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Libros de teatro
En Abacus disponemos de la mejor selección de libros de teatro, ese género olvidado e ignorado por el público, pero que constituye en sí mismo una importante fuente de riqueza literaria. Descubre las obras de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca y muchos más.
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En medio de una feroz crisis económica y una sociedad al borde del colapso, un grupo de mujeres de los suburbios de Milán toma una decisión radical: enfrentarse a los abusos del sistema. Hartas de precios imposibles, su rebelión comienza en el supermercado, pero pronto se desatará un torbellino de situaciones hilarantes y caóticas que involucrarán a sus familias, a los vecinos e incluso a las autoridades. Con un magistral uso de la sátira, Dario Fo retrata la opresión del sistema capitalista y la lucha por la supervivencia en un mundo injusto. Una comedia que resalta el ingenio popular, la solidaridad y la subversión cotidiana frente a la precariedad.
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Dos escriptors passen dos dies a Teià, durant el festival Lletrescena, de literatura i dramatúrgia, entrant en contacte amb una comunitat, amb un paisatge. A posteriori, escriuen una ficció posant el poble com a escenari. A La cua del dromedari fabula una història a partir d'una pintura mural escrita en català i La Ventafocs de Teià és una història coral de personatges curiosos, amb les seves històries i desitjos amagats.
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Teatre reunit (2010-2021). Aquest volum aplega algunes de les obres que Joan Yago ha escrit al llarg d'una dècada, de vegades en solitari i sovint en estreta complicitat amb la seva companyia, La Calòrica. Des de la comèdia, els seus textos s'acosten a les debilitats de la societat que estem construint entre tots, les injustícies que conviuen amb un sistema que s'anomena democràtic i la responsabilitat que pertoca a cadascun de nosaltres de canviar les coses. Temes com el capitalisme, la monarquia, el sistema neoliberal, el canvi climàtic, la precarietat laboral o la insatisfacció de tota una generació viuen sota les obres de Yago, com si fossin una terra malalta que el dramaturg dinamita des de sota, capgirant l'ordre establert, fent-los treure el cap i remenant-ho tot, posant les coses de manifest.
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Ritmo trepidante, humor y descaro se unen en esta obra ambientada en la Sevilla de principios del siglo xvii para hacernos partícipes de los claroscuros que se esconden en el oficio del comediante.
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'El perro del hortelano'' pertenece a la llamada comedia de fábrica, la versión aristocrática de la comedia de capa y espada. En esta comedia de Lope el honor se salva por la mentira, dando así ocasión a situaciones confusas y enredos divertidos. La ironía lopesca es hacer de los títulos una cuestión de formas.
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Cuando Tartufo aún estaba prohibido, al día siguiente del estreno de Don Juan o el Festín de piedra (1665), la censura empezó por eliminar algunas frases. Tras la séptima función, se le indicó discretamente a Molière que echase definitivamente el telón sobre la obra. El seductor les parecía un hombre sin costumbres, sin conciencia ni religión, capaz de creer únicamente en que ''dos y dos son cuatro''. En Anfitrión los cortesanos vieron los escarceos iniciales de Luis XIV tras una dama de compañía de la reina. La anécdota no es un reproche de Molièrea su protector: la incrusta de forma natural en el esquema heredado de Plauto para construir una comedia galante.
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Escrita en 1936, ''La Casa de Bernarda Alba'' es una de las obras dramáticas más conocidas de García Lorca y parte de la trilogía lorquiana, junto a ''Bodas de Sangre'' y ''Yerma''. Bernarda Alba enviuda por segunda vez y decide pasar los próximos años de su vida en luto total en el cual pretende sumir también a sus hijas. La obra presenta una visión dramática de la España profunda, de costumbres religiosas férreas, de familias dominadas por las apariencias de buenas costumbres cristianas. García Lorca también aprovecha estos tres actos para centrarse en la mujer y su rol dentro de una sociedad donde es dejada de lado. ''La Casa de Bernarda Alba'' es importante no solo por el lirismo de su autor y las desgarradoras escenas familiares que recrea, sino también por su punto de vista femenino, siempre vigente y necesario, y, hoy en día, más que nunca.
