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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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Ojos de sol es la mirada de una generación, un homenaje al amor y a la gente común que puebla nuestras vidas. Es un poemario en el que, de alguna forma, te vas a encontrar. Las margaritas son las flores más comunes de la naturaleza y su belleza reside en su aparente sencillez. Simbolizan la pureza, la luz, la inocencia, la honestidad y la libertad. Pero, aunque puedan parecer iguales, cada una es singular. Lo mismo ocurre con las personas. Buscando el calor y la luz, crecemos hasta resultar lo que somos: buscadores de motivos que nos hagan abrir los párpados cada mañana. Ojos de sol es un homenaje a la gente común pero a la vez única que inunda nuestras vidas y nos hace crecer, porque quien bien te quiere, te ayudará a florecer. Es el espejo en el que, tarde o temprano, te vas a encontrar, la flor que, antes o después, germinará en ti.
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La obra de Maillard aspira a encarnar el trabajo de la conciencia y al mismo tiempo a curarnos de nuestra ceguera como especie, nuestro orgullo desmedido. Este volumen, que reúne la obra estrictamente poética compuesta en lo que llevamos de siglo, es una lección de vida y pensamiento, capaz de iluminarnos y darnos consuelo, alivio.
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Louise Glück (Nueva York, 1943), Premio Nobel de Literatura 2020, explora en Vita nova (1999)-cuyo título recuerda a la obra que Dante escribió tras la muerte de su amada Beatriz- la vida posterior al matrimonio y a la pérdida del sujeto amoroso. De este modo, la voz poética es la de un Orfeo que en el umbral se debate entre mirar hacia delante o hacia atrás, consciente de que la música solo es posible si hay un verdadero dolor. La «vida nueva» a la que canta la poeta supone a la vez un desamparo y una libertad que la impulsan a retrotraerse a su pasado, a la muerte de su madre, al limbo entre la infancia y la vida adulta. También a reflexionar sobre la mezcla de placer y dolor que forma parte de cualquier relación humana y sobre la naturaleza de un tiempo cíclico en donde la repetición es también renovación. No exentos de ironía o autoparodia, los poemas de Vita nova abordan las muertes y los comienzos, la resignación y la esperanza, el trauma y la recuperación desde una perspectiva única donde la abstracción convive con una extraña nitidez biográfica a pesar de que dicha biografía sea a menudo una presencia que el lector solo percibe por el rabillo de ojo, y la confesión poética, como en los mejores libros de Glück, sea un acto de intimidad a la vez esquivo y cercano, pero siempre iluminador.
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Ésta es una de las obras tempranas más bellas de Yannis Ritsos, compuesta en 1938 durante su convalecencia en el sanatorio de tuberculosos de Párnitha. Escrita con un lenguaje llano y claro, nutrido de fecundas imágenes oníricas que remiten a los paisajes, colores, sonidos, aromas y sensaciones de su infancia, el poeta da voz a su angustia personal a la vez que explora las promesas que la exuberancia de la naturaleza le anuncia, bebiendo del surrealismo para romper con la poesía tradicional griega: «Mañana cumple años el sol y el sol tiene nuestra edad [...] celebramos que cumplimos años el mismo día que el sol - todos los días».
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Los días que no tienen nombre es un homenaje a la resiliencia del alma, una colección de poemas que capturan el vaivén de un milagro: ir del miedo hacia el amor. Es un testimonio de un viaje interno en donde cada poema es una ventana que da hacia esos días invisibles en los cuales el amor nos ha elevado hacia lo imposible y nos ha tirado después hasta sangrarnos las rodillas para encontrar así la inminente redención, el reconocimiento de las grietas, el reacomodo de los escombros para finalmente poder reconquistar a nuestro espejo y permitirnos regresar a nuestra propia esencia.
