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Libros de teatro
En Abacus disponemos de la mejor selección de libros de teatro, ese género olvidado e ignorado por el público, pero que constituye en sí mismo una importante fuente de riqueza literaria. Descubre las obras de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca y muchos más.
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El Misántropo es una creación singular para la época. Los personajes principales de la obra pertenecena la aristocracia, pero su comportamiento no sirve, como en las tragedias clásicas inspiradas en las monarquías e imperios, para resaltar las virtudes de la nobleza. '' El Misántropo '' hace funcionar un salónaristocrático en donde se debate el juego de las apariencias o de la hipocresía. Alcestes, el enamorado atrabiliario, es un héroe ambiguo y, como todos los héroes, la invulnerabilidad de sus normas éticas se ve amenazada por el punto vulnerable de sus sentimientosamorosos. Un coro de intrigantes, fatuos, hipócritas,chismosos y vanos cortesanos actúa como contrapuntode Alcestes, y las figuras de Filinto y Elianta constituyen el puente de prudencia y sabiduría, como portavoces del propio Molière.
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Jean Cocteau (1889-1963) transitó todos los géneros de la literatura: novela, poesía, teatro, ensayo y, dentro de cada uno de ellos, en variantes encontradas, participó también en experiencias musicales, cinematográficas y plásticas. En este volumen de Losada Clásica, se recogen dos de sus piezas más justamente famosas: Los monstruos sagrados, en la cual denuncia a los grandes actores, y La máquina de escribir, donde su consumado talento maneja, afectando parodiarlos, los más violentos efectos escénicos. Silvio D’Amico, uno de los mayores historiadores del teatro universal, supo calificar a su autor: “I’enfant terrible” de la literatura francesa del siglo XX.
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Rasi está muy contenta porque unos animales amigos suyos han ido al colegio para hacer algo muy especial. Pero todo se complica cuando aparece la gran enemiga de Rasi: la urraca Paca. ¿Qué busca esta urraca? ¿Y para qué se habrán acercado al colegio Rasi y el resto de animales?
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'El burlador de Sevilla'' es la primera obra en la que se desarrolla el mito de Don Juan, personaje universal del teatro en lengua castellana y uno de los más célebres, junto con la figura del Comendador, de toda nuestra literatura. Esta nueva edición, además de ofrecer un texto firmemente establecido a partir del cotejo de las ediciones facsímiles de la obra y de algunas otras variantes registradas en distintas representaciones, aclara el prolongado debate acerca de la autoría, que, tras una reciente serie de estudios basados en análisis objetivos y nuevas metodologías contrastables, apunta sin lugar a dudas al actor y dramaturgo Andrés de Claramonte, contemporáneo de otros autores de renombre como Tirso de Molina o Lope de Vega, a quienes largamente se han atribuido varias de sus obras.
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Una obra imprescindible de Shakespeare sobre la ambición, el poder y la traición en el marco fascinante de la antigua Roma. De regreso a Roma tras su exitosa campaña en España, Julio César se hace nombrar cónsul y dictador perpetuo. Es entonces cuando, en defensa de la República, Casio pone en marcha una conspiración para asesinarlo con ayuda del noble Bruto. Sin embargo, Marco Antonio volverá la opinión pública en contra de los conspiradores, en una jugada que llevará a los lectores a reflexionar sobre el honor, la ambición y la integridad. En el imprescindible prólogo escrito para nuestra edición, el novelista y experto en literatura inglesa Santiago Posteguillo destaca la plena vigencia de esta pieza en la que el ejercicio de la autoridad llama a los peores excesos políticos. Santiago Posteguillo ha dicho:«Todo el mundo debería leer la obra de teatro Julio César de Shakespeare, al menos, una vez en la vida».
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Cavalls de mar
Versió per a la posada en escena de Josep Maria Flotats i Ignasi Camprodón. Posada en escena de Josep Maria Flotats.
