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Libros de teatro
En Abacus disponemos de la mejor selección de libros de teatro, ese género olvidado e ignorado por el público, pero que constituye en sí mismo una importante fuente de riqueza literaria. Descubre las obras de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca y muchos más.
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Paca, Olvido y Lola son tres generaciones de mujeres fuertes que sobreviven en un mundo que, aunque distinto, sigue recluyendo a las mujeres al cuidado: de un marido enfermo y en silla de ruedas, de una madre con alzhéimer, de un hijo. Los tiempos han cambiado. Ya no está mal visto que las mujeres estudien y la Iglesia hace tiempo que no dirige la moralidad femenina. Pero en otros aspectos no hemos avanzado tanto: son las mujeres las que suelen quedarse en casa a cuidar de los hijos, las que tienen problemas para reincorporarse al mundo laboral, las que corren por la vida mientras se ríen de palabras como «conciliar», las que cuidan de los nietos o de los abuelos. Y esa desilusión por los sueños rotos pesa mucho. Escrita en tres actos, esta obra quiere hacernos reflexionar sobre el destino de estas mujeres. ¿Qué hace que algunas renuncien a sus vidas para que otros salven las suyas? ¿Por qué son siempre ellas las que se sacrifican? ¿Dónde está la dignidad de quien cuida?
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La tragedia romántica más señalada de la literatura en inglés.Escrita originalmente en 1892, esta obra de William Butler Yeats retoma una vieja leyenda franco-inglesa -que a su vez remite a la del sacrifico de Alcestis de la mitología griega- para abordar, con tintes propios de la cultura popular irlandesa, la cuestión de la adversidad y la redención.
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En 1895 se estrena en el teatro St. James La importancia de llamarse Ernesto, la pieza más brillante de Oscar Wilde (1854-1900) y también la última. De ritmo vertiginoso y parlamentos agudos, la obra aparenta ser una comedia de enredos y costumbres, pero deja entrever, como es típico en el dramaturgo irlandés, un trasfondo dramático, de donde emerge el retrato de una sociedad falaz, prejuiciosa y de doble moral.Pero las convicciones quedan expuestas, y ya no podrán permanecer soterradas bajo los buenos modales, respuestas displicentes y perezosas costumbres. Vera o los nihilistas, primera pieza teatral de Wilde, se representó en agosto de 1883, en Nueva York, en el transcurso de su gira por los Estados Unidos.
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En medio de una feroz crisis económica y una sociedad al borde del colapso, un grupo de mujeres de los suburbios de Milán toma una decisión radical: enfrentarse a los abusos del sistema. Hartas de precios imposibles, su rebelión comienza en el supermercado, pero pronto se desatará un torbellino de situaciones hilarantes y caóticas que involucrarán a sus familias, a los vecinos e incluso a las autoridades. Con un magistral uso de la sátira, Dario Fo retrata la opresión del sistema capitalista y la lucha por la supervivencia en un mundo injusto. Una comedia que resalta el ingenio popular, la solidaridad y la subversión cotidiana frente a la precariedad.
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Antonio Buero Vallejo señala, desde sus primeros textos teóricos, la obligación que tiene el creador debuscar modos de expresarse en una sociedad violentada por imposiciones censoriales. Sus estrenos teatrales tuvieron a veces una dimensión política, ya que constituían una forma de resistencia cívica y afirmaciónética, en una dictadura que no permitía otras manifestaciones de libertad. En Hoy es fiesta hay una potente intención social: un grupo de personajes típicos de clase media baja son presentados en un entorno que determina, en cierta medida, su inferior posición. Ellos mismos van mostrando los problemas que lesacucian, agravados por el estatismo del mundo que les rodea, las posibles pequeñas soluciones y sus particulares sueños. En El tragaluz la rivalidad fraterna remite de inmediato a la que tuvo lugar en laguerra civil y a la difícil convivencia posterior, con especial relieve a través de la figura de El padre.
