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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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Más que una colección de poemas e historias cortas, No quiero morir pronto es una serie de epitafios que una mujer joven le dedica a su corazón, a su cuerpo, a sus seres queridos y a la realidad que habita. Este libro explora el difícil camino del duelo y la lucha por encontrar esperanza en un mundo que, a menudo, es indiferente a nuestros dolores personales. A través de palabras viscerales y conmovedoras, Camargo presenta la existencia como una herida empeñada en recordarnos nuestra propia fragilidad, pero que también está llena de belleza y resistencia. No quiero morir pronto es un testimonio valiente sobre la capacidad humana para encontrar luz en un mundo donde todo muere, incluso el amor.
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Lo que queda cuando te vas es una reflexión poética sobre lo que dejamos atrás al partir, y lo que nos queda cuando alguien se va. Es un recorrido entre dos realidades opuestas: cuando nos vamos, dejamos algo de nosotros en el camino, y cuando otros se van, nos quedamos con lo que dejaron. En ese espacio, entre lo que se da y lo que se recibe, está la clave de lo que somos.Este poemario explora la dificultad de dejar ir lo que fue tan cercano y la carga de aferrarse a algo que ya no nos pertenece. Es el intento de reconstruir lo perdido con las migajas de lo que fue, de intentar retener en un objeto físico lo que aún forma parte de nosotros, aunque se presente ausente.La partida no es un adiós definitivo: es la tensión de seguir buscando, de recordar y escribir, de reconstruir aquello que ya no existe, pero que una vez fue el centro de nuestra existencia. En este libro, cada palabra se convierte en un intento de darle un sentido a lo perdido, de llenar el vacío con todo lo que quedó, y con todo lo que, al irse, nunca se va del todo.
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El lector está a punto de acudir a un verano que transitará en tres tiempos: lo onírico y el salto a la alucinación, lo mundano y el amor, y finalmente, la visión de un cielo azul, de verano, interrumpido por los otros y por sí mismo. En los poemas de Ingrid González, el momento poético sucede al buscar la palabra o imagen precisa para encontrar un equilibrio con lo que se ha soñado, perdido o roto. La autora busca recuperar el mundo a través de la ruptura de los suicidas, porque “comprenden demasiado” el regreso a un lugar amado donde se es un extranjero más, o la visión de un santo que abandona la tierra para siempre, como en el Sueño VII. Es entonces la poesía de González en este libro el salto fantástico que todos buscamos, el de sobrevivir a lo imposible, a un punto negro sobre un cielo de verano.
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Pols
Premi de poesia Sant Cugat a la memòria de Gabriel FerraterPols és un llibre en sis parts de tons i temes diversos, que s’articulen sobre una fibra conductora de fons: la tensió entre tot allò que podem entendre com a pulsacions de la vida (el pols) i les manifestacions de la mort (la pols). Ramon Boixeda ha sabut construir un llibre molt ben articulat i modular la veu lírica de manera que la proposta de cada poema (i, esclar, també del conjunt) satisfaci sempre l’interès dels lectors. Pols ha guanyat el prestigiós premi de poesia Sant Cugat a la memòria de Gabriel Ferrater.Passa que ser expulsats al mónno tingué lloc: hi som i prou.No tingué lloc, pro ens defineix.Hi som potser com són les coses:passen, i és tot. Hi som, i és prou.