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Cuba, años setenta y ochenta del siglo XX. Un joven alcanza la mayoría de edad en un momento crucial de la historia de su país. Dividido entre los ideales de su madre comunista y de su padre contrario al régimen ‒con el acuciante deseo de huir de la isla‒, busca encontrar su propia identidad en un mundo, tanto personal como colectivo, en crisis y convulso.Premio Nacional de Literatura en Cuba, Diez millones indaga, así, en su historia más reciente desde 1970, cuando Fidel Castro proclama «el año de la zafra» con el objetivo manifiesto de mejorar la situación económica del país. Un relato insólito y descarnado, construido con materiales de primerísima mano y por medio de un tejido de narraciones, diálogos, monólogos, donde se intenta lo más arriesgado en literatura: partir de uno mismo para hablar a otros, a todos, y arañar, sin concesiones, la costra de la vida cubana del último medio siglo. Una ficción que mira hacia atrás para mirar hacia delante.Completa el volumen, Discurso de agradecimiento, una suerte de continuación de Diez millones, un pase de cuentas a una vida provocado por el encierro durante la pandemia, la política y la vida, el tiempo y la memoria.«Celdrán apela a un lugar del yo hasta ahora inédito en la narrativa cubana». Reina María Rodríguez
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Escrita por Federico García Lorca en 1936, poco antes de ser asesinado, La casa de Bernarda Alba es una de las grandes obras del teatro español y universal. La fuerza y el simbolismo de sus personajes femeninos es uno de los rasgos de este texto en el que se ofrece una dolorosa reflexión sobre la libertad, la necesidad de rebeldía y el peso de los límites y prejuicios ajenos. Una obra que aúna lo realista, lo poético e incluso lo mítico y que constituye uno de los más claros ejemplos de la labor renovadora que llevó a cabo Lorca con respecto al teatro de su tiempo. Esta edición, cuidadosamente anotada, ofrece todas las claves para que los lectores más jóvenes puedan adentrarse en el universo lorquiano y emocionarse con su lúcido retrato de las pasiones humanas.¿A quién va dirigido el libro ?La casa de Bernarda Alba se dirige a un público amplio interesado en la literatura dramática española, especialmente a aquellos que aprecian las obras con un fuerte componente social y psicológico. Es adecuado para estudiantes de literatura, amantes del teatro clásico y cualquier lector que desee explorar temas como la opresión femenina, la represión social y la lucha por la libertad individual en un contexto histórico específico. La obra, por su complejidad temática y riqueza lingüística, también resulta atractiva para lectores con un nivel de comprensión lectora avanzado. Su carácter universal, sin embargo, permite que sea disfrutado por un público diverso, independientemente de su formación académica o experiencia con la literatura.Temas que trata el libro La casa de Bernarda Alba explora una serie de temas interconectados que reflejan la sociedad española de principios del siglo XX, pero que también poseen una resonancia universal. Entre los temas más relevantes se encuentran:La opresión de la mujer: La obra presenta una crítica feroz a la sociedad patriarcal que limita y reprime a las mujeres, imponiéndoles roles sociales restrictivos y negándoles su autonomía. El luto impuesto por Bernarda se convierte en un símbolo de esta opresión, confinando a las hijas en un ambiente de silencio y sumisión.La represión sexual: El estricto control que Bernarda ejerce sobre la sexualidad de sus hijas es un elemento central de la obra. La represión de los deseos y la imposibilidad de encontrar la libertad sexual conducen a la frustración, el conflicto y la tragedia.La lucha por la libertad individual: A pesar de la opresión que las rodea, las hijas de Bernarda muestran diferentes formas de rebeldía y búsqueda de autonomía. Sus intentos por desafiar las normas sociales, aunque con consecuencias devastadoras, revelan la fuerza del deseo de libertad individual.La hipocresía social: La sociedad retratada en la obra se caracteriza por la hipocresía y la doble moral. Las apariencias y la reputación social se anteponen a la verdad y a la autenticidad, creando un ambiente de tensión y conflicto.La violencia social y familiar: La violencia no solo se manifiesta en la opresión de las mujeres, sino también en las relaciones familiares. La tiránica Bernarda ejerce un control absoluto sobre sus hijas, generando un ambiente de miedo y tensión que desemboca en la tragedia.El poder y la autoridad: La figura de Bernarda Alba representa el poder absoluto y la autoridad implacable. Su dominio sobre su familia y su entorno refleja la estructura de poder de la sociedad en la que vive.La muerte y la frustración: La muerte, tanto física como metafórica, es un tema recurrente en la obra. La frustración de los deseos y la imposibilidad de alcanzar la felicidad conducen a un desenlace trágico.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro Aún no hay opiniones o críticas sobre La casa de Bernarda Alba.
