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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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Lope de Vega es el máximo talento dramático del XVII español, pero su fuerza lírica destaca poderosamente, incluso en una época poblada de excepcionales valores poéticos. La trayectoria lírica de Lope sigue estrechamente sus vaivenes vitales: de la exaltación y el desasosiego amoroso al arrepentimiento,el dolor por la muerte del hijo, el desengaño literario y personal.La presente selección desarrolla orgánicamente este movimiento, a través de las composiciones más representativas de cada etapa. Toda laestatura poética y vital de Lope, desplegada en unainmensa variedad métrica y temática, es, así, restituida al lector actual.
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La poesía de Miguel d'Ors (Santiago de Compostela, 1946) devuelve una mirada esencial a los grandes temas: el paso del tiempo, la niñez, la familia, la naturaleza, Dios, la reflexión sobre el quehacer poético, esa nostalgia imposible de una vida que no pudo ser... Es la suya una mirada sorprendida y sorprendente que, desde un firme sentido clásico de la poesía, es capaz de entregarle al presente el legado recibido por la tradición con una voz propia que sabe quitarse a sí misma letras mayúsculas, artificios y oropeles. Más de medio siglo después de su primer libro, la poesía de d'Ors nos acompaña en el camino hacia ese territorio misterioso de la felicidad. Y, en las alforjas, tenaces, Las cosas de la vida.
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Una carta a la hija que nace, y nacen con ella los miedos y el peligro, y una carta a los hijos que no llegan a nacer, y su ausencia que nos acompaña. Una carta a la hija que nace, y nacen con ella los miedos y el peligro, y una carta a los hijos que no llegan a nacer, y su ausencia que nos acompaña. Lo cuenta Almudena Vidorreta: «Verás en cuanto salgas / adentro de la selva por mi herida / que conviene entrenarse en fortaleza, / león, marmota, avión y caramelo». Y nos advierte que la selva es el mundo, y que el cuerpo se transforma, se quiebra y fortalece, recoge las huellas de lo que ha sucedido, nos las muestra.La cicatriz de la selva contiene muchos libros posibles. Recorre lugares -Nueva York, La Habana, varias ciudades argentinas, Madrid- mientras la voz poética transita varias etapas de la maternidad. El nacimiento de la primera hija, la esperanza y también la conciencia de la fragilidad, la enfermedad, y luego los siguientes embarazos, el aborto espontáneo, el dolor yla sensación de que la vida no concede una pausa. La madre que empieza a ser madre, que aprende a serlo cuando ya lo es, y que refl exiona sobre cómo brindar cuidado y protección cuando ella misma también los necesita.De Almudena Vidorreta ya conocíamos su escritura elegante y precisa, pura imagen y pura música, consciente de la tradición en la que se integra, la de un idioma con sus dos orillas, y conocíamos también su apuesta por una poética que desde la intimidad nos explica el mundo, porque aunque vivamos diferente sentimos parecido. Y ahora nos entrega La cicatriz de la selva, capaz de la sonrisa como defensa, de la fascinación por lo que se descubre, a la vez de la crudeza. En estos poemas hay palabra y hay cuerpo. Hay miedo y vida, muerte y vida, lo que existe porque se nombra, lo que existe porque se empeñan la memoria y el poema. El mejor de sus libros: una obra valiente, estremecedora, sobre la maternidad, y sus sombras, y sus luces.
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Decimal blanco (Décimale blanche), publicado en 1967 por la prestigiosa editorial Mercure de France, fue el primer libro del longevo poeta, ensayista y memorialista Jean Daive (Bon-Secours, Bélgica, 1941). Un texto exigente y sin concesiones, que remite a la larga estirpe de experimentación verbal, gráfica y sintáctica abierta por Mallarmé, y que de inmediato llamará la atención de críticos y lectores, tanto en Francia como en Alemania y Estados Unidos. El libro, sin embargo, estuvo a punto de no ver la luz. Con las incertidumbres propias del poeta que comienza, Daive se resistía a publicarlo, sería uno de sus interlocutores más célebres, el poeta rumano Paul Celan —tal vez el mayor renovador de la lírica europea del siglo XX—, quien le animaría a hacerlo. Leyendo estos poemas, en la magnífica traducción de los poetas Rafael Antúnez y Juan Antonio Bernier, no es difícil entender la afinidad que Celan sintió con Daive: una poesía que reduce al mínimo sus elementos, que transforma la sonoridad en materia del poema y se acerca a la experiencia mística, de borrado personal, para abrirse a algo más a través del lenguaje.
