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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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BERNABAD. TIPO Y TERRITORIO es una publicación que recoge los 25 años de trayectoria profesional del despacho de arquitectura e ingeniería formado por Francisco Lacruz, Alejandro San Felipe y Daniel Abad, enraizado en su territorio aragonés y con una incipiente trayectoria internacional. El libro muestra —dando preferencia al discurso visual mediante una intensa y unitaria mirada fotográfica— las señas de identidad de un trabajo disciplinar y riguroso, sensible con la tradición tipológica, la técnica, el paisaje y la construcción de la ciudad. Con textos de Fredy Massad, Miguel A. Alonso del Val, Iñaki Bergera, Pablo de la Cal e Ignacio Grávalos.
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Las series documentales conservadas en los archivos eclesiásticos conforman un corpus indispensable para el avance del conocimiento histórico de la música sacra hispánica. Entre ella, con asiento propio, se encuentran los libros denominados ''de fechos y negocios'' donde se atesoran los acuerdos con que los cabildos resolvían múltiples aspectos institucionales, entre ellos los relacionados con la música y los músicos de su capilla. La heterogeneidad y el gran volumen informativo de la fuente de partida ha obligado a realizar un cribado minucioso, auto por auto, en relación con el tema que ha sido indagado. En el proceso han aparecido numerosas derivaciones que, a pesar de exceder la temática musical, han generado valiosas instantáneas relacionadas con aspectos variados de la vida de aquellas vidas. La revisión y transcripción de los documentos ha quedado científicamente ajustada a la normalización internacional, en ella han sido rigurosamente respetadas las particularidades del texto original y las posibles desviaciones del sentido en la ortografía de llegada.
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Con su rostro colorado, cálido y apacible, que irradiaba luz, el presidente Mao Tse-tung era una figura omnipresente en los pósteres de la propaganda china impresos entre el nacimiento de la República Popular, en 1949, y principios de la década de 1980.El presidente Mao, apodado ''el Gran Maestro'', ''el Gran Líder'', ''el Gran Timonel'' o ''el Comandante Supremo'', aparecía retratado como héroe histórico en todo tipo de situaciones (visitando fábricas, fumándose un cigarrillo con unos campesinos, junto al río Yangtsé en albornoz, a la proa de un barco o flotando entre un mar de banderas rojas), flanqueado por hombres de edad indefinida, fuertes y saludables, y por mujeres y niños masculinizados vestidos con ropas holgadas, grises y asexuadas. El objetivo de tal imaginería era mostrar al pueblo chino el comportamiento que se consideraba moralmente correcto y lo brillante que sería el futuro de la China comunista si todos unidos seguían el mismo camino hacia la utopía.Este libro reúne una selección de obras de arte y objetos culturales de la propaganda china a todo color procedentes de la vasta colección de pósteres de Max Gottschalk, muchos de ellos sumamente raros.
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Para dibujar de manera realista una figura en movimiento, hay que conocer la ubicación de las principales articulaciones y cómo se mueven. En cualquier caso, para empezar ¡no es necesario tener un máster en anatomía humana! Basta con tener algunos puntos de referencia para representar una infinita variedad de actitudes. Para ayudar a visualizar fácilmente estos puntos esenciales, todos los modelos del libro aparecen divididos en entre 2 y 5 etapas sencillas. Para terminar el dibujo, se explican diversas técnicas que permitirán dar relieve y dinamismo a todo tipo de figuras. Es fácil, ¡solo hay que dejarse llevar!
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UN VIAJE ALUCINANTE POR LA MÁS GIGANTESCA DE LAS SAGAS DEL CINE VIVE EL MUNDO DE LOS DINOSAURIOS: Con representaciones que saltan de la página del tiranosaurio rex, el Braquiosaurio y otros dinosaurios, este libro pop-up de lujo creado por el reconocido ingeniero del papel Matthew Reinhart recorre la evolución de las sagas de Jurassic Park y Jurassic World. EXPLOSIVA ACCIÓN: Elementos interactivos y sorpresas escondidas saltan a la acción mientras el lector intenta escapar de las fauces hambrientas del T. Rex, es testigo del poder destructivo del Indominus Rex, corre con una manada de velocirraptores y mucho más! INFÓRMATE CON DATOS SOBRE DINOSAURIOS: ¿Sabías que el indorraptor es el primer dinosaurio macho híbrido de Jurassic World? ¿Has oído hablar de la sorprendente inteligencia del feroz velocirraptor? Descubre datos alucinantes sobre estas y muchas otras especies de dinosaurios con informes ocultos por todo el libro!
