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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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Suivant une voie moyenne entre recueil et synthèse, le livre propose une vue d’ensemble de recherches basées sur un considérable travail d’heuristique sans cesse élargi, dont l’avant-propos évoque la genèse, lesétapes et les limites. L’ouvrage s’efforce de présenter avec cohérence une matière largement remaniée faite d’études de cas, d’analyses nuancées de dynamiquesdiverses, de bilans partiels, d’ouvertures et de pistes de recherche pour une période allant du VIe aux premières décennies du XVIe siècle.Sous le titre «Vénération des images et miracles dans le haut Moyen Âge:Rome, l’Italie et les pays transalpins», la premièrepartie fusionne deux travaux datant des débuts de larecherche avec bon nombre de modifications et de mises à jour. La deuxième rassemble, avec moins d’interventions, diverses études significatives concernant descrucifix et d’autres images du Christ. La troisième,la plus longue et la plus restructurée, porte sur laconsécration des images, sur les rapports et l’importance respective des représentations des saints autres que la Vierge et de leurs reliques ainsi que sur lerecours de plus en plus marqué aux effigies de la Mère de Dieu.À l’initiative des éditeurs scientifiquesde la série ouverte par ce livre, celui-ci est pourvud’un ample dossier iconographique réalisé par Fuensanta Murcia Nicolás, postdoctorante à l’Université deMurcia.
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LAS CLAVES DE LA CREACIÓN DE LA EXITOSA SERIE DE NETFLIXSumérgete en el desarrollo y la producción de la serie de Netflix The Umbrella Academy, con una recopilación de cientos de imágenes detrás de las cámaras de la primera temporada.- Una mirada exclusiva tras las cámaras de la producción de Netflix que adapta The Umbrella Academy- Explora el proceso de la página a la pantalla de la exitosa serie de Gerard Way y Gabriel Bá para Dark Horse Comics- Incluye arte exclusivo del equipo encargado de la producción de la serieTanto si eres un seguidor fiel de los cómics como un recién llegad ogracias a la serie de Netflix, ¡no te querrás perder este fantástico libro!
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La gestión cultural, es sabido, vive desde hace años una etapa de notorio auge. Esta circunstancia obedece a la necesidad de armonizar el ingente campo de las Humanidades con las innovaciones que conllevan las nuevas tecnologías. Por dicha razón, ha crecido de manera exponencial la demanda de profesionales bien formados y capaces de gestionar un patrimonio de singular riqueza desde el respeto al pasado, al legado artístico, pero con la mirada puesta asimismo en el futuro inminente. Ahora bien, ¿qué hace exactamente un gestor cultural? ¿Dónde desarrolla su labor? ¿Qué formación requiere para ejercer con garantías de éxito su imprescindible labor? Este libro da cumplida y amena respuesta a todas esas preguntas. Una correcta gestión cultural supone el desempeño de una tarea multidisciplinar, en la que confluyen ámbitos muy diversos (la comunicación, la gestión administrativa, la tecnología...). Así pues, en función del entorno concreto donde se desarrolle, las funciones del gestor cultural habrán de contemplar elementos dispares. No son pocas las diferencias existentes entre hacerlo en un ayuntamiento o en un museo. Pero ambos tienen un elemento en común: la figura del gestor cultural. ''Este libro ofrece ideas, conceptos, estrategias y propuestas generados a partir de la propia experiencia de su autor. Expresados de forma amena, ayudarán sin duda al gestor cultural en el inicio de su carrera profesional, pudiendo aportar también una nueva visión al profesional en activo''. ANA VELASCO, presidenta de la Federación Estatal de Asociaciones de Profesionales de la Gestión Cultural ''Aborda la gestión cultural de forma clara y precisa, con aproximaciones acertadas a casos concretos. Este manual será de enorme utilidad para los profesionales del sector''. RAFAEL LÓPEZ GUZMÁN, Catedrático en Historia del Arte
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Las intuiciones de Diderot sobre los problemas expresivos y compositivos, sobre el dibujo y el color o sobre el claroscuro reflejan poderosamente el debate dela segunda mitad del siglo XVIII en torno a las artesfigurativas, tanto que su Ensayo sobre la pintura impresionó profundamente a los pensadores alemanes másdestacado de su siglo -Lessing, Schiller y especialmente Goethe, que los traducirá añadiendo sus propios comentarios-, y anticipan muchas de las cuestiones queabordará la crítica de arte posterior, influyendo notablemente sobre los escritos de arte de autores comoBaudelaire, Zola o Apollinaire.
