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Libros de teatro
En Abacus disponemos de la mejor selección de libros de teatro, ese género olvidado e ignorado por el público, pero que constituye en sí mismo una importante fuente de riqueza literaria. Descubre las obras de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca y muchos más.
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Sobre las tablas tres hombres: un narciso, un conservador, un tibio. Irrumpe en escena una pintura moderna, provocativa, indescifrable y cara. Así es ella, igual de blanca que las gélidas rubias de Chandler a las que nadie puede acercarse demasiado porque se encuentran lejos, siempre distantes, sumidas en la lectura de La tierra baldía u otra obra semejante. Por supuesto, la lógica tribal que rige la amistad del cerrado grupo de observadores convertirá la nueva pieza en el enemigo perfecto.El diálogo se enredará entonces como una espiral para remover las aguas límpidas de una amistad que pronto se enturbia con los rencores, miedos y ansiedades que van aflorando a la superficie. De este modo, mucho más que cuestionar el mercado o sopesar cómo se adquiere el gusto, Arte trata sobre todo aquello que no nombra directamente. Y me recuerda que hablar de pintura es la forma más rápida de conocer a la gente y que el arte es el detector de mentiras más eficaz.María GainzaIlustración de cubierta Antrios
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Un novedoso volumen con las seis obras que adaptó Albert Camus en su labor teatral, cuatro de ellas inéditas en castellano. Además de escribir cuatro obras originales, Albert Camus llevó a cabo una intensa labor como adaptador y director teatral. Ese trabajo poco conocido lo ocupó desde sus días de estudiante en Argelia hasta poco antes de su muerte, y las seis obras reunidas en este volumen dan testimonio de la pasión con que lo llevó a cabo. Una de ellas procede de un clásico francés del siglo XVI, dos son versiones de obras de Calderón y Lope de Vega, una cuarta retoma una pieza de Dino Buzzati y las dos restantes llevan a escena novelas de Faulkner y Dostoievski. El conjunto no solo ofrece un complemento perfecto de las obras del autor que hemos reunido con el título de Teatro, sino que muestra toda su versatilidad en el ámbito amplio de la escena, uno de los pocos lugares del mundo donde, en sus palabras, era feliz. «El teatro me ofrece la comunidad que necesito -escribió-. Aquí todos estamos vinculados sin que nadie deje de ser libre: ¿no es una buena fórmula para la sociedad futura?».
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Franz i Marion
Com en un joc d'espills, aquesta obra s'ambienta a Amsterdam en dos plans temporals. Durant la Segona Guerra Mundial, Franz i Marion, antics companys d'escola, s'enfronten a una situació extrema. Ell treballa en el registre on ella inscriurà com a pròpia una xiqueta jueva, per a salvar-la de la persecució nazi. En una situació límit, el secret esdevindrà una qüestió de vida o mort. L'altre pla temporal ens porta a l'actualitat, quan un altre Franz i una jove periodista, Eri, conversen sobre la memòria familiar i s'enfronten als dilemes que van experimentar els seus avantpassats. Premi de Teatre Palanca i Roca, Franz i Marion es basa en una història real per a oferir-nos una sòlida reflexió sobre la responsabilitat de les accions i les repercussions que aquestes tenen al llarg del temps.
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Una profesora de filosofía que roza los cincuenta años se enfrenta a un mundo que parece haber olvidado el sentido de la justicia. Entre aulas donde nadie la escucha, alquileres imposibles y vecinos que revientan las paredes con música, su vida se convierte en un ensayo sobre el colapso cotidiano. «El imperativo categórico» es una tragicomedia que, con humor ácido y un filo inquietante, lleva la ética kantiana a las trincheras de la precariedad urbana. Victoria Szpunberg traza con destreza una voz femenina feroz y frágil, que mezcla ironía, desesperación y lucidez. El resultado es un texto intenso, punzante, que desmonta el lenguaje burocrático, el cinismo académico y la violencia silenciosa de lo doméstico. Esta obra, estrenada en Barcelona con gran éxito, confirma a Szpunberg como una de las dramaturgas más incisivas de la escena contemporánea.
