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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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La obra es una recopilación de poemas escritos a lo largo de mi vida, una conexión directa con mi yo más íntimo y con los distintos estados emocionales que me han acompañado en el tiempo. Escribir me permite, de algún modo, observar los problemas desde otra perspectiva y encontrar en la palabra un espacio de reflexión y alivio. Los versos son profundamente personales y ponen en primer plano el amor a la familia, el dolor y el duelo por los seres queridos, el desamor y la ruptura de pareja. Los amigos también ocupan un lugar esencial dentro de esta obra. En la profundidad del alma se presenta como una forma de consuelo emocional, dirigida a todas aquellas personas que puedan sentirse identificadas con estas vivencias y emociones.
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Canviar de cel
XIX Premi Vicent Andrés Estellés de Poesia de Burjassot.Els qui travessen la mar canvien de cel, però no d’ànima. Canviar de cel parteix d’aquesta reflexió del poeta llatí Horaci: no serveix de res fugir quan portem el mal dins nostre. Dividit en dues grans seccions, «Ànims i Cels», amb unes «Cançons» que fan de pont entre una part i l’altra, aquest poemari ens presenta les dues cares de la mateixa moneda: la de l’ànima que viu amb angoixa i que no gosa moure’s, i la del subjecte que busca salvar-se a través de la fugida, del canvi constant.El poemari es clou amb alguns textos en prosa, fragments de dietari d’èpoques diverses on l’autor reflexiona sobre aquesta ànsia de la fuga, ja sigui a través dels viatges, de l’amor o de la mateixa literatura. Després d’haver guanyat el premi Vicent Andrés Estellés de Burjassot, el llibre es presenta en una nova versió revisada i ampliada.
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Aquí, por un rato: fascículos de corazón, alma, mente, insomnio, entrañas, calambres. Mariposas caducadas y nuevas, lágrimas de victoria y desastre. Expresión de lo que no se puede expresar de otra forma. Aquí las palabras que caen desde el alma al papel salvándome una y otra vez, manteniéndome en caída libre, sin caer, hasta llegar a la ingravidez.
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«Cada uno tuvo su cuarentena. Cada cual guardará sus memorias».
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Ángel Antonio Herrera (1964) concreta y prorroga un recóndito linaje de poeta que cree en la magia salvaje del idioma, bajo la indagación del azar jubiloso, y, por tanto, del cerrado enigma. Esta antología expone más de tres décadas de esta singladura, donde vive la felicidad del lenguaje libre, entre la partitura de lo radical y la legislación de lo invisible. Ha escrito Antonio Lucas que Herrera es «una isla extrema». Alvaro Pombo agrega: «Se trata de la prosodia aquí, de la elocuencia, del motus animi continuus, de Horacio. Se trata de una excelsa virtud de los poetas clásicos como es Herrera». Diego Doncel nos recuerda que estamos ante «las metáforas de una desobediencia». Barnatán, en el prólogo, ha visto «atrevidos combates de un creador que se propone siempre un nuevo desafío. Así, el autor puede ufanarse de triunfo tras triunfo en sucesivas y autoimpuestas situaciones conflictivas». En todo caso, leer a Herrera es convidarse a un incendio, subir a dañadas lejanías, irse a la catástrofe de la belleza, donde la palabra quiere «oler a loco». V. C.
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Más allá del mito del adolescente genial y el poeta maldito, del enigma de su abandono de la escritura y de Europa, o de su cualidad de clásico moderno, la poesía de Arthur Rimbaud se mantiene viva, ofreciendo inagotables formas de relación entre la palabra y el mundo. En un primer momento, el de las Poesías, el estímulo de los distintos géneros poéticos -desde la sátira sociopolítica a la penetrante observación de la vida y la capacidad de autoanálisisgenera una gama asombrosa de recursos y se funde ya con la madurez. Tras este periodo arrollador y disperso, Rimbaud compone dos libros de poesía en prosa, Una temporada en el infierno e Iluminaciones, ambos de formato perfectamente nuevo, que abren una de las ramas más fecundas de la lírica moderna, la menos codificada, la más abierta aún. En esta Obra reunida, el poeta y crítico Miguel Casado nos ofrece su versión definitiva de toda la poesía de Rimbaud, el resultado de una frecuentación que se remonta a sus años de juventud, pero que se beneficia de una vida de lecturas y de reflexión sobre una obra que no ha perdido, siglo y medio después de su breve aparición, un ápice de su vigencia. El desafío de su Obra reunida sigue siendo la posibilidad de leer a Arthur Rimbaud como un poeta nuevo al que se llega siempre por primera vez.