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El 11 de julio de 1897, el científico Salomon AugustAndrée, el ingeniero Knut Frænkel y el fotógrafo NilsStrindberg se embarcaron en el Örnen, un globo aerostático con el que pretendían explorar el Polo Norte.La increíble expedición, seguida con apasionado interés por la sociedad sueca de la época, tuvo un desenlace fatal: después de tres días de vuelo, el globo descendió hasta caer en un banco de hielo y los tres intrépidos aventureros subsistieron unos meses hasta fallecer. Probablemente, la aventura del Örnen se habríaido desvaneciendo en la memoria escrita y oral europea si no fuera porque, 33 años después, en una nuevaexpedición ártica, se halló el último campamento de los exploradores suecos. Entre sus pertenencias se encontraba todo el material fotográfico que había ido elaborando Nils Strindberg y, de repente, la cuasi leyenda del Örnen se hizo imagen.Esta historia esla que da origen al presente coloquio en dos ensayosentre el fotógrafo y crítico Joan Fontcuberta y el filósofo Xavier Antich. El viaje del Örnen y el legadode negativos fotográficos de Strindberg -deteriorados como un cuerpo herido- sirven a Fontcuberta para reflexionar sobre la humanidad de la fotografía y la perdurabilidad de las imágenes en una época en la que parecen haber perdido precisamente su carácter material esencial. Para el pensador, las fotografías puedenllegar a ser tan enigmáticas como la vida: nacen en un instante, fijan un momento y, a medida que pasa eltiempo, adquieren nuevas dimensiones vinculadas a lamemoria. Todo ello lleva a Antich a reflexionar sobrela propia construcción de la mirada y la memoria visual no solo a través de la fotografía sino también através del arte y la literatura.Dos ensayos incisivos que aportan una inteligente revisión del papel de la fotografía en nuestra saturada cultura audiovisual actual y, más allá de los límites del análisisfotográfico, nos regalan una estimulante exploraciónde ''lo humano'' en tiempos de algoritmos e inteligencia artificial.
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La música és casa meva
La música fa millors les persones i la societat? Al llarg del temps, els fi lòsofs s’han plantejat aquesta qüestió amb un gran escepticisme. Alicja Gescinska afirma que la música escampa una influència positiva sobre nosaltres i pot tenir un paper important en el nostre desenvolupament personal i ètic. Avui, però, té poca rellevància en l’educació i la vida quotidiana, i la considerem només una font de relaxació, entreteniment o consol.En aquest assaig tan lúcid i clar en les formes i en els continguts, Gescinska assegura que la música és un dels fonaments de la nostra existència: ens fa més empàtics i estimula l’experiència creativa humana. La música dona forma al nostre lloc al món i sempre ens fa sentir a casa.«La música no només amplia la nostra comprensió dels altres, sinó també de nosaltres mateixos. En la música aprenem qui som i de què som capaços. La música contribueix a l’autoconeixement i el desenvolupament personal, i això és un component rellevant de la seva importància moral. »
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'El cine comienza con Goya'' cuenta los orígenes y creación de un lenguaje universal que será la matriz original del cine. Goya creó ese lenguaje visual dondese funda el lenguaje universal del cine. A la matrizgoyesca del lenguaje cinematográfico serán fieles todos los patriarcas fundadores. Georges Méliès, D. W. Griffith, Friedrich Wilhelm Murnau, Sergueï Eisenstein, Carl Theodor Dreyer, Fritz Lang, Alfred Hitchcock,Orson Welles, Luis Buñuel, Akira Kurosawa, Billy Wilder, John Huston, Stanley Kubrick, Andrzej Wajda, Jean-Luc Godard, Éric Rohmer, Néstor Almendros, Luis García Berlanga, Carlos Saura, entre otros grandes maestros, utilizan, rinden homenaje y enriquecen el lenguaje universal concebido y creado por Goya para tocar latécnica y herramientas fotográficas con la gracia deun arte nuevo compartido por todas las civilizaciones.
