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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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El libro más esperado de Marta Soliño (@maledimiele). Todos sus ''placeres'' reunidos por primera vez en un libro ilustrado por su autora. Vivimos en un mundo tan acelerado, que muchas veces perdemos de vista aquello que realmente nos hace felices. En El libro de los placeres, Marta Soliño nos invita a detenernos y redescubrír la magia de los momentos cotidianos: el arrullo de la lluvia al dormir, la emoción de una victoria inesperada, los planes imprevisados, el aroma a jazmin en un paseo, las conversaciones interminables entre amigas... Con un estilo evocador y cercano, la autora convierte lo cotidiano en poesía, mostrándonos que el bienestar no se encuentra en las grandes hazañas, sino en el arte de distrutar cada detalie. El libro de los placeres es un pequeño libro de emociones para vivir con atención, el compañero perfecto para quienes desean reconectar con el presente. A veces, aquellos momentos más sencillos son los que realmente alimentan el alma
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EN 1974 Charles Bukowski (Andernach, 1920 - Los Ángeles, 1994) llevó a cabo una revisión de su obra poética hasta la fecha y decidió reunir en un volumen lo que dio en considerar su «mejor obra escrita a lo largo de los últimos diecinueve años». El resultado es Arder en el agua, ahogarse en el fuego, una colección de poemas desgarrados en la que está la esencia de la producción de este autor en la época que abarca sus años de formación y su ascenso hasta alcanzar esa plenitud poética que lo convertiría en uno de los autores norteamericanos más ampliamente reconocidos y admirados de su generación. «No entenderé nunca a los hombres, pero he sobrevivido.»
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La edición que aquí presentamos del Romancero gitano contiene todos los elementos necesarios que permitirán al estudiante entender la obra de Lorca en su sentido más amplio: una completa introducción que contextualiza al autor en su marco histórico-cultural y en la Generación del 27, un análisis de su obra, prestando especial atención a la imagen poética, y todos los elementos característicos de la colección que convierten a este volumen en una iniciación perfecta en el estudio de la fascinante obra de un magistral autor de nuestra literatura.
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Torcuato Tasso (1554-1595) es una de las figuras señeras del Renacimiento europeo y, probablemente, el poeta más grande que ha dado nunca la lengua italiana. Si bien debe su mayor celebridad a ser el autor de la Jerusalén liberada, una de las cimas de la poesía épica occidental, fue, y no en menor medida, un extraordinario poeta lírico y dramático. Ejemplo de esto último son la Aminta (el drama pastoril más bello del Renacimiento) o El rey Torrismondo, una tragedia singular. Muy admirado por escritores de la talla de Milton, Goethe, Byron o Leopardi, Tasso publicó sus Poemas etéreos en un momento especialmente dulce de su vida. Era un joven poeta que había escrito ya, y publicado con éxito, un poema épico de la envergadura del Rinaldo, ante el que se abrían grandes expectativas en la carrera cortesana, y que estaba profundamente enamorado. Aunque con posterioridad sometió estas composiciones a una revisión más o menos profunda según los casos, resulta innegable que en ellas ya se muestra todo el genio de Torquato Tasso, la innegable singularidad de su estilo, y el maravilloso poder y la modernidad de su palabra.
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Prepárate para conocer mis monstruos. En este poemario me desnudo y enseño todas las cicatrices que me han ido dejando con el paso de los años aquellos con los que me he cruzado. Algunos monstruos me han abrazado, otros sólo me han besado
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«La salvaje y la enferma/ tienen en común el uniforme». La voz de la salvaje y la voz de la enferma, la voz de la niña que descubre y la voz de la mujer que recuerda, se escuchan únicas en ''Abejas en las lindes'': un libro balsámico en el que Nares Montero afronta y disecciona el origen del dolor. Y lo afronta -y lo enfrenta- desde la rabia y desde la emoción, desde las palabras altas y desde la imagen delicada y frágil que resiste -sin embargo- en su entereza. Nares Montero nos entrega un libro necesario e iluminador acerca de la infancia, acerca de la vida y de sus aprendizajes: aquí se descarna la metáfora, aquí se escribe hacia su piel real.