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Después de La gata que inventó los tejados y La voracidad de los cuerpos frágiles, Blanca Sarasa regresa con una obra que confirma su voz como una de las más singulares y necesarias de la poesía contemporánea. Sus versos, íntimos, y desgarrados, recorren la memoria, el amor y la pérdida con una voz que no teme mostrar sus sentimientos. Es un libro escrito desde la intemperie, allí donde el dolor no se disfraza y la belleza se atreve a vivir en los márgenes. Cada verso se abre como una grieta luminosa, como un recordatorio de que incluso lo roto puede cantar. «Soy un espejo que no recuerda su reflejo, una biblioteca sin lector, un reloj que gira hacia dentro» Este libro se adentra en los pliegues más hondos de la experiencia humana, con un lenguaje que oscila entre la ternura y la rebeldía. «No sé si es amor o ceniza, pero cada palabra que escribo se parece demasiado a un epitafio. Y sin embargo, contra toda costumbre, me aferro a la terquedad de seguir esperando como quien planta una flor en el desierto del pecho». La autora se interna en territorios donde la memoria se confunde con la pérdida, donde el amor aparece y desaparece con la violencia de un trueno, y donde la vulnerabilidad se vuelve fortaleza. Blanca no busca redención ni consuelo: busca la verdad del temblor, la dignidad de lo frágil, el vértigo de lo que permanece aunque todo se desmorone. «No creo en la paz de los resignados, creo en la herida abierta, en la palabra desnuda, en el gesto torpe del amor verdadero». En estas páginas se nombra lo impronunciable y se abraza lo que duele, porque solo quien se atreve a cantar desde la herida puede dejar una huella inolvidable.
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Colombaire
Premi Ausiàs March de poesiaColombaire gira al voltant d'un doble eix: la malaltia terminal del pare d'una banda, i de l'altra l'afició a la colombicultura, que és també una forma de lligam amb el passat, amb la terra i amb la llengua. Colombaire és, doncs, un llibre molt íntim, però també una reivindicació pública de l'ancestralitat i de la poesia. La qualitat extraordinària d'aquest conjunt travadíssim de poemes en vers i en prosa ha suscitat la unanimitat del jurat del LXIII Premi Ausiàs March de poesia. Quan tot ocórregaseré al teu costatper abraçar-te. Ni l'universni el cosmosni Déu. Cap astrofísic. La meua mànoméscom un tractorde llum i la paraula.
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La antología del VI Certamen de Poesía Aliar integra una selección de los mejores 44 poemas presentados al concurso, habiendo sido seleccionados por el jurado entre las múltiples composiciones poéticas remitidas. Esta edición destaca por la diversidad geográfica y lírica de las sobresalientes voces que integra.
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Estudi de les humitats
En Estudi de les humitats, Víctor Benavides Escrivà converteix l’arquitectura i les patologies d’una casa en metàfora d’una identitat col·lectiva en crisi. Els murs que degoten, les esquerdes i les eflorescències esdevenen correlat d’una memòria fràgil, d’uns vincles que es trenquen i d’un món que cada vegada se’ns mostra més inhabitable. Amb una veu poètica precisa i fonda, aquest llibre cus la intimitat familiar amb la història compartida, i fa de l’aigua —que tot ho impregna— una imatge de persistència i de resistència.
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Con la corriente del agua, este poemario ganador del Premio de Poesía Joven Vaso Roto, Rubén Esparza hace gala de un lirismo fruto de su oficio con la palabra. Muestra que la poesía joven actual es la mejor forma de medir el talento, la lectura, el trabajo de limpieza de los textos y, ante todo, revela que es la manera irrefutable de contrastar la vocación cuando se entrega a una obra personal nutrida de la más alta poesía. En este poemario, dedicado a su padre, Rubén Esparza transforma la imagen del agua mediante el paradigma científico y las distintas miradas posibles a través de la memoria y una honda reflexión filosófica, a la que añade su mirada personal en diálogo con otras voces poéticas. De acuerdo con los miembros del jurado: «En su desarrollo, el poeta crea distintas atmósferas en las que lo acuoso, paradójicamente, es y no es metáfora de lo vivo, del amor, del lenguaje o del interrogante que es la poesía. Con altura lírica y dimensión ética, se trata de una escritura que trasciende lo íntimo para abarcar con consciencia las distintas formas de ser y estar en el río de la realidad». Jurado del Premio de Poesía Joven Vaso Roto 2025
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La perra de esta casa es, más que un poemario, un testimonio de la violencia repetida e infinita que ejerce la familia como eslabón principal de la creación de la identidad. Aprender el perdón o el olvido parece tarea imposible en estas circunstancias, en este momento en el que todo nos atraviesa doblemente: como hecho y como recuerdo. A través de un lenguaje conciso que recrea las imágenes de la casa, la juventud y la infancia, Sara Olivas abre la experiencia concreta al terreno de lo universal, capaz de apelarnos por su sensibilidad poética. Las palabras nos preguntan “qué queda de esa niña, qué queda de mí” y nos alientan hacia la búsqueda del origen, que es siempre una casa a medio abandonar.