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En 1928, Federico García Lorca escribió e impartió la conferencia sobre las «Canciones de cuna españolas» que ahora presentamos. Toda una obra de orfebrería literaria a la par que mapa melódico y social -muy respetuoso y tierno- de los pueblos de España y de sus múltiples entresijos. Vaya por delante que no es esta una edición crítica, sino popular y de lujo, que cuenta con una hermosa presentación del escritor José Javier León. «En esta conferencia no pretendo, como en las anteriores, definir, sino subrayar, no quiero dibujar, sino sugerir. Animar, en su exacto sentido. Herir pájaros soñolientos. Donde hay un rincón oscuro, poner un reflejo de nube alargada y regalar unos cuantos espejos de bolsillo a las señoras que asisten». Con estas palabras iniciaba el poeta granadino la que posiblemente fuera su conferencia más hermosa, más lograda. Una obra que deslumbra por su sensibilidad y rigor tanto en el contenido como en la forma y que seduce con su arrullo recordándonos, una vez más, por qué Lorca es uno de los escritores de nuestro país más importantes de todos los tiempos.
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Si en tiempos premodernos las mujeres fueron consideradas físicamenteinferiores a los hombres, se insistía en su irracionalidady se las recluía a la vida doméstica, eso no significa que todas ellasestuvieran privadas de capacidad de decisión ni que sus vidas fueranirrelevantes para la cultura y la sociedad de su tiempo. Aunquefueron experiencias minoritarias, hubo mujeres que se destacaronen el ámbito público, e incluso otras heroicas, símbolos de la virtudfemenina, la justicia y la fortaleza.La historia de Tomiris es, precisamente, una de esas anomalías:reina de los masagetas (siglo VI a. C.), ante una amenaza exteriorcontra ella y su pueblo, actuó con inteligencia, valentía y singularjusticia. Este libro se ocupa tanto de su historia como de la vida póstumade su figura, de las fuentes de quienes la contaron y de las apropiacionesy usos que hicieron de ella. Recorrer esos caminos nospermite descubrir también algunas de las expresiones culturalesy sociales que se opusieron a la emancipación de las mujeres, asícomo las que propusieron, justificaron y posibilitaron un papeldistinto para ellas en el pasado.
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El 27 de abril de 1991, el pequeño Abel, de tres años de edad, fue secuestrado por la persona que había asumido su paternidad a efectos legales. Seis meses más tarde fue encontrado en un pequeño pueblo de Extremadura, en un estado cercano a la desnutrición, y habiendo perdido, según los informes oficiales, la «alegría de vivir». Treinta años más tarde, el artista Abel Azcona desarrolla una estremecedora obra en tres momentos. El primero de ellos supone la repetición exacta del viaje junto a la persona que le secuestró. Un año después, Azcona invita al coprotagonista de la obra a formar una instalación corporal mediante performance ante la mirada del público asistente en la Sala Amós Salvador de Logroño. Finalmente, esta misma sala ha acogido la muestra expositiva con toda la documentación, cerrando el proceso de varios años de duración. «Volver al Padre» de Abel Azcona es un viaje iniciático detonado con la intención de restablecer un vínculo dañado, pero no limitándose a dejarlo atrás sino retomándolo de forma cruda y directa. El presente libro compila la base teórica y el material documental de todo el proceso, así como los emocionantes escritos personales de Abel Azcona sobre su experiencia.
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«El esoterismo musical gira en torno al hecho de que no toda la música se escucha solamente con los oídos. Hay otra música del alma y de las esferas, que da su razón de ser a la música audible, aquella que es cantada por voces o interpretada con instrumentos.» Sobre esta premisa, en el primero de los dos textos de esta edición, Joscelyn Godwin, uno de los grandes conocedores de la tradición pitagórica y de su influencia en la música occidental, desgrana a través de distintos periodos dicho poder: de los míticos Apolo y Orfeo a la música renacentista, barroca o romántica. Filósofos, historiadores y teóricos de la música, desde Escoto Erígena, Macrobio y Boecio hasta Goethe, Steiner o Gurdjieff, pasando por Marsilio Ficino y Robert Fludd, son algunos de los nombres que se cruzan en estas páginas en las que la inspiración poética y filosófica se alía al estudio de la «música de las esferas» y de su influencia en el ser humano a lo largo de los siglos, desde el lejano Paleolítico, en el que lo simbólico era algo palpable, hasta nuestros días. Completa esta publicación otro texto de Godwin: El resurgimiento de la música especulativa, aquella que hace «observar el cosmos de manera musical, y la música de manera cosmológica». Aquella que, como un espejo (speculum), ayuda a contemplar la arquitectura del cosmos e interiorizar ciertas verdades que no pueden ser miradas directamente, sino como Perseo hace, mediante el reflejo de su escudo, para dar caza a la Medusa.