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Ubú rei
El Pare Ubú i la Mare Ubú maten Venceslau, rei de Polònia, i usurpen el tron. Un cop sobirans, eliminen els adversaris i el Pare Ubú assumeix tot el poder. Amb ell Alfred Jarry fa un retrat canònic del tirà mediocre i pompós que, enfangat en la bogeria totalitària, només es guia per la cobdícia i la vanaglòria.Escandalosa des de la seva estrena, Ubú rei és una obra bufa, un guinyol divertidíssim, que va trencar amb el teatre tradicional i que, pel seu implacable to satíric, s’ha convertit en un clàssic de la denúncia de la classe burgesa i la societat patriarcal.«Traduir teatre és una tasca peculiar. Els paràmetres habituals del que és fidelitat a l’original o llicència de traductor no serveixen, perquè el text s’ha de sotmetre a l’escenari […]. Si no, és temps perdut. Si això és així per a qualsevol obra de teatre, què no ha de ser per a una obra que inventa paraules i expressions a cada dues frases en una espiral de bogeria i de disbarats.» Del pròleg.Traducció i pròleg d’Albert Mestres
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El arquetipo de Don Juan, entroncado con la tradición literaria del Siglo de Oro español, se convirtió durante el siglo XIX en uno de los personajes favoritos del romanticismo europeo. Estrenado en 1844, el drama de José Zorrilla (1817-1893) incorporó def
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Voltaire/Rosseau. La disputa
Estem al segle XVIII, apoteosi de la Il·lustració i del Segle de les Llums. El vitriòlic Voltaire creia en les virtuts de la raó, la ciència i l'art com artífex del progrés civilitzatori. L'explosiu Rousseau sostenia que tals factors arruinaven la llibertat i la inocència de l'home, vinculat a les pautes de la natura. Que una conversa sobre l'escenari entre dos filòsofs mantingui durant 1,5 hores enganxats a les seves butaques als espectadors del teatre condueix a una reflexió: no serà que la filosofia no és tan avorrida com es diu?, De veritat que la filosofia és supèrflua i improductiva com molta gent sostè? L'obra Voltaire/Rousseau. La disputa, interpretada per Josep Maria Flotats i Pep Planas, suposa un repte perquè no és habitual veure la filosofia convertida en matèria prima d'una obra teatral i a dos filòsofs como els seus protagonistes.
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'El perro del hortelano'' pertenece a la llamada comedia de fábrica, la versión aristocrática de la comedia de capa y espada. En esta comedia de Lope el honor se salva por la mentira, dando así ocasión a situaciones confusas y enredos divertidos. La ironía lopesca es hacer de los títulos una cuestión de formas.
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Una selección de títulos variada y representativa de las distintas épocas y géneros (poesía, novela, cuento, teatro) de la literatura española, perfectamente concorde con los programas educativos vigentes de ESO y Bachillerato.
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Maragall a casa
Maragall a casa és un espectacle creat per Josep M. Jaumà a partir dels articles, poemes i correspondència del poeta Joan Maragall que es representa des de l'any 2011 al menjador de la seva casa de Sant Gervasi, des d'on l'actor Jep Barceló, sota la direcció de Dolors Vilarasau, ens explica les seves vivències, els seus somnis, el seu ideari. Els versos, articles, discursos i cartes de Joan Maragall (Barcelona, 1860 - 1911) van suposar un canvi de rumb en la literatura, en el pensament i, en general, en la cultura catalana. Ja amb el seu primer recull de poemes i amb els primers articles al ''Diario de Barcelona'' va aconduir els seus lectors des del floralisme historicista i rural de la Renaixença a la modernitat de la vida quotidiana a ciutat. Maragall cresqué alhora que creixia l'Eixample barceloní i -atès que l'atzar li oferí aquesta possibilitat- es proposà educar la nova burgesia industrial i comercial que s'hi instal·lava. Va obrir-li horitzons més enllà dels diners i de les ostentacions socials, va fer-li descobrir l'ordre i la bellesa de la natura, el poder de la paraula i de l'art, la força de l'esperit que li permetria enfrontar-se al demà. El fet que vint anys dedicats quasi exclusivament a aquest propòsit tinguessin el final tan tràgic del juliol de 1909, degué ser per a ell un cop molt dur. Envellí ràpidament i morí dos anys després. El centenari, any en què es creà l'espectacle, va ser una bona ocasió, no tan sols per celebrar l'alta qualitat del que (malgrat els obstacles de l'època) arribà a assolir, sinó també per comprovar una vegada més la vigència actual del seu pensament i de la seva actitud, enfrontats encara avui a obstacles potser més poderosos dels que li tocà viure. L'home Maragall i la seva obra continuen essent un referent literari, moral i cívic indispensable per a nosaltres, per al país.