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El cuadro del dolor, merecedor del III Premio de Poesía Juana Castro, es el primer poemario de Ana Castro. En él se recoge una aproximación poética al dolor, en la que cobran especial sentido las raíces y la genealogía familiar y literaria y en la que el lenguaje se vuelve insuficiente, abriéndose así a una serie de imágenes orgánicas y ficticias en su intento por tratar de darle un nombre. En el fallo del premio, el Jurado destacó: ''el poemario versa sobre el dolor, sobre las raíces y la familia, orgánico y material, sugerente y crudo. Con más voz personal que eco, el poemario posee ritmo interno y elige un léxico contenido para expresar intensas emociones''.
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Primera lliçó sobre Vicent Andrés Estellés
Primera lliçó sobre Vicent Andrés Estellés ex-posa un panorama únic dels aspectes biogràfics del poeta, així com de les diferents etapes de la seua trajectòria literària. Amb caracteritzacions generals de cada moment literari, l'obra se centra en l'anàlisi de poemaris concrets que mostren la diversitat de formes i temàtiques pròpies del particular estil d'Estellés. Ferran Carbó (Vila-real, 1960) és catedràtic de Filologia Catalana a la Universitat de València. És autor dels llibres sobre Vicent Andrés Estellés: Com un vers mai no escrit. La poesia de Vicent Andrés Estellés en els anys cinquanta (2009) i Els versos dels calaixos. Sobre Llibre de meravelles de Vicent Andrés Estellés (2018). Jordi Oviedo (El Palomar, 1980) és doctor en Filologia Catalana i professor a la Universitat de València. Ha organitzat el Fons familiar d'Estellés i és codirector literari de l'obra completa revisada del poeta de la qual ha editat diferents volums.
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'La obra poética de Ada Salas ocupa un lugar preeminente en el panorama de la poesía española contemporánea. Contemplar su recorrido desde que comenzó a escribir confirma la importancia de los primeros pasos, lo crucial de la educación en la formación de una escritora'' indica Miguel Ángel Lama en el prólogo de este ''Como si nunca nada'', antología que resume la brillante trayectoria de la escritora cacereña. Ada Salas es la poeta homenajeada en la edición 2026 del festival Vallecas Calle del Libro.
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Pablo García Baena (Córdoba, 1923) fue, junto a Ricardo Molina y Juan Bernier, uno de los fundadores de la revista «Cántico». Actualmente reside en Málaga. «Pablo García Baena es un poeta de obligado estudio en cualquier panorama de la poesía española de posguerra, su maestría en el manejo del verso y de la palabra lo ponen a la altura de los más grandes poetas españoles del siglo XX, es uno de los más claros vehículos de transmisión a las actuales promociones de la lección de la Generación del 27» (Guillermo Carnero). «He aquí un poeta puro. Un poeta entregado intelectualmente tan sólo a su misión. Un poeta que concibe clásicamente la poesía como rapto. Como exaltación. Un poeta mago que transmuta en metal precioso cuanto toca. P. García Baena es uno de los más grandes poetas de su generación y el mejor, sin duda, en su estilo» Luis Antonio de Villena
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En los más de treinta y seis años que Enrique Gracia Trinidad ha dedicado a la divulgación cultural, cientos de escritores han pasado por sus talleres y cursos. Este libro es una muestra en la que aparecen gran parte de ellos: autores que, en periodos de tiempo muy distintos, compartieron la búsqueda de una palabra propia.Más allá de su prestigio intelectual, Enrique ha sabido ganarse el afecto profundo de sus alumnos, quienes destacan en él no solo al profesor generoso y lúcido, sino al maestro que sabe escuchar y potenciar el talento ajeno. Bajo la máxima de que «nunca se enseña a escribir, sino a saber lo que no hay que escribir», esta antología refleja el espíritu de su Tertulia-Taller. Un espacio donde la autocrítica y la orientación sirven de bitácora para que cada poeta alcance su propia voz, entendiendo que la evolución poética es un asunto personal donde el talento, las circunstancias o la perseverancia dictan el ritmo de cada escritura.Este es un libro de colegas y amigos, una invitación abierta a cualquier lector sensible que guste de la poesía en su estado más honesto y libre.