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Una estatua ecuestre del dictador que se expuso en Barcelona en la plaza del Born en 2016 en el marco de una exposición se independizó de las referencias que la encuadraban y comenzó su propio periplo singular de interacción con los ciudadanos. La reflexión sobre los acontecimientos, que se desencadenaron de forma imparable durante cuatro días con un clima de violencia increscendo que terminaron con la retirada de la estatua, es de donde parte la arquitecta Julia Schulz-Dornburg para iniciar su particular Odisea siguiendo los pasos de las nueve esculturas ecuestres del dictador destinadas a glorificar la imagen de Franco como Caudillo y salvador de España que hay distribuidas por Madrid, Zaragoza, Valencia, Santander, Toledo, Segovia, Ferrol y Melilla, además de la propia Barcelona.
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A la par que otros surrealistas como Max Ernst, Paul Éluard o André Breton, Salvador Dalí también fue un asiduo visitante de las páginas de La Nature, una revista de divulgación científica que a finales del siglo XIX alcanzó altas cuotas de popularidad. El libro que el lector tiene en las manos analiza el uso que el pintor catalán hizo de esta célebre publicación como fuente de conocimiento y sobre todo como suministrador de contenidos visuales. Un hecho que merece ser puesto de relieve y que hasta la fecha nadie había hecho.
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Parte notable y muy viva de la cultura popular española, la copla ha sido durante décadas, salvo honrosas excepciones, injustamente ignorada por el mundo intelectual y académico, víctima de prejuicios ideológicos que resulta obligado remover de una vez por todas. Ha llegado la hora de escucharla, de pensarla, de tomarla en serio. De pensar su lugar en la vida cotidiana de quienes la han cantado, de quienes la han escuchado y de quienes, tarareándola, la han convertido en la melodía de fondo de sus vidas. Antropólogos, sociólogos y psicólogos sociales deben sentirse concernidos. Y porque, nacida antes de la guerra civil, siguió presente en la posguerra tanto en el interior como en el exilio y se hizo escuchar igualmente durante la transición, los historiadores pueden también mostrarse interesados. No menos los filósofos y los psicoanalistas, dada la intensidad con la que en la copla se escucha el deseo de la mujer en tantas de sus modulaciones, incluso en tiempos en los que a ellas les estaba prohibido nombrar su deseo. Qué decir de los musicólogos, quienes encontrarán ocasión de ocuparse de un ámbito que suele permanecer alejado de sus agendas. También pueden sentirse implicados los teóricos de la literatura, los historiadores del arte y los artistas plásticos que abordan la copla como tema literario o estético. Y tanto más los analistas y estudiosos del cine, dada la intensa presencia de la copla en la historia del cine español. El presente libro recoge una selección de las valiosas aportaciones presentadas en el X Congreso Internacional de Análisis Textual que, con el título «De cómo la copla canta el deseo de la mujer», se celebró en Córdoba durante los días 6, 7, 8 y 9 de febrero de 2019. Nombres tan dispares y reconocidos como los de Julio Anguita (su escrito póstumo sobre la copla se incluye aquí), Martirio, Josefina Molina, Pive Amador, Jesús González Requena, Paco Clavel, Juana Martín, Carmen Agredano, Luis Martín Arias y otros muchos confluyen en sus páginas. El resultado es una obra que muestra, en todas sus vertientes, el inapreciable legado de la copla a nuestro acervo cultural.
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El 18 de julio de 1936, tras conocer la noticia del alzamiento, la bailarina y bailaora española apodada la Argentina, admirada en todo el mundo, sufre un síncope y muere. Tiene 46 años y un don para hacer suya no solo la historia de la danza, sino la propia historia. Ese día se quiebra la Segunda República y se quiebra la artista. Isabel de Naverán persigue, a partir de la investigación y de las fotografías, el eco de esa convulsión individual que contiene, de forma representativa y simbólica, el dolor colectivo que se avecinaba y que ha resonado, en distintos momentos y de distintas maneras, a través artistas muy dispares de las siguientes generaciones: los japoneses Kazuo Ohno, que recuperó su danza cincuenta años después de haberla visto bailar, y Takao Kawaguchi, la bailaora Rocío Molina o la escritora Gertrude Stein, entre otros.