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Marques de foc
Marques de foc és una joia literària, un rar present que ens fa un dels nostres millors poetes, un viatge per la història de la poesia universal a través dels poemes que l’han marcat, amb marques de foc, a l’ànima i a la poesia. Aquest llibre està teixit amb molts fils diversos. És una mescla d’autobiografia, antologia, memòries i assaig i, encara, de mostres de traducció.Marques de foc recull els poemes més importants en la vida de Narcís Comadira. Són marques que es remunten a les cançons de la infantesa, als poemes descoberts als anys escolars, en les hores del Seminari de Girona i de Montserrat, als anys universitaris, als anys de Londres, en les hores de lectura solitària a la Devesa de la seva ciutat natal… Marques que han continuat produint-se, aquests últims anys, amb alguns poemes descoberts en la pau de Portocolom o de Sant Feliu de Guíxols. El lector hi trobarà Dante i Montale, Baudelaire i Péguy, Carner i Ferrater, Marc i Verdaguer, Foix i Sagarra, Rilke, Hölderlin i Benn, San Juan de la Cruz, Machado i Cernuda, Keats, Hopkins i Auden, Milosz i Herbert, etc. Hi trobarà poemes que han estat marques de foc per a l’autor d’aquest llibre i que encara cremen enmig de la seva prosa precisa i estricta.
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Son muchas las razones que convierten a Gragera en uno de los poetas esenciales de su generación. Se podrían resumir en su entendimiento de la poesía como una forma de vivir. Su poesía enseña a vivir en el punto medio entre todas las contradicciones, con una inteligencia humilde y generosa, honda, ilusionada y desengañada a partes iguales, con una curiosidad inagotable y reflexiva.
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Baudelaire retrata en estos poemas el amor, la depravación del hombre, la desesperación y la muerte sentando las bases de la estética de la vanguardia simbolista que influyó en autores como Rilke, Rimbaud o Valéry. En esta edición, prologada y traducida por Carlos Pujol, se incluyen los seis poemas prohibidos quefiguraban en la primera edición de Las flores delmal y veinte poemas más del autor publicados a posteriori. «Baudelaire, que es aúnun romántico, es ya un simbolista, está siempre mostrándonos su corazón al desnudo, pero su verso va másallá de la anécdota personal para adquirir el misterioso valor de la palabra en sí. Se sueña a sí mismo con una pasión y un arte que convierten el sueño en poesía, en música significativa. Y detrás de los sueños,la fe y las palabras le hacen inmortal.»De laintroducción de Carlos Pujol
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Bernardo Valdés, nacido en Barcelona en 1969, es autor de La indiferencia (2008) y de Sedienta calma (Renacimiento, 2015). Ha traducido el libro en verso Filósofos en libertad (2024) de Umberto Eco y también diversos libros juveniles. Última claridad es su tercer libro de poemas.
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Vent d'aram
Aquesta edició de Vent d?aram s?adreça als lectors que vulguin iniciar-se en l?obra de Joan Vinyoli, un dels autors imprescindibles de la nostra poesia contemporània. Acompanyada d?un estudi preliminar i d?uns complements didàctics, dóna les claus per aprofundir en la visió d?un autor que mai no va distingir entre vida i obra, i que es va lliurar incondicionalment a la creació poètica per satisfer els seus anhels i entrar «en la foscúria que germina». Vent d?aram és una obra de maduresa, que recull els grans temes de la lírica de Vinyoli: la natura, l?amor, la mort, el pas del temps, el record, la recerca vital, la soledat, el desig de transcendència, el poder de la paraula... A través de cada poema, Vinyoli ens proposa un viatge cap a les fondàries de l?existència, una reflexió sobre el seu sentit i unes disquisicions d?ordre moral. Estudi preliminar i complements didàctics a cura de Miquel Martín, escriptor i estudiós de l?obra de Vinyoli. Ha publicat diversos articles i estudis sobre el poeta i ha pres part en el II Simposi Internacional Joan Vinyoli. També n?ha divulgat l?obra a través de conferències, recitals comentats i rutes poètiques.