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Un aluvión de recursos y efectos escénicos se suceden en esta obra de múltiples personajes y espacios donde la escenografía del drama romántico despliega toda su potencialidad.En manos del duque de Rivas, la palabra adquiere una enorme variedad de matices, trasladándonos con sorprendente habilidad desde los ambientes costumbristas más populares,en que la prosa normalmente asume el protagonismo, a la armoniosa y elegante musicalidad del verso, insuperable en las intervenciones de los personajes protagonistas de la historia. Es, en definitiva, Don Álvaro o La fuerza del sino una preciosa invención escénica pensada para entretener, causar admiración, seducir, provocar, desesperar, emocionar y hacer vivir con intensidad situaciones que la realidad—afortunadamente— no suele ofrecer, aunque sean trágicas. Una imprescindible colección de las obras clásicas en español más leídas en las aulas. - Títulos fundamentales de la literatura hispana. - Ediciones a cargo de señalados especialistas. - Textos íntegros, rigurosamente anotados. - 24 páginas de actividades. Una selección de títulos variada y representativa de las distintas épocas y géneros (poesía, novela, cuento, teatro) de la literatura española, perfectamente concorde con los programas educativos vigentes de ESO y Bachillerato.
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Si bien la obra de Bertolt Brecht (1898-1956) abarcamuy diversos géneros, su legado literario ha ejercidouna influencia decisiva sobre todo en el dominio delteatro. Después de un largo exilio forzado por el régimen nazi, a su regreso a Alemania fundó y dirigió la compañía Berliner Ensemble, donde llevó a la práctica, a través de sus múltiples experiencias innovadoras, su teoría del teatro épico, que postula sustituirla intensidad emocional ligada al teatro tradicionalpor el alejamiento reflexivo y la observación críticaa través del distanciamiento. Este volumen, correspondiente al noveno de la serie que recoge su «Teatro completo», incluye dos obras escritas entre 1940 y 1943: '' La evitable ascensión de Arturo Ui '' (una sátira de Adolf Hitler) y '' Las visiones de Simone Machard '' . Traducción de Miguel Sáenz
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Escrita probablemente hacia 1635, La vida es sueño corresponde a un momento de inflexión en la comedia del Siglo de Oro, que comienza a aspirar al favor de los cortesanos y adopta argumentos filosóficos y de mayor aliento que los propios de las comedias de capa y espada. En ella, Pedro Calderón de la Barca (1600-1681) construye una pieza doctrinal y didáctica de impresionante vigor teatral y alta calidad literaria. Como señala Domingo Ynduráin, el drama de Segismundo pone de relieve el conflicto producido por la dimensión temporal del hombre en el orden perfecto de la Creación porque establece una contradicción o conflicto entre el libre albedrío y la omnisciencia divina, todo ello a través de un ensamblaje de elementos modélico que alumbra, en definitiva, una de las cumbres universales del teatro del siglo XVII.
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L'amor també és això és una obra de teatre jove, escrita per als joves, amb el seu llenguatge i sobre els seus problemes, perquè la seua realitat actual i quotidiana també és una aventura digna de ser reflectida per la literatura. O potser no és una aventura la vida a l'institut, a la discoteca, amb els pares, amb els amics i amigues…, i amb el teló de fons de l'amor i del sexe en el temps de la sida?
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De lectura imprescindible, el ''Teatro completo'' demuestra que la revolución de Chéjov sigue aconteciendo en el presente.Poco más de veinte años de escritura le valieron a Chéjov un lugar revolucionario en la historia del teatro occidental. La gaviota, Tío Vania, Las tres hermanas o El jardín de los cerezos, incluidas en este volumen junto al resto de su producción escénica, cambiaron los rumbos del realismo, abrieron las puertas a las principales poéticas del teatro moderno y sentaron las bases tanto de la expresión minimalista como de un realismo no naturalista que propició las mezclas con otras estéticas. Este tomo recupera la excelente traducción y prólogo preparados por la célebre pedagoga teatral Galina Tolmacheva. Se suma una traducción de Platónov, el “Don Juan” de Chéjov, primera pieza escrita por el dramaturgo. De lectura indispensable, el Teatro completo demostrará a los lectores que la revolución de Chéjov sigue aconteciendo en el presente.
