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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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Las corporalidades, identidades y orientaciones no-heterosexuales, trans e intersexuales han estado tradicionalmente alejadas del ámbito de la educación formal, como si la vida y la escuela fuesen dos realidades disociadas entre sí. Con la llegada de la educación afectivo-sexual, se abrió una oportunidad para que estas formasen parte de la cotidianeidad escolar, pero los contenidos ligados a los riesgos en torno a las infecciones de transmisión sexual y los embarazos no deseados, junto con su prevención, han acaparado el tratamiento que se hace de la sexualidad en nuestros centros. Son contenidos que, además de desplazar al colectivo LGTBIQ hasta su borrado en este campo educativo, esconden mensajes discriminatorios que reproducen y legitiman las distintas violencias que sufren las personas que no se ajustan a los parámetros normativos de sexualidad (binarismo, ciscentrismo, heterocentrismo, monosexualidad, LGTBIQfobia, etc.). Así, mientras que las formas no hegemónicas de transitar la sexualidad están siendo cada vez más visibles entre las generaciones más jóvenes, en el ámbito de la educación escolar existen múltiples dificultades para atender a esta diversidad de manera profunda e integral. En este sentido, el presente libro explora esta relación entre educación afectivo-sexual y colectivo LGTBIQ -más caracterizada por sus desencuentros que por sus encuentros-, trazando un recorrido por distintas dimensiones de la realidad sociocultural, desde el foco en lo que el autor denomina sistema normativo de sexualidad hasta el marco escolar y la educación afectivo-sexual. Seguidamente, se plantean los resultados de un estudio y se finaliza con algunas propuestas que permiten orientar la práctica docente hacia el logro de una educación afectivo-sexual diversa e igualitaria.
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«He escrito estos ensayos a lo largo de casi veinte años, veinte años en los que he presenciado el nacimiento y el desarrollo de una historia del arte feminista. Cuando en 1970 empecé a trabajar en «¿Por qué no ha habido grandes mujeres artistas?», la historia del arte feminista no existía: como cualquier otra forma de discurso histórico, había que construirla.» Así comienza Mujeres, arte y poder y otros ensayos, el recopilatorio en el que la gran historiadora del arte Linda Nochlin presenta siete artículos sobre mujeres artistas y la figura femenina en la historia del arte, cuya influencia fue determinante para el desarrollo posterior de la crítica del arte feminista y los estudios de género. Los artículos aquí reunidos son: «Mujeres, arte y poder» (1988), «La nodriza de Morisot: la noción del trabajo y el ocio en la pintura impresionista» (1988), «Perdida y Encontrada: otra vez la mujer caída» (1978), «Algunas pintoras realistas» (1974), «Florine Stettheimer: el Rococó subversivo» (1980), «Erotismo e imaginería femenina en el arte decimonónico» (1972), y «¿Por qué no ha habido grandes mujeres artistas?» (1971). Mujeres, arte y poder y otros ensayos revela la amplia perspectiva y conocimiento del trabajo pionero de Nochlin y nos invita a interpretar la historia del arte feminista como una práctica transgresora contra el establishment que pone en tela de juicio muchos de los principales preceptos de la disciplina todavía vigentes en la actualidad.
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En este libro se muestra la capacidad compositiva de la improvisación libre y se describen otras cualidades que desarrollan los músicos y artistas que la practican. Es un intento de equilibrar la balanza entre la improvisación libre y la composición escrita, recuperar el valor que se le ha negado a la improvisación. A través de los escritos de diferentes autores, de las entrevistas personales a un número importante de compositores e improvisadores del panorama internacional, así como del análisis de su experiencia práctica (las relaciones entre la improvisación libre/composición y el free jazz, la poesía escénica, la sensibilización artística de personas con discapacidad intelectual y las orquestas de improvisadores), Chefa Alonso investiga las similitudes y diferencias entre la improvisación libre y la composición escrita. La historia musical occidental se ha centrado en las composiciones escritas y ha sobrevalorado la importancia de la partitura, que ha terminado por convertirse en el objeto central de la actividad musical oficialmente reconocida. Por otro lado, es comprometido estudiar y analizar algo que no está escrito, es difícil entender comportamientos donde las reglas no son transparentes, como es el caso de la improvisación libre. El mundo académico infravalora la formación de los improvisadores y desconfía de los resultados musicales de una negociación artística y social espontánea que implica tolerancia y habilidad para tomar decisiones dentro de un contexto colectivo. Las razones que justifican el rechazo de la improvisación no están basadas en cuestiones de “forma” o de “poética” musical, sino que obedecen más a prejuicios ideológicos derivados de condiciones históricas y sociales.