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Ambientada en Nueva York tres décadas después de la irrupción de la epidemia del sida y poco antes de laselecciones de 2016 que dieron la victoria a Donald Trump, La herencia de Matthew Lopez nos presenta un mosaico de relaciones y conexiones entre hombres gais dediferentes edades y clases sociales, en el que reflexiona sobre cuáles deben ser las responsabilidades deuna generación con la siguiente.El autor adapta muy libremente la novela Regreso a Howards End deE. M. Forster, convirtiendo al escritor inglés en unode los protagonistas de la trama. Su obra ha recibido el elogio unánime de la crítica, que la ha considerado un clásico moderno instantáneo.
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'La vida es sueño'' no solo es la obra más popular de Calderón de la Barca, sino también una de las más significativas del movimiento barroco y del teatro español de todos los tiempos. Bajo la historia del desafortunado príncipe Segismundo, reside una obra inmortal que nos habla de temas filosóficos y trascendentales, de la lucha del libre albedrío contra el destino y de la razón contra el instinto. De la fugacidad y futilidad de la vida, del papel que representa el hombre en este mundo ilusorio, perdido entre sombras y sueños.
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Dentro del monumental legado literario de Federico García Lorca (1898- 1936), el mismo que lo consolidó como un prosista de excepción y lo encumbró como uno delos poetas más relevantes del siglo xx, quizá sea ensu vertiente como dramaturgo donde logró llevar máslejos su visión trágica del mundo. El suyo es un teatro descarnado y poético, tradicional y moderno al mismo tiempo. Marcada a partes iguales por la eleganciadel teatro modernista y la aspereza del neopopularismo, la obra dramática de Lorca se desarrolla desde lasfarsas y las comedias de juventud, Mariana Pineda (1927) o La zapatera prodigiosa (1927), hasta las tragedias y los dramas de la madurez, Bodas de sangre (1933), Yerma (1934) o La casa de Bernarda Alba (1936). Todas ellas obras fundamentales de la historia de la literatura española y firmadas por un autor según el cual: 'El teatro es la poesía que se levanta del libroy se hace humana.' El presente volumen recoge toda la producción teatral de Lorca así como textos inacabados, apéndices, versiones alternativas y canciones.
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«Fuck me es una obra desgarrada, irreverente y frontal. Teatro hecho desde el dolor, buscando la luz que nace de la destrucción de uno mismo, de saber que todo acto de escarnio de lo propio es también el deseo de ser amado, consolado. Camino estrecho, solitario. Un camino que Marina Otero nos muestra desde la distancia de una persona rota, adulta, que mira su infancia cuando hacía bailes y coreografías en casa de su abuelo y se mira ahora después de tantas guerras, de tantos años ofreciéndose en escena, de intentos de suicidio, de luchas contra todo, de haber odiado lo fácil y lo amable como si fueran traiciones. Un camino que, al mismo tiempo que muestra la fuerza de la rabia, tiene la capacidad impúdica de decir en un momento: “Miren cómo estoy. Quedé dura y no de merca, esto es pura tensión por el esfuerzo de querer agradar. Lo único que quiero es que me quieran, porque yo no me quiero”». Pablo Caruana Kill me es la continuación de Fuck me. Entrando en el cliché de la crisis de los cuarenta empecé a filmar cada cosa que hacía: con el corazón abierto las 24 horas registraba todo. Hasta que un día colapsé, me dieron un diagnóstico psiquiátrico y decidí hacer con eso mi próxima obra. Convoqué a cuatro bailarinas con trastornos mentales y a Nijinsky, para hacer una obra que hable sobre la locura por amor. Pero vamos a decir que el tema es sobre salud mental para que entre en la agenda inclusiva del mercado del arte. Porque esa es mi condena, tener que hacer obras que se vendan y así mantenerme viva en el mundo (del teatro). Marina Otero
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Estrenado en 1897, el drama heroico Cyrano de Bergerac se basa en la vida del poeta y espadachín del mismo nombre, caracterizado por una enorme nariz que afea su rostro y le impide cortejar a la bella Roxane, a la que ama profundamente. Ella está enamorad
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L'home, la bèstia i la virtut (1919) forma un triangle d'amors i desamors que la mà intrigant i burlona de l'autor, amb un llenguatge molt més clar que les seues intencions, agita davant els nostres ulls. Hipnotizats i còmplices no podrem deixar de seguir els fets —al llibre o a l'escenari— que després de 70 anys ens sorprenen de tan intrigadorament actuals com resulten.