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En esta nueva edición preparada por el hispanista británico Andrew A. Anderson, se sigue fielmente la última voluntad de Federico García Lorca, plasmada en eloriginal que el poeta entregó a José Bergamín en lasoficinas de la editorial «Cruz y Raya» pocas semanasantes de su muerte en Granada.
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Publicado originalmente en 1994, El libro de las siete puertas es una de las vigas maestras de su proyecto poético, concebido como un viaje iniciático a través de siete espacios fundamentales de aprendizaje: la muerte, la travesía misma, el otro, las palabras y su reverso (lo impronunciable), lo imposible, la desaparición y la luz. El resultado es una poesía ceñida, estricta, elemental, que nos ayuda a tomar conciencia del mundo y nuestro lugar en él.
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«El legado de Ernesto Cardenal nos enseña que la poesía es una búsqueda de la verdad con vocación de atravesar continentes, constelaciones y espíritus» [Aitana Monzón].La obra de Ernesto Cardenal (Granada, 1925-Nicaragua, 2020), de una importancia capital y calidad incontestable, se sitúa en las encrucijadas históricas y estéticas de una parte muy relevante de la poesía contemporánea. Desde que en los años cincuenta empezaron a circular copias mimeografiadas de algunos de sus epigramas, su capacidad para conectar con los lectores ha sido extraordinaria: así, Salmos, Oración por Marilyn Monroe y otros poemas, los «poemas indios», Oráculo sobre Managua, Cántico cósmico o Telescopio en la noche oscura han ampliado las posibilidades de la palabra poética en el ámbito hispánico. Su obra tuvo una especial voluntad de comunicación, de sencillez y claridad, lo que supone un especial atractivo para los jóvenes, a partir de su objetivismo, de incorporar elementos de la vida real, cosas concretas, tanto datos históricos como detalles precisos de cifras, hechos y anécdotas, alcanzó las más altas cotas líricas, en la relación con los otros, consigo mismo y su fe, así como con el universo totalizador en un encuentro místico: «En mi poesía cabe absolutamente todo», afirmaba. Asimismo abrió vías para nuevas poéticas, que darían figuras de la talla de Claribel Alegría, Gioconda Belli, Nicanor Parra, Ana Cristina Rossi y Daisy Zamora. Aitana Monzón prologa y selecciona cien grandes poemas del gran maestro nicaragüense y traza un arco de búsqueda, inquietudes y respuestas creativas, que va de los Epigramas hasta En el camino de Emaús, su última obra. Un monumento poético y humano que sigue interpelando y manifestando una posibilidad de futuro, especialmente a los jóvenes ante los retos del presente.
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Estamos ante un libro que hace uso del sonido del universo para decirnos que en el amor siempre existió una didáctica de la miseria. En este curso poético «el amado arranca a la vez corazón y coche», revuelve la moral de las perras y destroza a quien lo lee con su imposición del silencio. Irónica, desgarradora, profana, inteligente, aguda. La poeta posee una voz particular, capaz de deconstruir estructuras líricas, donde los sonetos isabelinos incluyen dedos de los pies torcidos, y las terzas hablan de bebidas isotónicas y condones. Carolina despliega un imparable cinismo que obliga a preguntarnos por la cuestión de la forma lírica, ahondando en la sabiduría de la oralidad y desvelando la naturaleza popular tan olvidada de las tradiciones poéticas. Curso avanzado de perra es también punk, un ladrido que se desvanece una vez se termina y que obliga a reordenar las sonoridades de nuestro entorno, sus relaciones pérfidas que tantas veces nos abrigan y sostienen. Este curso del porqué, como los cuentos de hadas, nos confía un aviso. Por eso está dedicado «a todos que lo vieron venir». La poeta nos grita toda esta suciedad resplandeciente entre la que vivimos y de la que no somos conscientes: «¿Te puedes imaginar la desolación de esta pala de plástico en la mano de una de esas hijas?»
