens ofereix un viatge que, partint d'una reflexió crítica sobre el concepte d'escenificació, fonamenta històricament i amb l'aportació de diverses teories i tècniques teatrals, literàries o científiques, una manera de fer, uns procediments, una metodologia, sense cap voluntat de convertir-la en un manual de validesa universal.
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Crónica de una filmación y relato de aventuras, esta obra es, ante todo, el agudo testimonio de una experiencia que trastoca, y que para quien narra constituye un profundo aprendizaje creativo, humano e íntimo del que se regresa cambiado. Fillol describe con humor cómo la lógica del imprevisto y del desastre se adueñan del rodaje en medio de un paisaje hostil y de imponente belleza cómo lo es el Atlas.
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La música de baile conocida como bakalao se anticipó a la mayoría de la electrónica global como tendencia de consumo frenético, y ha quedado profundamente unida a la historia social de España. Más allá de lo sonoro y lo estético, fue una forma de vida para varias generaciones, inaugurada en los ochenta en nuestro país y que, con sus metamorfosis secuenciales y cambios en barrena, se extendió hasta entrado el nuevo milenio. De hecho, hoy sirve de inspiración tanto a rememoraciones eruditas como a corrientes internacionales comerciales y tremebundas. Valencia, donde nació, y España, donde arrasó, vivieron hasta sus últimas consecuencias el inicio moderno de la música de baile masiva como hipnosis colectiva. Algo que, años después, se magnificó en el resto del mundo. Un torrente popular de energía y ganas de vivir que, bajo el paraguas de diversas vanguardias en un principio y de la masificación callejera del fenómeno después, se convirtió en una revolución juvenil nacida de la nada y contra la nada. Algo que ha cambiado para siempre el concepto de ocio nocturno, convirtiéndolo en una carrera sin freno hacia un presente constante, eterno y desbocado de hedonismo. Este ensayo periodístico, publicado en 2004 en catalán y ahora actualizado y traducido por primera vez al castellano, es un análisis pionero del fenómeno desde una perspectiva sociológica. Rastrea desde sus inicios, llegando a sus consecuencias y pervivencias, uno de los fenómenos contraculturales más atronadores vividos en nuestro país en las últimas décadas.
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Diari d'un astre intercomarcal
L'obra es fonamenta en els textos que durant els darrers anys s'han treballat tant en el blog com en la pàgina web de l'autor, i consta de dos blocs diferenciats. En primer lloc presenta una ressenya autobiogràfica marcadament humorística però fidedigna a la seva trajectòria artística. El segon bloc és el dietari pròpiament dit, que constitueix el gruix de l'obra. El dietari és una barreja de textos diversos que ofereixen una visió àmplia de l'univers creatiu de l'autor i constantment guarnit de tocs humorístics: lletres de cançons, ressenyes de concerts, correspondència amb col·laboradors, comentaris d'actualitat, jocs lèxics i literaris, etc. Entre les entrades diverses destaquen les 17 parts de l'obra èpica inacabada Els amants de la Fatarella, així com la sèrie de textos Viatge a Egipte.
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El luthier de Delft es una obra que analiza la música (aunque también el arte y la ciencia) del siglo xvii, especialmente centrada en la cultura neerlandesa. El libro gira en torno a tres personajes centrales, el pintor Jan Vermeer, el filósofo Baruch Spinoza y el músico Jan Pietrszoon Sweelinck. A partir de ellos, el lector se encontrará con la construcción de instrumentos musicales, sus maderas y barnices, así como con el papel de la mujer en el arte y la música, la vida de los pintores y el mundo simbólico de sus obras y los estudios científicos destinados a la óptica y la difusión del telescopio. Un libro lleno de resonancias y armonías, sabiduría y sutileza.
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En 1975, Bob Dylan y su Rolling Thunder Revue recorrieron veintidós ciudades del noreste de los Estados Unidos. Una banda formada por músicos de fama mundial reinventabala tradición musical americana, los poetas declamaban sus versos y los participa
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La postproducción es una parte importante de la fotografía. El retoque ayuda a lograr mayor expresividad en las imágenes, así como a desarrollar un estilo personal. Así mismo, una postproducción desordenada o sin criterio puede arruinar una fotografía. Este libro está orientado a crear una estructura de edición que sirva como base para cualquier fotógrafo interesado en avanzar en el retoque de retratos. Ofrece un flujo de trabajo ordenado y coherente para trabajar desde el RAW hasta el acabado final. También busca ofrecer técnicas que ayuden al fotógrafo a expresarse de forma creativa mediante la postproducción. No es un simple manual de retoque. Es una guía de apoyo para organizar el trabajo del fotógrafo, pero dando opciones variadas para que puedan desarrollar un estilo personal.