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En El becario de Sevilla, Alex Lima aúna la poesía, el relato y los libros de viaje. Se trata de un romance (bildungsroman) poético testimonial de una generación juvenil que, como todas, se halla en estado de fuga, es decir, diciéndole adiós a la juventud misma y, por qué no recordarlo aquí, a su divino tesoro, único que en verdad llegamos a poseer, si cabe hablar así, porque lo demás es desengaño. Se trata de una generación de muchachos en el estadio existencial de, como reza este libro de Lima, desde su primer poema, entrar al espacio de la (auto)conciencia propia y, si la cognición individual lo permite, del mundo circundante y sus circunstancias.Tanto más claro queda la centralidad de este tópico a través del relato de estos 20 poemas —más las versiones en inglés, o viceversa— si se atiende a la noticia que trae el último de ellos, titulado con un dejo de nostalgia «Despedida estival», y que hace un guiño escolástico al memento mori de fondo de toda fiesta con su música y todo: no por nada se trata de una banda de estudiantes, «aprendices de la vida» y de algunas letras y números a la manera universitaria —de allí los ires y venires de becarios entre Estados Unidos y España en la trama de este poemario—, de jóvenes dejando de serlo y en disolución/desintegración por cambio de época de cada uno de ellos y del grupo en su conjunto, como le sucede a toda generación en todo su esplendor.
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Decimal blanco (Décimale blanche), publicado en 1967 por la prestigiosa editorial Mercure de France, fue el primer libro del longevo poeta, ensayista y memorialista Jean Daive (Bon-Secours, Bélgica, 1941). Un texto exigente y sin concesiones, que remite a la larga estirpe de experimentación verbal, gráfica y sintáctica abierta por Mallarmé, y que de inmediato llamará la atención de críticos y lectores, tanto en Francia como en Alemania y Estados Unidos. El libro, sin embargo, estuvo a punto de no ver la luz. Con las incertidumbres propias del poeta que comienza, Daive se resistía a publicarlo, sería uno de sus interlocutores más célebres, el poeta rumano Paul Celan —tal vez el mayor renovador de la lírica europea del siglo XX—, quien le animaría a hacerlo. Leyendo estos poemas, en la magnífica traducción de los poetas Rafael Antúnez y Juan Antonio Bernier, no es difícil entender la afinidad que Celan sintió con Daive: una poesía que reduce al mínimo sus elementos, que transforma la sonoridad en materia del poema y se acerca a la experiencia mística, de borrado personal, para abrirse a algo más a través del lenguaje.
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Marinada
Com un corrent d'aire que naix per contrast entre el mar fresc i la terra càlida, les experiències del passat i del present originen aquests versos. Durant la primavera i l'estiu de l'any anterior van germinar, per florir al llarg de la tardor i granar els primers dies d'hivern. La sentor marina es fa notar en sensacions corporals que envolten la infantesa, el vagareig de la vida emocional, la pau de l'amor i la maduresa entre vegetació i roques, l'enyor de la mar llunyana. Tot amarat d'un sentiment crític que esdevé literatura per estima al país i a la llengua.
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La poesía de Miguel d'Ors (Santiago de Compostela, 1946) devuelve una mirada esencial a los grandes temas: el paso del tiempo, la niñez, la familia, la naturaleza, Dios, la reflexión sobre el quehacer poético, esa nostalgia imposible de una vida que no pudo ser... Es la suya una mirada sorprendida y sorprendente que, desde un firme sentido clásico de la poesía, es capaz de entregarle al presente el legado recibido por la tradición con una voz propia que sabe quitarse a sí misma letras mayúsculas, artificios y oropeles. Más de medio siglo después de su primer libro, la poesía de d'Ors nos acompaña en el camino hacia ese territorio misterioso de la felicidad. Y, en las alforjas, tenaces, Las cosas de la vida.
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Sin abandonar esa voz inconfundible que lo ha convertido en un poeta de referencia en la poesía española actual, Antonio Colinas se interna, en Desiertos de la luz, por nuevos caminos que lo conducen a una mayor austeridad y despojamiento. Más que nunca, el autor viaja «hacia el centro de los centros» para traer «como ofrenda, como paloma ardiente / sólo unas pocas brasas»: los poemas.Si en la primera parte, «Cuaderno de la vida», prevalecen el mundo real y la anécdota, en la segunda, «Cuaderno de la luz», todo se desnuda en busca de las esencias, de la universalidad de la vivencia humana, y los símbolos se adueñan por completo de los poemas. Los versos se desprenden de adornos, se quiebran y desgarran hasta tornarse imágenes fragmentarias, puros fogonazos de conocimiento. Así, Colinas conduce al lector hasta un mundo donde se unen, en plácida armonía, presente y pasado, música y silencio: en última instancia, Oriente y Occidente. Surge al paso el anhelo de la luz más pura, desnuda, esa luz que a veces sólo se encuentra en lo más oscuro. Y, por doquier, fluye la música, que, de Händel y Glenn Gould al canto de la naturaleza y de las piedras, va depurándose hasta convertirse en una melodía primordial, «que arde / sin consumirse, que por siempre embriaga».