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Que diferents que som!
Increïble, l'allotjament, amb ocells i flors, amb animals i plantes de tota mena, amb l'univers que ens té a dins, a nosaltres, els convidats, limitats, emperò amb l'opció, sempre conreada individualment, d'expandir-nos, cap enfora, cap endins, amb la pròpia consciència de ser a través de la paraula, a través de la poesia d'Emily Dickinson per exemple. La poeta nord-americana Emily Dickinson (Amherst, Massachusetts, 1830-1886) va néixer en el si d'una família benestant i puritana de Nova Anglaterra. Va estudiar a l'acadèmia d'Amherst, però la seva delicada salut i la seva rebel·lia religiosa la van portar a abandonar el curs abans d'hora. Dickinson, que era una jove activa i plena de vida, es va tancar amb trenta anys a la casa paterna i ja no en va sortir. Amb una obra escrita de prop de mil vuit-cents poemes, en vida en va veure publicats molt pocs. Avui dia es considera una de les millors poetes de la literatura universal, així com una figura fonamental del primer segle de la literatura estatunidenca, juntament amb Ralph Waldo Emerson, Walt Whitman i Edgar Allan Poe.
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Sumergirse en el naufragio es el libro de poemas máscelebrado de Adrienne Rich. Puede leerse como una respuesta a la tradición en que se inscriben La tierra baldía de T. S. Eliot o los Cantos de Ezra Pound. La poeta se sumerge en las profundidades de un océano demitos para explorar los restos de un naufragio. Ese naufragio es nuestra civilización, toda su podredumbrey toda su belleza. Poco a poco se va desprendiendo de todas las historias que rodean al naufragio, hastaquedarse solo con lo esencial. También se despoja desu cuerpo de mujer, hasta quedarse con un cuerpo primigenio: un cuerpo andrógino, mitad sirena, mitad tritón. Y con él recorre los restos de lo que fuimos. Pero, sobre todo, rescata lo que aún queda intacto y quepodrá ayudarnos a reconstruir una nueva civilización, donde la mujer sea un hombre y el hombre, una mujer. Un nuevo comienzo despojado de historias y de mitos, centrado en la presencia. Un comienzo no de igualdad, sino de identificación, de reconocimiento mutuo denuestra fragilidad, de nuestra fortaleza, solos frente a la desnudez de nuestros cuerpos.
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Austral reúne en un solo volumen la Obra Completa del poeta Joan Margarit.Pocas semanas antes de morir, Joan Margarit dejó terminados los poemas que componen Animal de bosque, la obra a la que dedicó las energías del último tramo de su vida, aprovechando la mirada nítida que él atribuía a una senectud vivida sin trampas. Margarit, que había terminado un año atrás su «antología personal», publicada bajo el título Sin el dolor no habríamos amado, consideraba Animal de bosque «el mejor de mis libros». En este último volumen, que incluye Animal de bosque, reunimos toda la poesía original de Joan Margarit desde 1975 hasta 2021. La dureza y, al mismo tiempo, la ternura del refugio contra la intemperie que es su extensa y reconocida obra lo sitúan entre los poetas más valorados por la crítica y los lectores.
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Una onada
John Ashbery és el poeta nord-americà viu més important del segle XX. Considerat pel crític Harold Bloom com l'últim dels poetes canònics, la seva obra hereta i renova alhora la gran tradició política anglosaxona. Admirat, aplaudit i consagrat internacionalment, la seva obra sona cada any com a possible guanyador del Premi Nobel de Literatura. Ara Lumen té el privilegi de publicar un dels seus llibres, per a molts compendi essencial de tota la seva obra: Una ona, esplèndidament traduït per Ignacio Infante. En aquest llibre els poemes de llarg alè es donen de la mà amb proses d'un hipnotisme enlluernador, on el llenguatge d'Ashbery sorprenentment sensual arriba a cotes insospitades. L´amor, la mort, la memòria il´obra d´altres poetes s´uneixen en la musculatura d´aquests poemes inoblidables.