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Aquest estudi desenvolupa un aspecte essencial -i, tanmateix, poc conegut- de l'impacte del japonisme a Catalunya: la seva incidència en l'arquitectura i els espais interiors de l'entorn del 1900. A partir de la bibliografia especialitzada i de l'anàlisi de fonts primàries, l'autor reconstrueix un fenomen que fou àmpliament difós a finals del vuit-cents a Occident, encara que n'hagin perviscut pocs testimonis, i recull la diversitat i la riquesa de propostes que van sorgir en l'obra de destacats arquitectes catalans: des del Pavelló Imperial Japonès de 1881 i la casa japonesa de l'Exposició Universal de 1888, fins a la Casa Bruno Cuadros de Josep Vilaseca, la Casa Vicens de Gaudí i la Fonda Espanya de Domènech i Montaner. Amb un plantejament inèdit de les relacions artístiques entre el Japó i Catalunya, aquest llibre revalora la significació del modernisme en la història de l'art universal i el paper capdavanter del nostre país en el progrés cultural d'aquella època. Altres títols d
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Aquest llibre és una mirada personal i única de la Seu de Mallorca, un relat del que idearen, programaren i cons¡truïren els qui portaren a terme aquest edifici monumental. Hi ha molts llibres que en parlen, però cap com aquesta aclucada d'ull de Joan Bauzà, que la coneix bé i admira, talment com si ens allargàs la mà perquè entrem en un món apassionant viscut des de la seva experiència i de les seves vivències.És una convidada a mirar-la «almenys una vegada en la vida». Aixecada als segles xiii-xv i vista amb el ulls dels segles XIII-XV, el que vol dir comprendre la Seu gòtica amb una mirada gòtica, assumint, naturalment, la gran diferència entre els valors d'aquells segles i els del nostre. Hi retrobareu l'art, la història, l'arquitectura, la Ciutat, el Regne... que varen veure aixecar la Seu. El llibre ens ofereix, també, la possibilitat de llegir-lo i comprendre'l com una carta d'amor a la Seu de Mallorca.
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Mediante una selección comisariada de citas, imágenes y entrevistas, este libro nos da acceso a las mentes de los pensadores y creadores más influyentes del mundo. Descubra cómo los titanes del mundo del arte, desde Ai Weiwei hasta Ana Mendieta, desarrollaron sus propios estilos visuales, las ideas centrales en las que se sustentan sus prácticas y, lo más importante, qué es lo que le transmiten sus creaciones. 50 artistas excepcionales, entre ellos: Marina Abramovi?, Lisa Reihana, Theaster Gates, Tracey Emin, Nam June Paik, Gerhard Richter, Louise Bourgeois, Cindy Sherman, Yinka Shonibare y Mona Hatoum. Se reúnen citas de 50 artistas junto con reproducciones de sus obras y una visión general de sus distintas prácticas. Encontrará pintores y escultores, cineastas y fotógrafos, todos ellos con característicos puntos de vista sobre toda suerte de cuestiones, desde la corporeidad de la pintura hasta la naturaleza conceptual de la creación de imágenes. Se incluyen además cinco entrevistas realizadas exprofeso para este volumen y en las que se ahonda en la forma en que estos innovadores artistas realizan su obra.
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Los archivos personales de José Luis Borau, verdadera ``gruta del tesoro``, develan numerosos hallazgos decisivos para la cultura española de la segunda mitad del siglo XX y la primera década del XXI: documentos sobre la relevante movilización de Hollywood en solidaridad con la República durante la Guerra Civil, cartas inéditas de Edgar Neville, el desconocido diario de Borau sobre su viaje de costa a costa de los Estados Unidos, varios guiones completos no filmados (entre ellos, algunas de sus creaciones más íntimas y audaces), numerosos argumentos y sinopsis de películas que no llegaron a ver la luz (incluidos sus insólitos proyectos nada menos que con Luis Buñuel, Mickey Rooney, Mario Moreno, ``Cantinflas``, e Imperio Argentina, mucho antes de filmar Tata mía con esta última), ambiciosas investigaciones historiográficas de enorme envergadura (su extensa y profunda investigación para hacer el inventario y la catalogación de ``todo`` el exilio cinematográfico español tras la derrota republicana en la Guerra Civil), insólitos proyectos de producción, fracasadas aventuras editoriales, relatos literarios no concluidos. Sacar a la luz todos estos proyectos inconclusos permite reconstruir la voz oculta del cineasta y recuperar en toda su dimensión la obra de un verdadero gigante el cine y de la cultura española.
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Españolada, Landismo, Cine de barrio. Términos todos bastante poco precisos que sirven para designar a la comedia popular española. Esa que convoca a más público. Esa que levanta pasiones inconfesas. Y esa que supone un vehículo ideológico de primera magnitud demasiadas veces pasada por alto. Una comedia que parece haber ido cambiando durante los últimos cincuenta años, aunque un análisis en profundidad revela que distintas pieles esconden los mismos discursos reaccionarios y machistas. Por ello nos detendremos en los ejes temáticos de cada uno de los cinco periodos en que hemos dividido este estudio que también aborda las constantes formales de unas comedias que, como género, han cambiado tan poco que suponen nuestra tragedia particular.
