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Libros de teatro
En Abacus disponemos de la mejor selección de libros de teatro, ese género olvidado e ignorado por el público, pero que constituye en sí mismo una importante fuente de riqueza literaria. Descubre las obras de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca y muchos más.
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Avanzada la segunda mitad del siglo XIX, otro nuevo movimiento se va imponiendo en la literatura española. Es el Realismo, que dará sus mejores frutos en la novela, primero en Francia e Inglaterra y algo más tarde en España. Entre el costumbrismo anterior y el realismo que empieza su andadura, sobresale «El sombrero de tres picos», la obra maestra de Pedro Antonio de Alarcón, quien logró en ella su novela más popular. El acierto artístico de esta novela corta brilla con luz propia en la creación de un conflicto cómico protagonizado por un caricaturizado corregidor de escasas fuerzas y una recia y simpática molinera, en la plasticidad de los retratos, en el dinamismo de la acción, en la fluidez de las escenas dialogadas y en el colorido y la vivacidad de los cuadros ambientales.
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' Los días felices '' es una pieza clave en el teatrode Beckett, que, continuando el proceso de depuración escénica de sus obras precedentes, presenta tambiéncaracterísticas fundamentales de sus piezas posteriores. Winnie, torturada por una luz cegadora y semienterrada en un montículo calcinado, se arropa en un ritual de gestos cotidianos y encuentra siempre motivos,por insignificantes que éstos sean, para considerarsus días felices.
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De inspiración becqueriana, rescatando al autor sevillano como maestro de la tradición moderna, este libro nos cuenta una historia de desamor, soledad y pérdida en dos actos: El canto de los azulejos y Pétalos al viento. Desde las voces dispares de sus protagonistas, Reinaldo de Fernández propone una obra híbrida, a medio camino entre la narrativa, el teatro y la poesía, donde se exploran las entrañas de todo lo que nos hace humanos: el primer amor, el camino hacia la construcción de la ilusión, la esperanza y la falta de ella.
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En 1917, un an après sa blessure, un an avant sa mort, dans son uniforme bleu horizon qu’il continuait de porter, le front entouré d’un bandeau, Guillaume Apollinaire était devenu un personnage qui aurait bien étonné l’Apollinaire du début du siècle. Il s’était donné à la guerre comme à la poésie, avec sa fougue habituelle. Mais le fantaisiste, le bohème, n’était pas plus désireux de s’effacer devant l’écrivain officiel que de lui disputer la place. Laissant le poète grave s’exprimer dans les strophes de Vital Impedere Amori, il écrivit l’opéra bouffe que voici: Casanova.Le poète ne prétendit pas transcrire un épisode réel de la vie de Casanova. Il se contenta de situer l’action – une folle aventure d’un soir de Carnaval – à Venise.
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Henrik Ibsen nació el 20 de marzo de 1828 en Skien, al sur de Cristianía, llamada hoy con su nombre más antiguo: Oslo. Alternó sus residencias en Noruega —su patria—, Alemania, Italia y, desde 1892, ya no se movió de Cristianía, donde murió en 1906. Hasta el final de su vida Ibsen marcó las llagas morales de su pueblo y de la humanidad, sin hacer caso de las voces contrarias. Desenmascaró a sus adversarios en Un enemigo del pueblo (1883), planteó la lucha entre la verdad y la mentira en El pato silvestre (1884), y la de los valores ciertos o aparentes en Casa de muñecas (1879), determinó las causas del tormento fisiológico y espiritual en Espectros (1881), en Hedda Gabler (1890) buceó en el abismo del alma femenina como foco de un problema general, debatió en La dama del mar (1888) el determinismo y el libre albedrío, formulando sugestiones novísimas, y deslumbró con la imaginación envolvente de Peer Gynt (1867), donde resuenan los ecos de las fantásticas leyendas nórdicas.
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Dentro de la amplia y rica trayectoria de la parodia teatral en España La venganza de don Mendo es la obra maestra del género: Muñoz Seca supo aquilatar en ella los procedimientos característicos del disparate cómido o el astracán para ofrecernos una divertida burla del teatro más aburrido y presuntuoso de su tiempo. La obra, divertida e ingeniosa en extremo, encierra un mensaje duradero que siguen apreciando las generaciones actuales, como demuestran sus reiteradas reposiciones en los escenarios españoles.