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Los medios de comunicación, con Internet a la cabeza, han ido ampliando su área de influencia y homogeneizando de manera drástica los relatos a través de los que dotamos de sentido al mundo, más allá de la esfera estrictamente mediática. Este fenómeno de contagio se extiende a territorios diversos, desde lo privado y lo íntimo a lo político, lo cultural o lo artístico, en forma de cuasi monopolio discursivo. Del ''Big Brother'' al ''Big Data'', este libro podría definirse como un análisis del inconsciente mediático y sus efectos políticos en una sociedad articulada cada vez más en torno a la lógica del ''entertainment''.
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El nacimiento del movimiento DadáHugo Ball y su compañera Emmy Hennings ya venían improvisando -él al piano, ella recitando y cantando- veladas en algún local de Zúrich, cuando en enero de 1916 decidieron abrir su propio Cabaret donde exponer obras de arte, organizar lecturas de poesía y montar espectáculos de música y baile, todo con el ánimo de denunciar la violencia desatada en Europa con la Gran Guerra y denigrar los supuestos valores en nombre de los cuales se combatía.Desde el mismo día de la inauguración, se asomaron al local artistas que, huyendo de la guerra, se habían refugiado en la neutral Suiza. Especialmente un poeta rumano, Tristan Tzara, adquirirá protagonismo en cuanto acontecerá en el Cabaret Voltaire, tanto que pronto liderará una revolución que desde esas paredes no tardaría en estallar: la revolución DADÁ.
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En el presente volumen, el lector encontrará el estudio detallado de 140 santos fundamentales para una historia general del arte y para la historia del arte español. Cada uno de los artículos se abre con el relato de los episodios biográficos y legendarios que es preciso conocer para comprender correctamente sus imágenes, al que sigue una enumeración de los atributos con sus simbolismos y significados, haciendo especial hincapié en el estudio de las imágenes (aspecto, indumentaria, escenas, ciclos, grabados) y en aquellos ejemplos de especial relevancia para la iconografía del santo tratado. Se concluye con una bibliografía específica, que se completa al final del volumen con otra de carácter más general.
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La mejor guía visual para iniciarse en el mundo artístico de Antoni Gaudí. Contiene las claves de cada una de sus obras arquitectónicas, acompañándolas de imágenes específicas y actualizadas. Incluye un texto del especialista Juan Eduardo Cirlot. El clási
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La migliore guida visiva per iniziare nel mondo artistico di Antoni Gaudí. Contiene le chiavi di ogni sua opera architettonica, accompagnate da immagini specifiche e aggiornate. Include un testo dello specialista Juan Eduardo Cirlot.
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Optimiza cualquier espacio de tu casa para que esté siempre ordenada.¿Eres de esas personas que están siempre luchando contra el desorden? ¿Sientes que no tienes suficiente espacio para guardar tus cosas? ¿O que lograr que el salón esté ordenado es imposible viviendo en familia? Si aspiras a un orden real que transmita paz y que mejore tu calidad de vida y la de quienes viven contigo, Armonía de hogar es la guía que necesitas. Teresa Fernández recorre cada estancia de la casa para enseñarte que, con motivación, esfuerzo y las herramientas adecuadas, se puede optimizar cualquier espacio y conseguir que esté organizado y, sobre todo, que ese orden sea duradero, independientemente de si vives en familia o solo. Descubre cómo diseñar armarios que se ajusten a tus necesidades, cómo doblar la ropa de manera efectiva y cómo hacer uso de los accesorios de almacenamiento adecuados para organizar el típico «cuarto desastre». También aprenderás a establecer unas normas básicas para todos los habitantes de la casa que ayudarán a crear un ambiente más agradable y acogedor. El orden perfecto no existe. La armonía en tu hogar y en tu vida, sí.
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Las tradiciones constructivas, con su mayor respeto por el medioambiente y sus recursos naturales, ofrecen soluciones para algunos de los principales retos de nuestro tiempo, tales como la desaparición progresiva de las oportunidades de empleo de calidad, la creciente generación de residuos y entornos tóxicos, la disolución del tipo de espacios públicos que están diseñados para favorecer el intercambio y la convivencia, el desequilibrio que sufre el medio rural o la persistencia de prácticas de planeamiento que conducen a una mayor dependencia del transporte privado.Mantener vivos estos conocimientos, tomarlos como referencia para la construcción, la arquitectura y el urbanismo del siglo XXI, adecuarios a los requerimientos de nuestro tiempo y extraer de ellos cuantas lecciones siguen ofreciendo para la manera en la que diseñamos y transformamos nuestro entorno resulta ineludible para avanzar hacia la recuperación del equilibrio perdido.