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Estas páginas pretenden que recorras la historia de uno de los edificios más sublimes de la humanidad y que lo conozcas como si estuvieras paseando entre sus columnas y contemplando sus patios. Hemos querido acercarnos a cada uno de sus rincones y contemplarlos con capacidad de crítica. Escrito por auténticos expertos en Historia del Arte, al-Ándalus y la ciudad de Córdoba, creemos que su lectura resultará tan singular como ella misma: un espacio ecléctico que ha sabido conjugar y aunar lo diferente enriqueciéndolo. Descubre los secretos y los tesoros de una construcción singular, un ejemplo de diálogo artístico entre culturas y religiones, del que podemos aprender muchísimo hoy en día. «Este antiguo y fantástico palacio posee una magia singular, un especial poder para hacer recordar sueños y cuadros del pasado y para presentarnos desnudas realidades con las ilusiones de la memoria y de la imaginación.» Washington Irving
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Abrosyne es un libro fotográfico de Carlos León, que según el propio autor se trataría de un “cuaderno de notas”, que incluye más de un centenar de imágenes acompañadas de breves textos del artista. Para él las páginas que conforman el libro “recogen un imaginario, una asociación articulada de imágenes, de lo que suelo llamar suministros para la inspiración“. Todas las imágenes han sido producidas por León, menos la del retrato del artista, que fue realizada por Francisco de las Heras.
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Extrovertida, lluminosa i orientada cap al mar, València ha experimentat una transformació urbanística important en les darreres dècades. L'arquitectura de vanguàrdia conviu amb un llegat cultural i monumental d'accents barrocs, gòtics i modernistes. Ciutat bulliciosa i alegre, durant les seves festes col·lectives als carrers es barregen la música, el foc, el ritual i la pólvora.
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Reflexions sobre cinema
L'esperadíssima primera obra de no-ficció de Quentin Tarantino. Un llibre molt personal: un viatge íntim per les seves pel·lícules preferides que ens fa entendre per què Tarantino fa el cinema que fa. A més de ser un dels cineastes contemporanis més cèlebres que hi ha, Quentin Tarantino és probablement l'espectador de cinema més capaç de contagiar el seu amor pel setè art. Durant anys ha repetit que no estava a punt per escriure llibres sobre pel·lícules. Finalment ho ha fet, i val a dir que llegint-lo es comprèn profundament per què Tarantino fa el tipus de cinema que fa. Organitzat al voltant de les pel·lícules americanes més importants dels anys setanta (de les més violentes a les més tòrrides), que va veure per primer cop de nen i que ha anat revisitant compulsivament al llarg de la seva vida, aquest llibre és tan intel·lectualment rigorós i perspicaç com divertit i entretingut. Reflexions sobre cinema és, alhora, crítica cinematogràfica i teoria del cinema, un meravellós reportatge literari i unes memòries excepcionals, a l'altura de clàssics del gènere com Hitchcock i Truffaut o Buñuel. El que n'ha dit la crítica: «No pot sorprendre ningú que la crítica cinematogràfica de Tarantino sigui tan rotunda, intel·ligent i enlluernadora com les seves pel·lícules». The New York Times «L'entusiasme, la generositat i el singular punt de vista de Tarantino reforcen els seus arguments, i fins i tot quan fa caure els seus herois, ho fa per amor... Intel·ligent i obsessiu, Tarantino és molt divertit i difícil de superar». Publishers Weekly «Descarat i audaç [...]. Nodreix tant com apassiona, està ple de vida en el millor sentit possible. Es nota que a Tarantino li agrada analitzar les pel·lícules a fons». The Guardian «Un debut de no-ficció de primer nivell d'un artista únic». Kirkus Reviews «Reflexions sobre cinema és un llibre del tot captivador. Amb observacions agudes i intel·ligents, opinions disteses i anàlisis afilades entre personalitats i èpoques, sembla dissenyat per afavorir grans discussions». The New Yorker
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A lo largo de una fructífera vida consagrada al arte, Joaquín Sorolla forjó un estilo propio, lleno de luz, color, incluso sabor. Pero en su vasta obra también abordó estilos con los que habitualmente no se le identifica, como el costumbrismo, el modernismo o la pintura social, e incluso realizó una importante obra en tonalidades oscuras. Triunfó en Roma, París o Nueva York y recorrió España para pintar sus rincones y sus gentes. A los cien años de su muerte, su obra sigue muy vigente. Con el ritmo de una novela de intriga y el estilo de un narrador con voz propia, Sorolla en 30 claves muestra el perfil humano y revindica la riqueza artística de este singular pintor. El libro se ilustra con una selección de las obras de Sorolla, así como con obras de precursores, coetáneos o admiradores del artista, y otras imágenes variadas (desde los lugares en que vivió hasta objetos de la época) que en su conjunto contextualizan y ofrecen una cuidada edición.