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Cyrano, poeta y mosquetero del rey, no se atreve a confesar su amor por Rosaura. Está convencido de que lo rechazará porque su nariz es enorme y desproporcionada. No obstante, Cyrano decide ayudar a Cristiano, un joven soldado muy guapo pero a quien le cuesta hablar, a conquistar el corazón de Rosaura y le dicta palabras de amor que cautivarán el alma de su amada.
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Juliano el Apóstata, el emperador filósofo que, renegando del cristianismo, sueña con restaurar el mundo pagano, ejerció una fuertesugestión sobre la fantasía de numerosos escritores. Ibsen hace de Juliano un desafortunado rebelde que, debatiéndose ent
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Con Molière suben al escenario preocupaciones que nunca antes lo habían hecho, dando sentido nuevo a una comedia de costumbres cuyo objetivo principal ya no esun divertimento simple, sino que suma, a esa reflexión sobre hechos de la vida social, una carga burlonay crítica que afecta a la vida moral. Aunque la lección de ambas ''Escuelas'' sería parecida: el amor es un gran maestro ''que vuelve inventivo'' y enseña a superar cualquier impedimento a la niña más ignorante,frente a los defensores de la rigidez moral opuestosal cambio en los usos sociales, La escuela de lasmujeres supone, sin embargo, un salto cualitativoen el terreno escénico, no sólo respecto a La escuela de los maridos, sino también a la construcción de la comedia como género, superando el esquematismo de la farsa italiana y dando a la comedia el estatuto de pieza mayor.
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En Ciclo de resurrecciones, Angélica Liddell explora, con prodigiosa transparencia y desde un punto de vista pasional, el lado luminoso de la existencia al tiempo que indaga en el sentido de lo sagrado y meditasobre el amor, el silencio de Dios, la vanidad, el poder del sexo sobre la voluntad, las transformacionesmágicas de los cuerposà Una forma de «mística salvaje», ajena a toda ortodoxia y religión.
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Escritor ganador del Premio Princesa de Asturias de las LetrasJuan Mayorga: «Veo en Teresa una insurrecta, un ser a contracorriente en su tiempo y en el nuestro. Hoy como entonces, Teresa es extraña y fascinante, hoy como entonces, asombran su voluntad y su palabra, tan violentamente hermosa. Esta noche la visita su enemigo más íntimo: el Inquisidor. El combate tiene lugar en la cocina del convento. Allí, entre pucheros, anda Dios».
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Representada en casi un centenar de teatros enmás de veinte países, donde ha cosechado un éxito inaudito, Terror aborda sin tapujosel abrumador problema ético al que se enfrenta el ser humano en situaciones límite, invitándonos a una reflexión profunda sobre el valor y el precio de la libertad. Cada vez que se produce un atentadoterrorista en un país occidental, provocando un sentimiento general de pánico y estupor en la sociedad, surge inevitablemente un dilema difícil de resolver: ¿estamos dispuestos a sacrificar nuestra libertad individual en aras de la seguridad colectiva? ¿Cuál es elcamino correcto para preservar la democracia? Como oficial de la Fuerza Aérea de Alemania, Lars Koch debe intervenir en una situación de emergencia: unterrorista ha secuestrado un avión de Lufthansa y pretende estrellarlo contra el Allianz Arena de Múnich,donde en ese momento setenta mil espectadores asisten a un partido de fútbol internacional entre las selecciones de Alemania e Inglaterra. Contraviniendo lasórdenes de sus superiores, y consciente de la responsabilidad que deberá asumir por su terrible acto, Kochderriba el aparato para impedir la masacre en el estadio, causando la muerte de las ciento sesenta y cuatro personas que viajaban a bordo. Así pues, eljuicio al que se somete al infortunado piloto es elnúcleo de la primera obra teatral del célebre abogadocriminalista alemán Ferdinand von Schirach. Con unatrama sencilla pero contundente, el autor de superventas como Crímenes y Culpa nos conmina atomar partido como miembros del jurado popular que deberá dictar una sentencia de tintes dramáticos y consecuencias inquietantes. La crítica ha dicho...«Terror es teatro en su máxima expresión.»The Sunday Times «Una historia tan compleja que seguirás pensando en ella muchodespués de que se falle la suerte del acusado.»The Times «Von Schirach se nutre del legado del drama clásico como un foro donde considerar los dilemas humanos más acuciantes.»Financial Times
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Enmig d'una etapa de canvis a casa seva, marcada per la separació dels seus pares, la seva ment es veu envaïda per un cúmul de pensaments que li impedeixen sentir-se feliç. Però el destí li té preparada una sorpresa: coneixerà en Bigotets, un gat misteriós que es convertirà en el seu guia en un viatge inesperat cap al seu món interior.