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La casa de Bernarda Alba fue la última obra de teatro de Lorca, quien no llegaría a verla representada. Protagonizada por personascorrientes que salen del pueblo, negando la heroicidad, representa el dolor cotidiano y familiar hasta sus últimas consecue
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'Sin dejar de profundizar en el corazón del canon del siglo xvii, he buscado la interpretación dramática y artística más rigurosa a partir de elementos e ideas de nuestro siglo XXI, poniendo en marcha la maquinaria del tiempo que nos enlaza con Molière a través de cuatro siglos para ofrecer al público la referencia del momento histórico en que se forjó la obra. En El enfermo imaginario Molière descubrió una faceta del ser humano que no se limita a su tiempo, sino que ha ido aumentando hasta llegarnos convertida en una pandemia universal: la de quienes, para remediar frustraciones y fracasos personales, sufren o creen sufrir enfermedades que no son otra cosa que fruto del descontento ante unos deseos y proyectos de vida insatisfechos''. (Josep Maria Flotats)
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Oscar Wilde: el escritor que desafió con su ingenio mordaz la moral de la sociedad victorianaEsta comedia frívola para gente seria, o, como también la describe Oscar Wilde, «una farsa admirable para el estilo, pero fatal para la escritura», es quizá la obra más conocida y representada del genial autor irlandés. En ella, Wilde se consagra al ingenio del lenguaje y hace del estilo, la cháchara y el sinsentido el núcleo de la pieza. Comedia de enredos que lanza sus dardos al matrimonio, la religión o aquello que nos hace respetables, narra la historia de dos hombres, Jack y Algernon, que emplearán toda clase de engaños para añadir emoción a sus vidas.Traducción y prólogo de Mauro Armiño
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Cuenta Tefi de Paz que lo suyo con Remigia Echarren fue un flechazo. Empatizó con ella por ser mujer circense y de Pamplona. Se quedó dentro de ella, como una luciérnaga revoloteando en su corazón. ¿Quién era Remigia? ¿Una mujer funambulista? Una historia tocaba en la puerta y en esas llegó una pandemia mundial. En medio del silencio su nombre resonó de nuevo con más fuerza: ¡Remigia, Remigia, Remigia! ¿Quién anda ahí? Abre, soy yo, La reina del Arga.La reina del Arga es una obra de teatro escrita y dirigida por la actriz y payasa Tefi de Paz. En ella se cuentan las aventuras de 'La Remigia', una funambulista valiente, creativa y sobre todo mujer en un reino de hombres como era la Pamplona de finales del siglo XIX. Se sabe poco de ella. Tefi resquebrajó los cimientos de la memoria local sacó brillo a algunos hallazgos, a gentes que sí oyeron hablar de ella, a sus hazañas, a sus propuestas, a su capítulo final.
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Valle-Inclán escribió, en 1920, esta obra, con la que quedó inagurada una nueva manera de ver la realidad, el Esperpento. Person
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Sueño de una noche de verano es una de lascreaciones más personales de William Shakespeare. Enel singular bosque del dramaturgo, siguiendo el modelo de las pastorales desde Sannazaro hasta Spencer, los elementos son los aprendidos de esas fuentes: alejamiento de la sociedad y adopción de un disfraz y de una existencia rústica, hasta que el equilibrio y la justicia sean restablecidos.Pero los amantes delSueño de una noche de verano pierden su identidad sexual, están sometidos a una especie de disfrazcolectivo en el que nadie es el que era, en el que todos podrán expresarse más allá de lo que ellos mismos hubieran podido sospechar. El bosque es el lugar para la celebración lírica de un pasado lleno de nostalgia y ambigüedad.