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Promovido por el programa de radio Cowboys de medianoche, más de 800 oyentes han votado las 15 mejores películas de su vida. Este libro recoge el nombre de todos los votantes, así como las listas completas de un nutrido grupo de expertos cinematográficos. a atención sobre la comunidad hispana o latina en su conjunto, su carácter resiliente y sus señas de identidad. La ley de hierro de la desaparición en tres generaciones de las lenguas de la inmigración sigue sin cumplirse de un modo definitivo en los Estados Unidos, porque aquí el español es mucho más que una lengua de inmigrantes. Esta crónica presenta diversos registros de escritura: columnas periodísticas, artículos académicos, entradas de blog. Su contenido se ha ordenado por temas: lengua, convivencia, educación, represión, escenas cotidianas y perfil de grandes ciudades. En todos ellos se proyectan las luces y las sombras de la realidad hispana en los Estados Unidos de América.
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Un banquero multimillonario invierte 12 millones de dólares por el cadáver de un tiburón descomponiéndose dentro de una tinaja. Un lienzo lleno de gotas de colores se vende por 140 millones de dólares. Una chaqueta de cuero abandonada en una esquina se subasta por la suma de 690.000 dólares. Si el negocio del arte moderno es serio, ¿por qué parece una broma? En este recorrido ameno y fascinante por las casas de subastas, las galerías y el mundo de los coleccionistas, Don Thompson desvela los secretos económicos y las estrategias de marketing que impulsan al mercado a producir los precios astronómicos a los que se cotizan las obras de los grandes artistas, de Basquiat a Koons, Tàpies o Jasper Johns. Thompson nos acerca a la psicología y los intereses que mueven el mercado artístico para recordarnos que en el arte contemporáneo, como en tantos otros campos, la línea que separa la cultura y el negocio es difusa pero clara.
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Frente al tiempo lineal, acelerado y capitalizado del presente, en las últimas décadas un gran número de artistas ha tratado de explorar modalidades alternativas de experiencia temporal: interrupciones, demoras, alteraciones, saltos, discontinuidades, desincronizaciones... contratiempos que ponen en jaque un imperialismo cronológico cuyo origen puede buscarse en los albores de la modernidad y cuyos efectos llegan hasta nuestros días, multiplicados y expandidos. Partiendo del análisis de la obra de artistas como Rodney Graham, Tacita Dean, Fernando Bryce, Patrick Hamilton o Xu Bing, y de pensadores como Walter Benjamin, Georges Didi-Huberman, Mieke Bal o José Luis Brea, los ensayos de este libro modulan esa tesis a través de una serie de cuestiones fundamentales para entender el arte y la cultura visual de las últimas dos décadas: la potencia crítica de la obsolescencia y el retorno de la materialidad, el arte de historia y su cuestionamiento de la linealidad temporal, el anacronismo y la heterocronía, las estéticas migratorias, la complejidad del arte global, el fenómeno del bienalismo y la ética curatorial, las políticas del arte o la potencia del pensamiento visual. Cuestiones todas atravesadas por la convicción de que el arte piensa y nos hace pensar, y que, hoy más que nunca, se configura como un espacio único para ensayar formas críticas y diferentes de recordar el pasado, habitar el presente e imaginar el futuro.
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William Morris es una de las figuras culturales y políticas más importantes de la Inglaterra de finales del siglo xix. Su labor se extendió por la poesía, la pintura, la novela, el grabado, la edición, la decoración y un largo etcétera de «facetas» a las que hay que sumar la de socialista y revolucionario durante las últimas décadas de su vida. Sin embargo, Morris siempre estuvo convencido de que a través de la arquitectura se podían conjugar todos estos aspectos parciales en una actividad artística que en verdad estuviera unida a la vida de las gentes y facilitara tanto las relaciones sociales como la expresión artística de la comunidad de la que salía. Sobre esta convicción, Morris desarrolló a lo largo de toda su vida una deslumbrante labor teórica acerca del papel social de la arquitectura, así como de la forma en que se crean, suceden y decaen los diferentes estilos, cuyas particularidades serían consecuencia del estado de las relaciones sociales, culturales y económicas concretas de cada sociedad en el tiempo. Aunque Morris nunca recopiló sus ensayos sobre el tema, esta preocupación por la arquitectura recorrió toda su obra y le inspiró algunos de sus textos más importantes. La presente antología recoge una amplia selección razonada de estos escritos, muchos de ellos inéditos en castellano hasta la fecha.
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La mirada incisiva de John Berger inaugura nuevos modos de ver donde la mirada hacia el arte y hacia la vida se confunden combinando un exhaustivo análisis que tiende a ser 'objetivo', entre materialista y purovisualista. El ojo de la cámara y el ojo del artista nos hablan del significado oculto en la mirada cotidiana con la que contemplamos paisajes, animales o personas queridas. En los lienzos de Millet, Courbet, Turner, Magritte y Bacon, Berger evoca experiencias que confunden el propio misterio que rodea al arte con nuestras propias vidas, paseando entre categorías literarias, del relato al ensayo, sin casi reparar en ello.