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El estreno en 1835 de '' Don Álvaro o la fuerza del sino '' supuso el triunfo definitivo del Romanticismoen el teatro español y el alejamiento de las estrechas normas neoclásicas. Este drama complejo y variado funde acciones violentas y escenas costumbristas, el estilo elevado y el llano, el verso y la prosa, todo en rápida sucesión y de la mano del hado fatal que empuja a don Álvaro, paradigma del héroe romántico, a suangustiada destrucción. Es, en suma, un grito de libertad artística.
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¿Quién recuerda hoy a Lise Meitner? A pesar de ser una de las personas que descubrió la fisión nuclear, su legado ha permanecido en un segundo plano hasta ahora. Mujer, científica y judía, huyó de la Alemania nazi y se refugió en Suecia. En 1944, el único galardonado con el Premio Nobel por el descubrimiento de la fisión sería su estrecho colaborador Otto Hahn. ¿Por qué ignoró el tribunal de los premios el papel esencial que desempeñó Meitner en el proceso? ¿Qué motivó esta aventura científica y la traición que le siguió? Con veracidad y pasión, esta obra arroja luz sobre una de las figuras fundamentales de la ciencia del siglo XX y, con ella, sobre tantas y tantas trayectorias que merecen ser redescubiertas.
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La obra de teatro que escribió Milan Kundera tras la invasión rusa de Checoslovaquia.«Los libros de Milan Kundera son tan divertidos, transparentes, experimentales y sofisticados que me hechizan por completo». Adam Thirlwell, The Guardian En 1972, el joven director de teatro francés Georges Werler fue a ver a Milan Kundera a Praga y a su regreso consiguió, pese a los controles de la frontera, introducir en Francia el manuscrito de su obra de teatro Jacques y su amo. Kundera la había escrito después de la invasión soviética, cuando toda su obra, pasada y futura, había quedado borrada de las letras checoslovacas. En esta muy libre variación sobre Diderot, Kundera rinde un homenaje al escritor y filósofo francés que le ayudó a sobrevivir en un periodo tan difícil. Tres historias de amor se entrecruzan durante el viaje que emprenden Jacques y su amo: la del amo, la de Jacques y la de Madame de la Pommeraye, tres historias que se entremezclan polifónicamente, donde cada una es, a su vez, variación de la otra, y juntas conforman una comedia sobre los problemas existenciales de la pasión amorosa, los celos, la venganza y el destino.
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En el Horacio, representado en París en 1640, Pierre Corneille (1606-1684) evoca con apasionada elocuencia la grandeza de la antigua Roma.Poliucto se estrenó en París entre 1642 y 1643. Después de las tres obras maestras precedentes —El Cid, Horacio y Cinna—, Poliucto señala la cumbre de la ascensión dramática de Corneille.
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Losada incorpora a su colección Aniversario dos piezas fundamentales del gran dramaturgo sueco August Strindberg (1849-1912): La Señorita Julia (1888) y El padre (1887), impregnadas de la perspectiva cientificista del naturalismo, estas obras lo trascienden a partir de su singular lucidez.El autor reflexiona acerca del arte teatral de la siguiente manera: “¿No es posible una emancipación del arte, un renacimiento, una liberación de las terribles reglas que están empezando a hacer desgraciada a la gente, las cuales quieren convertir el teatro en un foro político, una escuela dominical o una iglesia? ¡Quizá! Podemos tener un teatro donde uno pueda estremecerse ante lo más horrible y reír ante lo ridículo: donde uno pueda verlo todo y no ofenderse si ve lo que está escondido tras los velos teológicos y estéticos, donde se rompan las leyes de los convencionalismos. ¡Podemos tener un teatro donde uno tenga libertad para todo, excepto libertad para carecer de talento, ser hipócrita o ser tonto! ¡Y si no tuviéramos tal teatro, probablemente procuraríamos hacerlo nacer de cualquier forma!”