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Uno de los libros más exhaustivos e ilustrativos de la obra del polifacético artista mexicano Damián Ortega. Publicado con motivo de la exposición homónima en el Centro Botín, Santander y comisariado por Vicente Todolí que resalta el ingenio y el humor de Ortega para deconstruir objetos y procesos conocidos, alterando sus funciones y transformándolos en experiencias novedosas y situaciones hipotéticas.Textos del comisario y crítico de arte Peio Aguirre. 9 poemas concretos del escritor Rafael Toriz. Conversación entre el artista Damián Ortega y la comisaria Roberta Tenconi.
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Anatomía para artistas es un extenso compendio de fotografías y dibujos detallados y de alta calidad, donde se muestra la figura humana en múltiples formas, tamaños y posturas, que constituye una sólida base para el arte de crear personajes. Esta biblioteca exhaustiva y detallada de recursos visuales contiene impresionantes fotografías y dibujos completos que muestran la estructura muscular de diferentes tipos de cuerpos. Todas estas referencias masculinas y femeninas constituyen un inestimable punto de partida para el arte basado en el cuerpo humano. Si eres escultor tradicional, pintor al óleo o artista digital 3D, los recursos que encontrarás en este libro te resultarán útiles e informativos, esenciales para mejorar la calidad y la precisión de tu propio arte.
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Sin miedo a la fotografía es una obra didáctica pensada y creada no solo para el fotógrafo que empieza y quiere disponer de una buena base, sino también para aquel que desea ampliar y profundizar en sus conocimientos fotográficos. Se trata de un libro planteado como un curso de fotografía, con numerosas imágenes de ejemplo, gráficas ilustrativas y tareas propuestas, que también se puede usar como manual de consulta.En sus páginas podemos encontrar explicaciones precisas y consejos aplicados a la fotografía, desde la planificación a la edición y el tratamiento posterior de las imágenes, pasando por las cuatro acciones básicas de la toma: composición, exposición, enfoque y disparo.Una obra completa en la que apoyarte para tu aprendizaje, partiendo de los primeros pasos con la cámara hasta la creación de las imágenes más elaboradas, de la mano de Jose Antonio Fernández y Rosa Isabel Vázquez, dos fotógrafos con una gran experiencia docente y autores de varias publicaciones didácticas que se han convertido en libros de referencia, como Sin miedo al flash, Sin miedo al retrato y El proyecto fotográfico personal.Sin duda, la guía definitiva para aprender fotografía, una obra de consulta para disfrutar del arte y toda la técnica del atractivo mundo de la imagen.
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Tres días en la montaña, tres días para conocer lo secretos de la naturaleza y, también, descubrirse a uno mismo. El viaje iniciático de Bruno y su enigmático tío. El narrador es un joven de diez años, que considera a Bruce como una especie de tío envuelto en misterios. Tras tres años de silencio, el hombre ha venido a cumplir la promesa que le hizo al niño: tres días en la montaña, tres días para descubrir el mundo de las montañas. Pero este viaje también será una oportunidad para descubrirse a uno mismo y, por qué no, aprender a trazar su propio camino.
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La exposición Tina Modotti(Údine, 16 de agosto de 1896-Ciudad de México, 5 de enero de 1942) recupera la figura de esta artista a la que se ha venido conociendo paulatinamente desde la década de 1970. Además de hacer hincapié en su relación con España, la muestra realiza por vez primera una reconstrucción sin fisuras de la figura de Modotti, tanto en su faceta de artista/fotógrafa como en la de revolucionaria /militante antifascista. Gracias al extenso trabajo de investigación de la comisaria de la muestra, Isabel Tejeda, y debido a la escasa producción de la fotógrafa, la exposición que hoy presenta Fundación MAPFRE reúne alrededor de 240 fotografías a lo largo de un recorrido cronológico que se divide en cuatro secciones. Se exponen en su mayoría copias de época y una extensa muestra de material documental. Además, se presentan obras de fotógrafos de su entorno cercano como Edward Weston, así como una de las películas que Modotti protagonizó en Hollywood.El catálogo de la exposición recoge las fotografías y material documental expuestos, además de los ensayos de la comisaria Isabel Tejeda y diversos autores, Jorge Ribalta, Rosa Casanova, David Caliz, Laura Branciforte, Claudio Natoli, Eva M. Vives.