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Un texto imprescindible en edición maravillosa.Poeta en Nueva York es el título de uno de los poemarios más célebres de la literatura del siglo XX. Lo escribió Federico García Lorca (1898-1936) entre1929 y 1930, durante su estancia en la Universidad de Columbia, así como en su siguiente viaje a Cuba, y fue publicado por primera vez en 1940, cuatro años después de su muerte.El manuscritoEs uno de los más atribulados de la historia. Poemas sueltos aparte, publicados en revistas como Revista de Occidente, Litoral, Planas de Poesía o Revista Verso y Prosa, el primer y único borrador, compuesto por 96 páginas mecanografiadas y 26 manuscritas, fue entregado por Lorca al bueno de José Bergamín poco antes de su muerte, en 1936, con abundantes tachones y añadidos. Las dos primeras ediciones, en Editorial Séneca (México) y Editorial Norton (USA) ya generaron grandes controversias por las diferencias encontradas.
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Cinturón de fuego es un viaje interno y geográfico, marcado por momentos sísmicos de cambio, ocurridos entre dos lugares dentro de la zona geográfica conocida como el cinturón de fuego.
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Divididos en seis apartados: Fronteriza/Border Woman, Culpas, Anotaciones Domésticas, Herrumbres, Devaneos e Interiores, los poemas de esta colección provienen de una madriguera, casa, refugio o vientre donde se gesta, crece, madura, y se protege lo intuitivo de la experiencia femenina de frontera. En esa madriguera se gestó la identidad fronteriza-border de la autora, que habla, escribe, y sueña en castellano, se heredaron y nacieron prehispánicas, coloniales y novicias culpas de faldas, se hicieron anotaciones domésticas con papel y tinta con una mano, y con la otra se mecieron las cunas de las crías a media luz, se descubrieron y comprendieron las herrumbres de la verdadera loca pasión de Juana de Castilla, se hizo tiempo para devaneos y martinis y, sobre todo, con el tiempo, en esa madriguera se armaron los interiores de una mente, un alma, y un espíritu.
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Akiko Yosano, pionera y deslumbrante, en su obra más audaz.La voz femenina más libre del Japón de Meiji, sin cortes ni filtros.Un fenómeno literario que rompió el silencio de las mujeres en su país.Mideragami —o pelo revuelto, símbolo de insumisión y deseo—, es una joya de la poesía japonesa. Esta cuidada edición, revisada y anotada, recoge un clásico que sigue vigente más de un siglo después.Amor, deseo, libertad, melancolía y belleza lírica en 399 tankas inolvidables.La obra más sensual y libre de la gran poeta japonesa Akiko Yosano, una mujer que no pidió permiso para sentir.En una época en la que la voz de las mujeres apenas encontraba espacio, Akiko Yosano alzó la suya con una belleza y una valentía sin precedentes. Midaregami —aquí traducido por primera vez de forma íntegra al castellano— reúne casi cuatrocientos tankas donde deseo, libertad y rebeldía se entrelazan con la delicadeza de una flor y la intensidad de una tormenta.Publicado originalmente en 1901, este libro marcó una ruptura radical con la poesía japonesa tradicional. Lejos de la contención emocional impuesta a las mujeres, Yosano escribe desde el cuerpo, la pasión, la introspección y la contradicción. Su «cabello revuelto» no solo nombra el desorden amoroso, sino también la insumisión ante un mundo que exige orden y silencio.Esta edición, traducida y prologada por Beñat Arginzoniz, rescata con fidelidad poética una obra fundacional del feminismo japonés y de la lírica moderna, cuya vigencia resuena más de un siglo después.