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Críticos e historiadores de la literatura francesa señalan entre las principales obras de Molière: La escuela de los maridos (1661), El misántropo (1666), que ridiculiza ciertos rasgos de la vida “de salón”, El avaro (1668), que dio vida al famoso personaje de Harpagón, Tartufo (1669), El burgués gentilhombre (1670) y El enfermo imaginario (1673), que apunta contra la víctima tradicional de la comedia popular, el médico.Jean-Baptiste Poquelin, conocido como Molière, nació en 1622 y murió en 1673, en París. Proveniente de una familia de burgueses acomodados, estudió con los jesuitas en el Colegio de Clermont y luego con Gassendi. Su afición al teatro se manifestó desde temprana edad, canalizándose a través de la triple actividad de actor, director (ya en 1642 formó la compañía del Illustre Théâtre) y autor (escribió treinta y una obras). Molière constituye, junto con Pierre Corneille y Jean Racine, el tríptico mayor del gran teatro francés, siendo el maestro indiscutido de la comedia de costumbres y caracteres.
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David es un adolescente impulsivo y violento que se aleja de la realidad gracias a la magia los skaters. Sara, su profesora, vive su propia crisis personal.Sara y David son dos seres a la deriva que se encuentran por necesidad, que se atraen irremediablemente, pues ambos se sienten perdidos y desamparados en un mundo hostil. David es un adolescente impulsivo y violento que se aleja de la realidad gracias a la magia de los skaters. Sara, su profesora, que vive su propia crisis personal, se enfrenta a los problemas en el aula, lo que la llevará a cuestionará el sistema educativo vigente. Monopatines (Skaters) es una obra comprometida, pionera, que aborda la vida diaria de la Educación Secundaria Obligatoria.
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«El crisol» puede enmarcarse en la categoría de teatro político, por un lado, y teatro histórico, por otro. Ambientada en las colonias inglesas en el Nuevo Mundo, a finales del siglo XVII, la obra no habría sido escrita de no ser por otro momento histórico: lo que dos siglos y medio después estaba aconteciendo en Estados Unidos y en el resto del mundo, justo en los albores de la conocida como Guerra Fría. Otra «caza de brujas», la que tuvo lugar a principios de los años 50 del pasado siglo, sin duda una de las más conocidas, que el propio Miller sufrió y durante la que escribió «El crisol». Los acontecimientos que se produjeron en Salem, Massachusetts, en 1692, durante los cuales casi doscientas personas fueron acusadas de practicar la brujería, y que terminaron con la ejecución de varios inocentes, son una manifestación perversa del pánico de las autoridades ante la pérdida de poder y su empeño por restaurarlo. Lo que empezó siendo un juego de niñas terminó convirtiéndose en un instrumento para hacer volver a los colonos al redil de la fe y las buenas costumbres, estableciendo una suerte de imperio del terror. El paralelismo entre Salem y los albores de la Guerra Fría figura en el mapa de nuestra conciencia histórica gracias a la obra del genial dramaturgo norteamericano.
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José María Alvarez, reconocido estudioso de Shakespeare ahora presenta esta traducción de El rey Lear. Este rey Lear es fruto de su amistad con el actor Eusebio Lázaro, que se la propuso para su representación enEspaña. Por esa razón, cuando José María Alvarez sededicó a traducirlo tuvo muy en cuenta «la escena», lo que sucede en el teatro, y considerando que no es texto fácil para un lector no especializado y lo difícil que resulta poder asistir a una representación deesta obra, ha estado muy atento a insertar explicaciones de la puesta en escena, a gestos o entonaciones-tras un considerable estudio de lo que sobre El reyLear habían establecido Granville Barker o sir John Gielgud, Jan Kott y otros- que facilitaran a ese lector una mejor comprensión de la obra.
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Figura señera de las letras españolas de entre siglos y del siglo XX, Ramón del Valle-Inclán (1866-1936) cultivó todos los géneros -novela, teatro, poesía, ensayo...- y en todos dejó la huella de su genio innovador. Dentro del ámbito escénico -en el que realizó tan variada y fecunda labor-, una de sus principales aportaciones fue la creación del «esperpento», cuya muestra más acabada se considera «Luces de Bohemia» (1920/1924). Obra de madurez, en este singular retrato de la bohemia canalla y genial que proliferó a principios de siglo XX en las grandes ciudades europeas -entre ellas, Madrid-, Valle-Inclán vertió asimismo a su manera, caracterizada por la acidez, el sarcasmo y la presencia de lo grotesco, su visión crítica de la naturaleza humana y de la España de la época, convulsionada aún por las consecuencias de los desastres militares y de la Primera Guerra Mundial. Edición de Catalina Míguez Vilas
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Què faries si apareguera un extraterrestre a la teua habitació? Això és el que els passa a Daniel i Piloki, que se'n troben no un, sinó cinc!Què faries si apareguera un extraterrestre a la teua habitació? Això és el que els passa a Daniel i Piloki, que se'n troben no un, sinó cinc! Aquests éssers galàctics són molt diferents: tenen braços addicionals, una pell multicolor i, fins i tot, tentacles. Poden fer por al principi, però... és possible que puguen ser amics?
