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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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Nuevo poemario de la autora Bella OriaDías en tránsito es un viaje interior, un recorrido hacia lo más profundo del propio ser, un camino lleno de incertidumbre y miedo donde poner por escrito lo que sucede a cada momento es la condición para encontrarse de nuevo.Este libro se compone de dos partes. La primera, El dolor viene ahora tiene origen en un sueño lúcido, en el que después de la marcha consciente de un ser querido el narrador de la historia hace una pausa y avisa al protagonista de la llegada del dolor a su vida. Estas páginas son el resultado de amasar las ausencias, reconocer el torbellino de emociones y ponerles nombre cuando toca volver a casa y cuando toca marcharse. La segunda parte, El momento era aquel se adentra en una historia de amor incipiente, su devenir natural es la consecuencia de un momento vital que no se corresponde con las expectativas puestas en el otro.
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He venido, muerto, hasta la cortadura doliente de estos versos / para cantarte lo que nunca te he contado . Escrito desde un dolor que concilia el recuerdo con el reclamo, Matriz anota en la cartera poética del autor las deudas del vientre materno, sin esperanza, pero sin ira. El hijo-sombra explora en el lenguaje el origen de la tristeza para llegar al Big Bang del abandono. ¿Qué es un hijo si no ha sido hijo? ¿Qué es una madre si no ha sido madre?Pedro J. Plaza ha construido un mausoleo hermoso que se derrumba, un libro cargado de emoción que se apaga y apaga mientras se va encendiendo en la garganta del lector. Un libro nudo, un libro que añusga y quema. Clavándome en mí tu colmillo de sierpe negro, / entre cada vértebra y sobre la médula, sucedió tu milagro en mi condena: / y sin embargo, madre, sin ser más tu hijo, fui sombra, y también te quise . Poesía que salva, aunque nada pueda salvarnos ya. BEN CLARK.
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Trabajar como obrero en una fábrica a los trece años, pasar la década de los sesenta en el Greenwich Village como artista plástico, colaborar con Timothy Leary en investigaciones sobre el LSD y el proceso creativo, participar de los movimientos antibélicos y de los derechos de igualdad racial y sexual, tratar a Allen Ginsberg y compartir su mismo gurú -Swami Satchidananda-, con quien convivió como discípulo un par de años, vivir siete años como monje de la orden trapense -en Estados Unidos, Argentina y Francia- y, allí, dentro de esa experiencia de total silencio, comenzar su camino en la escritura... Algo de esto y de su vida de viajero son hitos que laten en la obra de Hugo Mujica. Esta recopilación poética marca un itinerario en el que vemos iluminarse los núcleos fundamentales de la condición humana. Mujica desnuda la existencia desnudando la poesía misma, despojándola de todo ornamento y toda distracción. Al llevar el lenguaje a su expresión más esencial, el autor logra dar voz a la propia esencia de la vida.
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ANOTA el astrónomo en su libreta: variaciones de brillo * punto ápex * quásar * zona de habitabilidad * fusión galáctica * anillos de polvo frío * población de cúmulos * una espiral rodea la palma de tu mano * estructuras en el halo * nubes de polvo interestelar * púlsar * una espiral rodea el sexo de la novia núbil * objetos nebulosos difusos * multiplicidad de asociaciones estelares * estrellas dobles eclipsantes * una espiral rodea el ojo del caballo * zona de habitabilidad * estrellas de tipo espectral * estrella binaria* una espiral rodea los pies de los que danzan * estrella enana * estrella doble * estrella polar * una espiral rodea el vestido de la novia núbil * estrella de neutrones * estrella nova * estrella supernova * zona de habitabilidad * en un cielo verdaderamente oscuro. Jorge Esquinca (México, 1957). Poeta, ensayista y traductor. Pre-Textos ha publicado dos de sus libros: Descripción de un brillo azul cobalto (2008) y Cámara nupcial (2017). Sus libros más recientes, ambos publicados por la Universidad Autónoma de Querétaro, son Las piedras y el arco (ensayos, 2018) y Kyrie (poemas, 2020). Ha traducido, entre otros, libros de Anne Carson, Henri Michaux y Adonis. Animador de talleres de escritura creativa, es también colaborador habitual de revistas y suplementos literarios de su país: Letras Libres, Luvina, Laberinto. Es director de Mano Santa Editores, una pequeña casa especializada en libros de poesía. Ha obtenido becas del Sistema Nacional de Creadores de Arte (México), del Ministerio de Cultura de Francia y de la Fundación Civitella Ranieri (Italia). Vive en San Antonio Tlayacapan, en la ribera del Lago de Chapala, Jalisco.