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PREMI DE TEATRE CIUTAT D'ALCOI Un turista japonès que visita Barcelona per allunyar-se de la soledat, unadona embarassada que no estima el pare del seu fill,un publicista trepa, una publicista enganyada, un nen que se sent sol i ignorat... Aquests personatges coincidiran en l'espai i el temps del centre de la ciutat, en un món globalitzat on totes les grans urbs comencen a perdre els trets que les identifiquen. El queno saben és que aquesta trobada canviarà les seves vides per sempre.
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Fantasmes, visions, traïcions, intrigues polítiques i passions amoroses. Hamlet, una de les grans obres de la literatura universal, es presenta ací en una adaptació actual i pròxima, que manté l'esperit de l'original. Al capdavall, Hamlet és una tragèdia universal i eterna sobre l'amor, la lleialtat, l'esperança i l'ambició.
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Mai havíem vist el Jordi Prat i Coll amb la franquesa i intimitat amb què se'ns mostra en aquest llibre que ara teniu a les mans. Aquest és un material difícil de classificar i sense rei que el governi. Podria ser un diari personal, un assaig, una carta fragmentada o un recull d'aforismes anòmals -per no fer-se mal- d'algú que cerca escriure alguna cosa a la vora de la vida que l'ajudi a guarir-se. És un quadern sense marcs, amb un ordre trencat que no nega la deriva, prenyat d'allò que és profund i superficial, tràgic i còmic, miserable i feliç.
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Henrik Ibsen (1828-1906) nació en Noruega, en un medio en el que imperaba una moral estrecha de miras yuna vigencia desesperante de la superstición y del miedo. En Casa de muñecas y El pato salvajeplantea la tragedia de la mentira vital. Nora Helmer, en Casa de muñecas, es una joven que ha sido educada para llevar una venda en los ojos y servir de juguete primero a su padre y luego a su marido,cuando la venda cae, Nora comienza a ser alguien. Gregorio Werle, en El pato salvaje, concibe un proyecto para poner al descubierto a unos seres hipócritas, egoístas e indignos, aunque entre ellos se encuentre su propio padre.
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Mientras Franz Kafka pasea por Berlín, oye a una niña llorar desconsoladamente porque ha perdido a su muñeca. Para intentar calmarla, se le ocurre una idea: hacerse pasar por el cartero de las muñecas y decirle que la suya en realidad no está perdida, sino que se ha ido de viaje. Este es el punto de partida de una historia emotiva que mereció el Premio Nacional de Literatura Infantil y Juvenil.
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Fins a quin punt ens defineixen, les paraules i ficcions amb què ens expliquem? Quins són els límits entre la imaginació i la mentida? A Mosques, guardonada amb el Premi Pare Colom de Teatre, Pau Coya dialoga amb la mitologia clàssica i amb la llegenda gironina de sant Narcís i situa el lector davant d'un joc de miralls i identitats ambivalents. Un monòleg a diverses veus, ple d'ironia, que parla de la mentida i la veritat, però que és, per damunt de tot, una reflexió feta des del teatre sobre la capacitat intrínsecament humana de la fabulació.