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Piezas imprescindibles para entender la literatura del Siglo de Oro: Cervantes, Calderón de la Barca, Agustín de Rojas, y muchos más. Edición de Ignacio Arellano, Catedrático de literatura española de la Universidad de Navarra Loas y entremeses, piezas teatrales de corta duración que solían acompañar con frecuencia a comedias y autos sacramentales, son dos de las formas de teatro breve más cultivadas por los grandes dramaturgos del Siglo de Oro. De simples introducciones al espectáculo y entretenimiento entre los diversos actos de las comedias, pasaron a ser verdaderas obras maestras de la mano de autores como Lope de Rueda, Agustín de Rojas, Alonso de Castillo Solórzano, Hurtado de Mendoza, Calderón de la Barca y, por supuesto, Miguel de Cervantes, cuyos entremeses son considerados una de las cimas del género. Ignacio Arellano, uno de los máximos especialistas en literatura del Siglo de Oro, propone en este libro una cuidada selección de estas formas de teatro breve que ayudará al lector a comprender su génesis y evolución.
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El caballero de Olmedo, la obra maestra de Lope de Vega, en la cuidada edición de Francisco Rico. Un referente del teatro del Siglo de Oro.Este volumen presenta la que posiblemente sea la obra maestra de Lope de Vega como dramaturgo, y sin duda, la que más ha pulsado nuestra sensibilidad contemporánea: El caballero de Olmedo. Inspirada en una cancioncilla popular, la tragicomedia presenta un enredo sentimental que adquiere desde el principio tintes fatídicos y a la postre sobrenaturales, subrayados por imágenes simbólicas generadoras de una profunda melancolía y pesar. La obra se ofrece en la mítica edición de Francisco Rico, puesta al día por el filólogo y académico en sus últimos años. Esta edición quiere, así, constituirse en el homenaje de la Biblioteca clásica de la RAE al que fuera su fundador y director cuando se cumple un año de su desaparición.
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Restauración, publicada en 1991, abre el Teatro reunido de Eduardo Mendoza. A la inolvidable Mallenca de Restauración, que vive apartada de la ciudad y que una noche recibe tres inesperadas visitas, se unen en este volumen los pers
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Tres Don Juanes para la historia, las figuras que fundaron el mito. Introducción y Epílogo de Jordi Balló y Xavier Pérez, profesores de comunicación audiovisual en la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona Leyenda popular, Don Juan se convirtió en personalidad literaria con el drama trágico El burlador de Sevilla, de Tirso de Molina. A partir de entonces protagonizó como héroe-villano obras de teatro, novelas y poemas, hasta convertirse en un carácter universal, comparable a Don Quijote, Hamlet y Fausto. Además del texto fundacional de Tirso de Molina, en este volumen recogemos por su relevancia el drama de Molière y el libreto de Lorenzo da Ponte para la ópera de Mozart Don Giovanni, que aquí presentamos en edición bilingüe. Un análisis del Don Juan como arquetipo de la literatura y el cine, a cargo de Jordi Balló y Xavier Pérez, acompaña las tres grandes obras que asentaron las bases del mito. De este modo, el presente volumen nos acerca a un personaje que ha seducido, como solo él puede, a lectores de todas las épocas.
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El teatro de Borja Ortiz de Gondra se caracteriza por su exploración de la memoria, la identidad y los conflictos familiares e históricos a través de una escritura reflexiva y una estructura narrativa compleja. Sus obras rompen la linealidad temporal, alternando tiempos, superponiendo acciones y mezclando realidad con imaginación, lo que refuerza la subjetividad del recuerdo y la tensión entre pasado y presente. En «¿Dos?» el reencuentro inesperado entre Irune y Nerea revive un secreto del pasado que desafiará sus vidas y su amistad, llevándolas a confrontar lo que fueron y lo que son ahora. «Metropolitano» relata cómo Oscar, en el metro de París, se enfrenta a su soledad y frustración, mientras la rutina y la deshumanización urbana lo rodean, con la amenaza de un destino incierto acechando. «Dedos (vodevil negro)» es una comedia desquiciada que aborda temas como el sida, el desempleo y la violencia urbana, mientras retrata las relaciones entre dos parejas atrapadas en un juego de poder y desesperanza. «Mane, thecel, phares» explora el racismo, la multiculturalidad y la violencia en las sociedades europeas, utilizando un lenguaje experimental y una narrativa fragmentada que desafía al espectador a reconstruir el significado. En «Perro del mejor amo», se retrata la tensa relación entre un padre y su hijo, marcada por la incomunicación, la violencia y el sufrimiento emocional, sin posibilidad de redención. «Hacia el olvido» narra el viaje de mujeres que se enfrentan al olvido y la búsqueda de identidad en un contexto de sufrimiento y desplazamiento a lo largo del siglo XX. En «Del otro lado (danzón)», conocemos la historia de dos hermanos divididos por la violencia y el pasado, mientras lidian con sus decisiones, el dolor del terrorismo y las cicatrices emocionales que el conflicto ha dejado en sus vidas. «Herida en la voz» narra la crisis personal y profesional de Adela, una intérprete en una cumbre internacional, mientras se entrelazan las tensiones de la globalización, la protesta política y las relaciones interpersonales.