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Al fin me dijo que sí, que autorizaba el título de Conversaciones con Dios. Con una condición que son dos frases que debo añadir en lugar visible. Como aquí: Hay muchos impostores que se hacen pasar por Dios y no hay garantía de que este no sea otro impostor. Cualquier parecido con el Dios verdadero es pura coincidencia. Ahí dejo la frase pero me temo que el Bendito no acepta mis versiones de Él. Ahora veo: Dios es la palabra pero Dios no tiene palabra. Así sea. Darío Jaramillo Agudelo Darío Jaramillo Agudelo nació en Santa Rosa de Osos (Antioquia, Colombia) en 1947. Ha publicado nueve libros de poesía -Historias (1974), Tratado de retórica (Premio Nacional de Poesía, 1978), Poemas de amor (1986, 2013), Del ojo a la lengua (ilustraciones para diez grabados de Juan Antonio Roda, 1995), Cantar por cantar (Pre-Textos, 2001), Gatos (Pre-Textos, 2005), Cuadernos de música (Pre-Textos, 2008), Sólo el azar (Pre-Textos, 2011) y El cuerpo y otra cosa (Pre-Textos, 2016). De su poesía se han hecho tres reediciones completas -77 poemas (Universidad Nacional, 1987), 127 poemas (Universidad de Antioquia, 2000) y Libros de poemas (Fondo de Cultura Económica, 2003)- y varias selecciones parciales entre las que se cuentan Antología poética (1991), Cuánto silencio debajo de esta luna (1992), Razones del ausente (1998), Aunque es de noche (Pre-Textos, 2000), Del amor, del olvido (Pre-Textos, 2009) y Basta cerrar los ojos (Era, 2015). También ha publicado el libro en prosa Guía para viajeros (1991), un texto autobiográfico, Historia de una pasión (Pre-Textos, 2006), el ensayo Poesía en la canción popular latinoamericana (Pre-Textos, 2008), un Diccionadario (Pre-Textos, 2014) e Indagación sobre los fantasmas (Pre-Textos, 2022), además, las novelas La muerte de Alec (1983, Pre-Textos, 2013), Cartas cruzadas (1993), Memorias de un hombre feliz (2000, Pre-Textos, 2010), El juego del alfiler (Pre-Textos, 2002), Novela con fantasma (Pre-Textos, 2004), La voz interior (Pre-Textos, 2006) e Historia de Simona (Pre-Textos, 2011).
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Somos aquello en lo que decidimos perder el tiempo. Estos poemas no hablan del arrepentimiento sobre algo que se ha ido y se quiere recobrar, sino que celebran el tempus fugit y afirman que es precisamente esa pérdida y su observación lo que nos constituye. Este libro explora nuestra manera de relacionarnos con el tiempo: el pequeño intervalo en que tarda en bajar un ascensor o en llegar un autobús, las horas dedicadas a las preguntas de la vida, los minutos de meditación sobre las ausencias, los instantes en que es posible celebrar la amistad y el amor. Decía Pessoa que ''Perder el tiempo comporta ya una estética'', idea que ha guiado al autor en la construcción de un poemario que revela una sensibilidad e ingenio singulares. Este segundo título consolida a Guillermo Marco Remón como un poeta innovador, en el que los recursos de la tradición se combinan para dar nuevas formas y temas. En el último poema este libro proporciona, además, la respuesta al sentido de la vida.
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Pedro López Martínez nació en Moratalla (Murcia) en 1967. Además de Luz en la nada, ha editado los poemarios Imágenes de archivo (1993), El otoño de los tristes (1995), Necedarius, viceversas, etc. (1999) y, también en Renacimiento, Libro ciudad (2006, XXIII Premio de Poesía Vicente Gaos), así como el volumen de relatos La sonrisa del ahorcado (2013).
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El centenari de Josep Vallverdú està servint d'excusa per endreçar la seva obra i per començar a fer balanç de quina ha estat l'aportació literària de l'autor. Si bé l'autor ha excel·lit en dos camps (el de la narrativa juvenil i la literatura del jo), tot sembla indicar que Josep Vallverdú serà recordat, encara més, com a poeta. Aragalls és el darrer i definitiu llibre de poesia i permet, ara sí, completar la Biblioteca Poètica Josep Vallverdú, amb què pagès Editors s'ha sumat a l'Any Vallverdú. Els llibres que la conformen són De signe cranc (2009), Argila (2014), Ronda de boires (2016), A ull nu (2018), Pa de forment (2020), Atresorat silenci (2022) i Aragalls (2023).