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En ''La piel de toro'' (1960), un libro icónico para la literatura en lengua catalana, Salvador Espriu se propuso demostrar que no era cierta la tesis de Ortega de que España solo podía pensarse desde el prisma de Castilla. Con él, el poeta quiso expresar ''un modo más generoso y abierto'' de entenderla, uno que se pusiera en marcha desde sus periferias geográficas e históricas y que contribuyese a la regeneración de una reflexión pública que la dictadura había hecho todo lo posible por cortar de cuajo. En este sentido, la trascendencia de algunos de sus poemas da muestra de la gran resonancia que tuvo entre sus numerosos lectores, que hoy siguen encontrando en ellos un llamado al diálogo y una defensa de la libertad.
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Es éste un impresionante diario de batalla, desde una madurez literaria poco común en un primer libro de poemas, y un depurado lenguaje a corazón abierto que sobrecoge, como tan sólo la poesía de calidad puede hacerlo.Su poesía es ontología desollada, deslumbrante desnudez interrogante, resistencia permanente, larva de luz hacia una vida distinta a esa temporada en el infierno del pasado. Los despojos se han convertido ya en invulnerable vuelo soltando lastre, en victorioso lenguaje contra la oscuridad.Hay en la descarnadura, en el abrasamiento del alma, en el golpe mortal recibido, en el andamio de huesos resquebrajado, en la pura ceniza, en la hemorragia, un insistente poema de amor que vence la crueldad y la perplejidad ante las cosas que tejen un baile de sal sobre las heridas.Sus páginas de excelente poesía dibujan un profundo balance, en que, a pesar de la crudeza en el campo de batalla, de las cicatrices, la autora camina con el deseo de ser levedad, casi aire para llegar también a poder amarse libre de las dentelladas del no ser. Nos encontramos ante una gran escritora Paula Ruiz Santamaría, con un magnífico primer libro de poemas que sin duda no dejará a nadie indiferente como acostumbra a hacerlo la buena literatura, dejándonos en el corazón la indeleble llama del dolor hecho belleza.Julia Otxoa
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En los conmovedores poemas de su nueva colección, Twice Alive, el ganador del Premio Pulitzer Forrest Gander aborda las exigencias de nuestro momento histórico y las intimidades, personales y ambientales, que nos vinculan con los demás y con el mundo. A partir de su formación en geología y su inmersión en las tradiciones literarias de Sangam, Gander dota a estos poemas de una intensidad emocional que ilumina nuestras interrelaciones profundamente enredadas. Mientras realiza trabajo de campo con un célebre micólogo, Gander vincula la intimidad humana con las colaboraciones transformadoras entre las especies que componen los líquenes. A lo largo de Twice Alive, Gander aborda el trauma personal y ecológico (varios poemas se centran en la devastación causada por los incendios forestales en California, donde vive), pero su tono es abrumadoramente celebratorio. Twice Alive es un libro cargado de júbilo y ternura.
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A flor de piel es, como su nombre indica, piel, sentimiento y verdad. Los poemas que contiene son de superación personal y amor, y en cada uno de ellos se puede sentir el desgarro y la emoción. Desde una mirada resiliente y sincera, los poemas relatan el dolor y la frustración que cualquier persona puede sentir en los momentos más trágicos de su vida, pero siempre desde la esperanza, la fe, el amor y la calma. Siempre intentando obtener un aprendizaje, conocerse más a sí mismo y encontrar la paz interior. Este poemario es un canto a la vida, la belleza, la fortaleza individual, el encuentro espiritual y el quererse bien, sin exigencias ni prisas. Es sentir y vivir sin miedo, sin límites y con intensidad, una primavera que ilumina y embellece tu camino, un corazón que late fuertemente A FLOR DE PIEL.