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Los Poemas de amor del antiguo Egipto que aquí se recogen fueron extraídos originariamente de jeroglíficos e inscripciones procedentes del Nuevo Imperio. Boris de Rachewiltz, arqueólogo y yerno del autor de The Cantos, recopiló estos poemas y los tradujo
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El tot solitari
Amb El tot solitari Joan de la Vega aprofundeix en els vincles que lliguen l’experiència extrema del muntanyisme, i un cert naturalisme, amb la paraula poètica sorgida d’una mena de revelació pròxima a l’experiència dels místics on el binomi paraula-divinitat és substituït per paraula-natura quasi com a escenaris de supervivència física, estètica i ontològica.
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Insuficiència mitral
El 1996, Insuficiència mitral va guanyar la IV Convocatòria del Premi Aula de Poesia de Barcelona amb Insuficiència mitral i de seguida es va convertir en un dels llibres de culte del canvi de mil·lenni. L’edició requeria una versió en castellà que es converteix en un germà ja inseparable de la versió catalana, amb la que avancen plegades i dialoguen oferint al lector un joc exquisit de saviesa, destresa poètica i genialitat creativa. 25 anys després del naixement d’aquest desbordament verbal esdevingut un clàssic modern, és el moment de celebrar-ho tornant al lector aquesta grandesa que encara perdura i ens emociona i desafia a la vegada.
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El temps sofert
Teniu a les mans una nova fita en la celebrada trajectòria poètica de Feliu Formosa. ''El temps sofert'' conté dos llibres: el fulgor poètic de ''Sovint el somni'' i la recomposició existencial dels ''Haikus de convalescència''. D'una banda, una vintena de poemes lluminosos que són una festa de la imaginació literària i, de l'altra, una ''suite'' de trenta-cinc haikus magistrals, amb el relat d'un conflicte moral carregat d'humanitat. Així, ''El temps sofert'' esdevé, alhora, un sol llibre sobre la vida i sobre la capacitat ?o sobre la necessitat ineludible? de resistir. L'adjectiu 'sofert' autoritza dues hipòtesis, però sobretot posa al damunt de la taula la tercera opció: fer indissociables l'''haver sofert'' i el ''ser sofert''. És la moral del coratge, però no la del coratge cec, sinó la de la valentia de qui gosa combatre per reconstruir ?sense autoenganys? una enteresa fràgil. Valentia, i bellesa.
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No se puede dudar que la poesía de San Juan de laCruz es una de las cumbres de la literatura española,lo cual no excluye su enorme valor doctrinal, místico. Esta poesía puede verse como comunicación de experiencias personales cuya expresión, en cualquier caso,se inserta en el quehacer artístico de un período: las pautas literarias y culturales del Renacimiento. El trabajo que Domingo Ynduráin aborda en la presenteedición aspira a poner de relieve los procedimientosliterarios, el sistema constructivo que hace de las Canciones y las demás composiciones obras de arte válidas para cualquier lector.
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Contracant
El llibre conté dues obres poeticodramàtiques amb acotacions. La primera és el llarg monòleg d’una mare i la seva soledat mentre espera el retorn del fill arquitecte. La vida de la mare-Gea contrasta amb les estructures lineals de l’arquitectura racionalista de Le Corbusier. Per aquest motiu el seu temps vacil·la des d’inicis del segle XX i la immediata postguerra fins als darrers aldarulls de la repressió independentista. L’absència del fill representa la impossibilitat de retrobament amb un ordre antic de les coses. L’altre llibre és un cant coral de les dones del segle XX en una atemporal baixada als inferns a la recerca d’Orfeu, present en un entorn tant boscà com perifèric i industrial. Tampoc no compten les cases perquè seguim en plena intempèrie.A Orfeu reclamen autoritat de la veu per salvar-les. S’inspira, entre d’altres obres en els Himnes òrfics i els seus personatges.Tanquem així el cicle que es va iniciar amb Beatriu o la frontera per indagar en les respostes a la problemàtica contemporània: la soledat, la guerra, la precarietat, la violència i la desesperança.