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«“Soy / apenas / un hombre que trata de respirar / por los poros del lenguaje. / Un estigma, / a veces un intruso, / en todo caso alguien fuera de papel”. Estas palabras de un poema de Rafael Cadenas, publicado en su libro Gestiones (1992), nos hablan de alguien para quien la relación con el lenguaje es orgánica, vital, imprescindible, pero a la vez ardua y dificultosa. Y nos hablan también de un estado de conciencia en el que se ha alcanzado una plenitud existencial que linda con la sabiduría, donde han quedado atrás los simulacros y las imposturas, y se ha optado por vivir “fuera de papel”. Alcanzar ese estado, sin embargo, ha sido el resultado de un largo viaje, lleno de incertidumbres y tanteos, que comenzó hace más de seis décadas». Así comienza el prólogo del poeta Arturo Gutiérrez Plaza que acompaña esta antología de Rafael Cadenas titulada Florecemos en un abismo. Poemas con la que precisamente se quiere invitar al lector a acercarse a la obra de este autor, que ha tratado de seguir al pie de la letra un exigente programa que le ha llevado a romper constantemente consigo mismo, cambiar de tono y de modelo de escritura en pos de una expresión más auténtica. En estas páginas, que recorren sus libros más importantes (Una isla, Los cuadernos del destierro, Memorial, Amante…), junto con la inclusión, además, de seis poemas inéditos englobados bajo el título Poemas de Trinidad, se dejan ver algunos de los temas que cruzan toda su obra: el amor y la mujer, la asunción de la vida como experiencia poética, el concepto de «isla», que representa el exilio no tanto como lejanía geográfica, sino como condición existencial o el desdoblamiento del sujeto poético.
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Escala es el título escogido por Ernesto Pérez Zúñiga para proponer treinta años largos de su producción poética. Es un título certero, un ikebana de poemas.Escala porque cada libro es un hito del viaje. De los primeros, apenas queda un relámpago. Ni siquiera una tormenta. Aunque aquella lluvia alimentase raíces desconocidas por entonces. Escala porque esta antología encuadra, a determinado tamaño, una parte de lo que se escribió. Y de esa parte, otra de lo que se publicó. Como en un mapa se señalan ciertos accidentes geográficos de un vasto territorio ignorado. O, mejor aún, como en un plano geográfico se inscriben arroyos y fuentes, y permanecen invisibles los veneros subterráneos, origen de lo visible.
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_Joia_ neix de la necessitat i de la voluntat. De la necessitat de plasmar un moment pletòric. I de la voluntat de deixar-ne testimoni, d'un temps que avui és passat, però que va ser un present abassegador que s'ho va emportar tot per davant: conviccions, hàbits, manies, formes, creences, ideals... Aquest llibre és un cant al present i a l'alegria. I és, sobretot, un llibre que parla de l'amor, d'aquest fenomen meravellós que és enamorar-se d'algú com un boig. Escrit gairebé a mà alçada, com qui pinta retrats al natural.