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Un maestro de la crítica nos guía por el arte del siglo XX En las críticas aquí reunidasse dan cita diversos artistas, personajes y movimientos artísticos. J. F. Yvars prodiga sus amplios conocimientos de historia del arte y ofrece una magníficaretrospectiva del arte moderno en la que nos invitaa reflexionar sobre el hedonismo y la sensualidad en la obra de Matisse, la deformación pictórica en lade Bacon, la estética visionaria de Balthus, el genio creador de Picasso o las provocaciones de Duchamp.Además, el discurso de Yvars dialoga con pensadoresde la talla de Benjamin, Adorno o Clark. Sobre el autor y su obra:«Yvars lleva más de medio siglo descifrando la experiencia estética en palabras.»ABC «Yvars no habla solo de arte, sino que lo inserta siempre en el mundo culturalcontemporáneo.»Josep Maria Castellet, El País
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Desde su nacimiento en Zanzíbar hasta su auge como artista en el Live Aid, de la persona tímida al frontman más descarado de la historia del rock, de sus increíbles giras a su estoico final, en estas páginas encontrarás la realidad y el deseo de un ser terrenal que sigue siendo un icono en el nuevo milenio. A través de más de cien entrevistados, buscando en hemerotecas, el autor de este libro intenta hallar en las palabras de quienes vivieron junto al cantante de Queen (productores, amigos, músicos o fans) la fuente de su creatividad. Una investigación que parte de la persona para afrontar el mito que nos sobrevivirá, tratando de encontrar el porqué de Mercury en Freddie. Todo lo que no te contaron en la oscarizada película Bohemian Rhapsody.
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La postproducción es una parte importante de la fotografía. El retoque ayuda a lograr mayor expresividad en las imágenes, así como a desarrollar un estilo personal. Así mismo, una postproducción desordenada o sin criterio puede arruinar una fotografía. Este libro está orientado a crear una estructura de edición que sirva como base para cualquier fotógrafo interesado en avanzar en el retoque de retratos. Ofrece un flujo de trabajo ordenado y coherente para trabajar desde el RAW hasta el acabado final. También busca ofrecer técnicas que ayuden al fotógrafo a expresarse de forma creativa mediante la postproducción. No es un simple manual de retoque. Es una guía de apoyo para organizar el trabajo del fotógrafo, pero dando opciones variadas para que puedan desarrollar un estilo personal.
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Tot el que hi veig
John Berger deia que l'art no serveix per explicar el que és misteriós, però sí que serveix per descobrir-ho. En aquest llibre Josep M. Fonalleras comparteix amb el lector el que ha vist abans i després de la mirada a les obres d'art que l'acompanyen. «El Pantheon és una construcció humana, com aquell art de Rafael que suplanta la natura, va més enllà de l'evidència, crea un nou referent. S'interroga i ens interroga, forma part de les nostres vides i ens obliga a una mirada diferent. Compartida o solitària. Sortint del Pantheon, em penso que encara es pot anar al Settimio a menjar uns espaguetis amb sostre de tòfona blanca i un polsim de pecorino. No es pot exigir res més. Ni a l'art ni a la vida»
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John Dowland (1563-1626) es uno de los compositores británicos más brillantes del Renacimiento, uno de los mejores creadores de canciones de todos los tiempos incluyendo a Henry Purcell, y uno de los artistas más destacados durante el reinado de Isabel I de Inglaterra. Entre su producción artística es inestimable su voluminoso corpus de canciones así como su excelsa colección de obras para laúd, de tal manera que brilla con luz propia entre sus coetáneos, entre los que se encuentran compositores y laudistas de la importancia de William Byrd, Josquin des Près, Jacob Obrecht, Adrian Willaert, Adrian Le Roy, Alfonso Ferrabosco el Joven, Thomas Campion o Luca Marenzio.
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'Escenas de cine mudo'' reconstruye, a partir de recuerdos y de evocaciones, el personalísimo mundo de infancia de su narrador. Un conjunto de cuadros a partir de los cuales, como si se tratara de un montaje cinematográfico, se nos presentan los restos fragmentarios de una realidad que fue o que podría haber sido, y que todavía puede revivirse imaginaria o literariamente.