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Taller de fantasia. Supertot
Aquesta edició de Taller de fantasia i Supertot de Josep M. Benet i Jornet vol ser una eina didàctica que ajudi a situar aquestes dues obres en el context de la seva creació, i també ajudi a donar algunes claus per aprofundir en els textos. A més va acompanyada d'uns suggeriments per facilitar la feina de llegir i comprendre les obres als nois i noies a qui van dirigides.Taller de fantasia (1971) és fruit de la recopilació d'una sèrie de peces curtes que l'autor publicà a la revista Cavall Fort. Supertot (1972) , és un encàrrec del grup U de Cuc. En aquestes peces, a través d'un humor aparentment lleuger i d'un format proper al musical i a l'estètica pop, Benet i Jornet fa una crítica a la petulància, al racisme, als prejudicis, a la intolerància, a l'explotació immobiliària, en definitiva, a l'abús del poder. ¿A quién va dirigido el libro Taller de fantasia. Supertot?El libro Taller de fantasia. Supertot, de Josep M. Benet i Jornet, está dirigido principalmente a un público infantil. Se concibió inicialmente para un público joven, como lo demuestra su publicación en la revista Cavall Fort, una publicación dirigida a niños y jóvenes. La obra se presenta como una herramienta didáctica, con sugerencias para facilitar la lectura y comprensión a los jóvenes lectores.Temas que trata el libro Taller de fantasia. SupertotTaller de fantasia. Supertot es una recopilación de piezas cortas publicadas originalmente en la revista Cavall Fort. A través de un estilo humorístico y ligero, con elementos que recuerdan al musical y la estética pop, el libro explora diversos temas que se pueden agrupar en:Imaginación y creatividad: El libro fomenta la imaginación y la creatividad a través de sus historias y personajes. Las piezas cortas invitan a los lectores a explorar mundos fantásticos y a desarrollar su propia capacidad creativa.El juego y la fantasía: El juego y la fantasía son elementos centrales en las piezas que componen el libro. Las historias se presentan como juegos, invitando a la participación activa del lector en la construcción de los mundos imaginarios.La exploración de la realidad: Aunque se centra en la fantasía, el libro también explora aspectos de la realidad cotidiana desde una perspectiva lúdica y creativa. Los temas se presentan de forma accesible y atractiva para los jóvenes lectores.El lenguaje y la comunicación: El lenguaje utilizado es sencillo y accesible, adaptado al público infantil. La obra utiliza recursos literarios como el humor, la rima y la repetición para facilitar la comprensión y el disfrute de la lectura.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro Taller de fantasia. SupertotAún no hay opiniones o críticas sobre Taller de fantasia. Supertot.
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EL SÍ DE LAS NIÑAS, comedia de crítica social, esconsiderada la obra maestra de Moratín. Doña Irene, viuda y madre de Paquita, concierta el matrimonio de su hija con don Diego, un rico solterón. La apariciónde don Carlos, sobrino de don Diego, vendrá a frustrar los planes de la viuda. En LA COMEDIA NUEVA, obra anterior a EL SÍ DE LAS NIÑAS y en la que se aprecia la influencia de Moliere, el escritor ataca los viciosdel teatro de la época. Los personajes, Eleuterio, el escritor y el pedante don Hermógenes, son a su vezel fiel reflejo de algunos competidores de Moratín enel mundillo literario. René Andioc, de la Universidad de Perpignan, sitúa la obra de Moratín en el contexto del teatro de su época.
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Anatomia d'un suïcidi
La obra, en formato de tríptico, presenta tres generaciones de mujeres de una misma familia e indaga si el trauma puede ser transmitido genéticamente, de madres a hijas. ¿Cómo podemos romper los patrones heredados para que el ciclo no sea inevitable? Lejos de ser un tratado de anatomía, una disertación sociológica o psicoanalítica sobre las causas y el origen del suicidio, 'Anatomía de un suicidio' es una exploración de las complejidades de la vida psíquica, de la ambivalencia de la maternidad y de la fragilidad abisal que conlleva convivir con el sufrimiento.
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El estreno en 1835 de '' Don Álvaro o la fuerza del sino '' supuso el triunfo definitivo del Romanticismoen el teatro español y el alejamiento de las estrechas normas neoclásicas. Este drama complejo y variado funde acciones violentas y escenas costumbristas, el estilo elevado y el llano, el verso y la prosa, todo en rápida sucesión y de la mano del hado fatal que empuja a don Álvaro, paradigma del héroe romántico, a suangustiada destrucción. Es, en suma, un grito de libertad artística.