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Forats (2a edició)
Forats aplega 33 poemes dividits en 4 seccions, ''Cau'', ''Esquerda'', ''Tall'' i ''Espiell'' que dirigeixen el subjecte cap enfora en una actitud d'acceptació. El ritme s'elabora acuradament, exempt de llenguatge culte però amb un estil net que homenatja tant els clàssics com la poesia jove actual, on l'autora aconsegueix un lloc amb aquesta obra que ressegueix lemes com la ferida, el neguit, el desfici dels cossos, la pell, la ciutat, la buidor, el parany, la mudança, les cicatrius, la màscara i el crit. Aquesta obra va estar premiada pel jurat del 21è Premi de Poesia Alella a Maria Oleart, format per Maria Cabrera, Manuel Guerrero i Lluïsa Julià. Forats és el seu primer poemari i transita de dins cap enfora a la recerca d'una identitat que s'escapoleix de definicions. De la introspecció de l'origen i fins a la mirada furtiva cap a l'entorn, encercla els traus individuals i col·lectius per tal que no s'estenguin en el buit.
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Con Pei Di, salían en barca, remaban y tocaban el laúd, hacían poesías y las declamaban a voz en cuello durante días enteros. Los poemas que nacieron en aquella prolongada estancia en común fueron llamados Poemas del río Wang.
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Destrozada por la muerte de mi madre que ocurre de un día para otro, abandono toda mi actividad literaria. Me siento incapaz de escribir, mucho más, de escribir sobre ella. Al cabo de algunos meses, voy acercándome al ordenador. Escribo sin fe, sin fuerza, sin ánimo ni inspiración. Empiezo Días sin letras, una narración que no tengo la menor idea de dónde me va a llevar, pero que descubro que me tranquiliza. No escribo sobre mi madre, escribo para ella. No sé cuándo, ni de qué modo esa prosa empieza a mutar y acaba convertida en Canto de silencio, que es en realidad una carta de amor, un poemario dedicado íntegramente a mi madre, también al silencio en el que nos instalamos tras la pérdida de un ser querido y a los pensamientos y las emociones que van llenando ese vacío imposible. «Desde que te fuiste me he vuelto silenciosa», son los primeros versos que escribo, calladamente fueron llegando después los otros.
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La herencia de Jaime Gil de Biedma (1929-1990) -observa Javier Alfaya en el prólogo a este volumen- se encuentra en el origen de la importante y controvertida corriente literaria conocida por el nombre de poesía de la experiencia, concepto que él mismo introdujo o ayudó a introducir en España. Esta Antología poética -preparada por Shirley Mangini González- permite apreciar desde principio a fin la trayectoria de una labor creadora caracterizada por la búsqueda de la perfección y que eleva la experiencia individual del escritor al nivel de significación de la vida de todos los hombres.
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«Descubrir quién somos empieza por lo que no se puede definir». InDefinible es un recorrido poético por los sentimientos que nos hacen vibrar: la pasión, la euforia, la ilusión, la calma y también la duda. Iris Torrente explora lo que significa sentir, caer, levantarse y volver a crecer. Un poemario que invita a mirar hacia dentro y descubrir que, a veces, lo más humano es aquello que no se puede definir.
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«Olvidos está dividido en dos partes: “Aurora” y “Despertar”. En ambas, encontramos una voz que duda, que oscila entre un pasado revivido y un futuro no visible desde el presente. Esta mirada atrás parece ser consagrada al amor, así se afirma en la dedicatoria a su hija: “Para Lía, solo ella, estos cantos de amor”. Sin embargo, esa “amada mía” que se alterna con “amiga mía”, parece evocar, a veces, el amor de una mujer, y otras, el amor por una idea, por una esperanza rota, ¿por la patria? En cualquier caso, esa presencia feminizada abarca, desde la nostalgia, la reflexión del poeta. Siendo el amanecer –no olvidemos los títulos de las dos partes– el momento del inicio del día, de la vida que renace, la voz del poeta, sin embargo, no parece abrir el horizonte. Quizás porque, como él afirma, “no se es poeta por voluntad divina, sino por voluntad humana”, y en su voluntad la metáfora del amor va más allá del amor romántico.»