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Jean-Louis Barrault (Le Vésinet, 1910 – París, 1994). Actor, mimo y director escénico francés. Después de completar sus estudios de Historia del Arte, ingresó al Théâtre de L´Atelier en 1931 siendo discípulo de Charles Dullin y completando su formación como actor con el estudio en profundidad del mimo y la pantomima bajo la supervisión de Étienne Decroux. En 1935 irrumpe en al panorama teatral francés con Alrededor de una madre, adaptación de El ruido y la furia de William Faulkner. Antonin Artaud se convierte en uno de sus más fervientes admiradores. En 1940, ya en la Comedie Francaise, conoce a Madeleine Renaud y junto con ella crean una compañía teatral de fama mundial. Incorporando un amplio repertorio que va desde Shakespeare, pasando por Feydau, Claudel e Ionesco, entre muchos otros dramaturgos. La amalgama de diversas formas de puestas en escena, le dio a la compañía un sello distintivo y un enorme éxito durante décadas en Europa y América Latina. Barrault también fue director del Odéon Théâtre en 1959 y del Théâtre des Nations en 1965. En 1967 dirige en el Metropolitan Opera de Nueva York las óperas Fausto, de Gounod y Carmen, de Bizet. Como actor también incursionó en el cine, destacando su trabajo en Los niños del paraíso, El día más largo y La noche de Varennes.
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Jo no volia ser Rita Hayworth
«En la persona de Rita Hayworth trobem elements que avui dia són tema de preocupació social, com l'Alzheimer, els abusos a menors, la violència masclista o la figura de la dona com a objecte sexual en la indústria audiovisual. Tanmateix, en l'època de Rita Hayworth eren tabú o formaven part de la normalitat.» (del text interior de Víctor Alexandre)En aquesta mirada íntima i sincera a la vida de l'actriu, Alexandre ens fa reflexionar sobre el vertigen de l'èxit, el preu de la fama i la complexitat de la condició humana. Una història que ens commou i que ens recorda que, fins i tot, els estels més brillants poden acabar perdent-se en el firmament dels records.Víctor Alexandre alterna la novel·la, el relat, l'assaig i el teatre. Entre els seus llibres destaquen Set dones i un home sol, Una història immoral i Els amants de la rambla del Celler.
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Pinçaments d'un home de teatre
Mai havíem vist el Jordi Prat i Coll amb la franquesa i intimitat amb què se'ns mostra en aquest llibre que ara teniu a les mans. Aquest és un material difícil de classificar i sense rei que el governi. Podria ser un diari personal, un assaig, una carta fragmentada o un recull d'aforismes anòmals -per no fer-se mal- d'algú que cerca escriure alguna cosa a la vora de la vida que l'ajudi a guarir-se. És un quadern sense marcs, amb un ordre trencat que no nega la deriva, prenyat d'allò que és profund i superficial, tràgic i còmic, miserable i feliç.
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Obliga a reflexionar sobre la naturalización de la violencia sexual, los abusos sobre la infancia y la existencia de una ''cultura de la violación''.El teatro siempre tuvo relación con el culto a los muertos y con la figura del revenant: el regresado o la regresada, renacidos en escena. Primera sangre invoca a una niña secuestrada y asesinada en los noventa, cuyo caso fue sobreseído sin que se hallara al culpable. Ausente y presente, Laura interpela a las vecinas de su edad, al comisario encargado del caso y a une educadore: ¿Educamos en el miedo?, ¿el miedo evita el peligro o evita la vida? ¿Es la cultura de la violación una sociedad secreta a la luz del día, como dice la antropóloga Rita Laura Segato? A medio camino entre el memorial, el thriller y el cuento de fantasmas, esta autoficción obliga a la reflexión en torno a los abusos sobre la infancia que se escriben en el cuerpo de las mujeres. Con lirismo y rotundidad, Primera sangre nos invita a recuperar la memoria de las que ya no están para multiplicar nuestra existencia.