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Cyrano, poeta y mosquetero del rey, no se atreve a confesar su amor por Rosaura. Está convencido de que lo rechazará porque su nariz es enorme y desproporcionada. No obstante, Cyrano decide ayudar a Cristiano, un joven soldado muy guapo pero a quien le cuesta hablar, a conquistar el corazón de Rosaura y le dicta palabras de amor que cautivarán el alma de su amada.
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LA CASA DE BERNARDA ALBA fue la última obra de teatro que Lorca dejó terminada, pero no llegaría a verla representada. El poeta, además, nunca comentó nada sobre ella, por lo que se presenta como una de sus piezas más enigmáticas. Su lectura ha estado sesgada por interpretaciones de corte político que diluyen lo que en Lorca no es más que un mero marco y postergan el problema de la condición humana, esencial en el poeta. Joaquín Forradellas analiza en esta edición los fundamentos de dichas interpretaciones y defiende la proyección atemporal de LA CASA por su valor estético y subraya la intención documental y realista de la obra. Protagonizada por personas corrientes que salen del pueblo, negando la heroicidad, LA CASA DE BERNARDA ALBA representa el dolor cotidiano, familiar, hasta sus últimas consecuencias. Lorca optó por un teatro representable, con un argumento asequible y, por ello, absolutamente crítico y eficaz al enfrentar al público con su propia máscara. Y lo hizo, además, con una expresión bella y precisa, poesía puramente dramática, apoyado en palabras inquietantes que «trastornan el reposo» del espectador.¿A quién va dirigido el libro ?La casa de Bernarda Alba es una obra que puede ser disfrutada por un público amplio, pero se recomienda especialmente a aquellos interesados en el teatro clásico español, la literatura del siglo XX, y los estudios de género. Su complejidad temática lo hace adecuado para lectores con un nivel de comprensión lectora medio-alto, así como para estudiantes de literatura y amantes del análisis literario. La obra también puede resultar atractiva para personas interesadas en la historia y la sociedad española de principios del siglo XX, ya que ofrece una visión crítica de la época.Temas que trata el libro La casa de Bernarda Alba explora una multiplicidad de temas interconectados, presentando una visión compleja de la sociedad española de principios del siglo XX. Entre los temas más relevantes se encuentran:La opresión de la mujer: La obra muestra la situación de las mujeres en una sociedad patriarcal, donde su libertad y autonomía están severamente restringidas por las normas sociales y la autoridad masculina. La figura de Bernarda Alba representa la encarnación de esta opresión, imponiendo un férreo control sobre sus hijas. La frustración y la rebeldía de las hijas ante estas restricciones son un elemento central de la trama.El poder y la autoridad: El poder de Bernarda Alba sobre su familia es absoluto y despiadado. La obra analiza las dinámicas de poder dentro de la familia y cómo este poder se ejerce de manera opresiva. La represión y el control se convierten en instrumentos para mantener el orden establecido.La represión sexual: La estricta moralidad impuesta por Bernarda Alba limita la expresión sexual de sus hijas. El deseo reprimido y la frustración sexual se convierten en fuentes de conflicto y tragedia. La imposibilidad de las mujeres de controlar sus propias vidas y deseos sexuales es un tema recurrente y doloroso.La hipocresía social: La obra critica la hipocresía de la sociedad rural española, donde las apariencias y la reputación social son más importantes que la verdad y la autenticidad. Las convenciones sociales y las normas morales se utilizan como instrumentos de control y manipulación.La muerte y el luto: El luto impuesto por Bernarda Alba tras la muerte de su segundo marido no es solo un periodo de duelo, sino una metáfora de la represión y la asfixia que sufren las mujeres. La muerte física se entrelaza con la muerte metafórica de los sueños y las aspiraciones de las hijas.La religión y el fanatismo: La religiosidad de la sociedad se presenta como un elemento más de control y opresión. La fe ciega y el fanatismo religioso se utilizan para justificar la represión y la imposición de normas morales restrictivas.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro Aún no hay opiniones o críticas sobre LA CASA DE BERNARDA ALBA.