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La primera vez que surgió el concepto Heavy Metal fue en una novela del gran maldito de la literatura, William Borroughs. Fue en 1962, el relato se llama «The soft machine», y la utilizoy 769, para de definir uno se sus personajes, Uranian Willy, como un «heavy metal kid». Desde entonces, el género hermano del rock se disparó en bandas, corrientes y seguidores. Estas páginas se adentran en un ecosistema musical que abarca una red mundial de fans que intentan escapar de la vulgaridad cotidiana y protestar contra las políticas establecidas, a través de la síntesis del rock and roll tradicional y el blues. Así conoceremos por primera vez, en un libro escrito en español, a estrellas épicas que viven en planetas lejanos con dioses de otras épocas que se ocupan de semanas llenas de sábados en la noche. Un ecosistema musical con una leyenda marcada por yonquis, satanistas, camorristas, cristianos renacidos, trotamundos millonarios, conciertos multitudinarios y mucha «buen rollo». Con un saber enciclopédico y una pasión inquebrantable por el género, Mariano Muniesa y Mariskal Romero, aunando el saber pionero con el gran presente de la crónica metalera, repasan la historia no canónica, jamás contada y muchas veces tergiversada del Heavy Metal. Historias de excesos pero también de gloria. De Ozzy Osbourne a Metallica pasando por Lemmy, desde la nueva ola del heavy británico hasta la escena underground del black metal noruego. Si asientes con la cabeza, si haces headbanging mientras lees estas líneas y se te disparan los cuernos con los dedos... este es tu libro. Pero si te has quedado de piedra, también deberías leerlo para entender, por fin, que el Heavy Metal es una forma de entender el mundo. «Basta ya de libros sesudos de RockyRoll. Aquí tienes a Mariano Muniesa, con el apoyo de Mariskal Romero, contándote historias inéditas y sorprendentes. Te enterarás de lo que nadie te contó nunca y, de paso, te echaras unas risas...que buena falta nos hace. Ya sabes, ¡Rock y Diversión!» El Pirata
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Como las buenas secuelas, Más Superhéroes en Hollywood continúa justo donde lo dejamos en el primer volumen. Han sido un par de años complicados en los que el cine se ha visto muy afectado por la pandemia, pero en los que también se han probado nuevos formatos de estreno y en los que las plataformas digitales de streaming se han convertido en una pieza clave en esta industria. Y en este contexto, en Más Superhéroes en Hollywood vamos a repasar todos los estrenos de cine de superhéroes desde 2020 y los primeros meses de 2022, llegando incluso hasta The Batman. Pero también habrá espacio para incluir las series de Disney Plus del universo de Marvel Studios, y para echar un vistazo al futuro que se nos viene durante los próximos años. Todo esto y mucho más en estas páginas, así que, bienvenidos a Más Superhéroes en Hollywood.
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¿Qué tiene de especial Harry Potter, que ha enganchado a una generación tras otra? ¿Haber crecido con los niños que le descubrieron? ¿O la lucha del odio contra el amor?... O precisamente la parte de mal que subyace en él, a pesar de su bondad. Los grandes personajes de la Literatura Universal, lo son porque son poliédricas. No se entiende a MonteCristo sin su venganza, al Quijote sin su locura o a Hamlet sin sus dudas. En los años venideros, uno más de esos personajes eternos será Potter. Este libro no es solamente un compendio de anécdotas y curiosidades -que lo es-, sino también un ensayo de corte filosófico sobre qué ha convertido al chico de las gafas y la cicatriz en un referente internacional.
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Un banquero multimillonario invierte 12 millones de dólares por el cadáver de un tiburón descomponiéndose dentro de una tinaja. Un lienzo lleno de gotas de colores se vende por 140 millones de dólares. Una chaqueta de cuero abandonada en una esquina se subasta por la suma de 690.000 dólares. Si el negocio del arte moderno es serio, ¿por qué parece una broma? En este recorrido ameno y fascinante por las casas de subastas, las galerías y el mundo de los coleccionistas, Don Thompson desvela los secretos económicos y las estrategias de marketing que impulsan al mercado a producir los precios astronómicos a los que se cotizan las obras de los grandes artistas, de Basquiat a Koons, Tàpies o Jasper Johns. Thompson nos acerca a la psicología y los intereses que mueven el mercado artístico para recordarnos que en el arte contemporáneo, como en tantos otros campos, la línea que separa la cultura y el negocio es difusa pero clara.
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Este volumen examina el coleccionismo de artes decorativas españolas entre 1850 y 1945, aproximadamente, desde la doble perspectiva británica y española. Se trata del periodo en el que distintos tipos de objetos de procedencia española, como arquetas de marfil, tejidos en seda, alfombras, cerámica de loza dorada, mobiliario, joyas y objetos de plata eran apreciados y comprados tanto por museos como coleccionistas de ambos países. Los artículos muestran desde ambas perspectivas los puntos en común, las diferencias, las figuras claves implicadas y los contextos tan diferentes en donde estas actividades tuvieron lugar. Destaca el papel que jugaron determinados museos como el Victoria and Albert Museum y el de las exposiciones de artes decorativas y aplicadas a nivel local, nacional e internacional en la difusión del conocimiento de los objetos españoles, históricos y contemporáneos. El libro se completa con breves biografías de las figuras claves y un apéndice bibliográfico sobre el coleccionismo de arte español con especial referencia a las colecciones europeas y norteamericanas y el coleccionismo de artes decorativas españolas en España, Gran Bretaña y Europa.