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Un gran libro del colosal Sinclair, uno de los escritores actuales más brillantes y originales, auténtico mentor en la sombra de Alan Moore y adorado por escritores como William Gibson o Peter Ackroyd, entre otros. Nos formamos a nosotros mismos y, a su vez, somos formados por las paredes que nos contienen. Los edificios afectan a nuestra manera de dormir, trabajar, socializar e incluso respirar. Pueden aislarnos y ponernos en peligro, pero también curarnos. Proyectamos nuestras esperanzas y temores en los edificios, mientras ellos absorben nuestras historias. En Vivir con edificios y caminar con fantasmas, Iain Sinclair, uno de los escritores actuales más brillantes y originales, auténtico mentor en la sombra de Alan Moore y «padre» de la psicogeografía moderna, se embarca en una serie de expediciones por Londres, Marsella, México o las islas Hébridas, explorando las relaciones entre la enfermedad y la estructura arquitectónica, entre el arte, la arquitectura, la planificación social y la salud, uniendo prodigiosamente historias de todo tipo. Para Sinclair, caminar es la magia defensiva contra la enfermedad y, mientras este se desplaza, observa su entorno: bloques de pisos apilados y urbanizaciones gigantescas, oficinas de cristal iluminadas con halógenos y hospitales perturbadores, el casco ennegrecido de una iglesia de Spitalfields o la masa flotante de la radiante ciudad de Le Corbusier, todo eso y más en medio de un torbellino de prosa excelsa y poética a manos de un escritor único. Sinclair también va desgranando las capas de la vida. Un padre y su hija (que padece un raro síndrome) visitan la finca en la que una vez vivieron. Los promotores brindan con copas de champán al tiempo que los residentes son expulsados de sus casas. Una caja esculpida en hueso de ballena, que se cree que contiene propiedades curativas, es devuelta a sus orígenes con consecuencias inesperadas. En parte investigación y en parte cuaderno de viaje, Vivir con edificios y caminar con fantasmas es uno de los grandes libros del colosal Sinclair. «Sinclair recorre cada pulgada de sus maravillosas novelas y sus psicogeografi& 769,as midiendo enormes tramos de palabras como un arquitecto que planifica una ciudad sobre un plano vacío»J. G. Ballard «Sinclair ha pasado de ser un autor de culto a ser un tesoro nacional».The Guardian Iain Sinclair (Cardiff, 1943) es uno de los más grandes y originales escritores actuales. Su inmensa obra, que recoge también cine o poesía, gira fundamentalmente alrededor de Londres, pero su manera de narrar sus descubrimiento acerca de su historia oculta, la increíble riqueza de su escritura, sus insólitas conexiones con escritores, libros, místicos, películas o hechos pasados y el constante uso de la psicogeografía, son universales y han inspirado a autores como Peter Ackroyd o Alan Moore, entre muchos otros. Sinclair, un oscuro W. G. Sebald o un urbano William Gibson (que confesó que Sinclair es su autor favorito), es autor de decenas de obras, entre las que destacan Lud Heat, White Chappell, Scarlet Tracings o BlakeÝs London: The Topographical Sublime.
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Comisariada por Carmen Espegel, Andrés Cánovas y José María de Lapuerta, esta exposición presenta, a partir de lo construido, los temas principales que van modelando la vivienda social europea en el siglo XXI. A través de una serie de conceptos, ejemplificados con proyectos construidos, esta exposición propone al visitante un espacio de reflexión y debate sobre el presente y el futuro de los espacios que habitamos.
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Comprender es todo lo contrario de describir, y para comprender es necesario observar. Además, «la calidad de la comprensión depende de la calidad de la observación». Es decir, su resultado no solo necesita del observador, sino de cierta especialización para poder representar esa realidad que se desea transmitir. Pedagogías dibujadas para tiempos de crisis es una llamada a una preocupación pedagógica que entiende el dibujo como una forma de pensar propia de la arquitectura. Construye un contexto y un marco conceptual donde los libros Learning from Las Vegas (1972) y Made in Tokyo (2001) se reconocen como proyectos pedagógicos potenciales por practicar una sensibilidad hacia lo existente, y por reaccionar con objetividad ante una realidad convulsa a través de registros y procedimientos soportados en dibujos, observaciones que lograron transmitir teorías trasgresoras de proyecto. Además, son sustancia del pensamiento combinado resultante de enseñar, practicar, e investigar en arquitectura. Pedagogías dibujadas para tiempos de crisis es también una especie de guía para quien desee aprender y enseñar a proyectar. Ofrece una serie de ideas sobre cómo podría abordarse un proyecto de enseñanza hoy: diez bazas operativas de dibujo abren una ruta exploratoria y útil para reaccionar ante escenarios de incertidumbre radical.