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Una obra única de uno de los grandes nombres de la música popular española. Acostumbrado a poner música a poemas ajenos, en esta ocasión escribe también la letra. Incluye CDAmancio Prada ha puesto música a lo mejor de la tradición poética española: bien conocidas son sus canciones sobre poemas de San Juan de la Cruz, Rosalía de Castro, Federico García Lorca, Álvaro Cunqueiro, Agustín García Calvo, el romancero y la lírica medieval o, por citar su última entrega discográfica, las Coplas a la muerte de su padre de Jorge Manrique. En Emboscados, originalmente publicado como disco en 1994, nos ofrece su entrega más personal: una epopeya intemporal e intimista, un canto con nostalgia de futuro en el que firma tanto la letra como la música. Esta edición (primera que reúne libro y cd), que ha sido revisada musicalmente por el autor, se acompaña con grabados y un Glosario de Juan Carlos Mestre.
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Tarquínia - Diàlegs entre ombres
Partint del poema filosòfic De rerum natura de Lucreci i de la visita a les necròpolis etrusques de Tarquínia, l´autor situa el seu poema en el camp de tensió entre la guerra, la pandèmia i el canvi climàtic, temes recurrents que reben el nom dels colors dels frescos etruscs, com umbra o lapislàtzuli, i explora la línia difusa entre la vida i la mort, davalla a les tombes etrusques per interrogar el món terrenal dels sentits.
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Obra poètica tardana
«Ara el nostre poeta ens lliura un nou volum recopilatori, ''Obra poètica tardana'', que reuneix la seva obra lírica creada entre el 2018 i el 2022. ''Obra poètica tardana'' és la confirmació definitiva, la continuïtat inaturable i la coronació inqüestionable de seixanta-quatre anys de dedicació persistent a construir una vasta aventura humana, intel·lectual i artística de primeríssima magnitud que situa Solà, de ple dret, entre els grans creadors moderns com ara Carles Riba, J. V. Foix, Agustí Bartra, Salvador Espriu i Joan Vinyoli. Un gran creador que com els seus antecedents i referents ha posat la seva obra completament al servei de la seva comunitat, la seva llengua, la seva cultura, la seva tradició i la seva literatura.» Del pròleg de D. Sam Abrams Lluís Solà (Vic, 1940) ha estat membre fundador i director de la revista de poesia ''Reduccions'' (1977). Ha fundat i dirigit el Centre d'Osona de l'Institut del Teatre i el Centre Dramàtic d'Osona. És autor i director de teatre. Ha dirigit obres de Brossa, Strindberg, Èsquil, Yusaki Zeami, etcètera. Ha presentat espectacles de poesia de Verdaguer, Bartra, Bauçà, Riba, Vinyoli i altres poetes. Ha estat professor als tres nivells de l'ensenyament, activitat que considera una experiència capital. És Premi Cadaqués a Quima Jaume a la creació poètica (2001), Premi Nacional de la Crítica (2002), Premi Lletra d'Or (2017), Premi de la Crítica Catalana (2017), Premi Cavall Verd Josep Maria Llompart de poesia (2017) i Medalla d'Or de la Ciutat de Vic (2018).
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La vida es un camino de rosas, con la belleza de las que florecen, y el dolor de las que se marchitan. Este poemario nos recuerda que el verdadero arte de vivir reside en la lucha entre lo bueno y lo adverso, y convierte en poesía la voz que un día permaneció muda, deseando ser escuchada.
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Tras las selecciones poéticas dedicadas a Rosalía de Castro y Celso Emilio Ferreiro, dos de los máximos exponentes de las Letras en Galicia, FAKTORÍA K refuerza la colección ‘Trece Lunas’ con la obra en castellano de Gabriela Mistral, cuya figura está unida al patrimonio histórico y literario chileno, y de Miguel de Unamuno, uno de los principales poetas del siglo XX, gran amigo de inventar lenguajes especiales: “Dipe-lepe ape Papecope quepe voype ape rompeperpelepe lospe moperrospe”. Admiraba la literatura que se transmite de niños a niños - canciones de corro, cuentecillos breves y burlescos, relatos orales, chascos- sin contaminación de los mayores. Y consideraba el lenguaje un juguete en sí mismo: “Una nueva palabra excita nuestra alegría igual que un nuevo bicho”, dijo en Recuerdos de niñez y mocedad.