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'La práctica hace al maestro''. Este dicho también se aplica a la escritura, y aprender a escribir es fácil, siempre y cuando se mantenga una práctica regular. Elija los abecedarios que más le gusten y diviértase. Solo de esta manera podrá desarrollar el amor y la paciencia para mantenerse activo en la práctica hasta conseguir dominar las letras.Con este cuaderno de ejercicios, practicar resulta sencillo. Sumérjase paso a paso en el fascinante mundo de la escritura: ¡podrá implementar cada abecedario directamente en la hoja de ejercicios correspondiente! Todo ello con la ayuda de las instrucciones detalladas para cada letra individual. No solo podrá conocer las escrituras caligráficas más importantes, sino que también aprenderá todo lo que necesita saber sobre el espaciado entre letras y el diseño de páginas. En los capítulos sobre lettering, las formas de las letras constituyen el centro de atención. ¡Pruebe los diferentes estilos y dé rienda suelta a su creatividad!
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Leer a manotrata de la percepción, algo que no atañe solo a la vista: las obras de arte y los edificios poseen cualidades táctiles, que influyen, hasta de forma inconsciente, en las sensaciones que nos producen. También es un «elogio de la lentitud» aplicado a las artes y a la arquitectura, una defensa del ritmo pausado que se precisa tanto para crear algo como para contemplarlo y comprenderlo. Las artes y los oficios conllevan experiencias que nos conforman como humanos. Sus frutos pinturas, esculturas, edificios, novelas, cómics, películas poseen valor por ser el resultado, necesariamente imperfecto y en gran parte imprevisible, de la lucha de determinados seres humanos en incruentos campos de batalla, sembrados de estímulos y de limitaciones. Crear y producir no son lo mismo. Crear es un acto en el que interviene toda la fuerza y volubilidad que late en cualquier vivencia, producir es replicar los resultados aparentes de la creación en lo que viene a ser un simulacro, donde prevalecen la previsibilidad y el sometimiento a la rentabilidad que impera en cualquier bien de mercado. Ante esta encrucijada, crear, incluso cuando uno busque ganarse la vida con ello, puede convertirse en un acto revolucionario, un gesto de resistencia ante la mercantilización que impregna en nuestros días cada una de las actividades humanas. Las artes y la arquitectura no pueden convertirse en el resultado de procesos ajenos al devenir vital de quienes las creamos, contemplamos, usamos y habitamos.
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Cofundador de los Beach Boys, Wilson compuso buena parte de la atemporal banda sonora del pop más lisérgico ?y no solo apto para surferos? de los años sesenta. Con especial cuidado en la armonización de sus canciones y exquisito paladar para la instrumentación, sus letras nos transportan desde el indolente vitalismo playero y asilvestrado jipismo a las oscuras simas de este genio torturado. Sus temas, hoy míticos, dan fe del alcance de la revolución que llegaría de la mano de este sofisticado talento natural. Con el coraje y la iluminación de quien tiene el ego convenientemente hecho trizas, Wilson nos invita a sumergirnos en el vertedero de sus recuerdos. Por fin, las memorias de uno de los más grandes protagonistas de aquella década prodigiosa?
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¿Cuál es la distancia que separa una obra de arte valiosa de la que no lo es? ¿Acaso es una mera cuestión de gusto, de bagaje, de canon, de accesibilidad, de marketing? Juan Cárdenas aventura en este libro una teoría: «Todo gran arte trae consigo la marca de la ligereza». No es tan fácil distinguir lo ligero de lo pesado, pero hay algo que está claro: la fuente primordial de la ligereza es el placer. El arte da placer no porque imite a la vida, sino porque es capaz de traducir sus leyes secretas al lenguaje de las formas sensibles. Y la vida es ligera, fugaz, esquiva, grácil, vulnerable y resistente de un modo inexplicable. En su afán por desentrañar este concepto, el autor nos lleva de la mano por una serie de cuestiones esenciales para reflexionar sobre lo que hoy consideramos digno de admiración, ya sean las modas, lo militante, las inercias del mercado, la posibilidad de la utopía o el lado oscuro de uno de los mantras de la sensibilidad contemporánea: la búsqueda de la autenticidad. Un recorrido original que acaba por ser, además, una manera de esclarecer los mecanismos de su propia escritura. La precisión y la afabilidad de su prosa, la plasticidad de sus ideas y su deslumbrante capacidad para exponerlas de una forma tan sencilla como profunda hacen de La ligereza un ensayo estimulante y fértil, una grieta luminosa en el imperturbable territorio de lo mayoritario.
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La arquitectura clásica es un lenguaje visual y, como tal, tiene sus propias normas gramaticales. Con esta premisa de partida, John Summerson nos introduce en los fundamentos y los orígenes de la arquitectura clásica y, por medio de un recorrido histórico, pone de manifiesto el sustrato clásico que se esconde en la arquitectura desde la Antigüedad hasta los tiempos modernos. Este libro compila seis programas radiofónicos emitidos por la BBC que Summerson realizó en 1963 para explicar la arquitectura clásica al gran público en un momento en el que la arquitectura moderna se encontraba en plena crisis. Académico erudito y experto en arquitectura británica, Summerson no solo fue capaz de aunar rigor y nivel divulgativo, sino que, a través de estos breves ensayos, ofreció una visión totalmente nueva de la arquitectura clásica que rápidamente se propagó y fue adoptada como uno de los argumentos de la arquitectura posmoderna. Esta nueva edición, totalmente revisada y con un nuevo diseño, vuelve a poner en valor todo un referente de la crítica de la arquitectura del siglo xx.
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