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Estas páginas recogen las clases que Nicholas Ray impartió a sus alumnos entre 1971 y 1979. Clases de cine, de interpretación y de dirección de actores que transmiten una apuesta vital irrenunciable en busca de la autenticidad emocional y de la máxima libertad expresiva. El conjunto ofrece una valiosa colección de textos y de debates bajo los que palpita una filosofía de la vida y de la creación que entrelaza las propias experiencias autobiográficas del cineasta con las enseñanzas y las teorías de autores a los que admira (Stanislavski, Grotowski) para bucear en los rincones más íntimos y más incontrolables del alma humana. Reunidos y editados por Susan Ray, la mujer que compartió con el cineasta los últimos diez años de su vida y que estuvo implicada en el rodaje de sus últimas películas, estos textos se presentan aquí en una edición especial completamente inédita, pues se enriquece con la traducción y con un comentario paralelo en extenso a cargo de Manuel Martín Cuenca (director de películas como La mitad de Óscar, Caníbal, La hija o El amor de Andrea), cuya aportación contextualiza de forma didáctica las reflexiones del cineasta norteamericano, a la vez que potencia su actualidad y su vigencia.
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Luis de Pablo es uno de nuestros compositores más internacionales. Contamos con biografías y estudios sobre su obra, pero apenas trataban su mundo íntimo, sus experiencias ligadas a la música que creaba, su visión de las cosas y de la cultura. Conoceremos el modo en que componía, sus objetivos, sus deseos, su mirada única hacia el panorama cultural de nuestro tiempo y sus consideraciones críticas sobre la cultura en general y la música en particular. Veremos su casa, su ambiente íntimo y su día a día, las aspiraciones, éxitos y fracasos de uno de los artistas más relevantes de nuestro tiempo. Luis de Pablo poseía una mente privilegiada, fue un músico cultísimo, lector infatigable de filosofía, antropología, literatura, historia y música. Un artista único al que debemos conocer.
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JC+ es el octavo cuaderno de la colección de Cristóbal Hara Los ensayos banales. El lenguaje fotográfico, y en particular el lenguaje de la fotografía con ambición documental, está sujeto a múltiples reglas y convenciones. El trabajo de Cristóbal Hara gira en torno a la búsqueda de alternativas a las convenciones de su época. En Los ensayos banales, el formato de ensayo, más conciso que el de un libro, le permite aislar y tratar diferentes aspectos del oficio de fotógrafo, ilustrándolos con imágenes, algunas conocidas y otras inéditas, realizadas durante sus más de cuarenta años de trabajo. Los Ensayos Banales tratan aspectos que tienen que ver con la creación de imágenes y con el oficio de fotógrafo.En este caso ilustra cómo los cambios culturales modifican las pautas de representación.
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La asombrosa relación de obras de arte, descubrimientos y revoluciones científicas, teorías estéticas y filosóficas, libros, viajes, personajes y controversias convierten este ensayo en una de las historias culturales más originales e intuitivas publicadas en los últimos años. El itinerario propuesto por el autor se orienta al análisis e interpretación del significado artístico y los valores simbólicos de las ruinas, restos arquitectónicos que hacia la primera mitad del siglo XV adquieren, a ojos de sus contemporáneos, una nueva consideración, mudando de su carácter de cantera en desorden a la condición de vestigios venerables de otra hora del mundo, dignos de ser recreados en un sinnúmero de obras de arte. En este recorrido, que llega hasta el siglo XX y la devastación física y moral provocada por las grandes guerras mundiales, presenciamos también la aceleración y el cambio de mentalidades que se sucedieron en Occidente y la consiguiente evolución que sufrió el sentido y la finalidad de la representación de esos restos del pasado. Efectivamente, las ruinas no tuvieron el mismo significado ni sirvieron al mismo fin en Botticelli, Piranesi, Chateaubriand o Freud, y si en el Renacimiento ,que les dio nueva vida como símbolos de perfección y continuidad de la grandeza clásica, valieron como cimientos de una nueva ciencia, apegada a los datos objetivos y la verdad, como fue la moderna Historia cultivada por los humanistas, los siguientes siglos las cargaron sucesivamente de melancolías y soledades, megalomanías y brumas, destrucción y pesadillas. A caballo entre la indagación estética y literaria, entre el comentario histórico y filosófico, Manuel Gregorio González descubre aspectos cruciales de nuestra cultura explicados mediante la figuración de esas nobles ruinas que hoy, como toda la herencia de los tiempos pretéritos, parecen sumidas en una profunda crisis.
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Al iniciarse la década de 1960, España figuraba entre los países líderes en el mercado turístico mundial, por visitantes e ingresos. Este hecho, fraguado en muy pocos años, tuvo indudables repercusiones políticas, económicas, sociológicas y medioambientales, a nivel nacional y provincial, allí donde este fenómeno de masas tuvo un mayor éxito. El turismo se incorporó a los grandes debates nacionales durante la dictadura de Franco. Este libro estudia el proceso que llevó a España desde la condición de país de turismo, rezagado, que aspiraba a ser un país turístico, cuando se creó el Patronato Nacional del Turismo institucionalizando la política turística en 1928, a la condición de país turístico, iniciados los años 1960.