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Este libro reúne las «Siete Lecciones de Arquitectura» impartidas en 2024 por siete catedráticos y catedráticas eméritos de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (ETSAM-UPM). La iniciativa da continuidad a las «Siete Lecciones de Arquitectura» impartidas por Campo Baeza en el año 2023, consolidado la relación entre la ETSAM y la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, su alma mater. Durante siete semanas, siete catedráticos y catedráticas invitados compartieron sus reflexiones sobre temas esenciales de la arquitectura, fruto de décadas de dedicación a la docencia, la investigación y la práctica profesional. Estas charlas atrajeron a un gran número de estudiantes, arquitectos y amantes de la arquitectura, y ahora quedan recogidas en estos siete textos junto a sus ilustraciones. El libro da cuenta del elevado nivel de las lecciones y de los profesores que generosamente las impartieron: Juan Navarro Baldeweg, José Ignacio Linazasoro, Antón Capitel, Carlos Sambricio, Gabriel Ruiz Cabrero, Margarita de Luxán e Ignacio Vicens.
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Contra lo común reescribe la historia del urbanismo desde la perspectiva de los oprimidos, adentrándose en el drama de la urbanización capitalista y la lucha de las clases populares por construir lugares más justos y democráticos a través de su capacidad para organizar el espacio y convertirlo en una fuente de poder, y expone cómo el capitalismo y las políticas urbanas han evolucionado en sus intentos por destruir este potencial liberador.Álvaro Sevilla-Buitrago recorre más de tres siglos de urbanización en el mundo occidental para revelar la centralidad de estas estrategias de desposesión en múltiples procesos de cambio espacial: de la privatización de la tierra comunal al control del espacio público y la vida cotidiana, de la reestructuración de la metrópolis y la producción de suburbios a las políticas de vivienda o las nuevas dinámicas de segregación, gentrificación y regeneración ligadas a la llamada «ciudad creativa».Pero «lo común no es solo un inquietante espectro del pasado, también es una hipótesis sobre el futuro». Concibiendo la historia y la planificación como proyectos transformadores, estas páginas también exploran la posibilidad de una urbanización postcapitalista basada en los comunes, en la que el contenido y el diseño del espacio social estén definidos por las personas que lo habitan.
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Esta colección de ensayos propone una reflexión sobre aquellos conceptos que han cimentado la evolución y la crisis de la arquitectura moderna.A través de nueve textos, Josep Maria Montaner aborda algunas de las constantes clave del movimiento moderno como el racionalismo, la actitud rupturista o la voluntad de expresividad para poner en evidencia cómo se han superado las insuficiencias de la modernidad, especialmente en los países nórdicos, la Europa mediterránea, América Latina y otros contextos periféricos. Con esta nueva edición revisada y actualizada, se confirma que La modernidad superada se ha convertido en una obra de referencia clave para entender el movimiento moderno en arquitectura.
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El 18 de julio de 1936, tras conocer la noticia del alzamiento, la bailarina y bailaora española apodada la Argentina, admirada en todo el mundo, sufre un síncope y muere. Tiene 46 años y un don para hacer suya no solo la historia de la danza, sino la propia historia. Ese día se quiebra la Segunda República y se quiebra la artista. Isabel de Naverán persigue, a partir de la investigación y de las fotografías, el eco de esa convulsión individual que contiene, de forma representativa y simbólica, el dolor colectivo que se avecinaba y que ha resonado, en distintos momentos y de distintas maneras, a través artistas muy dispares de las siguientes generaciones: los japoneses Kazuo Ohno, que recuperó su danza cincuenta años después de haberla visto bailar, y Takao Kawaguchi, la bailaora Rocío Molina o la escritora Gertrude Stein, entre otros.