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Se recogen en estas páginas las traducciones que el gran poeta Venezolano Rafael Cadenas, Premio Cervantes en 2023, ha realizado de la poesía de D. H. Lawrence (1885-1930). Conocido sobre todo como novelista, Lawrence escribió algunos de los poemas amorosos más intensos y atormentados de su tiempo, así como una colección de epigramas y 'pensamientos' en verso en los que volcó su fe en la primacía del instinto y la imaginación creadora, su odio hacia las abstracciones y su rechazo visceral de la hipocresía y las convenciones sociales.
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![[45 - 120]](https://www.abacus.coop/dw/image/v2/BDLM_PRD/on/demandware.static/-/Sites-AbacusMaster/default/dwd9557252/images/large/1567424.65.jpg?sh=240 "[45 - 120]")
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Se entiende por espacio personal la distancia entre los 45 y los 120 cm que rodea a una persona. Esta antología bilingüe reúne textos de un grupo de poetas contemporáneos que parten de esta medida íntima para desafiar su aparente rigidez y explorar cómo la moldean los factores políticos, sociales, sexuales, raciales, de clase y accesibilidad. Más allá de una simple distancia física, el espacio personal se convierte asimismo en escenario donde el deseo dibuja y negocia las fronteras entre el adentro y el afuera.Les poetas incluides en esta selección escriben a partir de los factores que espacializan, fijan y naturalizan de manera constante esa «diferencia», y hacen frente a sus imposiciones y violencias al abordar concepciones espaciales en las que se entrelaza lo material y lo metafórico, al explorar la fricción entre distancia física y psicológica, entre pertenencia y camuflaje, al tiempo que movilizan ideas sobre circulación, refugio y accesibilidad.Esta edición bilingüe —a cargo de JUF (Bea Ortega Botas y Leticia Ybarra)— ofrece una vía de entrada y una guía para acercarse en castellano al trabajo de poetas que escriben en inglés (la mayoría traducides ahora por primera vez) y vuelca al inglés a poetas que viven en el Estado español y que escriben sobre todo en castellano. La mayoría de les autores son también artistas visuales, cineastas, performers o hacen música, por lo que esta colección, de manera abierta, se deja permear por el modo en que la representación del espacio se problematiza en otras áreas de la producción artística contemporánea.
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Apegos fragmentados es un poemario que se divide en los tres grandes bloques de la literatura o de la vida: familia, salud, amor. Aunque estas categorías aparecen rotas, se contagian unas de otras, se afectan, porque si de algo sabe este poemario es del afecto y de la observación. Con una lírica completamente nueva, que intercala el verso breve con el versículo y que juega constantemente con un extrañamiento que se cuestiona y nos cuestiona, que desvela con una mirada casi infantil las relaciones, los diagnósticos, el cariño.En su lectura tenemos esa sensación de estar llegando a un fondo que se conoce porque nos hermana. Como si hubiésemos bajado a esa laguna del conocimiento primigenio, pero no fuese exactamente conocimiento, sino experiencia, energía, asombro. Ir tanteando qué es esto de vivir, padecer, amar. Una laguna hecha de verbos y de tacto.Si buscas leer y salir indemne de la lectura este no es tu poemario. Si en cambio quieres repensar los límites y arriesgarte a la vulnerabilidad y el cuidado, atenta a este libro: contiene la semilla de la bondad.
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Ecos Ancestrales: Un viaje lírico por las Américas pre-coloniales es una exploración fascinante de los paisajes, historias y culturas que conforman el vasto y vibrante tapiz del continente. A través de versos evocadores e imágenes ricas, cada poema sirve como un portal, invitando a los lectores a recorrer ruinas antiguas, ciudades bulliciosas y maravillas naturales serenas. Los ecos de las voces ancestrales resuenan a lo largo de la obra, recordándonos las profundas raíces que nos conectan con la tierra y entre nosotros.En esta colección, el pasado y el presente se entrelazan, revelando las historias profundas incrustadas en los ritmos de la vida cotidiana. A medida que recorres las páginas, encontrarás el espíritu de los antiguos, su sabiduría y sus luchas, mientras descubres la belleza y la resiliencia de las Américas hoy. Ecos Ancestrales no es solo un libro de poesía, es una invitación a escuchar, reflexionar y conectarse con los ecos que perduran en el corazón de este extraordinario continente.