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Fernando Pessoa (Lisboa, 1888-1935), es autor de una de las obras poéticas más sugerentes y trascendentales de nuestro siglo. Abierta a las corrientes más innovadoras, su poesía es sensual e intuitiva, mágica y abstracta. Alberto Caeiro, uno de los heter
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La ciudad —do una vez Max Aub— es un libro que se lee con los pies. La ciudad, en efecto, se lee paso a paso. Y por eso este libro es una travesía, una deriva por Bilbao de la mano de un poeta que lee paso a paso, verso a verso, una ciudad, la de su nacimiento, la de toda su vida. Las huellas de un poeta en la ciudad y la huella indeleble que la ciudad ha ido dejando en su obra. El poeta desembarca en la Estación del Norte —el punto de partida de esta travesía— y descubre que nunca llegó a irse, que nunca se ha marchado aunque haya estado lejos, que todos estos años ha sido un pasajero en su ciudad.A través de sus poemas y prosas (que conforman una misma escritura poética) el autor nos invita a leer la ciudad de otra manera. Calles y cines, hospitales y centros comerciales, trolebuses ingleses, puentes y cielos, ultramarinos y cafeterías, oficinas y templos. Una estación con una gran vidriera, un plano de la ciudad, una consigna donde almacenar recuerdos olvidados, lápidas del cementerio donde descansan los poetas ignorados, recordados a veces y siempre o casi siempre incomprendidos. Y, al final, la esperanza del mar en el Abra, corazón del mundo.El crítico Francisco Díaz de Castro ha escrito en El Cultural que este libro «es mucho más que el plano de una ciudad, que el autor ha levantado desde su memoria y el homenaje, la elegía, el amor y el desamor. Personalísimo libro, esta Travesía de Bilbao demuestra la gran calidad poética de Fernández de la Sota».
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Una de las colecciones capitales del padre del modernismo en español. Edición de Rocío Oviedo Pérez de Tudela, catedrática de literatura hispanoamericana en la Universidad Complutense de Madrid Para muchos, Rubén Darío es el padre del modernismo. Los poetas parnasianos y simbolistas franceses ejercieron una gran influencia en su obra, pero a partir de Prosas profanas (1896 y 1901) el estilo pionero de Azul (1888, revisado en 1890) se define para alcanzar nuevas alturas en Cantos de vida y esperanza (1905), considerado el mejor ejemplo de su poesía. Aquí el poeta vuelve a sus temas recurrentes para afirmar que el arte siempre superará a la naturaleza, pues es lo único capaz de restablecer la armonía divina. La presente edición, al cuidado de Rocío Oviedo Pérez de Tudela, catedrática de literatura hispanoamericana de la Universidad Complutense, incluye una introducción a la obra, un aparato de notas, una cronología y una bibliografía esencial, así como también varias propuestas de discusión y debate en torno a la lectura.
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Desaprendizajes es un poemario que interroga al lector con implacable recurrencia y otorga a su autor una personalidad poética, consistente y singular, inconfundible. El acento paródico, la subordinación sarcástica, la crítica de la cultura y de la sociedad, una ironía perceptible inclusoen la sintaxis, potencian la capacidad expresiva de una poesía que disecciona paisajes y figuras de la actualidad civil, pretendiendo de ese modo desaprender lo consabido para interpretar la realidad con un nuevo lenguaje o para corregir —como afirma el propio poeta— las erratas de la historia.
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Si las sucesivas generaciones de lectores han seguido volviendo una y otra vez a la Odisea es porque esta historia de una errancia sin final, guiada por el imposible anhelo de una casa segura en la que fondear, es la historia de todos nosotros.Si los antiguos podían atribuir a los dioses el trágico destino de Ulises, a los modernos ya solo les cabe culparse y destruirse a sí mismos. ¿Cómo leer hoy, en un mundo sin épica, aquel poema inicial, cuyo ritmo y repeticiones obedecían a la divinidad? Solo es posible después de reconocer que aquel mundo ya no nos pertenece y que toda imitación arqueológica es inútil.Esta edición lo hace recurriendo al léxico popular y la voz poética de nuestra propia tradición castellana para devolvernos una bella versión, que rescata para el lector de hoy lo que la obra homérica tenía de Poema.