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Los temas de la vida, como comedia en El gran teatro del mundo y como mercado en El gran mercado del mundo, aparecen como pretexto para componer un cuadro general de toda la vida humana. La formalírico-dramática y demás convenciones argumentales del auto sacramental prestan un simbolismo estructurala una materia teológica subyacente. El resultado esuna alegoría universal y trascendente, que alcanza, en la primera obra, una perfecta construcción con acento marcadamente filosófico, y, en la segunda, resonancias morales con la inclusión de elementos realistas,dentro de lo que cabe en un conjunto forzosamente simbólico. En las dos resalta la maestría de Calderón,escritor sin par en esta forma dramática.
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Aclamado a menudo como el mejor historiador romano y, en general, como uno de los prosistas latinos más brillantes, Tácito es una figura literaria clave sobre la que, sin embargo, existen muchas incógnitas. Son muchas las sombras que se ciernen sobre su vida y su obra. El influyente latinista Ronald Syme le dedica la que se considera la más completa monografía sobre el escritor. En ella no solo analiza de forma pormenorizada la obra conservada de Tácito, sino que ofrece un vasto contexto histórico y político tanto de su vida como de su obra.
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Sis personatges en cerca d'autor
Un grup d’actors es prepara per assajar una obra de Pirandello quan, de sobte, irrompen a l’escenari sis personatges de carn i ossos que han estat rebutjats pel seu autor i clamen la necessitat de viure i representar el seu drama. Pirandello convida el lector a ser testimoni d’allò que normalment no té ocasió de conèixer al voltant de l’experiència teatral i, en un dels seus textos més cèlebres, posa damunt la taula les principals inquietuds de la seva obra literària, com la impossibilitat de comunicació de l’ésser humà, la identitat múltiple de cada individu o la reflexió sobre la relació entre l’art i la vida.
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Ambientada en Nueva York tres décadas después de la irrupción de la epidemia del sida y poco antes de laselecciones de 2016 que dieron la victoria a Donald Trump, La herencia de Matthew Lopez nos presenta un mosaico de relaciones y conexiones entre hombres gais dediferentes edades y clases sociales, en el que reflexiona sobre cuáles deben ser las responsabilidades deuna generación con la siguiente.El autor adapta muy libremente la novela Regreso a Howards End deE. M. Forster, convirtiendo al escritor inglés en unode los protagonistas de la trama. Su obra ha recibido el elogio unánime de la crítica, que la ha considerado un clásico moderno instantáneo.
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Ricardo II pertenece a la serie de dramas históricos ingleses escritos por Shakespeare. Narra los acontecimientos que tuvieron lugar a raíz de la usurpación del trono por Ricardo en 1399 y el consiguiente advenimiento de la dinastía de los Lancaster. El drama gira en torno a la pérdida, conservación y conquista del poder, pero, a diferencia de las anterioresobras históricas, Shakespeare va más allá de los avatares del juego político e indaga en la condición humana del rey, en el comportamiento de los hombres y enlas razones de sus actos. Su estilizado lenguaje, reflejo de la ceremonia y la pompa de la corte medieval,al dejar un resquicio para expresar el lamento, coexiste con el tono elegíaco y personal tan característico de este drama. Ángel-Luis Pujante, catedrático dela Universidad de Murcia y reconocido especialista enla obra de Shakespeare, es autor de esta excelente traducción, que ofrece arropada por un riguroso análisis de la base histórica del drama y de sus singularescaracterísticas literarias.
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Estas dos obras, consideradas como las mejores comedias de Shakespeare, pertenecen a las llamadas comedias románticas o de amor, con una trama llena de enredos y equívocos que culmina en un final feliz. EL SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO se configura como la piezamás singular y popular. En ella conviven y armonizanel mundo real y el sobrenatural, el deseo y la razón,la cordura y la locura, en una mezcla de tradicionesque Shakespeare reinventa y transforma para crear unmundo de ensueño, infantil y lúdico, rico en posibilidades escénicas, que da vida al contraste entre imaginación y realidad. NOCHE DE REYES supone la despedida de las comedias románticas, con elementos que perfilan ya la comedia de carácter, en un prodigio de síntesis que aúna el más crudo realismo con la melancolíamás tenue. Su trama contiene los momentos cúlmenes de las comedias de Shakespeare, la escena más cómica junto a la más lírica del autor. La traducción de Ángel Luis Pujante mantiene la extraordinaria variedad poética de las dos piezas: el lenguaje formal y coloquial, lírico y burlesco de la primera junto a la libertad compositiva de la última.