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Con los ojos bien abiertos a la belleza de este mundo vivió aquel a quien debemos Tardío Nápoles. Quizás por ello no pudo sino servir a causas justas: primero, la de la tierra en que nació, y luego, la de su patria en adopción (...) sin escatimarles fatigas ni riesgos. La limpieza de su actuar cotidiano sin duda que le aguzó, en noble compensación, la sabiduría de la mirada. Tardío Nápoles -buen título al fin- sugiere obra de madurez. No lamentamos -como él naturalmente lo hace- que Luis Amado Blanco tardase en ver y enamorarse de su espléndida ciudad: de otra forma, no tendríamos un libro tan rico y complejo dentro de su aparente sencillez. Leído con la intensa atención que merece, hallaremos que la ciudad es aquí un microcosmos de relaciones: temporales, hacia adentro de sí misma, hacia el origen de las sustancias latinas, culturales, en cuanto el espejo de Nápoles refleja un modo de ser que abarca la disímil riqueza de tantos pueblos hermanos. No es raro, entonces, (...) que un libro cuyo tema parece a primera vista remoto, contribuya en realidad a un conocimiento más profundo de las propias esencias. Eliseo Diego Recapitulación de cuestiones esenciales de su poesía, Tardío Nápoles presenta una mirada que enlaza con maestría vitalismo y culturalismo, trasladando al lector el encuentro con la fascinante ciudad del sur de Italia. Cuando en octubre de 1936 Luis Amado Blanco (Riberas de Pravia, 1903 ,- ,Roma, 1975) llegó a La Habana como exiliado republicano, dejaba tras de sí una prometedora carrera literaria. En España había trabado amistad con poetas de la talla de Juan Ramón Jiménez, Federico García Lorca y Rafael Alberti, era ya una firma conocida en publicaciones como La Gaceta Literaria o Revista de Occidente y había publicado su poemario Norte (1928) y las impresiones de su viaje a la antigua Unión Soviética en 8 días en Leningrado (1932). En Cuba, país del que adquirió la nacionalidad, mantuvo una destacada labor como autor, director y crítico teatral, literario y de arte, además de publicar los poemarios Poema desesperado (A la muerte de Federico García Lorca) (1937) y Claustro (1942), y una valiosa obra narrativa que comprende los títulos Un pueblo y dos agonías (1955), Doña Velorio. Nueve cuentos y una nivola (1960) y Ciudad Rebelde (1967). Tras el triunfo de la Revolución cubana, desempeñó una larga carrera diplomática, sobre todo como embajador ante la Santa Sede desde 1962 y hasta su muerte en Roma. A este último periodo italiano de su vida corresponde Tardío Nápoles (1970), un poemario que refleja su deslumbramiento ante Nápoles, ciudad en la que vio una posibilidad de regeneración personal y estética. Mediante un discurso intensamente culturalista y vitalista, Amado Blanco desarrolla en sus páginas una meditación existencial que es también una recapitulación del conjunto de su poesía, al tiempo que se replantea, con lucidez y serenidad, las posibilidades de aceptar el exilio como una vivencia positiva.
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Fumar en una bañera no tendría nada particularmente interesante salvo si lo hacemos con alguien más, y justo eso es lo que ocurre en este libro: dos amigas se dan un baño juntas, se relajan y se fuman un cigarro mientras se expresan sus confidencias ante la perplejidad y la reconstrucción emocional a las que se ven abocadas tras salir ambas de una larga relación. Un libro que nos habla de ese tipo de complicidad que solo es posible entre dos mujeres que se encuentran en el mismo punto de partida, regalándose una a la otra su compañía, su desahogo, sus risas, su libertad reencontrada... Fumar en la bañera nos habla de amistad, de optimismo, de amor, de intimidad y de la voluntad de ser feliz en cualquier caso. Escrito con un género mixto que combina poemas, reflexiones y prosa breve, este diálogo entre las escritoras Esmeralda Berbel y Rut Muñoz se convierte sin pretenderlo en un testimonio vital que hace alarde de la mejor literatura escrita a cuatro manos. Una escritura alentada por el sentido del humor y una sensibilidad profundamente femenina que derribará muchos prejuicios de cualquier lector o lectora, con un extraordinario dominio de los sentidos del lenguaje.
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La versatilidad con la que María González hace alarde de sus sentidos del lenguaje cobra un protagonismo singular en ''Creatura'', libro muy personal en el que la autora despliega un discurso lírico valiente y desconcertante. Esta obra se presenta como una reflexión lírica que opone descarnadamente las identidades de la mujer, en su nivel corporal, biológico, sexual, cultural y afectivo. La poesía se yergue como un vehículo de deconstrucción de la relación entre los conceptos de ''mujer'' y ''maternidad'', en un relato de su experiencia tras el hecho de ser madre primeriza. El dominio del oficio, el juego de los significados, los estéticos usos ortotipográficos y la visceralidad impúdica de muchas imágenes que transitan por un imaginario de género convencional, van desarrollando un interesante argumentario contracultural en torno a la perversión del uso de lo femenino en nuestras vidas. María González convierte la maternidad en una pregunta radical que se aproxima a los más críticos rasgos identitarios queer. Por eso, María es culpable por hacer uso de una palabra desacompasada. Su claridad cruel utiliza las contradicciones del lenguaje para atravesar las de la realidad sin ambages. También es culpable de utilizar con absoluta limpieza los versos en los que habla de las suciedades que emana el cuerpo, su fisiología, los procesos y ritos que atraviesa la parturienta durante el puerperio. Las imágenes del pasado se intercalan con las del presente ofreciendo una indefinición entre la madre y su creatura. Ambas figuras en retroalimentación constante configuran una literatura comprometida con aquello que, pese a provenir de la cotidianidad, es capaz de transfigurarla: «Si escribo, este dolor no me poseerá».