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Durante los años setenta, ochenta y noventa del siglo XX, e incluso en la primera década del xxi, el escritor, realizador y productor Augusto M. Torres dialoga con destacados cineastas mundiales. En ''21 cineastas españoles (entrevistas)'' reúne una variada selección con directores, guionistas, productores, actores y técnicos para construir un peculiar, original y coherente dibujo del cine español de la segunda mitad del siglo XX. Desde el olvidado de la más dura posguerra y el interesante de los años de la Transición hasta el nacido de la política cinematográfica de los socialistas. Una visión alejada de lo tradicional, lo habitual, lo siempre considerado políticamente correcto, que suele aparecer reflejado en las historias del cine. Un conjunto de entrevistas donde diversos profesionales hablan de su vida, sus películas y su relación con un medio tan específico como el cinematográfico. Realizadas en momentos especiales de las respectivas carreras, están prologadas por originales retratos y trayectorias de cada uno, además de una sucesión de consideraciones sobre las relaciones del entrevistador con el entrevistado y de estos con un cine tan específico como es el español durante esas décadas.
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El libro que complementa la nueva y premiada película de Pedro Almodóvar y Penélope Cruz. Su historia te sorprenderá. Dos mujeres, Janis y Ana, coinciden en la habitación de un hospital donde van a dar a luz. Las dos son solteras y quedaron embarazadas accidentalmente. Janis, de mediana edad, no se arrepiente y en las horas previas al parto se muestra pletórica, la otra, Ana, es una adolescente y está asustada, arrepentida y traumatizada. Janis intenta animarla mientras pasean como sonámbulas por el pasillo del hospital. Las pocas palabras que cruzan en esas horas crearán un vínculo muy estrecho entre las dos, que el azar se encargará de desarrollar y complicar de un modo tan rotundo que cambiará las vidas de ambas. Esta edición contiene, además del guion original de la película, un sustancioso apartado de comentarios sobre su proceso creativo y el rodaje, firmado por el propio Almodóvar, asimismo, está profusamente ilustrada a todo color con fotografías y fragmentos del storyboard, y se cierra con un iluminador epílogo a cargo de Vicente Molina Foix. Madres paralelas es un libro que sirve de perfecto acompañante del largometraje y atraerá a todos los amantes del cine y la cultura.
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El libro que revela por qué el turismo es una actividad tóxica que no puede continuar existiendo.El turismo es una industria tóxica. Durante décadas se benefició de una indulgencia que la asociaba a valores positivos: el turismo era un factor de desarrollo, de paz, de salvaguardia del patrimonio, de interculturalidad, de protección de la naturaleza... Pero ahora se está resquebrajando este consenso que hacía del turismo la madre de todas las virtudes.El turismo es una actividad depredadora que entraña la degradación del planeta: transforma los territorios, rompe el equilibrio social y posee un alto coste medioambiental, por el consumo de recursos, la contaminación generada y la destrucción de entornos humanos y no humanos, incompatible, pues, con un modo de vida sostenible.En los enclaves masificados se asiste a una saturación turística con un grave impacto en la vida cotidiana: ya no se puede vivir y trabajar con normalidad, y el acceso a la vivienda se vuelve casi imposible, expulsando la vida local a la periferia. El turismo se ha convertido en una industria totalitaria que afecta al conjunto de la vida de las personas, cuyo descontento no deja de crecer.Reconocer esta realidad no es turismofobia, sino una reflexión política que no puede ser tachada de patológica ni descalificada por un diagnóstico médico. Criticar el turismo supone cuestionar el modo de vida de nuestra sociedad de consumo. En ese sentido, no existe el buen ni el mal turismo, sólo distintos grados en la escala de la nocividad. La única alternativa al turismo sería dejar de practicarlo.
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Esta obra es imprescindible por la cantidad ingente de nuevos datos que ofrece para la comprensión del cante, el toque y el baile jondo en su contexto histórico. Pero también por lo novedoso de su enfoque: en ella se pone de manifiesto que el flamenco es una evolución de los cantos y bailes nacionales y de palillos de finales del siglo XVIII y principios del XIX. También aporta la hipótesis, completamente novedosa, de que los bailes boleros y la hoy llamada Escuela Bolerason géneros distintos, tanto en lo cronológico como en el repertorio y la estética. Muestra los hechos flamencos en su entorno estético, social y político y, por vez primera, se dan las claves para una comprensión de la danza española como un solo género: los bailes flamencos, en su dimensión escénica, se presentan como una evolución de las danzas tradicionales hispanas, resolviendo, de esta manera, el cisma que desde hace décadas imperaba en la historia de la danza española. AUTOR Juan Vergillos (Madrid, 1969). Doctor en Filología y Licenciado en Filosofía por la Universidadde Granada. Ha escrito y dirigido espectáculos para las compañías de Andrés Marín, La Choni, Fran Velascoy Rocío Márquez. Creador y director del Festival Vaivenes Flamencos-Riberas del Guadaíra. Ha obtenido el Premio Nacional de la Cátedra de Flamencología de Jerez y el Premio Anselmo Climent de ensayo flamenco. Esprofesor del Máster de Flamenco de la Universidad deCádiz. Ha ofrecido talleres, conferencias y espectáculos en universidades, conservatorios, teatros, festivales y colegios de Europa, Asia y América. Ha publicado los libros Una especulación en torno a la estéticadel flamenco, 1999, Los cuadernos perdidos de Antonio Catena, 2001, Conocer el flamenco, 2002, Las rutasdel flamenco en Andalucía, 2006 y Manuel Vallejo, 2012. Ejerce la crítica flamenca en el Diario de Sevillay en el Grupo Joly.