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Chūya Nakahara es uno de los grandes poetas japonesesdel siglo xx. A pesar de no gozar de reconocimientodurante su corta vida, Chūya Nakahara renovó por completo la poesía japonesa, liberándola de los cánones estéticos de la tradición y abriendo las puertas a lamodernidad. Sus poemas están impregnados de melancolía y captan de un modo genuino el sentir de un autor que ha sido elevado a categoría de icono cultural en Japón. Casi un siglo después de su muerte sus versos continúan conmoviendo el corazón y despertando devoción entre sus lectores. Influido por la obra de Rimbaud, a quien tradujo con pasión, Chūya Nakahara es el principal artífice de la renovación de la poesía japonesa en las primeras décadas del siglo pasado aportandoa la lírica japonesa los aires innovadores del Modernismo, el dadaísmo y de la poesía experimental.
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Los ''Carmina Burana'' son no sólo la mayor colecciónde poemas y canciones latinas medievales no religiosas que se conoce, sino también la más famosa y difundida de todas ellas, en buena parte debido a la versión musical compuesta para alguna de sus piezas, como la celebérrima ''O Fortuna!'', por Carl Orff. La presente antología recoge una muestra sumamente representativa de esas composiciones, guiada por los criteriosde calidad y belleza, así como por el de su fortuna einfluencia en la literatura posterior, y dividida entres grandes grupos: «Poemas morales», «Poemas amorosos» y «Poemas lúdico-tabernarios».
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Pocos discutirán que Thomas Stearns Eliot (1888-1965) se cuenta entre los escritores más influyentes del pasado siglo. Su poesía, que conjugó propuestas radicalmente innovadoras con un riguroso cuidado formal, abrió numerosas puertas a la exploración creativa y causó un hondo impacto entre los escritores de su tiempo. Figura mayor, junto con Ezra Pound, del modernismo angloamericano, entre sus obras poéticas destacan, además de La tierra baldía (1922), Miércoles de ceniza (1930) y Cuatro cuartetos (1943). La publicación de La tierra baldía (1922), de la que se cumple ahora un siglo, supuso un verdadero hito para el experimentalismo en poesía. Cruce de géneros y estilos, fragmentario, deliberadamente extraño, enigmático y plurilingüe, el poema simboliza el viaje del alma hacia la trascendencia a través del desierto de la ignorancia, del sufrimiento y de las aspiraciones terrenales. Esta edición presenta una nueva traducción, que se acompaña de un extenso aparato crítico actualizado y de un Apéndice con una selección de los textos a los que Eliot hace referencia en el poema.
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ESTE volumen reúne dos libros fundamentales de LouiseGlück (Nueva York, 1943), Premio Nobel de Literatura2020: Figura descendente (1980) y El triunfo de Aquiles (1985). Si el primero de estos libros toma su título del lenguaje musical para referirse a una suertedeviaje órfico que, según la propia Louise Glück, podría definir toda su obra («mis poemas son verticales, aspiran y ahondan, no se expanden, no explican ni amplifican»), el segundo supone un hito en su trayectoriaal recurrir en mayor medida a la máscara de las figuras clásicas y bíblicas que constituirán el hilo vertebrador de sus libros posteriores. Ligados especialmente a la pérdida, a su miedo y reconocimiento (enel amor o en las relaciones familiares), los poemas aluden frecuentemente a un cuerpo que es identidad altiempo que una carga, en los que la experiencia del hambrey el despojamiento es equiparada por la autoracon suproceso de escritura. Un cuerpo que sabe, porotro lado, del riesgo y la fragilidad de permitirse amar aquello que es efímero («¿Por qué amar lo que vasa perder? / No hay nada más que amar»), de afrontarun deseoque es a la vez una promesa de unión y una condena alaislamiento
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César Vallejo es uno de los grandes nombres de la poesía latinoamericana de todos los tiempos. El mito alrededor de su figura ha hecho que en ocasiones se haya desdibujado la potencia de su obra literaria. La siguiente antología propone una lectura de la poesía y la prosa de Vallejo, aquellos textos que nos permiten conocer al escritor en primera persona. Me moriré en París es un repaso a lo mejor de la producción del poeta, ilustrado por Sara Morante a partir de una selección de Víctor Fernández.