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Hemos considerado siempre La Vida Nueva como la obra central del autor, en cuanto parteaguas de la misma, porque en esta los lectores de Zurita de la autodestrucción o de la proximidad de la salvación se encontraban sobre todo ante la naturaleza chilena, fundida con pulsiones, recuerdos y escenas personales de desastre o amor: escenas alucinadas donde de pronto aparecía un paisaje omnipresente de ríos, playas, desiertos, nubes, nevados, rompientes, etc., pero también rostros como vislumbres en aquel paisaje. Los lectores pudieron pensar que, con esta obra, Zurita salía de su mundo de destrucciones con un canto a la naturaleza. Y era fácil interpretar que entrábamos en un canto general, con épica clausurada, pero, al fi n, testimonio de la naturaleza chilena, como lo fue el de Neruda. Un canto que, en su progresión, va evidenciando que la naturaleza es amor, violencia y movimiento, y en cuya lectura, poema tras poema, comprendemos que aquella consigue reflejar un vivir con sus pasiones y sus muertes, como las de los seres humanos. Esa poetización personalísima de la naturaleza logra reflejar una forma de alma universal y dinámica que responde a una construcción panteísta, repleta, sin embargo, de motivos cristianos, de falsos versículos que firman falsos profetas, de verdaderos versículos que firman verdaderos profetas, de invenciones de fuentes o de usos geográficos concretos entre aguas que se abren en un éxodo chileno y bíblico, o de salmos. J. C. Rovira C. Valero Mi obra no la entiendo ni siquiera como una obra individual, aunque alguien la firme: un tal Zurita, por así decirlo, ¿ah? Después de todo un nombre es una especie de idea, una especie de abstracción. Lo que cuenta es obra, una obra que está emparentada con millones de otras obras, y que recoge de toda la historia, de todo su tiempo, y lanza finalmente un apelo también a los tiempos que vendrán. Es eso. Nacido en Santiago de Chile en 1950, Raúl Zurita estudió Ingeniería Civil en Valparaíso, ciudad en la que conoció al poeta y artista Juan Luis Martínez en 1970, desarrollando junto a él una consistente actividad artística, y que tuvo una importancia capital en el desarrollo de su obra. Fue uno de los fundadores del grupo CADA (Colectivo Acciones de Arte), grupo de jóvenes artistas que experimentaban con el cuerpo, el archivo, el lenguaje y la ciudad que entre 1979 y 1985 actuó en espacios trabajando la creación artística, buscando formas de resistencia y enfrentamiento a las formas represoras de la dictadura del general Pinochet. Zurita realizó diversas acciones utilizando su cuerpo como medio de expresión: «quería expresar la impotencia frente a la realidad y la necesidad de decir sin palabras». Dictadura que le marcó su vida y que le dejó significativas huellas emocionales y vitales, además de haber estado detenido y torturado. Terribles experiencias que son parte importante de su propuesta poética. La historia, la naturaleza y la biografía personal son la base fundamental del nuevo lenguaje que nos ofrece Raúl Zurita. Ha merecido numerosos premios internacionales, entre ellos el Pablo Neruda (1988), Premio Nacional de Literatura de Chile (2000), José Lezama Lima de Cuba (2006), Premio de la Crítica de Chile (2012), Premio Internazionale Alberto Dubito de Italia (2018), Premio Iberoamericano Mario Benedetti (2020), Premio Iberoamericano Reina Sofía en Salamanca (2020), Premio Internacional Federico García Lorca de Granada (2022).
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Una excelente muestra del ingenio de Cervantes.En el Viaje del Parnaso, Cervantes se presenta a sí mismo emprendiendo un viaje alegórico al monte Parnaso, morada de Apolo y las musas, para participar en una ''guerra'' contra los malos poetas que amenazan la verdadera poesía. Mezclando humor, ironía y autocrítica, relata encuentros fantásticos con dioses, poetas y criaturas marinas, se burla de los vicios literarios de su época y reivindica la poesía auténtica frente a la mediocridad. El viaje sirve también para reflexionar sobre su propia vida, su marginalidad como escritor y su deseo de reconocimiento. La obra concluye con un tono jocoso y desengañado, subrayando la imposibilidad de erradicar por completo la mala poesía, pero celebrando el valor moral e intelectual del buen poeta.