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Art emergent: la collita i el viatge
Una història inèdita de l'art emergent i de les noves generacions d'artistes nascuts entre els vuitanta i els noranta.Malgrat ser una tipologia artística imprescindible per entendre l'art contemporani a Catalunya, no s'ha publicat fins ara cap assaig que, amb una perspectiva amplia i rigorosa, n'escrigui la història. Aquest llibre suposa una revisió particular de l'art emergent català, tot basant-se en una lectura del context artístic narrada a través dels moviments (els viatges) i les permanències en el territori (les collites) dels i les artistes que inicien i busquen consolidar les seves trajectòries des de Catalunya.La publicació es desplega en dues parts complementàries. Per una banda, una anàlisi de l'ecosistema de les arts emergents a Catalunya: convocatòries, centres d'art, galeries, etc. I per l'altra, una suma de veus protagonistes, una llista d'artistes que, des de diferents disciplines, sustenten una tipologia d'art vigorossament vigent.
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Carles Santos i Ventura
Aproximació a la geografia personal d’un dels músics amb més pes dins del món contemporani internacional. Amb aquest assaig biogràfic intento elaborar un exercici d’efervescència i d’honestedat per tal de dibuixar un retrat que es deté i perfila en la captivadora personalitat d’una individualitat revolucionària que ha destil·lat al llarg de la seua vida una constant pulsió de llibertat. Música, compromís vital i una creativitat generada a grans glops. Sí, parlem de Carles Santos.
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Esta correspondencia, la primera que abarca toda la vida de Pau Casals, es un documento de valor inestimable: a través del ingente intercambio epistolar con sus numerosos interlocutores''entre los que se cuentan compositores, instrumentistas, poetas, políticos e intelectuales del siglo xx'', descubrimos la personalidad del músico y la relación inextricable que para él existía entre el arte y la vida. Observador privilegiado de acontecimientos que marcaron a fuego el mundo contemporáneo''la Primera y la Segunda Guerra Mundial, la Revolución rusa, la Guerra Civil, la Francia de Vichy...'', estas páginas no so´lo muestran las ideas, preocupaciones y creencias del gran violonchelista, meticuloso profesor, compositor y director de orquesta, sino también al artista comprometido que se erigió en símbolo de la paz en todo el mundo.
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Un libro para entender a los famosos y sus escándalos con humor e ironía.Este libro, entre el sarcasmo y la crítica, disecciona los comportamientos de las estrellas para explicar cómo funciona la fama. El autor analiza los episodios más mediáticos del momento, como el embarazo de Ana Obregón, los orígenes de la familia Beckham o las excentricidades de Kanye West. ¿Es la humildad de Rafael Nadal una estrategia? ¿Taylor Swift cambia de personalidad para vender sus álbumes? Preguntas que tienen respuesta cuando entendemos que la fama es la consecuencia de un consumo: el espectador es quien concede y arrebata la popularidad.
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¿Es Picasso un genio o un mito? Adéntrate en este libro para desentrañar el legado de su arte revolucionario. ¿Es Picasso realmente el genio que todos dicen? ¿Qué secretos esconde su obra que aún no hemos descubierto? ¿Cómo es posible que esos cuadros tan ''raros'' se convirtiesen en la piedra angular de la historia del arte moderno? La obra de Picasso es una paradoja fascinante: todos los expertos lo veneran como el indiscutible dios del arte del siglo XX y uno de los grandes artistas de la historia..., pero cuando te enfrentas a sus cuadros, algo no encaja. Muchas de sus piezas parecen extrañas, incluso feas, algunas, casi infantiles. Y cuando intentas entenderlas escuchando a los especialistas, terminas perdido en un laberinto de palabras rebuscadas, conceptos confusos y términos tan técnicos que, en lugar de aclararte, te desconciertan aún más. ¿Qué está pasando aquí? José S. Mateos (@GodPikasso) ha creado un método innovador y muy didáctico para entender el legado del artista malagueño: una experiencia divertida, clara y lúdica que transforma su obra en un videojuego multiaventura. Solo necesitas un buen tutorial para empezar a jugar... y lo tienes en tus manos. Imagina un juego con reglas propias, personajes inolvidables y escenarios llenos de misterio, donde descubrirás cómo Picasso creó sus obras más sorprendentes, sus experimentos más audaces y sus trucos de magia visual. Este libro contiene la llave maestra para entrar en el universo del artista más revolucionario, atrevido y apasionado que ha dado la historia del arte. Olvida el mito del genio y sumérgete en la esencia del auténtico creador. ''No se me ocurre a un acompañante mejor que José Mateos para visitar el mundo de Picasso con un disfrute especial con cada guiño, cada broma y cada puzle que el pintor ha dejado en su obra. Picasso necesitaba un libro como el que tienes ahora mismo en las manos''. Miguel Ángel Cajigal Vera (@elbarroquista)
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El mapa de nuestras ciudades está repleto de museos que contienen las más diversas colecciones de objetos, obras de arte y especímenes. Separados por disciplinas y prácticas, son un fiel reflejo del modo en el que los Estados de la Europa colonial, confiados en el libre intercambio de ideas y la necesidad de espacios de socialización (y civilización) de los pueblos, fragmentaron y ordenaron saberes, sujetos y cosas.Tomando como base el estudio de las colecciones de veintitrés museos de Madrid, Aurora Fernández Polanco y Pablo Martínez proponen una arqueología de la modernidad a partir de aquello que se muestra (y se oculta) en las colecciones públicas. Confiados en que no existen «ni museos pequeños, ni grandes hombres», elaboran una historia del arte «desde abajo», orientada a desvelar las narrativas latentes en imágenes y objetos aparentemente marginales. En un contexto de embates contra la memoria y discursos monolíticos sobre el pasado, este libro aporta una mirada inédita sobre una de las instituciones más importantes en la configuración de la esfera pública. Más allá de los museos de la capital, este apasionante ensayo escrito a cuatro manos invita a desafiar los relatos de autoridad heredados, a detenerse en los objetos aparentemente irrelevantes y a construir, en definitiva, otras formas de mirar.