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Brick Pollitt, antic jugador de rugbi, ara deprimit i alcoholitzat, i la seva dona Margaret -Maggie la Gata- són els preferits del pare d'ell, un vell terratinent a qui els parents amaguen que està a les portes de la mort. L'altre fill, l'advocat Gooper, i la seva muller Mae, que constitueixen el prototípic matrimoni «perfecte», procuren de totes passades obtenir l'herència del malalt. En aquesta obra extraordinària, Tennessee Williams ens regala una magistral descripció de les enveges, la mesquinesa i la perversitat entre familiars, i nosaltres hi descobrim la hipocresia de l'Amèrica del seu temps... i potser també del nostre.
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Dos germans, Tom i Laura Wingfield, un baliga-balaga idealista i una noia apocada, conviuen en un pis de mala mort amb la mare, una dona manefla i possessiva que enyora la seva esplendorosa joventut, per bé que fa anys que el marit l'ha abandonada. El noi treballa en un trist magatzem, i la noia s'està a casa i dedica la major part del temps a la seva col·lecció de figuretes de vidre. L'arribada d'un possible pretendent per a la jove trastoca de sobte el dia a dia de la família i en destapa, alhora, la infelicitat més pregona. Només un talent fora mida com el de Tennessee Williams podia mostrar amb tanta exactitud, com fa en aquesta obra, la fragilitat dels éssers humans i la cara més llòbrega del somni americà.
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Manual per a ociosos i bruixes de dol
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“El idealista se vincula con el psicólogo al estar ambos de acuerdo en que el arte dramático asume un cometido. Este no puede ejercitarse plenamente en la ignorancia de las grandes corrientes de la vida colectiva. Las tentativas más fecundas para una renovación del arte dramático serán, las que, con la comprensión y el estricto respeto de sus principios, se preocupen por expresar el alma pública”. André Villiers.El escenario antiguo, isabelino, chino, japonés, medieval, italiano… Muestran todos, en cuanto a la eficacia del ceremonial dramático, la correspondencia de cada dramaturgia con una visión particular del mundo y de ser humano. Toda lamentación melancólica por los símbolos olvidados o poco frecuentes, por las convenciones que se han hecho inaceptables, es inútil. No está prohibido para el director escénico ni para el dramaturgo buscar nuevas formas y nuevos medios de expresión, percibir las corrientes más diversas, cada uno, desde su lugar, construye el mundo. No se le impide ser un precursor, un iniciador.En este libro André Villiers manifiesta que “no hay arte dramático sin juego teatral, sin representación”. De lo contrario la obra teatral sería entonces una categoría de las artes literarias que no contendría más que un recuerdo imaginario, simbólico, del teatro original. Pero la justificación de la representación dramática no procede solo de una definición ideal, arbitrariamente elegida en un sistema de valores descarnados. Esta actividad de representación, con presencia real de personas, responde a estructuras fundamentales del comportamiento humano. La realidad teatral tiene profundas raíces psicológicas.
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Las tres obras dramáticas que se publican en este volumen tienen como tema principal la guerra civil española. La primera de ellas -«Tanto tienes cuanto esperas»- critica la denominación de «cruzada» que el bando nacional quiso otorgar a la guerra civil española y aboga por la separación del poder político y religioso, como defendió Santa Catalina de Siena en su época. Por su parte, «La hija de Dios» nos traslada al verano de 1936 e invita al lector a tomar partido contra los enemigos del pueblo en un conflicto más cruel que el protagonizado por Hécuba, reina legendaria de Troya. Por último, «La niña guerrillera» se ambienta en los años posteriores a la II Guerra Mundial, imaginando en la lucha de los maquis un desenlace más esperanzador para quienes sucesivamente van recogiendo el testigo de la doncella que fue a la guerra y de la protagonista bergaminiana. Bergamín utiliza textos de obras anteriores -cartas, tragedias, romances- y mezcla prosa y verso para actualizar una guerra que vivió en primera persona, pero que contiene una gran carga histórica y literaria. Tres obras para repensar la guerra civil española de la mano de uno de los pensadores y escritores más lúcidos de aquella época. José Bergamín (Madrid, 1895-Fuenterrabía, 1983). Escritor de la llamada «Generación del 27» que se exilió tras la guerra civil española. Más conocido en su faceta de ensayista, creador de aforismos, pensador y editor, en los últimos años también se le ha valorado como poeta, faceta de la que resulta buena muestra la antología Voces del eco, publicada en esta misma editorial. Aunque su labor como dramaturgo sea la más olvidada, Bergamín es todo un «hombre de teatro», género que cultivó a lo largo de toda su vida. María Teresa Santa María Fernández (Santiago de Compostela, 1967). Doctora en Filología Española, dedicó su tesis al teatro escrito durante el exilio de José Bergamín. Sus líneas de investigación se centran en la dramaturgia española contemporánea, con especial atención a la actualización de los mitos grecolatinos en la escena del teatro del exilio y el estudio de obras dramáticas a través de herramientas de las Humanidades Digitales.