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Leandro Fernández de Moratín (Madrid, 1760-París, 1828) se cuenta entre los más importantes literatos de la Ilustración española. Renovador del teatro y la poesía, así como férreo defensor de los modelos clásicos frente al culteranismo barroco, estuvo entre los más avezados promotores de la reforma estética neoclásica, que rubricó, en el terreno de la poesía, con una obra extensa y de cuidada factura, en la que brillan tanto la faceta del escritor serio como la del poeta lúdico y audaz.
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«El título de este libro nace de la necesidad (no del verbo necesitar desesperadamente, como muchas veces se utiliza y además con dependencia, sino del verbo ''quiero hacerlo con todas mis fuerzas y noto que se me va a salir del alma si no lo hago'') de decir ''Te quiero'', pero tener el sentimiento de hacerlo muy pronto.Apenas llevábamos viéndonos dos semanas y sentí que todavía era precipitado decirle aquellas 8 letras.Entonces recordé las palabras tan conocidas de Víctor Küppers: ''Planta que no riegas, planta que palmas''. - Tengo que decirte algo -le dije, de repente-. Te riego.Porque las plantas, como las relaciones humanas, necesitan cariño y tiempo, dedicación.Y eso es lo que deseaba de una relación. Una persona a la que regar y que me regase, con la que crecer a diario, con la que formar un equipo.»''Te riego'' habla de la superación, del amor propio, de la ansiedad, del dolor y del miedo.''Este libro ha sido mi oscuridad, mi reapertura de heridas, mi infierno y mi desespero. Mi kriptonita y mi talón de Aquiles. Pero, sobre todo, mi salvación'', afirma la autora.
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Arkhé es un viaje arriesgado, una navegación antiheróica hacia el centro de la tormenta. Pero es también el mapa de las islas en las que halla refugio su autora: la lira de Orfeo y el coro helénicos, sí, pero también el descarnado realismo hispánico. En la poética de Sara J. Trigueros subyace la tradición y se abre incesantemente una herida en el costado eterno de la humanidad: la necesidad de salvar y ser salvado. Y si bien es inmensa la pérdida del yo y del otro durante el camino, lo será tanto como obstinada la insistencia en continuar/sobrevivir.Carmen JuanSara J. Trigueros ha sabido encontrar en este poemario ese elemento del que nos hablaba Aristóteles, el «Arkhé», el principio o esencia última de todas las cosas, articulando en dos secciones un corpus que bien podrían envidiar los presocráticos. A través de esas dos partes (sus «Teselas afiladas» y su particular «Auschwitz II») claramente diferenciadas por un interludio que bien hace las veces de casi un descanso emocional, nos lleva de la mano en un viaje que no envidiaría ni el más intrépido Ulises. Unas veces más duro, como aquel que protagoniza Sísifo, otras veces más amargo y crudo, como recordará Prometeo.Noelia Illán Conesa
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La poesía de Valle-Inclán es la gran desconocida del autor gallego. F. Morales Lomas, que realizó sus tesis doctoral sobre la poesía de Valle, La lírica de Valle-Inclán. Sistema rítmico y aspectos temático-simbólicos (2003), considera que Valle fue sobre todo poeta desde el principio de su existencia literaria y en poesía experimentó previamente todos los cambios que llevaría posteriormente al resto de su obra literaria. Salvador de Madariaga dijo como poeta de él que era el más rico en sentido musical y en forma, González Alegre que es una poesía de calidad, de tesoros líricos y humanos como no se daban en la literatura española desde hacía mucho tiempo, y Navarro Tomás que cambió la versificación tradicional del teatro. Sus poemas se extienden por toda su obra y la integran, y en el mejor de los casos, su dedicación a ésta posee la misma importancia y trascendencia que el teatro o la narrativa.erenciadas por un interludio que bien hace las veces de casi un descanso emocional, nos lleva de la mano en un viaje que no envidiar¡a ni el más intrépido Ulises. Unas veces más duro, como aquel que protagoniza S¡sifo, otras veces más amargo y crudo, como recordará Prometeo.Noelia Illán Conesa
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XXVII Certamen de Letras Hispánicas Rafael de Cózar en la modalidad de Poesía. Rubiel G. Labarta (Holguín, Cuba, 1988) ha publicado, entre otros, los libros de poemas Los hijos de Caín (Premio Pinos Nuevos, 2016), Las regiones devastadas (Premio Mangle Rojo, 2019), País de humo (Premio Hermanos Loynaz, 2019), Plan para dos (Premio Gesto/Cálamo, 2020), Madera (Premio Calendario, 2020), Inventarios y cartografías (Premio de la Ciudad de Holguín, 2020), La humana arquitectura (Premio Milanés, 2020), De regreso a la estación vacía (Premio Manuela López, 2020) y Apnea (Premio Poesía de Primavera, 2021).