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Taller de ausencias de Imanol Gómez Martín es una obra poética extensa y plural que reúne casi tres décadas de escritura. Su estilo combina la imaginería surreal con el lirismo confesional, alternando versos libres de tono meditativo con haikus de precisión mínima. La temática oscila entre la memoria y la pérdida, el diálogo con la muerte, la contemplación de la naturaleza y las reflexiones sobre el arte y la creación poética. El autor despliega una voz que asume influencias culturales y literarias —de Celaya a Bonnefoy, de Panero a Eliot—, pero las somete a un pulso personal. La estructura es fragmentaria y coral: libros y secciones diversas conviven sin forzar un hilo argumental, unidas por un mismo pulso elegíaco. El léxico es rico y cambiante, alternando lo coloquial con lo culto. Hay un juego constante entre la luz y la sombra, entre la materia sensorial y la abstracción filosófica. La naturaleza se convierte en espejo de la interioridad, y el mar, la bahía o la lluvia funcionan como motivos recurrentes. Es un libro que reivindica la poesía como resistencia a la pérdida y como taller donde se repara el sentido.
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Castillo Suárez (Alsasua, 1976), licenciada en filología vasca, trabaja como técnica de euskera en la administración, y es miembro correspondiente de Euskaltzaindia, la Real Academia de la Lengua Vasca. Con una trayectoria de más de 25 años y más de una decena de libros de poemas, posee una de las voces más características de la poesía vasca. Su estilo, sencillo, intenso y emocional, no descuida el uso de ricas imágenes poéticas.Alaska toma el título de un hotel que había junto a la carretera N-1, un gran chalé con mucha historia, abandonado ya desde hace dos décadas, donde la autora iba de pequeña con su padre, lleno siempre de viajeros y turistas. En esta obra, Suárez construye un universo lírico donde el frío, la soledad y la búsqueda interior acompañan a una indagación inmisericorde sobre la naturaleza de las heridas físicas y emocionales. Porque todos tenemos un Alaska en nuestro corazón, un lugar que nos encadena, que recordamos bien o a medias, alguien a quien quisimos pero que hoy no sabemos dónde está. Pero la lluvia llega por sorpresa, como las personas. No se puede hacer nada para detener la lluvia, ni para quien ha tomado le decisión de abandonarnos.
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Caveat emptor: este no es un libro complaciente, sino una obra polifónica que encara con lucidez la complejidad humana y los hechos inquietantes de la historia de las siete naciones del istmo centroamericano: Belice, Honduras, Guatemala, Nicaragua, El Salvador, Costa Rica y Panamá. Relata la alegría y la angustia, el drama íntimo y el radical, enlazándolos con lo universal. Su mirada se multiplica: voces del exilio, perspectivas externas y testimonios desde dentro, en las cadencias y registros cambiantes donde conviven lenguas sin fronteras. En el centro, el ritual restituye la dignidad al anclarlo en lo ancestral, como un funeral capaz de devolver sentido y memoria, incluso frente a la violencia.
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Este es un libro donde las palabras sobreviven bajo el agua, donde el lector podría ''escuchar la angustia de la sed''. Aquí los poemas se desplazan de muchas maneras, caen como cuerpos líquidos, en verso y en prosa. Alejandro Sánchez construye una atmósfera igual a una corriente interna, que anuncia un salto urgente desde las profundidades y las honduras de lo que se nombra. El silencio toma la forma del agua. Los poemas fluyen con la textura de la libertad. Se abren y se bifurcan en la hoja. Muy bien lo dice el autor: ''aprendí a bucear en silencio''. Y allí nos enfrentamos, como lectores, a un diálogo que configura un mismo universo, donde el lenguaje nos advierte de un inevitable naufragio.