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TRAS la muerte de Charles Bukowski el 9 de marzo de 1994, John Martin, editor del poeta desde los años sesenta, inició un minucioso trabajo de revisión de sus archivos. Con el volumen La gente parece flores al fin culmina el proceso de exhumación de sus poemas. Ahora se puede afirmar que su obra está por fin completa. Este libro constituye una arenga a la guerra sin cuartel en defensa del minuto siguiente, por la sencilla razón de que esos minutos no tardarán en agotarse. A estas alturas, el poeta se esfuerza más si cabe por captar la esencia del tiempo y fijar la realidad para que no desaparezca. Al ir alcanzando el final, está en posición de reflexionar: «la muerte me entra en la boca / y me serpentea por los dientes / y me pregunto si me asusta / este morir sordo y apenas triste que es / como el marchitarse de una rosa».
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Francisco Brines es sin duda uno de los nombres más imprescindibles para entender y gustar la poesía española del siglo XX, un siglo que ha sido, ante todo en su mitad primera, de excepcional calidad y riqueza. Es la suya una poesía de clara raíz metafísica en la que se plantean todas las grandes preguntas que atañen a la condición humana. Poesía plena de sensorialidad y sensualidad, poesía afirmativa, felizmente enraizada en el cuerpo y la tierra nativa, exaltadora de la vida en todas sus intensidades, pero a la vez, poesía hondamente habitada por el tiempo, por la conciencia del tiempo, puesto que existimos y nos afirmamos «entre dos nadas». Francisco Brines no fue sólo uno de nuestros poetas mayores sino también un amigo cercano de incontables poetas y un maestro de muchos felices lectores de poesía, y viceversa. En esta nueva antología, Tierra nativa, se reúnen una serie de poemas escogidos a lo largo de toda su obra relacionados con Elca, su casa familiar, y con el paisaje y la naturaleza mediterráneos en los que tan enraizada está su poesía. A.L.
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La casa de les absències
Un llibre amb una veu sagaç que posa llum als límits que hem anat trampejant. El record, la memòria. El temps que sempre arrossega penyores, que acumula deutes, rebrega records, enfosqueix imatges, s'emporta enllà persones, llocs, moments, certituds i llars. I que també se'ns emporta a nosaltres, en uns poemes on Helena Martínez-Ferreruela ha posat nom als dubtes i al contrasentit fascinant de viure i haver viscut. Una casa que és la construcció del jo líric de la poeta, un ressò d'existència i singularitat, en una veu que ha esculpit versos per capturar aquesta vida que fuig i ressona.
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Reiniel Pérez Ventura (Santa Clara, Cuba, 1999) es poeta y estudiante de Lengua Inglesa y Francesa en la Universidad Central «Marta Abreu» de las Villas. En 2022, su obra Elegías del inocente y el maldito recibió el Premio Extraordinario de Poesía Centenario de Carilda Oliver Labra. Las sílabas y el cuerpo, ganador del XXXV Premio Loewe, es su primer libro publicado. «Dos grandes obsesiones mueven estas páginas: la escritura y el erotismo. A Reiniel Pérez Ventura la palabra y la mujer lo inspiran por igual, con él las sílabas y el cuerpo se vuelven lo mismo. El poeta se encuentra ante una doble seducción, pero ha renunciado a lo meramente anecdótico, a los lugares comunes del arte de amar contemporáneo, el poeta se sumerge en el desentrañamiento de la naturaleza propia del amor como de la poesía y su encarnación en el idioma. Todo ello gracias a un tono laudatorio, de alabanza perenne, de oda transida por lo filosófico, aunque es la sola inocencia del cantor frente a la amada lo que nos deja ver la belleza y la verdad». Sergio García Zamora