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Un recorrido poético propuesto por la memoria, un escalar el tiempo para llegar a la sustancia infantil. No obstante, ese encuentro con la niñez se da carente de toda idealización, constantes elementos de distorsión bloquean la tentación recurrente de interpretar como un paraíso perdido aquel periodo. Dominado el libro por una atmósfera inquietante, según el personaje poético se acerca a la infancia se hace cada vez más patente una grieta, la rasgadura de quien nunca se sintió partícipe del orden normal de las cosas. El libro se divide en dos secciones: el inicio o encuentro con el material-memoria, y el alejamiento progresivo de ese núcleo. Así, pues el libro describiría dos movimientos, uno de aproximación y otro de distanciamiento, habiendo claramente un nudo o territorio central, una médula. Yamila Transtenvot nació en Buenos Aires en 1987. Estudió Letras en la Universidad de Buenos Aires y Escritura Creativa en la Universidad de Iowa. Sus poemas fueron publicados en Casa Vacía/Empty House (The Song Bridge Project, 2021) y en la antología poética Territorixs (Tipas Móviles, 2019), de la cual también participó como editora. Esto no es lluvia fue semifinalista del Premio Estímulo a la Escritura 2021 en la categoría dramaturgia. Trágico o la guerra ganó la residencia CASA en 2017 y fue galardonada por el Encuentro de Dramaturgia Internacional Emergente. Colabora con distintas publicaciones literarias en línea. Su obra ha sido traducida al inglés.
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César Vallejo nació en Perú en 1892. En 1923 se embarcó rumbo a Europa y se instaló en París. En 1932 se afilia al Partido Comunista Español donde el estallidode la Guerra Civil le inspiran una de sus últimas obras: ''España, aparta de mí este cáliz''.Esta ediciónrecoge los 76 poemas escritos por César Vallejo entre 1931 y 1937 que se incluyen bajo el lema ''Poemas humanos''.
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Imaginativa, elegante, conmovedora, universalà la poesía de Kaneko Misuzu es la celebración de la vida delo grande y lo pequeño. Profunda conocedora del corazón humano, Misuzu capta con reveladora sencillez lanecesidad de empatía y comprensión entre los seres yalumbra ese camino a veces luminoso, a veces oscuro,y siempre fugaz, que todos compartimos y que llamamosvida.La obra de Kaneko Misuzu nace de una natural simpatía hacia todos los seres animados y no animados que habitan nuestro universo. Durante su breve y trágica vida, Misuzu encontró en la poesía la forma de expresar una voz única y universal capaz de conmover a personas de cualquier época y lugar. Olvidada durantedécadas, su obra se perdió tras los bombardeos que arrasaron Tokio durante la Segunda Guerra Mundial.
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PABLO DE ROKHA nació en Licantán, provincia de Curicó, Chile, en 1894 y murió en 1968. «La poesía de Pablode Rokha es la voz lírica más grande, más profunda,más trascendental que ha nacido en este continente desde Walt Whitman. Ambos forman un extraordinario y genial duo poético, el más permanente, el más clásico yrevolucionario de la poesía lírica mundial.» CARLOSDROGUETT «Pablo de Rokha no es sólo el más grande poeta de América, sino el más grande de la lengua castellana en el siglo XX.» LEÓN FELIPE
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La gran nàusea
Estructurat a partir de les tres fases del vòmit, ressegueix un procés d’exhauriment i de desgast que consumeix tot vincle entre consciència i realitat, i que aboca al tedi i a la hiperconsciència de la irrealitat. Prenent com a punt de partida el símbol de la nàusea de Sartre i de Nietzsche, i de la mà de Svendsen, Handke o Bergman, entre altres, l’autor furga en l’apatia que aflora en un món de sentits derruïts i significats reduïts a clofolles, en el malestar profund que genera la presència intuïda d’un no-res solidíssim, compacte i invasor. La gran nàusea és un poemari sobre el Buit. Un Buit que al principi del llibre esfondra una casa i que al final del poemari devora una ciutat sencera.