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Jordan Casteel (n. 1989 en Denver) es una artista neoyorquina conocida por sus retratos y paisajes figurativos a gran escala, realizados con pinceladas gestuales y vibrantes franjas de color. Desde el metro de Nueva York y las calles de Harlem hasta los bosques del norte del estado de Nueva York, Casteel ha establecido una práctica colaborativa donde las personas con las que se ha topado a lo largo de su vida cotidiana se representan en su elemento, generando una experiencia a la vez íntima y colectiva.La primera monografía de Casteel incluye cerca de 150 imágenes bellamente reproducidas, con secciones especialmente concebidas y diseñadas por la propia artista.«[Casteel] captura encuentros cotidianos con personas y lugares en obras que invitan al reconocimiento de nuestra humanidad compartida». – Fundación MacArthur
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Son muchos los libros que abordan la fotografía desde un punto de vista técnico que nos enseña a mejorar ciertos aspectos de nuestras imágenes. Sin embargo, en pocas ocasiones nos acercamos a la esencia que subyace en el propio fotógrafo, sus relaciones con el equipo, con las decisiones que toma en cada situación. A partir de un cierto nivel, es necesario reflexionar sobre los motivos que nos acercan a una cámara, sobre por qué hacemos las cosas de un cierto modo. Es preciso entender cómo influyen en nosotros otros tipos de fotógrafos.Una buena imagen siempre tiene buenos elementos compositivos, pero hemos de considerar que están muy relacionados con nuestra forma de ser y de sentir. Los elegimos en función de nuestras prioridades vitales. Se habla mucho de los sentimientos que transmite una fotografía, pero muy poco de los que sentía el autor, de sus decisiones vitales mientras realizaba la toma. En este libro te cuento cómo ha influido la fotografía en mi desarrollo como persona y cómo sacarle el máximo partido para ser mejor fotógrafo.
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El presente libro aborda la producción y el consumo de música a lo largo del siglo xvii y principios del XVIII. El texto, que va más allá de una simple historia de los compositores, los estilos o los géneros musicales, explora asuntos relacionados con el mecenazgo, la educación, los rituales civiles y religiosos, el teatro y la cultura visual de la época. La autora se centra no sólo en la naturaleza de la música en el periodo barroco, sino también en los modos tan diferentes en que hombres y mujeres experimentaban la música en sus vidas cotidianas. Al tratar la música como expresión de identidad política y nacional, la examina en el contexto del arte y la literatura de la época, sin olvidarse de los conflictos políticos y religiosos, y de las cuestiones de clase y género.
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Después de los tres volúmenes precedentes dedicados al écorché, la esquematización y el esqueleto, Michel Lauricella vuelve con sus conocidas lecciones de anatomía artística basadas en la comprensión profunda de la morfología del cuerpo humano. Esta vez Lauricella deja de lado los huesos y los músculos y aplica su exitosa fórmula pedagógica al tejido adiposo y sus distintos comportamientos.Más de 500 dibujos de las grasas y las pieles de cabeza y cuello, torso, miembros superiores y miembros inferiores en función del peso, la edad y el sexo, entre otras variables.Descripción visual de las zonas adiposas y sus comportamientos físicos a partir de la posición del cuerpo, el peso y el volumen de la grasa y, fi nalmente, su relación con la fi siología, las articulaciones y los pliegues que generan los movimientos.Desarrollo de la capacidad de observación y selección a través de una mirada precisa y muy dirigida sobre el cuerpo humano.