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La filla del mar és un dels drames més coneguts d'Àngel Guimerà, representat moltes vegades als nostres teatres. L'adaptem ara al còmic amb l'esperit juganer de les posades en escena contemporànies. La lectura mostra els vincles que la història de Guimerà encara té amb nosaltres: l'amor, la gelosia, les pressions de la comunitat cap a qui és diferent o ha arribat de fora, la por, les diferències de classe. Quim Noguero i Josemaría Casanovas n'han fet una versió àgil, actual, amb picades d'ullet al lector cap a d'altres obres de Guimerà, per tal de ser fidels alhora al text i al llegat del dramaturg. Un proemi de l'escriptor Màrius Serra, el making of de l'adaptador, Quim Noguero, i un epíleg del guionista Hernán Migoya acompanyen aquest còmic amb què encetem col·lecció.
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En 1728, The Beggar's Opera de John Gay escandalizó Inglaterra al poner en escena ladrones, prostitutas y políticos corruptos cantando melodías populares. Cuando se estrenó, la obra se convirtió en un éxito masivo en Londres. Estuvo en cartel durante más de 60 funciones seguidas. Dos siglos más tarde, Bertolt Brecht refundió esta obra y la convirtió en una de las más influyentes del siglo XX: La ópera de tres centavos, una sátira musical con música de Kurt Weill. Ambientado en el Londres victoriano, sus protagonistas Peachum, el rey de los mendigos, y Mackie Messer (Mackie el Navaja), un gánster con pocos escrúpulos, dirigen su actividad criminal con la profesionalidad de cualquier negocio: uno controla la mendicidad como una próspera franquicia, el otro domina el hurto y el robo callejero. Cuando Polly, la hija de Peachum, se casa con Mackie, se desencadena un intrincado juego de traición, dinero y moralidad, en el que nadie es realmente inocente. En el 70º aniversario de la muerte de Brecht, Libros del Zorro Rojo presenta esta edición de La ópera de tres centavos profusamente ilustrada por Katja Spitzer, cuyas ilustraciones presentan la obra bajo una nueva luz, con frescura, audacia, fuerza y vitalidad. Una entrada perfecta a la obra de uno de los principales dramaturgos del siglo XX.
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El teatre còmic és l'obra en què Goldoni va concentrar les propostes de reforma de la Comèdia de l'Art. En el joc del teatre dins del teatre, Goldoni revisa els preceptes clàssics, advoca per la versemblança i proposa noves regles d'interpretació. I aquestes noves propostes s'exemplifiquen també en El criat de dos amos, una intriga esbojarrada i molt divertida que ordeix un dels personatges més universals que ha donat l'escena: Arlequí.
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Cuando baja el telón, el espectador de 'Bodas de sangre' siente que ha asistido a la representación de un rito antiquísimo y renovado, casi a un sacrificio, cuyo significado último es simple y terrible: el amor más intenso solo es posible a costa de la vida, quienes se ven envueltos en el torbellino del amor acaban siendo sus víctimas. En 'La casa de Bernarda Alba' no hay cabida para los buenos sentimientos. La dictadura de la madre ha envenenado la convivencia para siempre. La obra se cierra, como se abrió, con un luto: ¡Nos hundiremos todas en un mar de luto!, ella, la hija menor de Bernarda Alba, ha muerto virgen. La dictadora es incapaz de aceptar que la realidad, a su alrededor, siga un curso distinto del que ella le ha marcado. Es necesario seguir fingiendo que allí no ocurre nada anormal, que nada ha perturbado, ni con su cara risueña -el hijo que probablemente esperaba Adela- ni con su cara oscura -el suicidio-, el orden impuesto por la autoridad indiscutible.