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Carlos Oquendo de Amat (Puno, Perú 1095) es autor de un único y deslumbrante libro, condujo la lírica hacia lo que se ha llamado un primitivismo no reñido con la cotidianeidad. Su poesía está constituida por los elementos del lenguaje más corrientes, descargadas de misterio y de sonoridad, sus metáforas son de fácil lectura porque son visuales y cargados de luz y de color. El efecto estético que produce su escritura proviene de su imaginería plástica, donde lo que importa es la sucesión de distintas imágenes en un todo coherente y nuevo. Editado en forma de acordeón, de manera que su longitud fuera la que señala el título, juega con los espacios blancos de las páginas, usa los esquemas liberadores del caligrama y los cambios tipográficos, con la ruptura de la sintaxis y con los contrastes entre sonoridad y silencio. Después de una sufrida y pesarosa existencia, expulsado de distintos países por pertenecer al Partido Comunista peruano, en 1936 es internado en un sanatorio de Guadarrama cerca de Madrid, donde murió en 1936 enfermo de tuberculosis. «Se le enterró bajo la nieve, en el cementerio vecino de la clínica». «Con un mecanismo metafórico tomado de Huidobro, realiza una poesía cristalina, de aire espontáneo y lúdico». César Aira «Había sido un hechicero consumado, un brujo de la palabra, un osado arquitecto de imágenes, un fulgurante explorador del sueño, un creador cabal y empecinado que tuvo la lucidez, la locura necesaria para asumir su vocación de escritor como hay que hacerlo, como una diaria y furiosa inmolación». Mario Vargas Llosa
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Más que una colección de poemas e historias cortas, No quiero morir pronto es una serie de epitafios que una mujer joven le dedica a su corazón, a su cuerpo, a sus seres queridos y a la realidad que habita. Este libro explora el difícil camino del duelo y la lucha por encontrar esperanza en un mundo que, a menudo, es indiferente a nuestros dolores personales. A través de palabras viscerales y conmovedoras, Camargo presenta la existencia como una herida empeñada en recordarnos nuestra propia fragilidad, pero que también está llena de belleza y resistencia. No quiero morir pronto es un testimonio valiente sobre la capacidad humana para encontrar luz en un mundo donde todo muere, incluso el amor.
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Toda la poesía de una autora de referencia, ganadora del Premio Nacional y el de la Crítica.Como «Ficciones para una autobiografía», título de uno de sus libros, este volumen podría entenderse como una suerte de memoria y recorrido por toda una vida. Se reúne aquí toda la obra de una autora que ha hecho de sus poemas un magnífico recopilatorio de las propias vivencias, y las de toda una generación de mujeres. Desde los poemas de amor, a los de la pérdida, de los comprometidos y reivindicativos, a los de aceptación de la madurez, de las ilusiones a las transacciones con la decepción, las experiencias luminosas y las de dolor y rabia. Hay aquí el retrato completo de una vida de mujer, también la palabra en el tiempo, la emoción y la difícil sencillez de saber decirla.
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Libro de prosas poéticas que obtuvo en 1986 el Premio Luis Cernuda de Sevilla y el Premio de la Crítica Cubana en 1987.Son muchas las tentaciones de las que se habla en estas páginas: ninguna resulta inconveniente como presupone la rotunda definición del diccionario. Aquí se intenta, por un lado, la exaltación de la vida. Se busca dar un lugar a las pequeñas y las grandes tentaciones, las salvadoras y las peligrosas, aquellos impulsos que se proponen declarar cuánto de oscuro y luminoso se esconde en los descubrimientos de cada día. Y sin embargo, y por encima de todo, estas prosas breves intentan que semejante satisfacción (el gozo de la vida) pase (como no podía ser de otro modo) por la palabra, gracias a la cual logramos una y otra vez reinventar el mundo.