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El devenir de los días es un viaje poético por las tres grandes estaciones de la existencia: la vida, el amor y la muerte. Con una voz clara, serena y profundamente humana, Juan Jesús Aznar convierte la experiencia personal en una meditación universal sobre el paso del tiempo y la fragilidad del ser. Sus versos, sostenidos por una emoción contenida y una mirada lúcida, abrazan lo cotidiano con la sabiduría de quien ha aprendido a aceptar el tránsito inevitable de los días. Hay en ellos gratitud, melancolía y una fe tranquila en la palabra como refugio frente a la fugacidad. Entre la ternura y la reflexión, el poeta nos invita a acompañarlo en este recorrido vital donde la memoria, el amor y la conciencia del final se entrelazan para recordarnos que vivir también es aprender a despedirse.
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Donar a veure
Figura clau en la literatura francesa del segle XX, Paul Éluard va formar part del grup fundador del dadaisme i del surrealisme, però va evolucionar cap a postulats més personals. En aquest sentit _Donar a veure _és essencial: és la frontissa que mostra la seva transició cap a una poesia més social -compromesa, fins i tot- i més accessible. Aquí és on desenvolupa millor la seva idea que «hi ha altres mons, però estan en aquest». Perquè per a Éluard, la funció del poeta és fer visible el món, la realitat, d'una altra manera, més profunda. Diu Andreu Gomila: «Donar a veure és un llibre profundament estètic. En bona mesura, és una antologia temàtica de la seva obra (sobre la relació d'art i pensament) fins al 1939, cosa que vol dir que recull l'època de màxima esplendor, d'ell i del surrealisme. Hi ha des de poemes en prosa a conferències, escrits sobre art, estudis, els poemes que va dedicar als seus amics pintors (entre els quals, Picasso, Dalí i Miró)... Hi ha, sobretot, el seu ideari, una reflexió que entrecreua amb els filòsofs i poetes del seu temps i els que el van precedir.» TRADUCCIÓ I INTRODUCCIÓ D'ANDREU GOMILA
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#challenge: apaga o móbil un par de horas, concentra ese cerebro virtualizado que tes e adéntrate nunha intranet de versos sen ''postureo'' nin filtros.
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Un peso ligero es un viaje a través de las contradicciones con las que convivimos cada día. Un poemario honesto y cercano que recorre la fragilidad, el crecimiento y las emociones que nos construyen. Aquí aparecen las inseguridades que levantan certezas y los miedos que nos obligan a avanzar. Un libro para quienes han sentido que la vida pesa demasiado y, aun así, han seguido. No busca respuestas, solo acompañar y recordarte que el peso, compartido, es más ligero. Porque no siempre se trata de dejar de sentir el peso, sino aprender a caminar con él.
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El amor, la tierra y el vuelo poético: la indiscutible vigencia de Miguel Hernández. La más poderosa fusión entre la poesía de amor y el alma de la tierra.El rayo que no cesa es una de las cumbres indiscutibles de la poesía española del siglo XX. En ella, Miguel Hernández despliega su voz desgarrada, vibrante y profundamente humana, que atraviesa la pérdida, el amor, el deseo, la desesperación y la muerte. El «rayo» del título supone una metáfora totalizadora del amor como fuerza tanto destructiva como generadora, que habla de padecimiento y revelación. A través de 28 sonetos y una elegía mítica, «Elegía a Ramón Sijé», Hernández combina barroquismo y sensibilidad popular, tradición e innovación, dando lugar a un libro que tiene un lugar propio en la literatura española y en nuestra memoria particular. En la celebración del centenario de El rayo que no cesa, acompañamos esta preciosa edición, ilustrada por Lady Desidia, con un apartado especialmente dedicado a sus poemas de la tierra, de su vivaz experiencia de pastor. Así el libro se ensancha con la voz del poeta cuando canta su «otro» amor, el amor profundo y diáfano que sentía por la naturaleza, la tierra, sus flores, sus frutos, su cambiante paisaje. Esta edición supone la confluencia de sus grandes pasiones, el amor carnal, humano, y el amor rural, y en ambos reconocemos su inabarcable vuelo poético.