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Antonio Buero Vallejo nació en Guadalajara en 1916. Su primera vocación fue la pintura y cursó estudios de Bellas Artes en Madrid. En 1937 se alista en el ejército republicano, y terminada la guerra, es detenido y condenado a muerte por su participación en actividades clandestinas. Finalmente se le conmuta la pena por la de treinta años de cárcel, y en 1946, sale en libertad condicional. Consigue el Premio Lope de Vega en 1949 con Historia de una escalera, que es representada en el Teatro Español y con la que obtiene un rotundo éxito. Desde entonces, y pese a los problemas con la censura, los escenarios más importantes se abren al dramaturgo. Obtiene, entre otros, el Premio Nacional de Teatro en dos convocatorias sucesivas: en 1956, por Hoy es fiesta y en 1957 por Las cartas boca abajo. En 1980 se le otorga un tercer Premio Nacional de Teatro por el conjunto de su producción. En 1971 fue elegido miembro de la Real Academia, en 1986 se le concedió el Premio Cervantes y en 1996 el Premio Nacional de las Letras Españolas, ambos otorgados por primera vez a un autor teatral. De entre sus obras destacan En la ardiente oscuridad, El concierto de San Ovidio, El tragaluz o La fundación. Murió en Madrid en el año 2000.
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Hablando de Don Juan decía Wenceslao Fernández Flórez que Zorrilla «oía latir bajo su justillo de terciopelo el corazón de España: el corazón del romanticismo nacional, su propio corazón». También la estructura de la obra refleja perfectamente el ideal romántico: el misterio de los personajes, las máscaras, la conquista, la huida, el tenebrismo de la segunda parte, los diálogos amorosos, el enfrentamiento a Dios y la salvación por el amor. Todo coincide en señalar a esta obra como uno de los hitos que marca con mayor precisión el valor de lo sorprendente y de lo emocional como suprema forma del conocimiento del mundo. El lector, todavía hoy, tiembla, vibra, se aleja de cualquier racionalismo para sumergirse de pleno en el mundo de la pasión más desbordante. José Zorrilla (1817-1893) supo dotar a la figura del Don Juan de una visión personal y propia que lo encumbra por encima de la mayoría de los autores que han tocado este mito tan atractivo y sugerente. El prólogo de Francisco Nieva y la edición de Juan Francisco Peña ofrecen una perspectiva actual de lectura.
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En Pedro y el Capitán (1979), tenso diálogo entre víctima y verdugo que se desarrolla en una sala de interrogatorios, el escritor uruguayo Mario Benedetti aborda «una indagación dramática en la psicología de un torturador» a la que una objetividad rigurosa aleja del maniqueísmo. «Esta pieza dramática -advierte el autor en el prólogo- no escenifica el enfrentamiento de un monstruo y un santo [...]. La distancia entre uno y otro es, sobre todo, ideológica, y es quizá ahí donde reside la clave de otras diferencias, que abarcan la moral, el ánimo, la sensibilidad ante el dolor humano, el complejo trayecto que media entre el coraje y la cobardía, la poca o mucha capacidad de sacrificio, la brecha entre traición y libertad.»
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Con este libro quiero hacer llegar al lector mis investigaciones sobre los orígenes del teatro coreano y su evolución hacia formas más contemporáneas de dramaturgia. Desde una perspectiva académica y etnográfica, reflexiono sobre las relaciones entre el teatro coreano y el teatro occidental, y cómo poner en práctica a través de mi propio trabajo artístico este diálogo entre oriente y occidente.Durante mis estudios en España era constantemente interpelada sobre la historia, la evolución y la realidad del teatro en Corea. Esta obra contribuye a dar a conocer, en español, el mundo de las artes escénicas orientales, y más concretamente el teatro coreano. Además, facilitará a los profesionales, investigadores y a la sociedad en general, tener una perspectiva más global del teatro, en lugar de una percepción reduccionista concentrada en las formas de representación europeas. Al mismo tiempo, mi formación como directora de teatro me ha permitido poner en práctica los resultados de esta investigación y compartirlos con el público. Este tipo de estudio, donde la observación participante y la construcción de la identidad del propio sujeto investigador son fundamentales, puede servir como modelo y apoyo para otros investigadores e investigadoras con identidades híbridas que estén inmersos en procesos de creación cultural entre dos mundos.