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Una antología que reúne lo mejor de la producción lírica de Simon Armitage, poeta laureado del Reino Unido. Traducido por primera vez al español por Jordi Doce. El aclamado Simon Armitage, poeta laureado del Reino Unido y comandante de la Orden del Imperio Británico por sus servicios a la poesía, reúne en Avión de papel una antología de sus mejores poemas desde 1989 hasta 2014. La colección debe su variedad estilística a la evolución del propio autor a lo largo de su carrera: desde sus inicios en Zoom!, repleto de jerga de la calle e ingeniosos juegos de palabras, hasta sus últimos poemas, de carácter más maduro, reflexivo y metaliterario. Los versos de Armitage transforman lo local en universal, taladran hasta el corazón de cada imagen y cada sentimiento. En esta edición bilingüe, la traducción y el estudio crítico de los poemas está a cargo de Jordi Doce, uno de los grandes traductores y expertos en poesía de nuestro país. Estamos ante una obra única, cuidada hasta el último detalle: la mejor manera de descubrir a uno de los grandes nombres de la poesía británica actual. Uno de los poetas más originales, respetados y queridos del Reino Unido, de la escuela de Philip Larkin y Ted Hughes, que desde hace treinta años viene rompiendo los cánones de la producción lírica. CRÍTICA «No hay ningún otro poeta que escriba en la Gran Bretaña moderna que tenga la sensibilidad de Armitage. Es el poeta inglés más grande desde Larkin.» ''The Sunday Times «Armitage es una bestia rara: un poeta cuya obra es ambiciosa, lograda y compleja, además de popular.» ''Charlotte Runcie, Sunday Telegraph «Armitage es el mejor poeta de su generación.» ''Craig Rane, The Observer «Una oportuna retrospectiva de un gran talento del verso británico moderno.» ''Ben Wilkinson, The Guardian «Su verso es inmediato, entretenido, comprometido con el mundo, y su oído para las cadencias del inglés es estupendo.» ''Stephen Knight, Independent of Sunday
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Sylvia Plath es una de las poetas más admiradas y leídas del siglo XX. Sus versos, que a lo largo de los años han ido cobrando protagonismo, especialmente después de que se quitara la vida a los treinta años, son un intento de expresar su desesperación y su obsesión por la muerte. Sus poemas pueden considerarse en gran parte autobiográficos y exploran su angustia mental, su problemático matrimonio con el poeta Ted Hughes y los conflictos sin resolver con sus padres, así como la visión que tenía de ella misma.Plath se ha ido perfilando hasta el día de hoy como uno de los grandes iconos del feminismo, y su poesía —en especial El coloso y el póstumo Ariel—, una valiosa prueba de que fue una de las grandes escritoras del pasado siglo. Cincuenta años después, sus versos todavía contienen toda su intensidad, dolor y belleza.Presentamos esta nueva edición de su poesía completa, en la cuidada traducción de Xoán Abeleira, uno de los mayores conocedores de la obra de Plath.
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«Llama gratamente la atención la singularidad de la escritura de Rosa Berbel, una forma especial de modular el idioma que sólo es posible, para decirlo al modo de García Lorca, cuando se tiene duende... Llega provista de la mejor tarjeta de presentación posible: la calidad excepcional de sus poemas.» Fernando Aramburu Tras su brillante debut con Las niñas siempre dicen la verdad, Rosa Berbel nos entrega su esperado nuevo libro, la confirmación de una gran poeta. Asomándose a un abismo político y afectivo, los poemas de Los planetas fantasma relativizan la percepción del riesgo: las fiestas terminaron, los paisajes se han desertizado y los límites del tiempo y el espacio han sufrido una distorsión, pero en las ruinas florece un empuje utópico que llama a reinventar los nombres, los ritos y las naturalezas. En astronomía, el concepto de planeta fantasma designa un cuerpo celeste hipotético que, a pesar de ser considerado científicamente, no es visible mediante los instrumentos habituales de observación. Este enigma es el punto de partida de un libro que aspira a trasladar cierto imaginario del terror y la ficción postapocalíptica al marco del poema, reflexionando acerca de cómo integrar el deseo y la belleza entre tanta devastación, cuando los fantasmas ya no son tanto fragmentos del pasado como imposibilidades de futuro. La poesía hace visibles nuevos planetas. La poesía los inventa.
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Esta obra reúne todos los libros de poemas escritos hasta la fecha por Antonio Gamoneda, quien, desde su condición solitaria, ha ido construyendo una de las obras más sólidas, personales y renovadoras de la poesía española contemporánea. Este primer volumen reproduce la edición original de 2004 en Galaxia Gutenberg con un texto nuevamente revisado y corregido por su autor.
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Sholeh Wolpé (Teheran, 1962) es una poeta, dramaturga y traductora iraní-estadounidense. Su obra está compuesta por más de quince libros, obras de teatro y libretos para coro y ópera. Ha vivido en Irán, Trinidad y Reino Unido, y actualmente divide su tiempo entre Los Ángeles y Barcelona. «El exilio es una maleta con el asa rota», escribe la autora de Ábaco de la pérdida (2022), esta obra sincera, poderosa y conmovedora, que invoca el ábaco como un instrumento para recordar y atraviesa, cuenta a cuenta, las fronteras del lenguaje y del tiempo, distintos países y culturas, desde «una colina en lo alto de Teherán» hasta la ciudad de Los Ángeles, desafiando las tradiciones patriarcales, los mandatos religiosos y la discordia. Un viaje en el que la desdicha «se convierte en dicha», «la pérdida es una lengua / que todos hablamos bien» y «la salida más rápida de un laberinto es / hacia arriba». Quien lee a Wolpé queda atrapado en su mundo, que desgrana las complejidades del exilio, el hogar, la familia, el amor y todo lo que queda por el camino.