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Edición bilingüe Español-Portugués.En Burnoutopía, el autor João Ernesto explora la cruda realidad del agotamiento laboral y la alienación a través de una colección de poemas. Los versos, escritos en español y portugués, capturan la experiencia de un trabajador que lucha por encontrar un propósito más allá de su empleo.
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La obra de un poeta imprescindible, reunida en un solo volumen.«Poéticamente atesora una austeridad y una sobriedad que entroncan más con la poesía inglesa que con la latina, pero que se ocupan de un tema tan propio de la modernidad como el de la soledad: el hombre frente a sí mismo, el hombre en su cuarto, en su jardín, el hombre a solas con sus recuerdos, con su infancia perdida.» Octavio Paz«Frente a los poetas prosaicos hoy convertidos en poetas oficiales, es realmente reconfortante volver a la mejor tradición lírica.» J.A. Masoliver Ródenas, La Vanguardia«El resultado es una poesía a la que no dejamos de volver porque es hospitalaria y se deja habitar, una poesía que nos habla en tono de confidencia de eso que pasa ante nosotros y a menudo no percibimos, real como la vida misma.» Jordi Doce, El Mundo «A Álvaro Valverde le ha gustado siempre la imagen de las aguas cristalinas de las gargantas de la sierra, cuya transparencia engaña al brazo que pretende alcanzar los guijarros del fondo. [...] Porque entiende que así debe ser su poesía: profunda y transparente, sencilla, pero honda, tan ajena al ''torpe asedio, el fingido gesto, / la erudición sabida'' como a los ''teóricos, abstrusos'' y puntillosos comentarios que contaminan la ''dulce ignorancia'' del lector, del usuario, la suma, en fin, de la expresión diáfana con el contenido profundo y perdurable de la meditación y la memoria.» Así comienza el epílogo que Gonzalo Hidalgo Bayal ha escrito para esta edición que comprende cuarenta años de escritura poética. Ajeno a las banderías de su generación, la de los años ochenta o de la Democracia, «sin ruido, con discreción que lo aleja de la feria de las vanidades, Álvaro Valverde ha ido creando su literatura», afirma F.J. Irazoki. El lector puede disfrutar ahora de los textos que componen sus libros sucesivos, ya publicados, y los poemas de uno inédito, Geografías del jardín. Su voz singular, meditativa y melancólica, confirma a Valverde, según Fernando Aramburu, «como uno de los nombres mayores de la poesía actual española».
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Diàlegs amb l'Evangelista
Les idees són desitjos que volen esdevenir ésser vius -frustracions, egolatria, esperances que no arriben, orgull foll que les aboca a sentir-se maltractades. Tan sols un referent simbòlic a redós de l'omnisciència podria dialogar amb elles sobre les seves virtuts i els seus greuges. (del Proemi del llibre)
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Cant de riera
Caminar amb els sentits ben atents pels vorals humits i pedregosos d´una riera regala pau i saviesa. Amb aquest llibre, us convidem a endinsar-vos en el curs d´una riera i a deixar-vos seduir.
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Quan la mort arrela
Quan la mort arrela és una col·lecció de haikus en diàleg amb la mort, com una conversa que algun cop es mostra amb un to punyent, però que en altres esdevé lluminosa i esperançadora. Un diàleg entre l'autor i el seu pare en què els elements de la natura, i més concretament els de l'ambient rural de ponent on tots dos van créixer, evoquen imatges no només de mort sinó també de vida i creixement. En definitiva, uns haikus de dol que van arrelant, entre cavallons, a l'interior de l'autor fins a fructificar i poder degustar així el sabor (agre)dolç de la mort.
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Los mejores poemas medievales de las plumas más brillantes de la historia de la literatura. Edición de Víctor Lama, Catedrático de literatura de la Universidad Complutense de Madrid Desde el hispanolatino Cancionero de Ripoll hasta la obra de Juan de Mena, el marqués de Santillana o Juan del Encina, pasando por las jarchas, la lírica gallego-portuguesa o catalano-provenzal (cuyo más excelso representante es Ausiàs March) y las obras del mester de juglaría y el mester de clerecía, esta antología recoge lo más significativo de la poesía peninsular de esa larga etapa histórica. A cargo del profesor Víctor de Lama, el cuidado en la selección y el rigor en los criterios aplicados hacen de esta antología la mejor muestra de la poesía escrita en la Edad Media y un instrumento insustituible para su cabal conocimiento.