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Nuevo poemario del autor Marcelo García Desorientado lector, que has recorrido tierras y lugares que nunca hiciste tuyos, pasa libremente el umbral de este edificio que tiene algo de santuario y algo de morada. Aquí el espacio tiene estancias y distancias, pero no límites. Mas no estás solo: una guía, desde el comienzo, con el laurel de Apolo en una mano, símbolo de la luz, de la música y las artes, de la ciencia oracular, del fuego sagrado y la palabra, te invita a seguir la estela de historias, de vidas y de seres que quieren conocerte y compartir contigo su drama, su ventura y su infortunio. Explora las estancias. No estás perdido. Todos los pórticos, pasillos y pasajes te conducen al centro, al punto inmóvil, donde las pasiones se resuelven y el amor se cumple. ¿Es un árbol, es un monte, es el eje del mundo?
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Como lectores, nada nos dispensa de la tarea de cotejar la altura de su palabra con nuestra circunstancia, pues Unamuno (1864-1936) pertenece a ese linaje de maestros que siempre tienen que decirnos aquello que necesitamos escuchar. Se les llama clásicos, y, por fortuna, pertenecen al dominio público. «Un pensador que enseña cómo convertir el conflicto, la contradicción y la desesperación en fuente de energía tiene algo grande que ofrecer a las gentes de nuestra época», afirma Arturo Barea en el ensayo que dedicó al poeta y filósofo. «¿Necesitamos seguir oyéndole? ¿Tiene algo que decirnos?». A la pregunta de Aranguren, Bergamín contesta: «Para lectores jóvenes que aún quieran, y puedan, y sepan, leer en español, ningún mejor, más alto y puro ejemplo que el de Unamuno».
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Las noches que no canta el ruiseñor es un desahogo de valentía. Un recorrido de dos años por la vida de este autor, que vive en el campo, lejos del estrés y los estímulos que suelen merodear las ciudades. El libro exterioriza su curiosidad por la muerte y nos da un paseo bajo una concienciada mirada de su versión hacia la locura. Se compone de dos bloques que anidan todos estos sentimientos. Las ilustraciones, una visión gráfica de Daniela Díez Cardona, nos ayudan a entrar en el imaginario de estos dos artistas. En definitiva, un libro que trata de abrir la poesía hacia una realidad visceral: «Drogas, salud mental, amoríos, muerte y un innegociable amor por la tierra» componen la primera obra de este autor.
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A lo largo de la carrera de Walt Whitman, se publicaron nueve ediciones de su obra poética, siempre titulada Hojas de hierba. La primera, de 1855, ya contenía el célebre “Canto de mí mismo” (no aún con ese título), a la última y canónica, de 1892, se la llama “del lecho de muerte” porque trabajó sobre ella en sus días finales.Cada una incorporaba poemas nuevos, suprimía o corregía anteriores, iba agrupándolos en secciones variables.La audacia y la fuerza de la personalidad marcan su empresa poética: apertura sexual y política, peculiar y heterodoxo sincretismo religioso, innovador verso libre torrencialmente musical, apropiación de recursos tradicionales como las aliteraciones de cuño anglosajón o los catálogos y las palabras compuestas de cuño épico, creación de neologismos.Del crisol donde fundió todo eso y mucho más surge una de las experiencias más fascinantes en la historia de la poesía, con sus hondonadas y sus altas cumbres.