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'Los poetas feroces cuentan lobos para dormir'' es un homenaje a la poesía y, muy especialmente, a los poetas que mantuvieron desigual debate entre poesía y vida. Con soltura y atrevimiento, huyendo de tópicos habituales, desde ángulos novedosos sabe reflexionar y dar la vuelta a la realidad preconcebida. Su humor y aparente despreocupación están, sin embargo, teñidos de amargura, pues sus poemas no dejan de ser sino una tentativa de lo infinito inalcanzable, la constatación de que, a la postre, la vida es mucho más que la poesía.
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José Toro es culpable porque hace una poesía de esquinas. Gracias a los recovecos de su memoria —que es la memoria de su hermano— el artista urde un complejo juego, donde el dolor y la belleza en ocasiones se funden, se abrazan… en otras se evitan, discuten o simplemente se desvanecen. El poeta encuentra en la ambivalencia del juego y en los pasos pueriles que nos introducen en la vida ese mismo asombro ante la muerte. La memoria en manos de Toro es una bestia dormida, un formidable suspiro que invita a pensar cuáles son los gestos y los recuerdos que construyen el archivo. Estamos ante uno de los obituarios más conmovedores de la poesía española contemporánea. José Toro comparte el retrato ácido de la muerte de un hermano a través de esta miscelánea de recuerdos, confabulaciones y veladas que se reproducen en los momentos de final de vida. Con una increíble audacia el poeta es capaz de condensar los sentimientos encontrados de la pérdida con una idea férrea de memoria que sostiene cada uno de sus versos. El recorrido que José Toro traza alrededor de la enfermedad es un archivo fotográfico repleto de combinaciones donde conviven la ternura, la nostalgia o los olores ácidos del hospital. Así es como Cruel amapola une palabra e imagen presentándonos a un artista polifacético y consolidado. Acompañados por su mirada particular, el artista nos conduce por un espacio inacabado de destellos fugaces. Un alarido de fuerza y vida necesario. «Tú que fuiste el más listo para perecer /igual que desaparecías los fines de semana /y volviste un lunes, divinizado».
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Al bosc, neixen les plantes, arriben les pluges i els incendis, i de tant en tant se sent l'eco d'una destral, com si marqués el ritme d'uns poemes que volen fixar les coses que ens importen abans de la tempesta definitiva. En aquest escenari, que és real i figurat, se senten les veus de la natura i les ombres dels poetes i pintors que l'han celebrat abans. Passen les estacions, però sempre queden els records d'una vida viscuda, com un eco que ressona i que adverteix de la tempesta, perquè -com diu un vers del llibre- «tot avança lleument vers la claror i la mort». Tant és d'on ve la boira i quin miracle empeny l'olor del romaní: la nit raspalla els núvols i les gotes de pluja s'arrengleren als ràfecs, transparents i rodones, condemnades a caure. No cal saber res més de tantes coses gràcils, perquè en aquest instant només això és veritat: tot avança lleument vers la claror i la mort. Llibre de poemes. Pròleg de Jordi Llavina
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La vida como viaje es un motivo que atraviesa toda la obra de Valverde desde su primer libro, Territorio. De un alejandrino de esa obra inaugural toma el título esta nueva entrega que consta de dos cuadernos de viaje: «Cuaderno de Sofía» (dedicado a la capital búlgara) y «Cuaderno suizo» (dedicado a las ciudades de Grandson y Ginebra). El primer cuaderno es fruto de un viaje accidental que impresionó profundamente al autor, y sus versos surgen casi como impromptus. En el segundo cuaderno, dedicado a Suiza, recoge, a modo de homenaje, algunos textos inspirados en poetas que vivieron o tuvieron relación con esa ciudad literaria y cosmopolita que es Ginebra. Así, el argentino Jorge Luis Borges (que allí murió y está enterrado) y los españoles María Zambrano (pensadora de la razón poética), José Ángel Valente, Alfonso Costafreda, Pere Gimferrer y Aquilino Duque todos confluyen en esos versos que festejan la lírica y el descubrimiento del viaje a la par.