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Un actor en plena crisis existencial encuentra un mito sobre el origen del teatro. Sin saberlo, se zambullirá en un juego de espejos, rostros y máscaras en el que intentará encontrar respuestas al enigma de la identidad. ¿Y si el mito primigenio fuera uno mismo? Al estilo de los autores del Siglo de Oro, Pablo Macho Otero explora a través de personajes mitológicos la epopeya de enfrentarse a los misterios del yo. Ante el auge de la identidad individual y la autoficción, el autor propone una ficción verdadera y no ahonda en las etiquetas que nos distinguen, sino en lo que nos asemeja.
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Con Molière suben al escenario preocupaciones que nunca antes lo habían hecho, dando sentido nuevo a una comedia de costumbres cuyo objetivo principal ya no esun divertimento simple, sino que suma, a esa reflexión sobre hechos de la vida social, una carga burlonay crítica que afecta a la vida moral. Aunque la lección de ambas ''Escuelas'' sería parecida: el amor es un gran maestro ''que vuelve inventivo'' y enseña a superar cualquier impedimento a la niña más ignorante,frente a los defensores de la rigidez moral opuestosal cambio en los usos sociales, La escuela de lasmujeres supone, sin embargo, un salto cualitativoen el terreno escénico, no sólo respecto a La escuela de los maridos, sino también a la construcción de la comedia como género, superando el esquematismo de la farsa italiana y dando a la comedia el estatuto de pieza mayor.
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La venganza de don Mendo de Pedro Muñoz Seca es uno de los textos más importantes y populares de la historia del teatro español. Forma parte del canon dramático, junto a Fuenteovejuna, La vida es sueño, Don Juan Tenorio, Luces de bohemia, Bodas de sangre o Historia de una escalera. Su excepcionalidad reside en su extraordinaria factura como parodia dramática respecto a la tradición española de Talía. Una rocambolesca y disparatada historia de amor y venganza que sintetiza, de manera muy brillante, aquella práctica burlesca que seguirá como «sombra jovial a toda revolución literaria, lo mismo a la tragedia neoclásica que al dramón romántico» (E. Asensio), desde el honor calderoniano y la comedia de capa y espada, hasta el polvoriento neohistoricismo modernista de finales del xix y principios del xx. Y es que Don Mendo era también una caricatura que ponía en solfa la escena de su tiempo, cuyo remedo e impostura llena de ripios, anacronismos y juegos cómicos de personajes, situaciones y lenguajes un texto que logra, cien años después de su exitoso estreno (1918-2018), la carcajada del espectador: todo un clásico del humor. Pedro Muñoz Seca (Puerto de Santa María, Cádiz, 1879-Madrid, 1936). Uno de los autores dramáticos más populares del primer tercio del XX. Sus inicios (1904) están en el género chico. Colaboró con Pérez Fernández, García Álvarez, Rafael de Santa Ana, López de Aro y Azorín, con quien estrena El clamor (1928). Renovador del teatro cómico gracias al disparatado astracán, que se basa en la deformación caricaturesca de la realidad y en el manejo del humor lingüístico. Su obra maestra es La venganza de don Mendo (1918), que llevaría al cine Fernando Fernán Gómez en los años 60. Otras obras importantes son: El verdugo de Sevilla (1916), Los extremeños se tocan (1926), La oca (1931), Anacleto se divorcia (1932) y La plasmatoria (1935). Valle-Inclán dijo de él: «quítenle al teatro de MS el humor, desnúdenle de caricatura, arrebátenle su ingenio satírico y facilidad para la parodia, y seguirán ante un monumental autor de teatro». Como García Lorca murió víctima de la guerra civil. Alberto Romero Ferrer es catedrático de Literatura Española de la Universidad de Cádiz y Premio Manuel Alvar de Estudios Humanísticos 2016. Ha sido profesor invitado en el King's College London y ha impartido cursos y conferencias en la University of London, Fondation Napoleón de París, Nineteenth-Century Hispanists Network, CSIC, Menéndez Pelayo, Instituto Feijoo de Estudios del Siglo xviii, UNIA, Napoli, Verona, Padova, Saarbrücken, Regensburg, La Plata, Gent, RESAD, Casa de Velázquez, UNED y Fundación Juan March, entre otras. Es autor de un centenar de artículos especializados y de una quincena de libros referidos a sus principales temas de estudio: el teatro breve de los siglos XVIII y XIX, la parodia dramática española, escenografía teatral del XIX, la zarzuela y el género chico, y la historia de la cultura popular peninsular.