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Urdir una trama teatralizada del complejo mundo del encierro es una tarea difícil que Genelhú y Húngaro consiguen con maestría. Tal es así que A podemos visualizar el horror del abandono, percibir hasta el crepitar de los huesos machacados que sedimentan los cimientos, sentir la grasa viscosa de los cuerpos inmolados, hasta casi oler la de putrefacción que rodea ese averno de dolor. […] Esta dramaturgia ficcionada es tan real, refleja con tal viveza la violencia y destrucción que supone la cárcel que su lectura puede dañar seriamente la salud emocional de quienes la lean. Puede provocar rabia e indignación y consecuentemente argumentos sólidos para la acción organizada por la abolición de las prisiones…
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Rinoceronte (1959) es la pieza más rica y densa de Eugène Ionesco (nacido Eugen Ionescu, Salatina, Rumanía 1909-París 1994). Sin abandonar el espíritu de innovación ni la comicidad de La cantante calva, Ionesco introduce un mito: todos los habitantes de una ciudad mutan paulatinamente en rinocerontes.El animal encarna el fanatismo que “desfigura a las personas, las deshumaniza”. Cuando solamente Berenguer resiste la marea de las bestias feroces, símbolos del totalitarismo, comprendemos que estamos frente a una reflexión sobre la historia. Mientras bestias inmundas correteen todavía en el planeta, siempre habrá héroes dispuestos a decir: “No capitulo”.
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Lope de Vega nos ha dejado acaso la más famosa delas poéticas de su época, el Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609), considerado también como el primer manifiesto del teatro moderno. Crucede caminos entre un pasado de cambios y tentativas,un presente de logros y evidencias y un futuro de indudables repercusiones, el Arte nuevo no sólo resume un pulso dramático y una posición estética y vital, sino que también logra captar la esencia de un mito en vida que parece consagrarse a golpe de una espectacular biografía.
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La carrera teatral de Cyrano de Bergerac ha estat i continua senttan extraordinària que els crítics coincideixen a afirmar que enstrobem davant d'una obra mestra que és també l'èxit més notable delteatre popular. La versió catalana de Xavier Bru de Sala va rebre elpremi Nacional de Teatre Josep M. de Sagarra i l'any 1985 va serinterpretada amb un èxit esclatant per Josep M. Flotats. Fins al 2012 nohavia tornat als escenaris, aquest cop de la mà del director OriolBroggi.
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Los mejores libros jamás escritos «En este instante yo podríabeber sangre caliente, y hacer cosastan amargas, que eldía temblaría de verlas.» En una gélida noche, tan funesta que el viento se vuelve mensajero deterribles presagios, Hamlet, Horacio y tres soldadosse reúnen con el propósito de desentrañar el misterio en torno al espectro que ha aparecido en las últimas noches cerca del castillo. Solo hablará con Hamlet,pues esa criatura castigada a vagar por las tierrasde Elsinor fue su padre, el último rey de Dinamarca.Su hermano Claudio le traicionó arrebatándole la vida, el trono y su reina. Un horrible crimen que reclamajusticia. Frente al magnífico texto originalpresentamos la versión de Tomás Segovia, una de las más apreciadas en español. Asimismo, cuenta con una introducción a cargo de Alan Sinfield, catedrático emérito de literatura inglesa de la Universidad de Sussex. Edición bilingüe. Versión de Tomás Segovia.