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Cuadernos de Hiroshima es un poemario visceral y evocador que indaga en la experiencia del viaje exterior e interior. A lo largo de sus más de cincuenta poemas, el autor explora el desplazamiento constante de sus voces poéticas —turistas, amantes, viajeros desencantados— que recorren calles, love hotels y ruinas atómicas, buscando sentido en un mundo que oscila entre la belleza y el caos. El libro se sumerge en la memoria colectiva, con Hiroshima como epicentro simbólico de la devastación y la resiliencia, mientras desmitifica el Japón idealizado de las postales turísticas. A través de una mirada cruda y sensual, Toro aborda el cuerpo y el deseo como ejes centrales: los encuentros sexuales en moteles efímeros y las relaciones amorosas se convierten en metáforas de la vulnerabilidad y la búsqueda de conexión en un paisaje de soledad urbana. Esta poética de la carne dialoga con una crítica sutil a la mercantilización del placer en sociedades capitalistas. Rico en intertextualidad, Cuadernos de Hiroshima teje puentes con la generación beat, la literatura japonesa contracultural y la tradición universal —de Dante a Lorca, de Kerouac a Kawabata—, dotando al texto de un estrato erudito que invita a la reflexión. El concepto de ''turista'' desarrolla un hilo conductor acompañado de una melancolía que atraviesa el tiempo y el espacio. Con un lenguaje que combina lo lírico y lo descarnado, Toro ofrece una obra que es a la vez un lamento por lo perdido y un canto a la persistencia del deseo humano frente al abismo.
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Al leer los poemas de Manuel Machado (1874-1947), el lector tiene la impresión de que surgen de una experiencia fundamental, subyacente en todos ellos, que los dota de un sentido y una proyección muy particular. El hombre, herido de muerte poética, se ve abocado a una profunda e incurable melancolía que le provoca un constante anhelo de morir. Este sentimiento de nostalgia por el pálido reflejo del bien perdido obliga al poeta a un constante juego con su propia herida: el ejercicio de hacer versos. En Manuel Machado, con todo, hay poca poesía dedicada a recordar una pérdida concreta. Se trata, más bien, de una especie de desencanto esencial de la vida y del mundo. Es como si, muy pronto, al poeta se le hubiera roto ese amor básico a la existencia que todos llevamos dentro. Con esta antología, de egregia elegancia, se ofrece la oportunidad de conocer una obra escrita al borde del abismo, en un perpetuo titubeo de aliento y agonía. Si para el autor sus versos afirmaban la vida que hace pensar en la muerte, para el lector son un obsequio artístico que lo reconcilian con la existencia.
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Escomeses
Escometre, com anar a la batalla, aquí i allà, la guerra com a fons. Escometre, com saludar, conversar, l'amistat i l'amor com a tema. Així doncs, es poden organitzar les escomeses en dues direccions oposades, contradictòries, com si hi hagués una solució de continuïtat entre la pau i la guerra, l'amor i la violència, l'empatia i la indiferència, la poesia i el terror. Entre l'amor i la mort sempre s'ha jugat una partida transcendental amb la lletra com a metàfora de la vida. Car d'aquestes escomeses —lluitant en el temps i en l'espai— germina l'únic discurs capaç d'atènyer el punt de confluència on s'aboleix l'adversitat. Ricard Ripoll Villanueva (Sueca, 1959) és escriptor, traductor i professor de Literatura Francesa a la UAB. Dirigeix el Grup de Recerca en Escriptures Subversives (GRES). Ha publicat una dotzena de llibres de poesia, entre els quals ''El món s'acaba demà'' (Premi Manuel Rodríguez Martínez - Ciutat d'Alcoi 2020) i ''Fènix'' (Premi Vicent Andrés Estellés de València 2022). És autor de la novel·la ''L'espai dels impossibles'' i del llibre d'aforismes ''Antibiòtic. Aforismes per a un temps de crisi''. També ha traduït obres d'autors com Robert Desnos, Bernard Sesboüé, Georges Bataille, Lautréamont, Larry Tremblay, Élise Turcotte i Amin Maalouf. La traducció de l'''Obra completa'' de Lautréamont li va valer el Premi Cavall Verd - Rafael Jaume de traducció 2006. És membre del PEN Català i soci de l'Associació d'Escriptors en Llengua Catalana.