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Un pequeño gran acontecimiento altera la vida de los vecinos de un edificio del centro de la ciudad (una ciudad cualquiera de un país cualquiera): tras más de un año con el ascensor fuera de servicio hoy llega el técnico que supervisará la instalación final y dará el visto bueno a su puesta en marcha. Los vecinos y las vecinas más mayores esperan con ansiedad la llegada del técnico y poco a poco se congregan para estar presentes cuando el ascensor vuelva a estar operativo después de muchos meses de sufrir subiendo las escaleras o evitando salir de casa. Con los inquilinos reunidos, la última persona en llegar al portal es Valentina, una joven que vive de alquiler en el cuarto piso y a la que no parece preocupar tener que subir y bajar las escaleras todos los días. Ella es la única que desconoce por qué el ascensor lleva casi un año y medio sin funcionar y se unirá a los demás para esperar la llegada del técnico. Será durante esa espera cuando Valentina descubra el oscuro secreto que une a los vecinos del edificio.
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El estudio de la obra ofrece una exhaustiva interpretación de los símbolos de los dos temas fundamentales que componen El público, el amor y el teatro. Su extenso análisis incluye un poema de 1917 ''Yoestaba triste frente a los sembrados'', estrechamentevinculado a lo expuesto por Lorca en esta obra.
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Otelo es el arquetipo de hombre celoso, susceptible, incapaz de sobrellevar la más improbable presunción de que sea burlado por su esposa Desdémona. Shakespeare lo presenta como esposo ingenuo, cándido, frente a la perversidad de su enemigo Yago. De ahí hasta el nacimiento de la sospecha que ha de convertirlo en homicida, el drama desarrolla toda la complejidad psicológica que hace de esta tragedia directa, limpia, sin concesiones cómicas, una obra maestra.
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Bodas de sangre | Yerma es el sexto volumen de la Biblioteca Federico García Lorca y el tercero de los que reúnen su «Teatro completo». En este volumen se ofrecen al lector clásicos lorquianos como Bodas de sangre y Yerma. Asimismo, se incluyen conferencias y charlas ofrecidas por el poeta en torno a sus textos, lo que permite una aproximación aún más personal a su obra. La edición y los prólogos, a cargo de Miguel García-Posada, permiten al lector acercarse a la complejidad de su obra y disfrutar, a lo largo de los siete volúmenes que componen esta Biblioteca Federico García Lorca, de uno de los autores españoles más relevantes del siglo XX. «Una de las finalidades que persigo con mi teatro es precisamente aspaventar y aterrar un poco. Estoy seguro y contento de escandalizar. Quiero provocar revulsivos, a ver si se vomita de una vez todo lo malo del teatro actual.»Federico García Lorca --------------------------------------------------------------------------BIBLIOTECA FEDERICO GARCÍA LORCA Poesía competa:1. Libro de poemas | Primeras canciones | Canciones2. Romancero gitano | Poema del cante jondo3. Poeta en Nueva York | Sonetos Teatro completo:4. La zapatera prodigiosa | Mariana Pineda5. El público | Así que pasen cinco años6. Bodas de sangre | Yerma7. La casa de Bernarda Alba | Doña Rosita la soltera--------------------------------------------------------------------------
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Una de las obras más populares del dramaturgo inglés. La mejor de sus comedias románticas.Esta obra pertenece a las llamadas comedias románticas o de amor de Shakespeare, en las que las parejas protagonistas vencen, en su camino hacia el matrimonio, una serie de escollos. En El sueño de una noche de verano, la más singular y popular, conviven y se armonizan la realidad y la fantasía en una mezcla de tradiciones que Shakespeare reinventa y transforma para crear un mundo de ensueño, lúdico y muy rico en posibilidades escénicas.