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El átomo constituye la materia, el detalle, el paisaje, la pieza más pequeña, la maquinaria completa. Lo pequeño es el sostén de lo grande. Lo invisible es el alma de lo que captan los sentidos. Y la intuición es el principio de la certeza.La poesía revela semejante orden de correspondencias que se replica en todo lo que hay: ¿existiría la eternidad del poema sin el instante que lo inspiró?, ¿formaría parte del canon sin ese verso genial que le da sentido?, ¿qué sería de la inmortalidad literaria del endecasílabo sin la fugacidad del heptasílabo?, ¿qué de lo que se lee sin lo que no se lee, sin el espacio en blanco de la sílaba, sin el silencio de la censura?Este libro es un homenaje a ese «arte menor» que fundamenta el gran arte, aquel que perdura y brilla para siempre, pero que, en demasiadas ocasiones, suele olvidar a qué partes insignificantes de sí miesmo debe su existencia.
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José Luis Piquero (Mieres, Asturias, 1967) ha publicado Las ruinas (1989), El buen discípulo (1992), Monstruos perfectos (Renacimiento, 1997), El fin de semana perdido (2009) y Tienes que irte (2017), y las recopilaciones Autopsia (2004) y Cincuenta poemas (2014). Figura en una docena de antologías de la poesía española contemporánea, entre ellas las de José Luis García Martín, Luis Antonio de Villena, Ángel L. Prieto de Paula y Araceli Iravedra. Premio El Ojo Crítico de Radio Nacional de España, Premio de la Crítica de Asturias. Ha traducido más de cien libros de narrativa y ensayo, incluyendo a autores como Dickens, Conrad, Melville, Edith Wharton, Fitzgerald, Dalton Trumbo, Denise Levertov, Hubert Selby Jr. o Simone Weil. Vive en Punta Umbría (Huelva).Sobre él ha escrito J. L. García Martín: «Hay poetas que acarician y poetas que golpean, y Piquero es de los segundos. Le gusta hacer sangre, volver del revés nuestras confortables expectativas. Quienes prefieran la maldad inteligente a la bondadosa bobería no deben dejar de leer a este poeta de la hiriente lucidez, al que le bastan un puñado de poemas para hacerse un sitio de excepción en la poesía contemporánea».
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La vida después es un descenso poético a los territorios donde la muerte no es final, sino tránsito. Reija Márquez Huttunen construye un paisaje íntimo y sombrío, donde las emociones se deslizan como sombras entre los vínculos rotos, los silencios heredados y las palabras que nunca llegaron a pronunciarse. A través de la relación entre un padre y su hija, este libro explora la fragilidad de lo humano: el miedo, la tristeza, la noche, la soledad. Cada página es una ofrenda a lo que se ha perdido y a lo que aún permanece, como un eco que se resiste a desaparecer. En estas páginas, la muerte deja de ser propiedad del autor. Se convierte en experiencia compartida, en espejo oscuro donde el lector se reconoce y se enfrenta a lo que calla.
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Un poemari que resulta de la suma de veus i màscares que dialoguen amb la tradició i alhora arrisquen en l'experimentació.Una suma de veus i màscares que dialoguen amb la tradició i alhora arrisquen en l'experimentació: des de la clarividència nocturna fins a l'absurd existencial, entre l'expressionisme i la denúncia cívica.
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Un poemari que prova de completar el cicle, correspondre amb la paraula a totes aquelles veus que hi ha en la veu pròpia.La veu de cada u és el resultat de les etimologies, dels llinatges i de les herències. Així, El deute de l'aigua és un poemari que prova de completar el cicle, correspondre amb la paraula a totes aquelles veus que hi ha en la veu pròpia.