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Hay un tiempo que nuestro cerebro entiende en blancoynegro, ese tiempo que media entre el nacimiento delafotografía y la popularización de la imagen en color,ese siglo largo que va de 1850 a 1960. Y, sin embargo, fue un tiempo a color, tan vivo como el rojo delacamisa de Garibaldi, tan refulgente como el dorado de la trompeta de Louis Armstrong, tan límpido comoelazuldel cielo donde los hermanos Wright volaronpor primera vez, tan pardo como las camisas de los miembros del Partido Nazi o tan verde como los campos de Franciaen 1914? Insuflar colores a ese tiempo es lo quehanconseguido el tándem que forman Marina Amaral, una talentosa artista brasileña, y Dan Jones, unhistoriadorbritánico, para narrar una historia del mundo contemporáneo que conjuga el impacto de unas imágenesque cambian nuestra forma de ver ese pasado conunos textoságiles e incisivos. Desde la Guerra de Crimea ola Revolución Industrial a la crisis de los misileso el inicio de la exploración espacial, El color deltiempo explica un siglo decisivo de la historia universal, conel auge y caída de imperios, el vertiginosodesarrollo de la ciencia, la tecnología y lasartes,la tragediade la guerra y las sutilezas de la política, y las vidas de aquellos hombres y mujeres, famosos o anónimos. Marina Amaral ha creado doscientas imágenes a partir de fotografías contemporáneas,restaurándolas digitalmente para ofrecerlas cómo nunca se hanvisto, casiresucitadas, que se entreveran con la narrativa de Dan Jones, que las ancla y explicaen su contexto. Así,conjugados imagen y verbo, El color del tiempo regalauna perspectiva única de un pasado tan cercano que explica el mundo de hoy, quebrando la barrera mental que el ajado sepia imponía a unos sucesosde los que apenas nos separan un par de generaciones.
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Mitad libro de historia, mitad crítica musical inspiradísima y libérrima. Julian Cope nos presenta, en unestilo que rezuma erudición, humor y pasión, un universo hasta ahora ignoto de bandas de iconoclastas detodo pelaje que produjeron algunos de los sonidos másalucinantes del rock de todos los tiempos. Una obramayúscula sobre un terreno tan inexplorado como fascinantecomo es la música underground del Japón.
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Esta es la crónica de una mudanza. Del texto a la acción. De la página al cuerpo, de la palabra al espacio, de la frase al suceso, de la ficción a la vida escenificada. Este sugerente libro es un ejercicio de crítica de arte que es una obra de arte que se puede leer como una novela. Al recorrer sus páginas nos encontramos ante el campo expandido de una literatura sin palabras, habitado por las obras y semblanzas de personajes (¿escritores o artistas visuales?) como Vito Acconci, Ulises Carrión, Sophie Calle (fabulada por lanarración del escritor Paul Auster), Marcel Broodthaers y Öyvind Fahlström, a los que se suma la propia autora, Verónica Gerber Bicecci, que nos entrega un mapa y una genealogía con las que descubrir nuevas maneras de recorrer el lenguaje y sus orillas.
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Helena Palau, conocida en las redes sociales como @helenavisuals, construye un recorrido fotográfico por los lugares que le han hecho replantearse muchas de las dudas y los miedos que atormentan a toda una generación. Desde la ansiedad, la soledad y el valor de la amistad, hasta el significado de nacer mujer. Un relato que entrelaza con inusual talento la palabra con la imagen.
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Ordenada per rutes geogràfiques, aquesta guia de consulta reuneix i descriu, mitjançant comentaris, fitxa tècnica, plànols i fotografies, les 417 obres més destacades des del Modernisme fins als nostres dies, fent especial èmfasi en l'arquitectura contemporània. Guia coeditada amb el Col·legi d'Arquitectes de Catalunya.
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