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Acorar
Ara és aquella hora que clareja, i es sol surt amb simfonia de porcs que grunyen i trenquen es paisatge amb un esqueix que separa sa vida de sa mort, es ser des no ser. I fins i tot qui no té ànima, qui viu inconscient, amb sa inconsciència des bestiar, plany es comiat des sentiments, la fi des seus dies i de sa llum. Fitorada final. Centúries de dolor senyen sense dubtes es camí definitiu d’un acorador cap as seu inevitable destí.
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Imaginemos un tablero de ajedrez en un parque cualquiera. Imaginemos que este tablero es, al mismo tiempo, otro situado muy lejos de allí, en Reikiavik. Y quelos dos hombres que juegan en ese parque y en ese tablero, Waterloo y Bailén, en realidad juegan a ser otros: el indómito y genial Bobby Fischer contra BorisSpasski, tan elegante y sensible como discreto. Todoesto está sucediendo ahora, sí, pero al mismo tiempoen el verano de 1972, durante el campeonato del mundode ajedrez más famoso de la historia. De pronto, unadolescente se detiene ante ese tablero, lo mira, mueve una piezaà La partida ha comenzado, y algo nos dice que la vida de ese muchacho está a punto de cambiarpara siempre.
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El tragaluz comienza como una obra de ciencia ficción. Dos investigadores pertenecientes a un futuro muy lejano se dedican a rescatar sucesos del pasado por medio de unos detectores electrónicos. Su propósito es divulgar la historia de hombres y mujeres que ya no existen para que nadie repita los errores que la humanidad cometió en otro tiempo. Los espectadores de El tragaluz presenciamos uno de los casos recuperados: el devenir de una familia española de la década de 1960 que ha quedado marcada por el horror de la guerra civil. Su vida está regida por el recuerdo de un traumático episodio del pasado que nunca cicatrizó del todo, y cuando la herida se reabre, estrella la tragedia. Amarga y desoladora, pero abierta al mismo tiempo a la esperanza, El tragaluz es una de las obras maestras de Antonio Buero Vallejo (1916-2000), quien nos muestra el presente desde la perspectiva futura con el sano propósito de arrojar luz sobre lo que somos. El dramaturgo se pregunta si es posible desentrañar el enigma de la personalidad humana, si hacen bien quienes se aíslan de todo porque detestan la sociedad en la que viven y si hay que olvidar los errores del pasado o es mejor recordarlos aunque nos duelan.Esta edición de El tragaluz ha sido elaborada por Jesé Ramón López, profesor de la Universidad Autónoma de Barcelona, y cuenta con una valiosa introducción que descifra las claves de la magistral tragedia de Buero, y con un apéndice de actividades que ayudará a los lectores a profundizar en el sentido de la obra.
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La historia de Jasón constituye una de las leyendas más fascinantes de la mitología griega. Este héroe emprende un viaje en barco hacia la lejana Cólquide, acompañado de sus fieles compañeros, los argonautas, llamados así por la nave que los lleva, Argo. Durante la travesía, se enfrentarán a asombrosos peligros para llegar a su verdadero destino: el vellocino de oro. Si en la versión clásica del mito la astucia y la resistencia se revelan claves para demostrar que sin lucha no hay recompensa, en esta divertida adaptación se suma otro elemento clave: el sentido del humor y una irónica mirada actual sobre la historia.
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Spot
Qui no ha utilitzat mai el lema d'un espot publicitari enmig d'una conversa? Qui no s'ha descobert alguna vegada a ell mateix taralúlejant la tonada d'un anunci de ràdio o televisió? Spot, de Carles Alberola i Roberto García, analitza, amb el seu humor característic, i a partir de situacions quotidianes, fins a quin punt la publicitat ha penetrat en les nostres vides, i com, sovint, la gent es comporta com si visquera dins d'un espot inacabable. Una obra que segueix la fórmula del seu gran èxit: Besos.