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Nos encontramos en plena transición hacia el mundo digital, que irrumpe –de manera irreversible– en la arquitectura. Los estudios de arquitectura (architectural practices) de hoy se convertirán muy pronto en las empresas tecnológicas de arquitectura del mañana (arch tech firms). Debemos ampliar nuestra experiencia, incorporando conocimientos relacionados con lo inmaterial: la información, los datos, la estrategia, para pasar del diseño formal al diseño de relaciones y experiencias. Proyectar intangibles llevará también al desarrollo de Apps, lo que se traducirá en el uso de sensores para la mejora de unos interiores, de unos edificios y de unas ciudades que estarán constantemente monitorizados. Si los edificios son como los coches de carreras, que necesitan ajustes y adaptaciones para ofrecer el máximo rendimiento, necesitaremos cuantificar y proyectar intangibles para gestionar los datos que determinan nuestra toma de decisiones. CASOS DE ESTUDIO: Heatherwick Studio, Studio Gang, Bjarke Ingels Group, Mass Design Group, Mad Architects, Estudio SelgasCanoArquitectura e intangibles es el segundo volumen de una trilogía. Mientras que el primero, Arquitecturas de la estrategia, constituye el contexto histórico (Bases), este segundo libro se centra en el diseño de intangibles (Herramientas). El tercer volumen (Prácticas) desarrollará políticas ejemplares.«[...] Arquitecturas e Intangibles muestra sus verdaderas intenciones en el subtítulo: «o de cómo lidiar con operadores y datos en la era de la inteligencia artificial». Hay que leerlo, pues, no como un método, y no me refiero solamente al DISF que el autor propone con tanta brillantez, sino como un manual de supervivencia: el de la era que ya ha empezado y que quizá no podemos comprender con el utillaje mental de la que termina».
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Un auténtico héroe popular en América Latina y el artista más importante de México, junto a su esposa, la pintora Frida Kahlo, Diego Rivera (1886-1957) tuvo una vida apasionada dedicada al arte y el comunismo. Tras pasar unos años (en la década de 1910) en Europa, donde se rodeó de otros creadores y abrazó el movimiento Cubista, regresó a México y comenzó a pintar los murales a gran escala que le hicieron famoso. En ellos abordó temas sociales y políticos relacionados con la clase trabajadora, ganándose un estatus profético entre los campesinos de su país. Fue invitado a crear piezas en el extranjero, especialmente en Estados Unidos, donde provocó controversia al retratar a Lenin en un mural para el Rockefeller Center de Nueva York (que fue destruido antes de que se terminara). La obra más notable de Rivera es su Detroit Industry (Industria de Detroit) de 1932, un grupo de 27 frescos en el Detroit Institute of Art en Michigan.Este volumen presenta numerosos detalles a gran escala de los murales, permitiendo que sus diversos componentes y sutilezas sean examinados de cerca. Además de los estos, se incluye una gran selección de pinturas, fotografías de época, documentos y dibujos de colecciones públicas y privadas de todo el mundo, muchos de los cuales eran hasta ahora desconocidos para los estudiosos y cuya inclusión ha sido posible gracias a la más intensa investigación realizada sobre el trabajo de Rivera desde su muerte. Los textos incluyen una biografía ilustrada y ensayos de destacados historiadores del arte que ofrecen interpretaciones de cada mural. No se puede pedir un estudio más completo de la obra de Rivera. Finalmente su trabajo tiene la retrospectiva que merece.
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Tengo un cuaderno con seis mil películas apuntadas, todas las que he visto hasta mis cuarenta años. He sido periodista especializado en cine, pero este libro no -no quiere ser- un libro de cine, sino el retrato de una ausencia, la de un padre que se fue demasiado pronto y no supo o no pudo transmitirme muchas de las pasiones que si me gustaría trasladarle a mi hijo.