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A través de un ambicioso juego formal de planos de realidad, la obra transita por la oscuridad individual y de una comunidad y por su necesidad de construir monstruos.Una madrugada, aparentemente como tantas otras, Santi y Berta, incapaces de conciliar el sueño, se desvelan y mantienen una larga conversación. Alguna cosa les inquieta. Hace días. Semanas. Quizá mucho más tiempo. Un tiempo largo. Tiene que ver con el pasado, con quienes son hoy y con el pequeño pueblo que habitan. También con la reaparición en sus vidas de alguien que el pueblo bautizó como “el Monstruo” después de su desaparición hace casi dos décadas y de uno de los capítulos más oscuros y turbios ocurridos en ese lugar.
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José Luis Alonso de Santos es, sin duda, uno de los autores más representativos del nuevo teatro español. Después de una amplia experiencia en el teatro independiente, se incorporó al comercial obteniendo grandes éxitos refrendados luego en varias adaptaciones cinematográficas. Toda la crítica coincide en elogiar su facilidad para volcar en la vida escénica tanto el lirismo de sus recuerdos autobiográficos (El álbum familiar) como su visión tragicómica de los nuevos marginados (Bajarse al moro). La capacidad de observación, el sentido del humor y el lenguaje coloquial han convertido a esta última obra en un clásico, leído y representado en muchos países como testimonio de la nueva realidad del teatro español.
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Un drama histórico con dosis de comedia.Si al escribir Ricardo II, Shakespeare fue más allá de los avatares del juego político e indagó en la condición humana del rey y en el comportamiento de los hombres, en Enrique IV no sólo avanzó más aún por esta senda, sino que incorporó por primera vez un decisivo ingrediente de comedia al drama histórico. En pocas ocasiones planteó Shakespeare tan claramente la relación entre diversión y obligación, humanidad y autoridad, logrando una abundancia de contrastes y una riqueza de emociones que ya no volverían a aparecer en este género. La incorporación de este mundo cómico con escenas de taberna y vida popular se centra en la figura de Falstaff, una de las creaciones más extraordinarias del autor y uno de esos personajes de la literatura universal que se salen de la página. Las dos partes de Enrique IV pertenecen a la segunda tetralogía de dramas históricos ingleses de Shakespeare (que comienza con Ricardo II y concluye con Enrique V). Traducción y edición de Ángel-Luis Pujante, premio Nacional de Traducción.
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El teatro de Borja Ortiz de Gondra se caracteriza por su exploración de la memoria, la identidad y los conflictos familiares e históricos a través de una escritura reflexiva y una estructura narrativa compleja. Sus obras rompen la linealidad temporal, alternando tiempos, superponiendo acciones y mezclando realidad con imaginación, lo que refuerza la subjetividad del recuerdo y la tensión entre pasado y presente. «El barbero de Picasso» es una comedia sobre la amistad entre Picasso y su peluquero Eugenio Arias durante el exilio, marcada por choques culturales, humor y reflexiones sobre arte, política y la dificultad de entendimiento. En «Miguel de Molina, la copla quebrada», un periodista entrevista a Miguel de Molina en su exilio en Buenos Aires, donde el artista repasa su vida marcada por el éxito, la represión y el exilio, sin entender aún la violencia y el rechazo que sufrió por ser homosexual. «Prodigios» narra la conflictiva relación entre Aurora Rodríguez y su hija Hildegart, marcada por la lucha por el control, la independencia y la reconciliación en medio de tensiones políticas y familiares en la España de los años 1930. «Duda razonable» cuenta la historia de una periodista que recibe una llamada con amenazas en el móvil olvidado de la chica de la limpieza, al intentar ayudarla, se ve envuelta en una red de secretos y dilemas éticos sobre la intervención ante la violencia ajena. En «Memento mori (cámara oscura)», tres mujeres de una misma familia enfrentan heridas personales mientras sus profesiones las llevan a un conflicto en África, donde una fotografía reveladora destapa secretos y cuestiona los límites entre la ética, la verdad y la protección familiar. En «Calpurnia (sueño, premonición y muerte)», Calpurnia, esposa de Julio César, presiente en un sueño la muerte de su marido, en un viaje íntimo entre la realidad y el deseo de detener el tiempo para evitar que lo temido se vuelva realidad. «Identidad» sigue las reflexiones y encuentros de varias mujeres a lo largo de sus vidas, explorando maternidad, secretos, arrepentimientos y búsquedas personales en el contexto de sus relaciones familiares. «Tres días de diciembre» narra las intrigas políticas y las tensiones de poder en la España de 1870, entre lealtades, traiciones y conspiraciones en torno a la transición del régimen.