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Transcurre en una oficina en la que los empleados secuentan su vida e inquietudes pero apenas se escuchan, creando una serie de soledades que discurren paralelas sin encontrarse.
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Puede afirmarse que con este poema dramático comenzó la consagración del gran escritor noruego, cuyo nombre habría de ser bien pronto bandera de combate de la juventud intelectual de toda Europa. La primera edición se publicó en Cophenague en 1866, y su
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El tema amoroso lleva aparejado irremediablemente el del honor, de extraordinario rendimiento dramático. Los protagonistas de la comedia suelen ser caballeros esforzados y virtuosos que merecen la admiración de sus compañeros, amigos, sirvientes... Reúnen diversas virtudes, tales como la valentía, la entereza, la lealtad, la honestidad, un comportamiento ejemplarmente cristiano. (...)Lope de Vega encarna una figura típicamente española de su tiempo: su vida, apurada con pasión, se debate entre sus creencias cristianas y una conducta a veces disoluta, los contrastes barrocos se plasman en su azarosa biografía.
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La historia de Romeo y Julieta tiene antecedentes en la mitología y literatura griegas y en algunas leyendas medievales. Durante los siglos XV y XVI fue objeto de múltiples versiones, pero fue Shakespeare quien le infundió una pasión y un dramatismo inéditos hasta entonces y que han contribuido a mantener la leyenda en la memoria colectiva. En Verona, dos jóvenes enamorados, de dos familias enemigas, son víctimas de una situación de odio y violencia que ni desean ni pueden remediar. En una de esas tardes de verano en que el calor «inflama la sangre», Romeo, recién casado en secreto con su amada Julieta, mata al primo de ésta. A partir de ahí Shakespeare desencadena la tragedia y precipita los acontecimientos, guiados por el azar y la fatalidad. Angel-Luis Pujante destaca en esta edición la fuerza poética y retórica de ROMEO Y JULIETA: los juegos de palabras, la coexistencia de prosa y verso, de lo culto y lo coloquial, de lo lírico y lo dramático contribuyen a intensificar los contrastes de la acción. Clara Calvo ofrece en la Guía de lectura una rica documentación complementaria y unas sugerentes propuestas que ayudan a enriquecer la lectura de esta obra capital de la literatura universal.
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Figura señera de las letras españolas de entre siglos y del siglo XX, Ramón del Valle-Inclán (1866-1936) cultivó todos los géneros -novela, teatro, poesía, ensayo...- y en todos dejó la huella de su genio innovador. Dentro del ámbito escénico -en el que realizó tan variada y fecunda labor-, una de sus principales aportaciones fue la creación del «esperpento», cuya muestra más acabada se considera «Luces de Bohemia» (1920/1924). Obra de madurez, en este singular retrato de la bohemia canalla y genial que proliferó a principios de siglo XX en las grandes ciudades europeas -entre ellas, Madrid-, Valle-Inclán vertió asimismo a su manera, caracterizada por la acidez, el sarcasmo y la presencia de lo grotesco, su visión crítica de la naturaleza humana y de la España de la época, convulsionada aún por las consecuencias de los desastres militares y de la Primera Guerra Mundial. Edición de Catalina Míguez Vilas
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Restauración, publicada en 1991, abre el Teatro reunido de Eduardo Mendoza. A la inolvidable Mallenca de Restauración, que vive apartada de la ciudad y que una noche recibe tres inesperadas visitas, se unen en este volumen los pers
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No le cuesta nada contraer matrimonio: es el lazo con que caza a sus víctimas, y las puede cazar por docenas. Damas o doncellas,burguesas o villanas: ninguna es demasiado buena o demasiado mala para él. Y si quisiera decirte los nombres de todas las m
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Assedegats / Un obús al cor
Assedegats comença el dia que, davant d'un món sense esperança, Murdoch es lleva decidit a no callar i a deixar fluir tota la ràbia que sent a dins per expressar la set d'amor i de bellesa. El punt de partida d'Un obús al cor és la trucada que rep Wahab una nit de tempesta i l'angoixa del viatge posterior en autobús, que el durà cap a l'hospital on es troba la seva mare. Wajdi Mouawad (Beirut, 1968) és un dels autors teatrals d'expressió francesa més rellevants del panorama actual. En aquest volum, recollim dues de les obres que ha dedicat al dolor de la joventut i que mantenen la contundència i la poesia habitual de la seva escriptura.