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La apasionada y estimulante historia de los compositores que se atrevieron a desafiar el mundo convencional de la música clásica en el siglo XX.«Escribo este libro por amor y por rabia. El amor: porque quiero gritar a los cuatro vientos que la música clásica es fascinante, esencial y capaz de cambiar lo personal y lo político. La rabia: porque no puedo gritar con orgullo sobre una cultura que está dispuesta a cerrar sus puertas cuando percibe la presencia de extranjeros.»Este es un libro que no entiende de credos, fronteras, raza ni género. Es un canto a la creatividad entendida como acto revolucionario, un alegato en pos de un canon capaz de representar el sentir y devenir del mundo y la gente de hoy. Kate Molleson nos regala un viaje fascinante que nos llevará lejos de las fronteras y estándares decretados por el establishment musical. De Etiopía y las Filipinas a México, Rusia y más allá, la autora nos descubre diez historias, diez vidas, que iban a alterar para siempre el curso de la historia de la música del siglo XX y XXI.
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No sabría decir dónde fueron concebidos estos relatos, en qué momento los poemas que buscan su conmixtión narrativa nacieron a la Nada. Un buen amigo, al albor del vino, me recomendó una noche escribir sobre mi vida, mas la desnudez pública es un riesgo solo para paladines, para héroes de mar y librea que han servido a su patrón. Acaso fue cuando, acodado a mi acantilado del Cabo, insomne en la noche del Lebeche, me di cuenta de que todo había tenido un único hilo salvador. Nada, desde que tengo uso de razón, ha existido sin la música. Ni una magra victoria, ni una lesa derrota, lo fue sin el arte diabólico, estupefaciente, que ningunea a la letra y a la roca, a las demás capacidades crepusculares de los tristes humanos, a su afán por la trascendencia que solamente será polvo, polvo acaso en el vinilo que tus herederos canjearán por un puto CD o, a lo peor, por una descarga en Internet sin carne ni consuelo. Y únicamente esa ha sido mi vida. Aquí la expongo, al pasar de la aguja reproductora, la única que tanto me ha cortado y no menos me ha hecho gozar.
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Mucho más que un manual, una guía, una herramienta, este libro, que por fin ve la luz, es una historia de vida y pasión. Se cumple así la promesa hecha por los dos actores a todas aquellas personas que esperaban la continuación del Manual mínimo del actor, publicado en 1987. Estas páginas hablan de la vida y del teatro, de la Italia de posguerra y de los años setenta, atravesados por el terrorismo pero imbuidos de un idealismo fortísimo, motor de todas las comedias que Franca y Dario llevaron a escena en los teatros alternativos de Italia con enorme éxito, tras ser expulsados de los teatros convencionales, de la radio y la televisión. Cuántas historias, cuánto vivido, cuánto teatro. Y cuántas risas. Todo en una cabalgata fantástica en la que cada circunstancia es filtrada por la emoción del momento y el recuerdo se convierte en un compromiso renovado para seguir haciendo de la vida un teatro que dé fe del destino y de la historia de cada uno de nosotros.
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La nit portuguesa
A principis de setembre de 2018, l'excèntric equip d'Andergraun Films, liderat pel director Albert Serra i la productora i actriu Montse Triola, arriba a l'Alentejo, al sud de Portugal, per rodar la que serà la pel·lícula més provocadora i procaç del cineasta de Banyoles: Liberté , que acabarà guanyant el prestigiós premi especial del jurat al Festival de Cannes de 2019, dins la secció Un Certain Regard. Entre els actors destaquen dues velles glòries del cinema europeu: Helmut Berger ?adonis del cinema de Visconti? i Ingrid Caven ?musa de Fassbinder. La pel·lícula es rodarà de nit, en ple bosc, on s'escenificaran les sàdiques trobades sexuals d'un grup de llibertins del segle XVIII. Per documentar aquesta aventura, Albert Serra va convidar el poeta Gabriel Ventura a escriure una crònica del rodatge. La nit portuguesa s'endinsa en la peculiar manera de treballar ?oberta a l'imprevist i l'atzar? d'un dels directors més originals del cinema contemporani.