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¿Cuándo supe que era gay? Cuando tuve que desear no serlo.
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A comienzos del siglo XVI la poesía cancioneril y tradicional está minada por los tópicos. La incorporación de temas y metros italianos por parte de Boscán y Garcilaso renovará la lírica. Los poetas integrantes de una «segunda generación petrarquista», pertenecientes a las escuelas de Salamanca y Sevilla, abrirán el camino estético de las dos grandes corrientes poéticas barrocas: el conceptismo y el culteranismo. En la presente antología se recogen ejemplos significativos de todas estas tendencias, a través de algunas de las obras más destacadas de los principales autores del periodo, de Garcilaso y Boscán a Quevedo y Góngora, pasando por Lope de Vega, san Juan de la Cruz o sor Juana Inés de la Cruz.
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Se recogen en estas páginas las traducciones que el gran poeta Venezolano Rafael Cadenas, Premio Cervantes en 2023, ha realizado de la poesía de D. H. Lawrence (1885-1930). Conocido sobre todo como novelista, Lawrence escribió algunos de los poemas amorosos más intensos y atormentados de su tiempo, así como una colección de epigramas y 'pensamientos' en verso en los que volcó su fe en la primacía del instinto y la imaginación creadora, su odio hacia las abstracciones y su rechazo visceral de la hipocresía y las convenciones sociales.
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La perra de esta casa es, más que un poemario, un testimonio de la violencia repetida e infinita que ejerce la familia como eslabón principal de la creación de la identidad. Aprender el perdón o el olvido parece tarea imposible en estas circunstancias, en este momento en el que todo nos atraviesa doblemente: como hecho y como recuerdo. A través de un lenguaje conciso que recrea las imágenes de la casa, la juventud y la infancia, Sara Olivas abre la experiencia concreta al terreno de lo universal, capaz de apelarnos por su sensibilidad poética. Las palabras nos preguntan “qué queda de esa niña, qué queda de mí” y nos alientan hacia la búsqueda del origen, que es siempre una casa a medio abandonar.
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Apología del desamor es un viaje poético por los paisajes del dolor, la memoria y la ausencia. Con una voz íntima y honesta, Pepe Gálvez explora los rincones más oscuros del amor que no pudo ser, los besos que nunca llegaron, las promesas incumplidas y las despedidas que se pronuncian en silencio. Este libro es una reflexión sobre el desamor como parte esencial de la experiencia humana: lo que nos quiebra, nos despoja y, sin embargo, nos construye. Cada poema es un recordatorio de que, aunque el olvido duela y la nostalgia abrace con fuerza, siempre queda la palabra como salvación. Apología del desamor no es solo un canto a la pérdida, sino también un homenaje a la dignidad de quienes, a pesar del desgarro, siguen creyendo en la vida y en la belleza. Un poemario imprescindible para quienes aman la poesía que rasga y cura, para quienes no temen mirar de frente sus cicatrices. Porque el desamor, en sus versos, deja de ser derrota para convertirse en arte.
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Fiel a su manera, el poeta alterna el fondo reflexivo, la intención moral, la familiaridad con la tradición y su proyección en el presente.Sexta entrega de la obra poética de Jacobo Cortines, De un adiós permanente enlaza con la anterior, Días y trabajos, en cuanto que tras el Pórtico, representado por el poema ''Eco'', que marca el tono general del libro, este se inicia con la sección ''Ofrenda'' como culminación de los poemas dedicados a la amada fallecida. En la siguiente, ''Presencias'', el amor se renueva como la luz que rige el universo. La manifestación de la Naturaleza, una de las constantes en la obra de Cortines, tiene su espacio en ''Canciones de la tierra''. Frente a ella, con su culturalismo de tono íntimo, ''Colores y notas'' reúne vivencias nacidas de las artes plásticas. El libro se cierra con un Epílogo, ''De los adioses'', en el que destaca una emotiva meditación existencial, acompañada de poemas breves que le sirven de contexto.