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Smiley
Smiley és una història d'amor en lletres majúscules. Una llegenda japonesa diu que quan dues persones estan destinades a estar juntes, un fil vermell invisible lligat al dit petit de la mà esquerra les uneix des del dia del seu naixement. Aquest fil no es pot trencar, i pot lligar-les per sempre, encara que siguin molt lluny l'una de l'altra i malgrat que puguin ser molt diferents. Aquest sembla el cas de l'Àlex i el Bruno, els protagonistes de la comèdia romàntica que ha emocionat milers d'espectadors arreu del món. Segurament no es fixarien mai l'un en l'altre, però un equívoc farà que el que ha començat com una cita qualsevol els acabi canviant la vida per sempre. Smiley és una història d'amor en lletres majúscules. Fa riure i emociona. Mostra les pors a les quals ens enfrontem quan ens enamorem i les contradiccions de les relacions afectives dins de la comunitat gai, marcades per l'influx de les noves tecnologies i les aplicacions de cites online. I, a la vegada, és una petita viquipèdia de l'ambient barceloní i un homenatge a les comèdies romàntiques de tota la vida, de Nora Ephron a Howard Hawks. Smiley és tot això i molt més, però per sobre de tot, és un cant a l'amor en totes les seves formes. Guillem Clua va estrenar Smiley, una història d'amor el 2012 a la diminuta Sala Flyhard de Barcelona. Interpretada per Ramon Pujol (Àlex) i Albert Triola (Bruno) i amb direcció de l'autor, l'obra va estar en cartell a diferents teatres de la ciutat i en gira per Catalunya gairebé tres anys. La benedicció del públic (d'allò més divers: parelles heterosexuals, grups d'àvies, famílies senceres...) va venir acompanyada de crítiques entusiastes i tota mena de reconeixements. Va fer temporada a Madrid i des d'aleshores ha voltat per tot el món en diverses produccions internacionals, de Santiago de Xile a Atenes, de Miami a Berlín, de Nàpols a Nova York. Les últimes ciutats on s'ha pogut veure són Brisbane (Austràlia) i Singapur. Smiley s'ha convertit així en un fenomen global, capaç de traslladar al mainstream una comèdia romàntica protagonitzada per dos homes, amb final feliç i petó de pel·lícula. Les relacions de parella, però, evolucionen. Algunes milloren i altres s'acaben... o es converteixen en tota una altra cosa. Què va ser de l'Àlex i el Bruno després d'aquell happy ending? Van aconseguir superar les seves diferènciesi formar una parella estable? Van ser monògams o van iniciar una relació oberta? Feliços o infeliços? Smiley, després de l'amor, estrenada a l'Aquitània Teatre el 2020, respon a totes aquestes preguntes i moltes més, perquè han canviat moltes coses des d'aquella primera cita del 2012. Barcelona ja no és la mateixa ciutat, i l'Àlex i el Bruno... tampoc: ara els preocupen la crisi dels quaranta, el matrimoni, el final de la joventut i la pèrdua de la innocència.Aquesta edició reuneix els textos de Smiley, una història d'amor i Smiley, després de l'amor. I qui ho sap, potser l'any 2030 ens tornem a trobar amb l'Àlex i el Bruno amb una tercera part que molts espectadors i lectors ja esperen amb impaciència.