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Tras haber obtenido en mayo de 1635 la licencia para la Parte XXI, el 21 de junio Lope la obtuvo para la Ventidós parte perfeta, que no llegaría a ver publicada, pues murió el 25 de agosto. No sabemos si fue el mismo dramaturgo quien escogió los textos allí reunidos, la duda se impone a la vista del caso de Amor, pleito y desafío, bajo cuyo título se publica por error Ganar amigos, de Juan Ruiz de Alarcón. Todas las piezas que integran el volumen fueron compuestas entre 1615 y 1631, y es llamativa la ausencia de tragedias y tragicomedias, así como la preponderancia de comedias palatinas, alguna de ellas con ribetes historiales (La primera información, La mayor vitoria, La carbonera, El labrador venturoso, Amor, pleito y desafío, Nadie se conoce), y de comedias urbanas (Amar sin saber a quién, No son todos ruiseñores, Amar, servir y esperar, Quien todo lo quiere). La docena de obras se completa con dos comedias de tema religioso, una hagiográfica (La vida de san Pedro Nolasco) y otra bíblica (Los trabajos de Jacob).
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Estrenada en 1934, esta tragedia en tres actos forma parte de la célebre trilogía teatral de Federico García Lorca, junto a ''Bodas de sangre'' y ''La casa de Bernarda Alba''. La historia gira en torno a Yerma, una mujer marcada por el deseo irrealizable de ser madre, que ve cómo su anhelo se convierte en obsesión y fuente de dolor. Incapaz de concebir y atrapada en un matrimonio estéril, Yerma encarna la lucha entre el instinto vital y las normas sociales que oprimen a la mujer. La obra es una profunda reflexión sobre la maternidad, la frustración, el honor y el papel de la mujer en la sociedad rural tradicional. Con una poética intensa y simbólica, ''Yerma'' es considerada una de las piezas más conmovedoras y representativas del teatro español del siglo XX.
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Un regalo inmortal En edición bilingüe preparada y traducida por Antonio Rivero Taravillo Ofrece todos los sonetos, el largo poema Venus y Adonis, obra atribuida, extractos de su teatro y piezas sueltas Esta edición se inserta en el intento que llevará a cabo Fundación BLU de editar la integral del genio de las letras universales.
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Erich Kästner fue uno de los pocos autores literariosalemanes que vivieron el exilio interior por voluntad propia. Durante doce años se le prohibió escribir ypublicar, no solo en Alemania, sino que los tentáculos del régimen nazi extendieron su prohibición a otros países. En '' La Escuela de los Dictadores '' , un pequeño equipo de personas, comandadas por un ingenioso catedrático con ínfulas, se hace con el poder omnímodo, pretendiendo supervisar y dirigir toda la actividad del pueblo, pero también la de los políticos,de manera que el presidente de esa dictadura imaginaria sea la perfecta marioneta que obedezca a todos losmovimientos previstos por los '' manejantes '' profesionales. Una advertencia para el futuro, ante eseteatro que siempre puede volver a convertirse en un cruel teatro del mundo.
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Entre los autores fundacionales de Losada, los que esta editorial publica desde sus inicios, destaca especialmente William Shakespeare (1564-1616), cuya obra incluye en su catálogo desde 1939.Casi siete décadas después, presentamos esta edición de las Obras Completas de Shakespeare, en la que han colaborado prestigiosos traductores, escritores, profesores y especialistas en la obra del bardo de Stratford. Con el añadido de un luminoso estudio crítico de la ensayista, poeta y docente Laura Cerrato, y la introducción general del gran escritor y profesor Pedro Henríquez Ureña, este segundo tomo que reúne las Comedias se completa con una conversación entre el historiador y crítico Jorge Dubatti y el maestro de actores David Amitín, también director de teatro y ópera.
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“Cierta vez, alguien preguntó a Roberto Arlt por qué escribía teatro. Él pensó un momento, como si se tratase de algo inusitado, de una pregunta inesperada, y luego, como si acabase de descubrirlo él mismo, respondió: ‘Es mi modo de plantearle problemas a la humanidad’. Y dado que los problemas suyos eran los del hombre en cualquier punto del universo, nada mejor para expresarlos que el teatro…”, apuntó Mirta Arlt sobre la producción dramática de su padre.En La fiesta del hierro (1940) todo es atroz, desde lo que ocurre hasta cómo ocurre. Su verdadero protagonista es el Baal Moloch, diabólico ídolo sediento de sangre humana. El desierto entra en la ciudad (1953) es la obra teatral póstuma de Arlt, publicada diez años después de su muerte.