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Un recorrido por el Museo del Prado ?por sus imprescindibles y sus olvidados? de la mano de una Estrella de Diego. áá Paseos por el Museo del Prado. Por sus clásicos y sus olvidados. Por su historia, sus historias y sus recovecos. Siguiendo la estela del clásico Tres horas en el Museo del Prado de Eugenio d'Ors, Estrella de Diego nos propone un nuevo recorrido con una mirada del siglo XXI.Y así asoman por estas páginas imprescindibles como Las meninas de Velázquez leídas a la luz del Pierre Menard de Borges, o las obras de Goya, también cuadros históricos que hoy vemos con otros ojos e interpretamos con otra perspectiva, como Las hijas del Cid de Teófilo de la Puebla o Juana la Loca de Pradilla, o la escultura del Hermafrodito, y lienzos olvidados como los de Clara Peeters o el espléndido retrato de un león africano titulado El Cid de Rosa Bonheur, que durante demasiado tiempo estuvo guardado en los sótanos, acaso porque su autora era mujer y lesbiana, y si hoy hay que reivindicarla es sobre todo como una gran pintora a secas.El Prado inadvertido se mueve entre el ensayo y la memoria personal y es un homenaje a un museo que ha acompañado a la autora a lo largo de toda su vida. Un museo cargado de pasado y de futuro, un espacio vivo, que se va transformando a través de las miradas de las sucesivas épocas. Porque, como dice Estrella de Diego: «Los museos, como las palabras y las historias y las imágenes, van cambiando a cada paso, llenándose de narrativas diferentes y nuevas, las que exigen los cambios en el gusto, las que persiguen las transformaciones en el concepto de calidad, las que se construyen, aun sin saberlo, desde las leyes del extranjero: traer y llevar las preguntas. Es cuestión de sacar lo olvidado a la luz ?aunque lo olvidado sea diferente en cada momento histórico? y rescatar lo excluido teniendo clara una cosa: por mucho que tratemos de recuperar lo excluido, siempre quedará algo fuera, alguien fuera.»
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Star Wars Jedi: Fallen Order es el videojuego de acción y aventura que explora la búsqueda de Cal Kestis para reconstruir la Orden Jedi mientras aprende los caminos de la Fuerza, viaja a mundos exóticos y lucha contra enemigos tiránicos. Con una arte conceptual detallado de los nuevos personajes, emocionantes armas y equipo, y escenarios tanto familiares como nuevos, este tomo ofrece una mirada entre bastidores a la producción de uno de los juegos más exitosos de la saga, todo acompañado por comentarios íntimos de artistas que revelan cómo entender este increíble universo. Un libro de arte a todo color que captura el desarrollo de una de las últimas incorporaciones al canon interactivo del universo de Star Wars.
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LA BIOGRAFÍA DEFINITIVA DE NICO: LA ICÓNICA Y MISTERIOSA CANTANTE, SUPERESTRELLA DE WARHOL Y MUSA DE PHILIPPE GARREL, VOCALISTA DE THE VELVET UNDERGROUND E INFLUYENTE ARTISTA EN SOLITARIO Christa Päffgen nació en Colonia (Alemania) en 1938 y padeció de niña los horrores de la guerra. Su extraordinaria belleza pronto la condujo a posar de modelo internacional para los mejores fotógrafos y revistas, momento en el que adoptó el nombre de ''Nico'', que la acompañaría el resto de su tormentosa vida. Su fama se disparó cuando Federico Fellini le dio un papel en la mítica ''La dolce vita''. Poco después recaló en Nueva York, donde Andy Warhol la introdujo en el séquito de la Factory y, además de protagonizar muchas de sus películas —,entre otras, ''Chelsea Girls''—, y erigirla en Superstar, la embutió un poco a la fuerza en el grupo fundado por Lou Reed y John Cale, The Velvet Underground. Con ellos grabó el que posiblemente sea uno de los mejores discos de la historia del rock, el icónico vinilo del plátano, producido por el propio Warhol: ''The Velvet Underground & Nico'', donde la alemana cantó en ''Femme Fatale'', ''All Tomorrow's Parties'' y ''I'll Be Your Mirror'' con su particular voz de contralto de fuerte acento teutón. Después inició una fascinante y oscura carrera como artista en solitario, primero con el disco de versiones ''Chelsea Girl'', al que le siguieron ''The Marble Index'' y ''Desertshore'', que a pesar de pasar desapercibidos cuando se lanzaron, hoy son discos de culto y de una enorme influencia. Musa y pareja del cineasta maldito Philippe Garrel, con quien protagonizó, entre otras, ''La cicatrice intérieure'', ambos empezaron a consumir heroína de forma regular. Una adicción cada vez mayor llevó a Nico a una espiral de degeneración que la minó física y psicológicamente, cosa que no impidió que tuviera una prolífica carrera como música, sobre todo en directo. Nico murió en Ibiza en extrañas circunstancias a los 49 años. Tras cuatro años de investigación y más de cien entrevistas, Jennifer Otter Bickerdike construye una fascinante y documentadísima biografía de una de las voces más carismáticas de la música popular cuya vida fue un cautivador enigma que ''You Are Beautiful and You Are Alone'' trata de desentrañar.