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Eduardo Mitre (Oruro, Bolivia, 1943) es profesor de literatura latinoamericana en Saint John's University, Queens, y miembro de número de la Academia Boliviana de la Lengua correspondiente de la Real Academia Española. Entre sus libros de poesía figuran Mirabilia (1978), Camino de cualquier parte (1998), Vitrales de la memoria (2008) y A cántaros (2021). Aunque ya nada es lo mismo es una crónica poética de un tiempo trágico, marcado por la pandemia, la guerra en Ucrania y el genocidio palestino, entre otras calamidades. Poesía polifónica, dicha por una pluralidad de voces: la temerosa de un migrante latinoamericano, la tierna de la madre inmigrante, la del amigo que nos habla en sueños... Poesía crítica, elegíaca y, por momentos, celebratoria, tocada por la gracia del asombro ante la vista de un par de tijeras o de majestuosos árboles vecinos, y por el don o donación de la escritura cifrada en una máquina de escribir Underwood, que un joven teclea, imprimiendo en la página el título de su primer libro, Ferviente humo.
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Los libros de poesía son obras impresas que reúnen composiciones líricas centradas en la expresión estética del lenguaje. La poesía explora emociones, pensamientos y experiencias a través del ritmo, la imagen y la metáfora. Los libros de poemas permiten disfrutar de una lectura pausada y reflexiva en formato papel, favoreciendo la relectura y la interpretación personal de cada texto.
¿Qué es la poesía y qué ofrecen los libros de poemas?
La poesía es un género literario que utiliza el lenguaje de manera condensada y simbólica para transmitir sensaciones e ideas.
Definición
Los libros de poemas recopilan textos escritos en verso o en prosa poética que destacan por su musicalidad, su intensidad expresiva y su capacidad de sugerencia. Cada poema propone una experiencia íntima que invita a la reflexión.
Diversidad temática y estilística
La poesía puede abordar temáticas como el amor, la memoria, la naturaleza o la crítica social. Existen estilos clásicos y contemporáneos, así como propuestas experimentales que exploran nuevas formas de expresión.
Cómo elegir libros de poesía
Escoger entre distintos libros de poemas implica atender a la sensibilidad personal y al tipo de voz poética que se desea descubrir.
Criterios de selección
Es recomendable considerar el estilo del autor o autora, la época literaria y la temática predominante en la obra.
- Poesía clásica o contemporánea.
- Obras centradas en la introspección o en la dimensión social.
- Antologías que reúnen diferentes voces poéticas.
- Ediciones comentadas para facilitar la comprensión del texto.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de poesía en formato papel presentan distintas propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Recopilaciones completas de un autor o autora.
- Selecciones temáticas de poemas.
- Antologías generacionales o históricas.
- Libros ilustrados que dialogan con el texto poético.
El cuidado de la maquetación y la disposición del verso en la página forman parte esencial de la experiencia de lectura en papel.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de poesía en papel estimula la sensibilidad estética, el pensamiento simbólico y la capacidad interpretativa.
Desarrollo del lenguaje
Los libros de poemas enriquecen el vocabulario y fomentan la apreciación de los recursos expresivos, como la metáfora y el ritmo.
Experiencia reflexiva
La lectura pausada que propicia el formato en papel permite interiorizar el significado de cada poema y establecer un diálogo personal con el texto.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de poesía?
Los libros de poesía están dirigidos a personas que buscan una experiencia literaria íntima y profunda.
- Lectores y lectoras interesados en la expresión lírica.
- Estudiantes que trabajan el análisis poético.
- Personas que valoran la lectura breve pero intensa.
- Quienes desean descubrir nuevas voces poéticas.
Preguntas frecuentes sobre libros de poesía
¿Qué diferencia hay entre poesía clásica y contemporánea?
La poesía clásica suele seguir estructuras métricas tradicionales, mientras que la contemporánea experimenta con formas y estilos más libres.
¿Cómo elegir un libro de poemas adecuado?
Es recomendable considerar la temática, el estilo del autor o autora y el tipo de poesía que despierta mayor interés personal.
¿Qué aportan los libros de poesía a nivel educativo?
Favorecen el desarrollo del lenguaje, la interpretación simbólica y la sensibilidad literaria.
¿Por qué leer poesía en formato papel?
El formato en papel permite apreciar la disposición del verso, facilita la relectura y favorece una experiencia de lectura más concentrada.