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¿Cómo diablos puede convertirse una familia obsesionada con la limpieza en la fuente de polución más horrenda de la historia de la humanidad? Esta es la incógnita que se resuelve en El 6º continente, la obra teatral creada a partir de las innumerables improvisaciones de un grupo de actores bajo las órdenes de la directora francesa Lilo Baur. Estrenada en el teatro parisino Bouffes du Nord, este drama familiar-planetario es a su vez una ópera bufa que, ante el inevitable desastre ecológico que vaticinan sus páginas, no deja otra salida al espectador (y al lector) que la risa. Precede a esta pieza teatral el monólogo Ex paciente de los hospitales de París, en el que un médico residente de un hospital público de París relata una larga y accidentada noche de guardia, una noche en la que encontró la fe, la perdió, la reencontró y la extravió de nuevo. Con su habitual y aguda ironía, y echando mano del lenguaje escénico, Daniel Pennac nos enfrenta con la realidad de una sociedad posmoderna llena de excesos, inconsciente y egoísta, cuyos integrantes desestabilizan un sistema sanitario precario y un equilibro medioambiental ya prácticamente inexistente.
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Don Juan Tenorio es sin duda la obra más popular del teatro español del siglo XIX. Su argumento responde plenamente al modelo de teatro romántico de la época: misterio, duelos, desafíos, escenas nocturnas, raptos, enigmas, muerte, el mundo de ultratumba…, La obra está ambientada en el siglo XVI, en Sevilla, y tiene como protagonistas a don Juan, prototipo universal del hombre seductor y libertino, y a doña Inés, que simboliza el amor puro e idealizado del Romanticismo. Desde su estreno en 1844, Don Juan Tenorio, convertido ya en un clásico, se representa todos los años en alguna localidad española.
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Escritor ganador del Premio Princesa de Asturias de las LetrasEl sistema de sanidad pública colapsa. Como muchos otros pacientes en todo el país, Ismael, que sufre una rara enfermedad, está a punto de verse obligado a abandonar el hospital en que lo han venido tratando. Al mismo tiempo, Felicia, su mujer, recibe una inesperada propuesta: Ismael conservará su cama y seguirá siendo atendido si ella memoriza un texto. Parece una tarea sencilla, sin embargo, día a día Felicia percibirá que, conforme haga suyas las palabras de ese texto, que no sabe quién escribió, algo dentro de ella -en sus sueños, en su memoria, en su imaginación, también en su cuerpo y en su voluntad- se irá transformando.
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Una extraordinaria novela de culto con una enigmática mujer como protagonista.«Pynchon es probablemente el mejor de todos los grandes novelistas norteamericanos vivos.» Harold Bloom «Thomas Pynchon es en las letras el perfecto equivalente de Bob Dylan: clásico y moderno y atemporal y eterno. Y por encima de todos y de todo. ... Hay que leerle, hay que aprender a leer a este hombre invisible pero omnipresente para saber de qué se trata.» Rodrigo Fresán, Abc Cultural «Pynchon es lo máximo. ... Cuando lees a Pynchon por primera vez es como si te hubiera dado un calambre. No sabes lo que ha pasado, pero luego te das cuenta del milagro..» Junot Díaz, El País Semanal Tres son los protagonistas de esta extraña y fantástica aventura: Herbert Stencil, que busca algo que cree haber perdido, Benny Profane, quien, como nunca tuvo nada que perder, nunca ha buscado nada, y V., una enigmática mujer que podría ser una joven desflorada en El Cairo, una bailarina alemana en el suroeste africano o una lesbiana de París. Pero ¿por qué Stencil se empeña en investigar la verdadera identidad de V.? La respuesta tal vez resida tanto en la pertinaz idea que tiene Stencil de que «detrás de V., y en V., hay mucho más que todo lo que jamás hayamos soñado» como en esta reflexión del propio Pynchon: «Lo que son para el libertino unos muslos abiertos, lo que es el vuelo de los pájaros migratorios para el ornitólogo, lo que es una tenaza para el ajustador, eso es para el joven Stencil la letra V».