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Se trata de un viaje que no presume de profundidades, sino que invita a explorar vértigos y alturas. Es, antes que nada, el viaje del goce a través de las palabras de María lo que envuelve, como un paisaje sonoro, la inquietante mirada lectora. Los poemas de Cruzamos por el ras de la montaña explicitan la importancia de la medida, el acierto de las luminosidades entre la brevedad, ¿lo pastoril? y el aforismo. Se trata de una voz singular por su búsqueda temprana entre los huecos que quedan en el sonido y el pensamiento. En las imágenes de la poeta las personas no se resguardan de las nevadas, ni los ríos refrescan. Los apelativos se esconden tímidos haciendo con ellos apariciones estelares, destellos de otros seres, de personas a las que el sujeto poético acude aun pareciendo no estar. El equipaje es el de la urgencia, escribe María «tomé de mi memoria lo que pude», no por ninguna clase de afán por la prisa. En sus poemas la urgencia construye un monolito de retales e inconexiones que invita a pensar en la memoria como un aparato retráctil, o un gamusino transitando siempre en el borde de lo real y lo onírico.
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La poesía sigue siendo ese remanso, ese rincón para sentir, para ordenar este mundo caótico y valorar lo que de verdad importa, lo que nos permite organizar nuestras prioridades y lo que hace convivir el pasado con lo que somos ahora, con todas nuestras contradicciones. Son cápsulas de memoria porque recordar es etimológicamente pasar otra vez por el corazón.
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Entre la poesía, la prosa, el ensayo y las artes visuales, la obra de Barbara Guest surge allí donde las distinciones de géneros naufragan y la escritura amalgama múltiples registros. A lo largo de décadas, y a través de los textos reunidos en este volumen, la escritora ha construido un corpus crítico que tiene como objeto la poesía y, a la par, expande la noción de ensayo hacia terrenos más literarios.
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Pablo Neruda, el gran poeta chileno del siglo xx, premio Nobel de Literatura en 1971, es mucho más que un poeta político, comprometido o de denuncia. También nos ha dejado la sencillez optimista de las odas, esos homenajes llenos de amor a las cosas concretas (la madera, un tomate, una campana, el tren...) en los que fija una mirada amable y esperanzada sobre la vida corriente de la gente corriente... El recorrido poético de este creador inagotable bebe de las principales tendencias estéticas de vanguardia de la época que le tocó vivir: modernismo, surrealismo, expresionismo... En esta antología, adornada con delicadas y maravillosas ilustraciones especialmente pensadas para un público infantil y juvenil, hemos intentado seguir un itinerario fiel al sentido nerudiano de la poesía y la vida, profundizando en algunas de las palabras claves de su credo poético y humano: amor, materia, pueblo, memoria...
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El asturiano Ramón de Campoamor (1817-1901) fue el poeta más conocido y admirado durante la segunda mitad del siglo XIX y las décadas iniciales del siglo siguiente. Su primer libro data de 1837, en plena época romántica. El tono personal –moralizante, prosaico, amable o amargamente volteriano– lo encontrará en las Doloras (1846, pero muy aumentadas en ediciones posteriores). A ese libro seguirán los Pequeños poemas (narrativos, discursivos, con toques de humor y patetismo), publicados a partir de 1872, y las Humoradas (1886), que entremezclan el ingenioso epigrama, con la reflexión sentenciosa y la galantería de abanico. Es autor también de varias obras teatrales, de estudios filosóficos (El personalismo, Lo absoluto) y de una Poética, reeditada recientemente por esta misma editorial, que puede incluirse entre las más inteligentes reflexiones sobre la poesía que se han escrito en lengua española.