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Las tres obras teatrales que se publican en este volumen constituyen un intento por consolidar un teatro trágico en la España de la posguerra. Uranio 235 representa las consecuencias de la aparición de la bomba atómica y de la Guerra Mundial. Escuadra hacia la muerte trata sobre el conflicto que supone la obediencia a la autoridad en un grupo de soldados castigados por distintos motivos y obligados a permanecer como vanguardia en un frente bélico. La sangre y la ceniza narra la dramática historia de Miguel Servet y su enfrentamiento con la intransigencia filosófica y teológica de Calvino y con su gobierno autoritario. Las tres piezas fueron textos significativos de los intentos de un intelectual que quiso transformar el teatro de su tiempo y usar la escena como un ámbito público de reflexión sobre el ser humano y su destino. Cada una de estas obras supuso un impulso estético con el que Sastre trataba de encontrar una escritura suficiente para comprender la historia y la vida.
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Aunque más conocido como uno de los poetas más importantes del siglo XX, desde el comienzo de su carrera William Butler Yeats entendió que el valor de sus obras y su poesía era el mismo. En 1923, cuando aceptó el Premio Nobel de Literatura, Yeats sugirió que «quizás los comités ingleses nunca les hubieran enviado mi nombre si no hubiera escrito obras de teatro... si mi poesía lírica no hubiera tenido la calidad del habla practicada en el escenario». De hecho, el gran logro de Yeats en poesía no debería oscurecer sus impresionantes e innovadores logros como dramaturgo. Este libro reúne las obras en el orden final en el que Yeats planeó que se publicaran y permite a los lectores ver claramente, por primera vez, las formas en que evolucionaron las muy diferentes formas dramáticas de Yeats a lo largo de su vida, y apreciar completamente la importancia del teatro en la obra de este gran poeta moderno.
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La pedregada
És l'aniversari d'Oriol i també l'últim dia de la seua vida tal com l'ha viscuda. Son pare, sa mare i Marcel, el seu amic de l'institut, són convidats a un sopar on res és el que sembla, on el temps és un amfitrió més, on milers de preguntes busquen respostes sense èxit aparent. Però la consciència de l'amor, el desig de començar una vida nova o la revelació d'alguns secrets obriran la porta a aquestes respostes i, amb elles, la llibertat.
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Lejos en el tiempo y el espacio de los alborotados teatros de la Inglaterra isabelina, esta reescritura de Eduardo II le da nueva vida a la trágica historia de un rey condenado a la desdicha por su incontenible amor por otro hombre, su mejor amigo y amante.Esta recreación del texto de Christopher Marlowe lo lleva al vivo dialecto rioplatense y lo enriquece con fragmentos de la obra de William Shakespeare y John Webster, además de incorporar aportes originales. La obra resultante se vale del pasado para hablar de los movimientos reaccionarios y violentos de nuestra realidad política y social actual.Como la obra original del siglo xvi, escrita en tiempos de persecuciones políticas y religiosas, como la versión de Bertolt Brecht, estrenada al año siguiente del inicialmente fallido golpe de estado de Hitler, como la versión cinematográfica de Derek Jarman, dirigida contra el gobierno y las ideas de Margaret Thatcher, la versión escrita por Carlos Gamerro con la colaboración de Alejandro Tantanian encuentra fatalmente su razón de ser en los tiempos más hostiles, que parecen serle connaturales.