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Por primera vez en castellano, la obra definitiva sobre Tácito, uno de los historiadores más importantes de la literatura universal. Una obra determinante para entender el primer siglo del Imperio romano. Aclamado a menudo como el mejor historiador romano y, en general, como uno de los prosistas latinos más brillantes, Tácito es una figura literaria clave sobre la que, sin embargo, existen muchas incógnitas. Son muchas las sombras que se ciernen sobre su vida y su obra. El influyente latinista Ronald Syme le dedica la que se considera la más completa monografía sobre el escritor. En ella no solo analiza de forma pormenorizada la obra conservada de Tácito, sino que ofrece un vasto contexto histórico y político tanto de su vida como de su obra. En el segundo tomo, Syme continúa analizando la rica e inagotable producción del autor romano y cómo su personalidad inconfundible marca todos y cada uno de sus textos. Culmina el ensayo una completísima compilación de apéndices que ayudan a comprender mejor al hombre, su obra y el contexto histórico que la rodeó.
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Carl Sternheim (1878-1942) fue un escritor alemán, autor de numerosas obras de teatro (entre las que destaca el ciclo Aus dem bürgerlichen Heldenleben, al que pertenece la presente obra) y narraciones (como Napoleon, Busekow y Schuhlin), así como de la novela Europa, las memorias Vorkriegseuropa im Gleichnis meines Lebens y diversos artículos (como, p. ej., el importante «Kampf der Metapher»). Limitarse a decir que Sternheim reflejó, especialmente en su teatro, la mentalidad de la época Guillermina es quedarse en la superficie –tanto desde el punto de vista histórico como, sobre todo, literario– de la obra de un hombre al que se le puede considerar una auténtica «fuerza del lenguaje» ya que no solo creó con lenguaje, sino que creó lenguaje.
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El teatro de Eugène Ionesco (1912-1994) es la realización de un anhelo colectivo fundado en el desparpajo de su ruptura lógica, en la huida inexorable desde lo natural visible, elementos que están en la base misma de su comicidad. El asesino sin gajes, Escena para cuatro personajes y La ira representan magistralmente la teoría y la estética del gran autor rumano.Ionesco formula con lucidez sus concepciones básicas: “el humor es libertad”, “la imaginación no es arbitraria, es reveladora”, “nada más racional que la imaginación”. Lo irracional es la vida. De ahí un realismo que llamaríamos interno, no sólo del individuo, sino de la sociedad entera.
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Restauración, publicada en 1991, abre el Teatro reunido de Eduardo Mendoza. A la inolvidable Mallenca de Restauración, que vive apartada de la ciudad y que una noche recibe tres inesperadas visitas, se unen en este volumen los pers
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George Bernard Shaw predicó con convicción que la controversia y la polémica (que abundaban en su teatro) eran un requisito previo para el progreso social, político y cultural. Fue defensor de muchas causas que en su época (y algunas aún hoy) parecían adelantadas a su tiempo: el vegetarianismo, la reforma del alfabeto... y también el sufragio femenino y la independencia de las mujeres. Vivió casi cien años y acabó convirtiéndose en el escritor inglés más prolífico de todos los tiempos. Murió en 1950, después de haber ganado el Nobel en 1925 y el Óscar por su participación en la redacción del guion de la adaptación cinematográfica de Pigmalión de 1938. Pigmalión satiriza el sistema de clases inglés y la artificiosidad con el que este dividía a las personas, a la vez que celebra el individualismo que es capaz de romper con esas cadenas, personificado en Liza, la florista protagonista. Shaw critica la rigidez de un sistema en el que la brecha entre los pobres y la alta sociedad no solo se debe a una cuestión económica, sino también a diferencias estructurales imposibles, en un principio, de sortear. El protagonista, Henry Higgins, un afamado y peculiar fonetista, se embarca en una apuesta y acoge a Liza para, a través de clases de fonética, poder hacerla pasar por una duquesa en una fiesta. Shaw reescribe así el mito latino recogido en las Metamorfosis de Ovidio: Higgins, un misógino irredento, será su peculiar Pigmalión, y Eliza Doolittle su Galatea.
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La historia de Jasón constituye una de las leyendas más fascinantes de la mitología griega. Este héroe emprende un viaje en barco hacia la lejana Cólquide, acompañado de sus fieles compañeros, los argonautas, llamados así por la nave que los lleva, Argo. Durante la travesía, se enfrentarán a asombrosos peligros para llegar a su verdadero destino: el vellocino de oro. Si en la versión clásica del mito la astucia y la resistencia se revelan claves para demostrar que sin lucha no hay recompensa, en esta divertida adaptación se suma otro elemento clave: el sentido del humor y una irónica mirada actual sobre la historia.