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'Versos para América Latina'' es un puente que une a los países de América Latina ensalzando su espíritu y sus raíces en un solo canto emocional, poético e inteligente.Versos para América Latina es una antología emocional, sensible e inteligente. Por sus páginas deambulan multitud de temas de forma más o menos velada, aunque destacan algunos, como el análisis introspectivo de las emociones y los sentimientos, el amor, las relaciones humanas, la reflexión existencial, la naturaleza y la nostalgia, entre otros. Resalta especialmente por su lenguaje sencillo, cotidiano y vital y por la extraordinaria capacidad del autor para describir sentimientos, emociones y reflexiones en pocas palabras.
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Estas Poesías completas prescinden del aparato erudito y dejan al poema limpio en la página, listo para eldisfrute sin interrupciones. A las que el autor consideró como Poesías completas, publicadas con el título de Opera omnia lyrica, se añade un extenso apéndicede «Otros poemas» que incluye sus versos iniciales –los de Tristes y alegres– y su poesía dispersa, en laque no faltan las sorpresas memorables.
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Lo que queda cuando te vas es una reflexión poética sobre lo que dejamos atrás al partir, y lo que nos queda cuando alguien se va. Es un recorrido entre dos realidades opuestas: cuando nos vamos, dejamos algo de nosotros en el camino, y cuando otros se van, nos quedamos con lo que dejaron. En ese espacio, entre lo que se da y lo que se recibe, está la clave de lo que somos.Este poemario explora la dificultad de dejar ir lo que fue tan cercano y la carga de aferrarse a algo que ya no nos pertenece. Es el intento de reconstruir lo perdido con las migajas de lo que fue, de intentar retener en un objeto físico lo que aún forma parte de nosotros, aunque se presente ausente.La partida no es un adiós definitivo: es la tensión de seguir buscando, de recordar y escribir, de reconstruir aquello que ya no existe, pero que una vez fue el centro de nuestra existencia. En este libro, cada palabra se convierte en un intento de darle un sentido a lo perdido, de llenar el vacío con todo lo que quedó, y con todo lo que, al irse, nunca se va del todo.
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El 8 de octubre de 2004, un accidente de tráfico en una tarde lluviosa puso fin a la vida de uno de los poetas más lúcidos y profundos de la literatura española reciente. Andrés Mirón consolidó durante la segunda mitad del siglo XX una voz única y singular en la estela de otros poetas como Valente, Juan Gil-Albert, Ramón Gaya o Eduardo Cirlot. En su obra consiguió destilar una plasticidad en el manejo de las lírica donde alternaba su introspección pensadora, la serenidad y el lujo verbal, creando una poesía rica en imágenes y emociones. Entre sus temas recurrentes se encuentran la memoria, la melancolía, la nostalgia y la naturaleza. Su estilo combina la elegancia del discurso con una voluntad de estilo que recurre a vocablos brillantes y recónditos, a veces incluso inventados. Alejado siempre de los clanes poéticos que protagonizaron medios, editoriales dominantes y círculos de poder que dibujaron un panorama prosaico, estrecho y reducido en las últimas décadas del siglo pasado, Mirón dejó una huella profunda en la poesía española de nuestro tiempo tras su repentina muerte, legándonos una obra que a pesar de la honestidad política del poeta y su desdén hacia el relumbrón y la fama logró premios nacionales e internacionales. Su obra ha sido traducida al inglés, portugués, francés, italiano y alemán, y ha sido objeto de estudios y tesis doctorales. Además, fue nombrado miembro honorífico del Departamento de Literatura de la Universidad Lincoln de Nebraska (EE. UU.) El propio Jorge Guillén afirmó de él: “Nunca he conocido a un poeta en vidacon tan grandes aciertos.”