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Como una suerte de una Caperucita roja dantesca, la voz lírica de La prohibición de las uvas en la áspera patria se asoma a las zonas oscuras de El jardín de las delicias sin más Virgilio que su Angustia, su Vergüenza y su Ira como tres hadas madrinas que la acompañan ante el despido anticipado de su ángel de la guarda. La autora explora los matices del cautiverio de un prisionero sin sentencia y de quienes velan por él desde el exterior, presas a su manera de ese destino que los afectos une. A lo largo de sus versos, el arte se cuela en los intersticios de aquellos muros que aprisionan, acariciando musicalmente las sordas contradicciones de la voz poética para devolverles un sentido en medio de lo grotesco. Con humana ternura, Ángela Aldama crea una armonía de matices donde se vislumbra como un reflejo que, si durante una condena afuera se siguen criando hijos y flores, también en el cemento hostil se pueden cultivar jardines.
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Los libros de poesía son obras impresas que reúnen composiciones líricas centradas en la expresión estética del lenguaje. La poesía explora emociones, pensamientos y experiencias a través del ritmo, la imagen y la metáfora. Los libros de poemas permiten disfrutar de una lectura pausada y reflexiva en formato papel, favoreciendo la relectura y la interpretación personal de cada texto.
¿Qué es la poesía y qué ofrecen los libros de poemas?
La poesía es un género literario que utiliza el lenguaje de manera condensada y simbólica para transmitir sensaciones e ideas.
Definición
Los libros de poemas recopilan textos escritos en verso o en prosa poética que destacan por su musicalidad, su intensidad expresiva y su capacidad de sugerencia. Cada poema propone una experiencia íntima que invita a la reflexión.
Diversidad temática y estilística
La poesía puede abordar temáticas como el amor, la memoria, la naturaleza o la crítica social. Existen estilos clásicos y contemporáneos, así como propuestas experimentales que exploran nuevas formas de expresión.
Cómo elegir libros de poesía
Escoger entre distintos libros de poemas implica atender a la sensibilidad personal y al tipo de voz poética que se desea descubrir.
Criterios de selección
Es recomendable considerar el estilo del autor o autora, la época literaria y la temática predominante en la obra.
- Poesía clásica o contemporánea.
- Obras centradas en la introspección o en la dimensión social.
- Antologías que reúnen diferentes voces poéticas.
- Ediciones comentadas para facilitar la comprensión del texto.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de poesía en formato papel presentan distintas propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Recopilaciones completas de un autor o autora.
- Selecciones temáticas de poemas.
- Antologías generacionales o históricas.
- Libros ilustrados que dialogan con el texto poético.
El cuidado de la maquetación y la disposición del verso en la página forman parte esencial de la experiencia de lectura en papel.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de poesía en papel estimula la sensibilidad estética, el pensamiento simbólico y la capacidad interpretativa.
Desarrollo del lenguaje
Los libros de poemas enriquecen el vocabulario y fomentan la apreciación de los recursos expresivos, como la metáfora y el ritmo.
Experiencia reflexiva
La lectura pausada que propicia el formato en papel permite interiorizar el significado de cada poema y establecer un diálogo personal con el texto.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de poesía?
Los libros de poesía están dirigidos a personas que buscan una experiencia literaria íntima y profunda.
- Lectores y lectoras interesados en la expresión lírica.
- Estudiantes que trabajan el análisis poético.
- Personas que valoran la lectura breve pero intensa.
- Quienes desean descubrir nuevas voces poéticas.
Preguntas frecuentes sobre libros de poesía
¿Qué diferencia hay entre poesía clásica y contemporánea?
La poesía clásica suele seguir estructuras métricas tradicionales, mientras que la contemporánea experimenta con formas y estilos más libres.
¿Cómo elegir un libro de poemas adecuado?
Es recomendable considerar la temática, el estilo del autor o autora y el tipo de poesía que despierta mayor interés personal.
¿Qué aportan los libros de poesía a nivel educativo?
Favorecen el desarrollo del lenguaje, la interpretación simbólica y la sensibilidad literaria.
¿Por qué leer poesía en formato papel?
El formato en papel permite apreciar la disposición del verso, facilita la relectura y favorece una experiencia de lectura más concentrada.