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Fissures és el relat d'un viatge físic i metafòric, és el procés de transformació de l'individu que sap que només obrint-se, arriscant-se a l'inconegut i al perill de desintegrar-se, és possible créixer. Arrelat a la selva de concreto de São Paulo, és una caixa de ressonàncies que defuig les formes lògiques i que construeix un recorregut del cos per la matèria de què es compon l'ecosistema que l'alimenta i l'interpel·la. Escrit en una prosa poètica d'un gran lirisme, Fissures empeny el lector a l'aventura de renunciar al confort previ i abraçar allò que es desconeix. És l'atracció pel que ha de ser, i la vivència plena d'allò que passa en el camí. Perquè aprendre, viure, és existir des de la fissura: allò que interromp una continuïtat, una falla, una ferida que cou i que és sensible a allò que toca, és un estat de vulnerabilitat des d'on deixar que passin coses. Si el subjecte s'obre, els canvis s'esdevenen, però cal disposar-s'hi. Fissures podria ser un viatge iniciàtic, o tal vegada l'experiència pura, crua, de ser vida, viva.
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Oda al viejo Marinero (Rime of the ancient Mariner) es una balada del romanticismo inglés que nos da un mensaje de la necesidad de amor de todas las criaturas. La historia de un viejo Marinero que nos cuenta su viaje hacia el polo Sur donde los marineros
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Veinte poemas de amor y una canción desesperada es uno de los poemarios en lengua española más leídos de todos los tiempos. El poeta chileno Pablo Neruda (pseudónimo de Neftalí Reyes Basoalto) lo publicó en 1924 con tan solo 19 años, y con él ingresó en la cumbre de la literatura universal, lo que se confirmaría más tarde con la obtención del Premio Nobel. Muy influido por el modernismo, este clásico conserva intacta su magia secreta, contagiosa y peligrosa.
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Esto no es un libro, es un año. Es un antes y un después. Es una muerte y una segunda oportunidad. Es una pistola en el pecho pidiendo ayuda. Soy yo en el suelo, eres tú leyendo heridas con el corazón acariciando cada sutura.
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En las orillas del Sar fue el último libro de la poetisa y novelista gallega Rosalía de Castro, escrito íntegramente en lengua castellana, y publicado en 1884. Casi todos los poemas que lo integran, más de cien, ya habían visto en su mayor parte la luz pública en 1866, en el periódico El Progreso, de Pontevedra. Augusto González de Besada dedicó su discurso de ingreso a la Real Academia Española a Rosalía de Castro. Tomemos la descripción de Besada sobre el libro y la autora. «En 1884, la Casa editorial de Fe adquirió la edición del libro ''En las orillas del Sar'', colección de versos inéditos los unos, ya publicados los otros en periódicos y revistas, escritos todos en lengua castellana, que Rosalía reunió a toda prisa para procurarse con su impresión medios de atender a sus hijos. En aquellos días forzábale la necesidad, dominando los crueles sufrimientos del cáncer que la corroía, a cultivar materialmente el huerto de su casa de Padrón y a dirigir ella sola la educación e instrucción de sus hijos. [...] ''En las orillas del Sar'', sentirá en muchos de sus versos el hálito de la tumba, el silencioso e implacable helar del invierno de la vida.». Reproducimos aquí el ejemplar de la primera edición conservado en la biblioteca de la Real Academia Española con signatura 12 C 56.
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Hay en esta obra una noción del amor radicalmente cierta y escandalosa: el amor es una trama de procesos fisiológicos, es la gestión de la mierda, el excremento, el pipí, fermento regurgitado, resto alimenticio y grasa acumulada o, en palabras de la autora, ''sudor, caca, rabia, pis''. La sexualidad es entonces charca de heces, fango, la renuncia a los contornos de la propia identidad.
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Esta es una antología de la poesía en lengua española escrita por poetas españoles, americanos y filipinos entre los siglos XI y XXI. Probablemente no todos los textos sean los más habituales en las selecciones líricas de sus obras, aunque otros sí, pues el criterio de la selección pasa tanto por representar la obra poética de cada uno de ellos como por procurar que, a través de la lectura de todos los poemas, desde el principio del libro hasta el final, los lectores se hagan una cierta idea (probablemente solo la del antólogo, o quizá no) de su devenir histórico y estético.
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Una historia de amor donde los amantes se funden hasta casi borrar su propia historia para, después, experimentar la resaca de la pasión amorosa y la inexorable ruptura. Mediante un lenguaje elaborado, preciso, fresco, Rut Muñoz acompasa el ritmo de los versos al de los cuerpos que se aman y se desenamoran en este libro donde la experimentación da como resultado un poemario coherente y equilibrado entre el intenso fondo y las formas más novedosas.
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