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Luces de bohemia es un texto clave del teatro español del siglo XX y una de las obras principales de Ramón del Valle-Inclán. Con ella, el autor inaugura un nuevo género teatral: el esperpento. Así, la narración de las últimas horas de la vida del poeta ciego Max Estrella es, en realidad, una nueva mirada distorsionada, una visión crítica de la naturaleza humana y un retrato ácido de la España del momento. La presente edición contiene una introducción, notas explicativas y una propuesta de actividades indicadas para el estudio de Luces de bohemia en Bachillerato.
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Los libros de teatro son obras impresas que recogen textos dramáticos pensados para la representación escénica y la lectura reflexiva. El teatro como género literario se construye a partir del diálogo, la acción y la estructura en actos o escenas. Aunque a veces se habla de novelas teatrales, el texto teatral posee características propias que lo diferencian de la narrativa tradicional. El formato en papel facilita la lectura pausada, el análisis del diálogo y la comprensión de la estructura dramática.
¿Qué son los libros de teatro?
Los libros de teatro son publicaciones en papel que contienen obras dramáticas destinadas tanto a la representación como a la lectura individual.
Definición
Una obra de teatro se estructura en actos y escenas y se desarrolla principalmente a través del diálogo entre personajes. Los libros de teatro permiten acceder al texto íntegro, analizar sus acotaciones y comprender la construcción escénica.
Características del género dramático
El teatro se caracteriza por la acción directa, la interacción entre personajes y la presencia de indicaciones escénicas. La lectura en papel facilita la visualización de la puesta en escena y la interpretación del conflicto dramático.
Cómo elegir libros de teatro
Seleccionar entre distintos libros de teatro implica considerar el periodo histórico, el estilo del autor o autora y el tipo de dramaturgia que se desea explorar.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca teatro clásico, contemporáneo o propuestas experimentales.
- Obras teatrales clásicas del canon universal.
- Dramaturgia contemporánea con temáticas actuales.
- Teatro breve o monólogos.
- Ediciones comentadas para el estudio académico.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de teatro en formato papel pueden incluir diferentes propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Obras completas de un autor o autora.
- Antologías teatrales temáticas o históricas.
- Textos acompañados de estudios críticos.
- Dramaturgia contemporánea de nuevos autores y autoras.
Estos libros permiten analizar la estructura dramática, el ritmo del diálogo y la evolución de los personajes.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de teatro en papel favorece la comprensión del lenguaje escénico y el desarrollo de habilidades interpretativas.
Comprensión del conflicto dramático
El análisis de obras teatrales ayuda a entender la construcción del conflicto y la dinámica entre personajes.
Fomento de la lectura expresiva
Los libros de teatro invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación, fortaleciendo la expresión oral y la sensibilidad artística.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de teatro?
Los libros de teatro están dirigidos tanto a lectores y lectoras interesados en la literatura dramática como a estudiantes y docentes que trabajan el texto teatral.
- Personas interesadas en el arte escénico.
- Estudiantes de literatura y artes escénicas.
- Grupos de lectura que practican la lectura dramatizada.
- Quienes desean conocer la evolución histórica del teatro.
Preguntas frecuentes sobre libros de teatro
¿Qué diferencia hay entre una obra de teatro y una novela?
La obra de teatro se construye principalmente a través del diálogo y está pensada para la representación escénica, mientras que la novela desarrolla una narración extensa en prosa.
¿Qué aportan los libros de teatro a nivel educativo?
Favorecen la comprensión del lenguaje dramático, el análisis del conflicto y el desarrollo de la lectura expresiva.
¿Cómo elegir un libro de teatro adecuado?
Es recomendable considerar el periodo histórico, el estilo dramático y el interés por determinadas corrientes teatrales.
¿Por qué leer teatro en formato papel?
El formato en papel facilita la lectura detallada del diálogo, la comprensión de las acotaciones y la interpretación pausada del texto dramático.