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La casa habitada por el árbol habla, entre otras cosas, de esa parte de nosotros que habita en los otros y que desconocemos. Este libro surgió de la contemplación, en las afueras de Benarés, de un árbol que crecía dentro de una casa, y cuyas ramas asomaban por las ventanas. Esta apropiación del espacio humano por parte de la naturaleza da pie a la deconstrucción de conceptos como «adentro» y «afuera», «yo» y «los otros», «naturaleza» y «cultura», «mito» y «realidad», «orden» y «caos», «vida» y «muerte», etc. Y a la conclusión de que todos esos opuestos son lo mismo y que cualquier dualidad no es más que una mera ilusión. Apoyada en sólidos cimientos filosóficos, La casa habitada por el árbol habla, entre otras cosas, de esa parte de nosotros que habita en los otros y que desconocemos, de la disolución del mito al ser reconducido a su origen, de la verdad que, como aseveraba Nietzsche, ha olvidado su condición de ilusión, de la mirada que borra y reescribe la realidad y, en definitiva, de la añoranza del pasado y la esperanza del futuro, dos espejismos del presente que nos hacen mirar, como Jano, en dos direcciones opuestas ignorando que, como se dice en uno de los poemas «el futuro no es más que un pasado que aguarda».
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L'infinit que no podem dir
Les poetes nord-americanes Anne Sexton i Sylvia Plath es troben per primera vegada en un curs d'escriptura impartit per Robert Lowell, poeta admirat per ambdues. Entre sessions establiren contacte i l'impacte de conèixer-se va ser tal que ja no van deixar d'estar pendents una de l'altra fins el suïcidi de Plath. Aquest treball mescla, passat pel filtre de la percepció diversa i lliure de cadascun dels autors, moments vitals, espais, viatges, paisatges, objectes, colors que han servit d'inspiració per a crear un anar i venir de missives de molt divers format i fetes des del respecte i l'admiració. Com és evident, qualsevol vers està tocat per l'experiència vital de qui l'escriu i, molt probablement, per un deix de la intimitat i torbació que aquest conjunt de poemes ha anat bastint. Al capdavall, què és la poesia, sinó un element disruptor destinat a commoure, a agitar l'esperit?
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Un poemario que busca explicar lo inexplicable, lo que, sin que aparezca ni se muestre, sucede. De las cosas pálidas puede leerse como un catálogo de lo azaroso, como un mapa sin centro o quizá como un bodegón de cosas perdidas. En varios poemas la voz que escribe habla de lo que no aparece, de lo que no se muestra y, sin embargo, sucede. Esas son las afueras de las que trata este libro, afueras físicas, es cierto, pero también afectivas, psicológicas, las afueras de la memoria o del amor. Al mismo tiempo, de fondo se va repitiendo un mantra: estar es todo. Esta idea, sacada de un verso del poeta Juan Gil-Albert —verso con el que abre el poemario—, nos remite a la decisión de aceptar que habitamos un presente que siempre se nos escapa pero que es nuestro recinto vital, y en torno a él debemos comprender nuestras acciones. De las cosas pálidas recurre para ello a una cadencia meditativa, sincopada, alterada, pero también excéntrica e irónica, que es algo que recorre toda la obra del autor. Y es que en los poemas de este libro siempre parece que es domingo por la tarde en un polígono industrial a las afueras de una ciudad pequeña.
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Este libro alberga geografías: la geografía del cuerpo individual y colectivo, del legado y la memoria, del pasado y la posibilidad. Flores entre los huesos, de Manuela Martens, arraiga en la tradición de la profecía semítica y las poéticas del exilio para exponer polaridades instituidas. En los quiebres de humanidad, las diferencias se extreman, creando monstruos. Desde este reconocimiento, la poesía invita a convocar un nuevo comienzo.
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Dona'm el saber del misteri
Dona’m el saber del misteri és l’obra gairebé completa de Joana Bel, un recull que no només permet recuperar el ric imaginari de la poeta sinó que ens brinda l’avançament de nous camins que van prenent forma, tot en una única publicació que compta amb textos de Maria-Mercè Marçal, Valerià Pujol, Montserrat Abelló i dibuixos d’Isabel Finat. Entre els versos, una porta oberta, sincera, crua i juganera. Perquè Joana Bel no s’adreça a la part racional des d’on mesurem la realitat i el temps, les seves imatges ens duen a qüestions universals, íntimes, transcendents. La poesia com a drecera per a tractar indicibles.
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