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UN ASESINO DESHONRADO. UN AGENTE ENCUBIERTO.UNA BÚSQUEDA DE REDENCIÓN. Londres, 1862. En plena Revolución Industrial, se está contruyendo el primer tren subterráneo del mundo. Cuando un cadáver sea descubierto durante las excavaciones, saltará la chispa que desate el último enfrentamiento en la antigua batalla entre Asesinos y Templarios. Sumido en la más profunda clandestinidad, hay un asesino que oculta oscuros secretos y que recibirá la misión de terminar con el dominio templario en la capital de la nación. Muy pronto, la Hermandad lo conocerá como Henry Green, mentos de Jacob y Evie Grye. Pero, por el momento, es simplemente El Fantasma. Assassin's Creed es una licencia consolidada, uno de los videojuegos más jugados de todos los tiempos. Sus entregas, ambientadas en distintos e interesantes períodos históricos, permiten a jugadores y lectores vivir aventuras y cumplir todo tipo de misiones. · Ubisoft es el estudio líder en la industria del videojuego en todo el mundo.
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Una faceta muy poco conocida de Sigurd Lewerentz son las fotografías que tomó en los diversos viajes que hizo a lo largo de su vida por Suecia. Si las famosas fotografías de sus viajes a Italia intentaban capturar la esencia de las ruinas y fragmentos de las arquitecturas clásicas, en su país natal se fijó en paisajes y jardines, cementerios, arquitecturas vernáculas —tanto edificios aislados como en grupos—, iglesias y sus interiores, otros interiores más domésticos, muros, vallas o puertas, todo ello captado por el ojo de un arquitecto, que no de un etnógrafo.
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5O proyectos para dar vida al océano sin necesidad de dibujar los bocetosDana Fox, autora de Pintura a la acuarela. El bosque y fundadora del blog Wonder Forest, presenta cincuenta nuevos dibujos de temática marina en esta guía de acuarela para principiantes. Conocida por su estilo artístico fantasioso y su manera directa de instruir, la autora nos guía a través de tres técnicas de acuarela: mojado sobre mojado, mojado sobre seco y tinta y lavado. Lo mejor de todo es que no hay que dibujar los bocetos y así podemos centrarnos solo en las técnicas de pintura.Da vida a estas adorables criaturas marinas. Empieza de manera sencilla sombreando una orca monocromática y practica estilizando la encantadora escena del faro. Gracias a este arte inspirador y a las sencillas instrucciones, es fácil coger un pincel y crear algo hermoso paso a paso.
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¿Cambió Chinatown las reglas del género negro? ¿Qué significó para el cine la estructura episódica de Pulp Fiction? ¿Cómo afecta en Rashomon sus múltiples puntos de vista a la realidad? Este libro responde a un sinfín de preguntas en torno al cine, pasando revista a las mejores películas que ha dado el séptimo arte a lo largo de los últimos cien años.Con un lenguaje claro, carteles de época, fotogramas de filmes emblemáticos y originales infografías la nueva edición actualizada de El libro del cine explora los personajes, las tramas y los temas de más de cien películas que han dejado huella más allá de la gran pantalla.Tanto el devorador de cine como el cinéfilo ocasional hallarán en este libro una nueva perspectiva de sus títulos preferidos y descubrirán tesoros cinematográficos que no querrán perderse.
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El arquitecto José Luis Fernández del Amo responde al modelo de hombre multidisciplinar. Los poblados de colonización son, con toda probabilidad, sus obras más reconocidas, reivindicadas hoy por su conexión orgánica entre el espacio urbano y la naturaleza circundante, o por su capacidad por ordenar de forma equilibrada la relación entre el espacio público y el espacio privado. Fue un hombre religioso y de ideas avanzadas, claramente por delante de su tiempo. Supo establecer la integración de las artes contando con la colaboración de jóvenes artistas para la ejecución de la iconografía religiosa de las iglesias de los poblados, con un resultado extremadamente moderno y aperturista para la época. Esta inclinación hacia el arte contemporáneo le llevó a la dirección del entonces recién creado Museo Nacional de Arte Contemporáneo. Por iniciativa suya el museo se hizo con obras de artistas consagrados, y, a la vez, con obras tempranas de artistas por entonces desconocidos, piezas que hoy forman parte significativa del Museo Nacional Reina Sofía de Madrid.Durante varios años desarrolló una intensa labor docente en la escuela de arquitectura de Madrid. No menos importantes son sus textos, recopilados bajo el título «Palabra y obra. Escritos reunidos», edición a cargo del Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid, donde trata temas tan significativos como la arquitectura, el urbanismo, la cultura, el arte o la religión. Ha sido pues un hombre de múltiples miradas, una transversalidad tan plenamente contemporánea que creemos de justicia reivindicar su figura.
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El compositor Joan Magrané (guanyador, entre d’altres, del premi Reina Sofia de Composició i nominat als premis Grammy llatins) ens presenta les seves impressions sobre alguns dels principals compositors catalans de finals del s. XIX i inicis del XX.Amb la seva escriptura equilibrada, reivindica la vigència de figures com les de Serra, Mompou, Blancafort o Toldrà, tot transmetent-nos la seva passió per aquests. Magrané acaba el llibre amb una visió panoràmica de la situació actual de la música “clàssica” a Catalunya, fent un repàs dels principals compositors i intèrprets d’avui.
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