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Si bien la obra de Bertolt Brecht (1898-1956) abarca muy diversos géneros, su legado literario ha ejercido una influencia decisiva sobre todo en el dominio del teatro. Después de un largo exilio forzado por el régimen nazi, a su regreso a Alemania fundó y dirigió la compañía Berliner Ensemble, donde llevó a la práctica, a través de sus múltiples experiencias innovadoras, su teoría del teatro épico, que postula sustituir la intensidad emocional ligada al teatro tradicional por el alejamiento reflexivo y la observación crítica a través del distanciamiento. Este volumen, correspondiente al quinto de la serie que recoge su «Teatro completo» y que ha venido publicando Alianza Editorial, incluye dos obras escritas entre 1931 y 1934: La madre -inspirada en la obra homónima de Gorki- y Cabezas redondas y cabezas puntiagudas, una parábola satírica contra los mecanismos del régimen nazi.Traducción de Miguel Sáenz
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La casa de Bernarda Alba, subtitulada Drama de mujeres en los pueblos de España, tiene como tema principal el conflicto entre el autoritarismo de Bernarda Alba y el deseo de libertad de sus cinco hijas, obligadas por la madre a permanecer encerradas en casa durante ocho años. Las cinco están ya en edad de casarse, pero Bernarda, que acaba de enviudar, no está dispuesta a que ningún hombre se las arrebate. De este modo, se ven condenadas a una existencia rutinaria en una atmósfera de opresión que solo Adela, la más pequeña de las cinco, se atreve a desafiar. Escrita en 1936 y representada por primera vez en 1945, es la obra teatral más conocida de Federico García Lorca.
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Los libros de teatro son obras impresas que recogen textos dramáticos pensados para la representación escénica y la lectura reflexiva. El teatro como género literario se construye a partir del diálogo, la acción y la estructura en actos o escenas. Aunque a veces se habla de novelas teatrales, el texto teatral posee características propias que lo diferencian de la narrativa tradicional. El formato en papel facilita la lectura pausada, el análisis del diálogo y la comprensión de la estructura dramática.
¿Qué son los libros de teatro?
Los libros de teatro son publicaciones en papel que contienen obras dramáticas destinadas tanto a la representación como a la lectura individual.
Definición
Una obra de teatro se estructura en actos y escenas y se desarrolla principalmente a través del diálogo entre personajes. Los libros de teatro permiten acceder al texto íntegro, analizar sus acotaciones y comprender la construcción escénica.
Características del género dramático
El teatro se caracteriza por la acción directa, la interacción entre personajes y la presencia de indicaciones escénicas. La lectura en papel facilita la visualización de la puesta en escena y la interpretación del conflicto dramático.
Cómo elegir libros de teatro
Seleccionar entre distintos libros de teatro implica considerar el periodo histórico, el estilo del autor o autora y el tipo de dramaturgia que se desea explorar.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca teatro clásico, contemporáneo o propuestas experimentales.
- Obras teatrales clásicas del canon universal.
- Dramaturgia contemporánea con temáticas actuales.
- Teatro breve o monólogos.
- Ediciones comentadas para el estudio académico.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de teatro en formato papel pueden incluir diferentes propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Obras completas de un autor o autora.
- Antologías teatrales temáticas o históricas.
- Textos acompañados de estudios críticos.
- Dramaturgia contemporánea de nuevos autores y autoras.
Estos libros permiten analizar la estructura dramática, el ritmo del diálogo y la evolución de los personajes.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de teatro en papel favorece la comprensión del lenguaje escénico y el desarrollo de habilidades interpretativas.
Comprensión del conflicto dramático
El análisis de obras teatrales ayuda a entender la construcción del conflicto y la dinámica entre personajes.
Fomento de la lectura expresiva
Los libros de teatro invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación, fortaleciendo la expresión oral y la sensibilidad artística.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de teatro?
Los libros de teatro están dirigidos tanto a lectores y lectoras interesados en la literatura dramática como a estudiantes y docentes que trabajan el texto teatral.
- Personas interesadas en el arte escénico.
- Estudiantes de literatura y artes escénicas.
- Grupos de lectura que practican la lectura dramatizada.
- Quienes desean conocer la evolución histórica del teatro.
Preguntas frecuentes sobre libros de teatro
¿Qué diferencia hay entre una obra de teatro y una novela?
La obra de teatro se construye principalmente a través del diálogo y está pensada para la representación escénica, mientras que la novela desarrolla una narración extensa en prosa.
¿Qué aportan los libros de teatro a nivel educativo?
Favorecen la comprensión del lenguaje dramático, el análisis del conflicto y el desarrollo de la lectura expresiva.
¿Cómo elegir un libro de teatro adecuado?
Es recomendable considerar el periodo histórico, el estilo dramático y el interés por determinadas corrientes teatrales.
¿Por qué leer teatro en formato papel?
El formato en papel facilita la lectura detallada del diálogo, la comprensión de las acotaciones y la interpretación pausada del texto dramático.