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YERMA, cuerpo de tragedia típica que yo he vestido con ropajes modernos es, sobre todas las cosas, la imagen de la fecundidad castigada a la esterilidad. Un alma en la que se cebó el Destino, señalándola para víctima de lo infecundo. Y es de ahí, del contraste de lo estéril y lo vivificante, de donde extraigo el perfil trágico de la obra.Federico García Lorca(Entrevista a Alfredo Muñiz, 1934)Vista desde el ángulo más directo y más humano, YERMA está incompleta porque no tiene, ni va a tener, un hijo. Sin embargo, le falta mucho más que un hijo: le falta todo lo que lo haría posible: el amor, la ternura, la compasión, la pasión, la liberación, la curiosidad de explorar “la experiencia que se encuentra más allá de los límites familiares”.
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“És la meva obra favorita. És el consens general aquí [a la Gran Bretanya] que és la millor de les meves obres de teatre. Així que li tinc molt d’afecte. Mai se sap en el moment —algunes obres milloren amb el temps i altres fan el contrari.” (13 d’octubre de 2010, Los Angeles Times És obvi que Contes de Hollywood, com diu el seu autor, millora amb el temps, el compromís polític de l’escriptor o l’artista és un tema que apel·la a cada generació, encara que de maneres diferents depenent del context històric. Durant la Segona Guerra Mundial, les tries estilístiques i estètiques significaven la possibilitat de posar en risc la pròpia vida, com demostra la història encara per escriure’s de l’exili dels escriptors alemanys als Estats Units. L’obra escenifica els problemes polítics, estètics, econòmics…, que van haver d’afrontar aquests escriptors, i la seva relació conflictiva amb el món de Hollywood. Hi apareixen, de manera destacada, els germans Mann i Bertolt Brecht, junt amb personatges mítics del cinema de Hollywood, com els germans Marx o Johnny Weissmuller, a més de l’austrohongarès Ödön von Horváth, que llavors ja era mort, però que es converteix en el nostre particular Virgili i ens guia pel purgatori i l’infern hollywoodià dels anys quaranta. D’altra banda, la distància cultural entre la tradició intel·lectual europea i les idees i formes de la indústria cinematogràfica americana ens fa reflexionar sobre la inevitable incomunicació entre persones de diferents referents culturals.
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Antoni i Cleopatra, de William Shakespeare, traducció de Salvador Oliva. Un clàssic editat per Vicens Vives, per a estudiants de Llengua i literatura. Una tragèdia històrica en cinc actes que mostra la relació entre Cleopatra i Marc Antoni fins al suïcidi. El principal antagonista d'Antonio i Cleopatra és Octavi August, company de triumvirat d'Antonio i futur primer emperador de Roma. Shakespeare crea una atmosfera de luxe barroc i d'imatges exuberants.
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'La vida es sueño'' no solo es la obra más popular de Calderón de la Barca, sino también una de las más significativas del movimiento barroco y del teatro español de todos los tiempos. Bajo la historia del desafortunado príncipe Segismundo, reside una obra inmortal que nos habla de temas filosóficos y trascendentales, de la lucha del libre albedrío contra el destino y de la razón contra el instinto. De la fugacidad y futilidad de la vida, del papel que representa el hombre en este mundo ilusorio, perdido entre sombras y sueños.
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En medio de una feroz crisis económica y una sociedad al borde del colapso, un grupo de mujeres de los suburbios de Milán toma una decisión radical: enfrentarse a los abusos del sistema. Hartas de precios imposibles, su rebelión comienza en el supermercado, pero pronto se desatará un torbellino de situaciones hilarantes y caóticas que involucrarán a sus familias, a los vecinos e incluso a las autoridades. Con un magistral uso de la sátira, Dario Fo retrata la opresión del sistema capitalista y la lucha por la supervivencia en un mundo injusto. Una comedia que resalta el ingenio popular, la solidaridad y la subversión cotidiana frente a la precariedad.
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Días antes de la celebración de la ceremonia de los Oscar de 1961 —la cuarta y última ocasión en la que fue nominado—, Montgomery Clift prepara en un apartamento del Upper East Side su regreso a los escenarios teatrales con La gaviota de Chéjov. Ha decidido escapar por fin de los mandatos de los estudios cinematográficos y de la persecución de la prensa, pero antes tendrá que saldar las cuentas pendientes con el pasado: el accidente de tráfico que rompió su máscara de galán, los fantasmas familiares y el deseo que no se atreve a decir su nombre. Por esta pieza teatral se pasean algunos de los dioses caídos del Olimpo de Hollywood (James Dean, Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor o Marlon Brando) desde la mirada lúcida y alucinada del propio Clift.