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Este libro, realmente pionero, ofrece un desafío radical a una Historia del arte en la que no abundan lasmujeres. La crítica que las autoras hacen del sexismoen la disciplina conduce a nuevas lecturas ampliadas, inclusivas, del arte del pasado. A lo largo de suspáginas, ponen de manifiesto cómo las cambiantes realidades histórico-sociales de las relaciones de género, así como la transposición que de las condiciones degénero hacen las mujeres artistas en sus obras proporcionan claves para comprender bajo una nueva luz porqué y cómo podemos estudiar el arte del pasado. Y van más allá, para mostrar cómo este conocimiento nos permite entender el arte de artistas contemporáneas que son mujeres, contribuyendo así a cambiar el trabajocreativo y la percepción que de sí mismos tienen hoydía los artistas.
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En el 40 aniversario del film Érase una vez en América, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: la novela original, el director, la música, los actores y sus personajes, el rodaje... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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Estamos constantemente fotografiando y siendo fotografiados, al tiempo que alimentamos bases de datos de aprendizaje automático con nuestros datos, que a su vez se utilizan para generar nuevas imágenes. Al analizar la transformación de la fotografía por el mundo digital –y la transformación de la percepción humana por las imágenes gestionadas por algoritmos, desde la CGI a la IA–, el presente libro investiga lo que significa para nosotros vivir rodeados de flujos de imágenes y ojos maquínicos. Con una inteligente y atractiva argumentación, Zylinska aúna la teoría de los medios y la neurociencia. Su «máquina de percepción» designa un universo técnico de imágenes y sus infraestructuras, pero también se refiere a la condición sociopolítica resultante de la automatización actual de la visión, la creación de imágenes y la imaginación.Incorpora asimismo proyectos artísticos de la propia Zylinska, algunos de los cuales han sido creados conjuntamente con la IA. Las fotografías, collages, películas e instalaciones que forman parte del libro ofrecen un modo diferente de pensar sobre nuestro futuro tecnológico, tanto a nivel local como global. De la mano de sugerentes conceptos como eco-eco-punk, AUTO-FOTO-KINO, imágenes perdedoras o sensografía, en sus páginas se esboza una filosofía existencial de unos medios caóticos para una época en la que nuestras prácticas en torno a la imagen y la autoimagen son objeto de un rediseño radical. Y lo que es más importante, también ofrece una nueva visión de nuestro futuro.
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Una mujer, una vida, una causa: mantener viva la memoria de Blas Infante. Este libro es un acto de gratitud y justicia hacia María de los Ángeles Infante, una mujer valiente, generosa y luminosa que dedicó su vida a custodiar el legado de su padre, Blas Infante, el Padre de la Patria Andaluza. Presidió la Fundación Blas Infante durante más de cuarenta años con discreción firme, sensibilidad política y una entrega sin fisuras. A través de su voz —tan clara como serena—, Blas Infante volvió a ser escuchado. A través de su esfuerzo incansable, Andalucía pudo reencontrarse con su historia y su dignidad. En estas páginas, familiares, amistades, compañeras y compañeros de causa rinden homenaje a una figura imprescindible del andalucismo contemporáneo. Una mujer de luz, de trabajo silencioso, de memoria viva. Una andaluza que hizo de su vida una forma de servicio, y del recuerdo de su padre, un compromiso permanente con la libertad, la justicia y la esperanza.
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Apuntes de viaje al interior del tiempo es una suerte de ars memoriae de Luis Moreno Mansilla, un libro extraordinario que tiene su origen los dos años que el autor fue pensionado en la Real Academia Española de Bellas Artes en Roma. Desechando, por inabarcable, la idea de seguir el rastro de los arquitectos que habían viajado a Italia, seleccionó unos cuantos por el interés que ellos despertaban en él y por la repercusión que el viaje tuvo en sus vidas y en sus obras: Le Corbusier, Aalto, Asplund, Lewerentz, Siza, Soane, Violet-le-Duc, Kahn.Luis consideraba que estos Apuntes de viaje suponían un viaje a un mundo personal, lo que le permitió moverse por lugares diferentes del pensamiento con personas que vivieron en momentos diferentes del pasado y habían dibujado o fotografiado las mismas cosas, habían escrito sobre los mismos caminos, fijando su mirada sobre unos objetos casi permanentes, apenas mecidos por el viento de la historia. Es un viaje, por tanto, al interior del tiempo, en el que aparecen temas que constituyen una parte sustancial del marco intelectual de Luis Moreno Mansilla: la coincidencia entre el viajar y el pensar, la obra como autorretrato, el arte como segunda naturaleza, la conciencia intelectual de la materia, la erosión de los límites entre lo individual y lo cultural y el mundo entendido como un territorio en constante transformación entre las ideas y las cosas.
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