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PREMIO PULITZER Y MEDALLA ROBERT FROST «La mejor poeta desde Safo.»Poetry «Liberada y talentosa, dramática y frívola, osada y fiestera, se alzó como la voz de su generación. [...] En sus versos no temía ser exuberante, desafiante y también indiferente, como las caprichosas heroínas de Scott Fitzgerald.»Andrea Aguilar, El País Edna St. Vincent Millay es una de las escritoras norteamericanas más fascinantes y menos conocidas del siglo xx. Perteneciente a la generación de T. S. Eliot y Wallace Stevens, su militancia feminista y su radical independencia provocaron que su obra tardara en difundirse, a pesar de haber ganado el Premio Pulitzer por su «Balada de la hilandera del arpa», de contar con una personalidad arrolladora y de congregar a multitudes en sus lecturas y polémicas apariciones públicas, que hicieron de ella una precursora de una nueva forma de ser mujer. Nunca temió proclamar sus ideas políticas y proponer innovadoras vías de expresión de la experiencia femenina. Millay escribió libretos de ópera, teatro y prosa, pero destaca sobre todo por su poesía, extraordinariamente virtuosa -es autora, con Robert Frost, de algunos de los mejores sonetos del siglo xx en inglés-. Aunque vinculada con la vanguardia anglosajona, su voz única es capaz de cantar la belleza como una poeta emotiva y de componer a su vez poemas satíricos y provocadores. Lumen presenta la antología más completa en castellano de su obra poética, en una magnífica edición y traducción de Ana Mata Buil. La crítica ha dicho:«Preocupada simultáneamente por la indagación formal y por la instancia política de su escritura, Edna St. Vincent Millay ha quedado opacada a ojos de la historia por coetáneos masculinos como T.S. Eliot o Robert Frost, con los que trabajó cerca. Décadas más tarde, su voz rebota con fuerza en las paredes.»Zenda «La mejor poeta mujer desde Safo.»Harriet Monroe, Poetry «Una de las figuras más fascinantes de los felices años 20. [...] El amor y el dolor, la soledad y la muerte, la naturaleza y la imagen recurrente del mar son lugares habituales en su poética, en la que se rebeló contra las máscaras de la feminidad y que debió ser un clásico.»Vanessa Graell, El Mundo - La Esfera de Papel «Una de las autoras en lengua inglesa que han asumido en vida la categoría de poeta clásica.»Edmund Wilson «Consiguió que la poesía pareciera algo sencillo que cualquiera podía hacer, pero naturalmente no era así.»Dorothy Parker «La lectura de esta Antología poética convencerá a los más escépticos de que este renovado interés no se trata de una ocasional moda. Hay en ella una verdad y una maestría que no han envejecido, junto a un puñado de poemas que nos cortan el aliento [...] y siguen igual de vivos y heridores hoy como en el momento en que fueron escritos, y no solo en el original, sino también en esta traducción al español gracias al buen hacer de Ana Mata Buil.»José Luis García Martín, El Comercio «Un talento literario incandescente. [...] Millay ofreció una atrevida visión de la experiencia femenina, con una gran carga sexual. [...] Su poesía brilla aún más cuando refleja las ansias de rebelión contra el espacio reservado a las voces de mujeres en la literatura y en la vida.»Amandas Ong, The Guardian «Una de las poetas más exitosas y respetadas de Estados Unidos. [...] Consiguió algunos de los mejores sonetos del siglo XX, al igual que Frost.»Poetry Foundation
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Tot m'admira
Aquest volum aplega l'obra poètica completa de MartaPessarrodona, una de les millors poetes catalanes del'actualitat, per la solidesa de la seva veu, per lasingularitat dels temes que tracta i per la seva versatilitat dins d'un timbre líric inconfusible. Marta Pessarrodona sempre ha entès la poesia com unaforma superlativa de civilització, l'extrem refinament d'unes relacions socials i humanes. La seva obra,de vegades càustica i lapidària, és realista, compromesa, sense artifici retòric aparent, i sol néixer dela meditació o del record.
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