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Tres Don Juanes para la historia, las figuras que fundaron el mito. Introducción y Epílogo de Jordi Balló y Xavier Pérez, profesores de comunicación audiovisual en la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona Leyenda popular, Don Juan se convirtió en personalidad literaria con el drama trágico El burlador de Sevilla, de Tirso de Molina. A partir de entonces protagonizó como héroe-villano obras de teatro, novelas y poemas, hasta convertirse en un carácter universal, comparable a Don Quijote, Hamlet y Fausto. Además del texto fundacional de Tirso de Molina, en este volumen recogemos por su relevancia el drama de Molière y el libreto de Lorenzo da Ponte para la ópera de Mozart Don Giovanni, que aquí presentamos en edición bilingüe. Un análisis del Don Juan como arquetipo de la literatura y el cine, a cargo de Jordi Balló y Xavier Pérez, acompaña las tres grandes obras que asentaron las bases del mito. De este modo, el presente volumen nos acerca a un personaje que ha seducido, como solo él puede, a lectores de todas las épocas.
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Juan Mayorga (Madrid, 1965) es el dramaturgo con mayor proyección escénica nacional e internacional. Presentamos aquí dos de sus piezas mayores -''Hamelin'' y ''La tortuga de Darwin''- como ejemplos destacados de una poética basada en la conjunción de filosofía y drama, y que tiene en Walter Benjamin, entre otros pensadores y escritores contemporáneos (Blumenberg, Kafka, Buero Vallejo...), su más destacado guía. Se trata de una concepción dramática que no busca la complacencia fácil del auditorio y que invita al espectador a ser elemento activo de la propuesta, en un cuestionamiento continuo de sus convicciones previas. Porque, como el propio Mayorga se ha encargado de señalar, está muy lejos de querer ofrecernos propuestas edulcoradas que se congracien apriorísticamente con el público, y sí, por el contrario, ''asaltarlo como un asaltador de caminos al confiado paseante''.
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Si en el convivir es inevitable pasar de un yo a un nosotros, ¿qué sucede cuando se empieza a agrietar el nosotros y se pronuncia solamente el yo? En ''La clausura del amor'', Stan y Audrey, pareja sentimental, entran en una sala. Él dice: «quería verte para decirte que esto se acaba / que no va a seguir / no vamos a seguir». Y a continuación lanza un flujo ininterrumpido de razones directo al cuerpo de ella. Audrey calla, escucha paciente, herida, hasta que llega su derecho a réplica, y responde a cada una de sus embestidas: «¿en quién te has convertido? / ¿nos conocemos?». En ''Ensayo'', cuatro amigos, dos parejas (entre ellos, Audrey y Stan) forman un grupo de teatro, una estructura. Aquí es una mirada la que activa la mecha de un discurso que, al multiplicarse, incendiará cada una de las voces, al tiempo que los cuerpos se van desencajando. Un texto que indaga asimismo en el vínculo entre artista y creación. En definitiva, un doble combate que describe con nitidez, por medio de la palabra (una palabra bisturí que sabe dónde hacer daño), el proceso de una ruptura, de una demolición. Pascal Rambert (Niza,1962) es autor de teatro, director y coreógrafo.Su obra, estrenada y traducida a varios idiomas (inglés, ruso, italiano, alemán, japonés, chino, holandés...) ha obtenido numerosos premios, entre ellos el Premio Émile Augier de Literatura y Filosofía por su obra Ensayo en 2015 y el Premio de Teatro de la Academia Francesa al conjunto de su obra en 2016. Recientemente ha estrenado Une Vie en la Comédie-Française. Además, ha dirigido una serie de cortometrajes, algunos de ellos premiados en los festivales de Pantin, Locarno y París. En 2007, convierte el Théâtre de Gennevilliers «T2G» en un centro nacional de creación contemporánea, dedicado exclusivamente a artistas vivos. Desde enero de 2017 es artista residente del Théâtre des Bouffes du Nord en París, fundado por Peter Brook. Actualmente está preparando una película con Isabelle Huppert como actriz protagonista.
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