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Dos escriptors passen dos dies a Teià, durant el festival Lletrescena, de literatura i dramatúrgia, entrant en contacte amb una comunitat, amb un paisatge. A posteriori, escriuen una ficció posant el poble com a escenari. A La cua del dromedari fabula una història a partir d'una pintura mural escrita en català i La Ventafocs de Teià és una història coral de personatges curiosos, amb les seves històries i desitjos amagats.
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Sobre un cantar de gran difusión e intrigante origen que sirve de lugar de encuentro del autor y su público, amor, muerte y destino son los pilares de la ironía trágica en ", El Caballero de Olmedo ", . Pocas tramas de Lope son más límpidas y sencillas y, sin embargo, más ricas. En la presente edición el profesor Francisco Rico hace un estudio muy documentado del núcleo literario de la comedia y aporta conclusiones nuevas sobre la génesis e historia de la leyenda del Caballero, situando en esas coordenadas la que muchos consideran la obra maestra del teatro de Lope.
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Los libros de teatro son obras impresas que recogen textos dramáticos pensados para la representación escénica y la lectura reflexiva. El teatro como género literario se construye a partir del diálogo, la acción y la estructura en actos o escenas. Aunque a veces se habla de novelas teatrales, el texto teatral posee características propias que lo diferencian de la narrativa tradicional. El formato en papel facilita la lectura pausada, el análisis del diálogo y la comprensión de la estructura dramática.
¿Qué son los libros de teatro?
Los libros de teatro son publicaciones en papel que contienen obras dramáticas destinadas tanto a la representación como a la lectura individual.
Definición
Una obra de teatro se estructura en actos y escenas y se desarrolla principalmente a través del diálogo entre personajes. Los libros de teatro permiten acceder al texto íntegro, analizar sus acotaciones y comprender la construcción escénica.
Características del género dramático
El teatro se caracteriza por la acción directa, la interacción entre personajes y la presencia de indicaciones escénicas. La lectura en papel facilita la visualización de la puesta en escena y la interpretación del conflicto dramático.
Cómo elegir libros de teatro
Seleccionar entre distintos libros de teatro implica considerar el periodo histórico, el estilo del autor o autora y el tipo de dramaturgia que se desea explorar.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca teatro clásico, contemporáneo o propuestas experimentales.
- Obras teatrales clásicas del canon universal.
- Dramaturgia contemporánea con temáticas actuales.
- Teatro breve o monólogos.
- Ediciones comentadas para el estudio académico.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de teatro en formato papel pueden incluir diferentes propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Obras completas de un autor o autora.
- Antologías teatrales temáticas o históricas.
- Textos acompañados de estudios críticos.
- Dramaturgia contemporánea de nuevos autores y autoras.
Estos libros permiten analizar la estructura dramática, el ritmo del diálogo y la evolución de los personajes.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de teatro en papel favorece la comprensión del lenguaje escénico y el desarrollo de habilidades interpretativas.
Comprensión del conflicto dramático
El análisis de obras teatrales ayuda a entender la construcción del conflicto y la dinámica entre personajes.
Fomento de la lectura expresiva
Los libros de teatro invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación, fortaleciendo la expresión oral y la sensibilidad artística.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de teatro?
Los libros de teatro están dirigidos tanto a lectores y lectoras interesados en la literatura dramática como a estudiantes y docentes que trabajan el texto teatral.
- Personas interesadas en el arte escénico.
- Estudiantes de literatura y artes escénicas.
- Grupos de lectura que practican la lectura dramatizada.
- Quienes desean conocer la evolución histórica del teatro.
Preguntas frecuentes sobre libros de teatro
¿Qué diferencia hay entre una obra de teatro y una novela?
La obra de teatro se construye principalmente a través del diálogo y está pensada para la representación escénica, mientras que la novela desarrolla una narración extensa en prosa.
¿Qué aportan los libros de teatro a nivel educativo?
Favorecen la comprensión del lenguaje dramático, el análisis del conflicto y el desarrollo de la lectura expresiva.
¿Cómo elegir un libro de teatro adecuado?
Es recomendable considerar el periodo histórico, el estilo dramático y el interés por determinadas corrientes teatrales.
¿Por qué leer teatro en formato papel?
El formato en papel facilita la lectura detallada del diálogo, la comprensión de las acotaciones y la interpretación pausada del texto dramático.