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Paca, Olvido y Lola son tres generaciones de mujeres fuertes que sobreviven en un mundo que, aunque distinto, sigue recluyendo a las mujeres al cuidado: de un marido enfermo y en silla de ruedas, de una madre con alzhéimer, de un hijo. Los tiempos han cambiado. Ya no está mal visto que las mujeres estudien y la Iglesia hace tiempo que no dirige la moralidad femenina. Pero en otros aspectos no hemos avanzado tanto: son las mujeres las que suelen quedarse en casa a cuidar de los hijos, las que tienen problemas para reincorporarse al mundo laboral, las que corren por la vida mientras se ríen de palabras como «conciliar», las que cuidan de los nietos o de los abuelos. Y esa desilusión por los sueños rotos pesa mucho. Escrita en tres actos, esta obra quiere hacernos reflexionar sobre el destino de estas mujeres. ¿Qué hace que algunas renuncien a sus vidas para que otros salven las suyas? ¿Por qué son siempre ellas las que se sacrifican? ¿Dónde está la dignidad de quien cuida?
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Los libros de teatro son obras impresas que recogen textos dramáticos pensados para la representación escénica y la lectura reflexiva. El teatro como género literario se construye a partir del diálogo, la acción y la estructura en actos o escenas. Aunque a veces se habla de novelas teatrales, el texto teatral posee características propias que lo diferencian de la narrativa tradicional. El formato en papel facilita la lectura pausada, el análisis del diálogo y la comprensión de la estructura dramática.
¿Qué son los libros de teatro?
Los libros de teatro son publicaciones en papel que contienen obras dramáticas destinadas tanto a la representación como a la lectura individual.
Definición
Una obra de teatro se estructura en actos y escenas y se desarrolla principalmente a través del diálogo entre personajes. Los libros de teatro permiten acceder al texto íntegro, analizar sus acotaciones y comprender la construcción escénica.
Características del género dramático
El teatro se caracteriza por la acción directa, la interacción entre personajes y la presencia de indicaciones escénicas. La lectura en papel facilita la visualización de la puesta en escena y la interpretación del conflicto dramático.
Cómo elegir libros de teatro
Seleccionar entre distintos libros de teatro implica considerar el periodo histórico, el estilo del autor o autora y el tipo de dramaturgia que se desea explorar.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca teatro clásico, contemporáneo o propuestas experimentales.
- Obras teatrales clásicas del canon universal.
- Dramaturgia contemporánea con temáticas actuales.
- Teatro breve o monólogos.
- Ediciones comentadas para el estudio académico.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de teatro en formato papel pueden incluir diferentes propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Obras completas de un autor o autora.
- Antologías teatrales temáticas o históricas.
- Textos acompañados de estudios críticos.
- Dramaturgia contemporánea de nuevos autores y autoras.
Estos libros permiten analizar la estructura dramática, el ritmo del diálogo y la evolución de los personajes.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de teatro en papel favorece la comprensión del lenguaje escénico y el desarrollo de habilidades interpretativas.
Comprensión del conflicto dramático
El análisis de obras teatrales ayuda a entender la construcción del conflicto y la dinámica entre personajes.
Fomento de la lectura expresiva
Los libros de teatro invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación, fortaleciendo la expresión oral y la sensibilidad artística.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de teatro?
Los libros de teatro están dirigidos tanto a lectores y lectoras interesados en la literatura dramática como a estudiantes y docentes que trabajan el texto teatral.
- Personas interesadas en el arte escénico.
- Estudiantes de literatura y artes escénicas.
- Grupos de lectura que practican la lectura dramatizada.
- Quienes desean conocer la evolución histórica del teatro.
Preguntas frecuentes sobre libros de teatro
¿Qué diferencia hay entre una obra de teatro y una novela?
La obra de teatro se construye principalmente a través del diálogo y está pensada para la representación escénica, mientras que la novela desarrolla una narración extensa en prosa.
¿Qué aportan los libros de teatro a nivel educativo?
Favorecen la comprensión del lenguaje dramático, el análisis del conflicto y el desarrollo de la lectura expresiva.
¿Cómo elegir un libro de teatro adecuado?
Es recomendable considerar el periodo histórico, el estilo dramático y el interés por determinadas corrientes teatrales.
¿Por qué leer teatro en formato papel?
El formato en papel facilita la lectura detallada del diálogo, la comprensión de las acotaciones y la interpretación pausada del texto dramático.