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Venimos a establecernos donde nada crece donde todo cesa Venimos a desempeñar una nueva servidumbre A sostener otros cuchillos A deshacer otras heridas
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«Manual de camuflaxe» é unha expedición creativa que nos envolve e nos interroga, coma unha fenda luminosa. Máis aló da adaptación á contorna, a camuflaxe sinala o paradoxal desexo de ser visto, de ser recoñecido no mesmo medio da disolución. Nesa tensión entre o visíbel e o velado, os versos de Samuel Merino adquiren unha calidade especular, devolvéndonos a nosa propia fraxilidade.
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Cant de riera
Caminar amb els sentits ben atents pels vorals humits i pedregosos d´una riera regala pau i saviesa. Amb aquest llibre, us convidem a endinsar-vos en el curs d´una riera i a deixar-vos seduir.
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Retrat interior
El primer llibre de poemes de Mariàngela VilallongaEls poemes de Mariàngela Vilallonga van ser escrits entre Girona i Nova York durant els anys 2003 i 2009 i tancats en un arxiu de l'ordinador. Avui que l'autora ha abandonat algunes responsabilitats professionals dona a conèixer el fruit d'una etapa de la seva vida, el retrat interior de la seva cinquantena. El llibre de Vilallonga sorprendrà per l'elegància, la força i la lleugeresa esmolada dels seus versos.
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El tacte d'un hivern
El tacte d'un hivern neix a la muntanya. El jo poètic es fon amb el paisatge hivernal i, d'aquesta unió, en brollen versos que, a partir de situacions i sentiments quotidians, reflexionen sobre el sentit profund i ancestral de l'hivern, que esdevé també metàfora. L'humà i l'abstracte es troben en la paraula i en el mateix procés creatiu.
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Becs de proa
Becs de proa, la novena publicació en solitari de Cristina Àlvarez Roig, és un llibre de gran cohesió temàtica que gira entorn del dolor i l'amor, la pèrdua i el goig, Eros i Thanatos, els dos eixos principals característics de la poètica de l'autora, que ara ens ofereix la seva obra més íntima i madura, el seu llibre d'absències, que alhora és un cant a l'amor com a motor creador i transformador. L'obra, d'una gran varietat formal, mostra el domini de les estrofes clàssiques i del vers lliure o del poema deconstruït i sense puntuació. Becs de proa és una elegia per al pare traspassat massa d'hora i per al fill no nascut una vegada i una altra, temes que ja apareixien en els reculls anteriors i que ara es tracten amb una gran serenor i imaginació: el pare esdevé fill, el fill esdevé pare i l'autora mare-filla espiritual. L'orfandat i la maternitat frustrada es diuen volgudament des del lirisme i la subtilesa evitant tota imatge explícita perquè és una poètica que vol sublimar la mort i la xacra per convertir-les en vida a través del poema. El desig sempre hi és present per convidar-nos a «morir sense mai no haver mort» i a entrar en els mons onírics i metafísics d'una autora que mai no ha deixat d'escriure la seva particular reinvenció del món.
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El lector está a punto de acudir a un verano que transitará en tres tiempos: lo onírico y el salto a la alucinación, lo mundano y el amor, y finalmente, la visión de un cielo azul, de verano, interrumpido por los otros y por sí mismo. En los poemas de Ingrid González, el momento poético sucede al buscar la palabra o imagen precisa para encontrar un equilibrio con lo que se ha soñado, perdido o roto. La autora busca recuperar el mundo a través de la ruptura de los suicidas, porque “comprenden demasiado” el regreso a un lugar amado donde se es un extranjero más, o la visión de un santo que abandona la tierra para siempre, como en el Sueño VII. Es entonces la poesía de González en este libro el salto fantástico que todos buscamos, el de sobrevivir a lo imposible, a un punto negro sobre un cielo de verano.
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Iconòstasi
PREMI VALÈNCIA ALFONS EL MAGNÀNIM DE POESIA Basteix ossos i úters el silenci La icona em diu silenci, el seu silenci No callarà mai el silenci El silenci és
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Presentamos CO CO CO U, el nuevo poemario de la poeta Luz Pichel (1947), una de las autoras más arriesgadas de la poesía actual. Pichel da vida a un gallego inédito, un gallego rural, aún marginado por el gallego normativo. Versionado al castellano por Ángela Segovia, el libro incluye un epílogo de María Salgado. No se puede estar en mejor compañía.
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