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Libros de teatro
En Abacus disponemos de la mejor selección de libros de teatro, ese género olvidado e ignorado por el público, pero que constituye en sí mismo una importante fuente de riqueza literaria. Descubre las obras de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca y muchos más.
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En Ricard i l'Ester van estudiar junts a l'institut. L'Ester no ha oblidat mai el martiri que li van fer viure en Ricard i els seus amics, però sobretot en Ricard. Al cap dels anys l'Ester es converteix en mestra i descobreix, en una reunió de pares, que té a classe el fill d'en Ricard. Sembla que el fill retiri al pare: en Martí presenta problemes greus de conducta, falta al respecte als professors i ataca sense motiu aparent els seus companys de classe. Pot ser que la vida estigui donant a l'Ester una segona oportunitat per fer el que hauria hagut de fer fa molts anys enrere?...
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La vida dels habitants d'un petit poble d'interior mallorquí, Galilea, es veu profundament trastocada quan la Laia, de nou anys, diu que ha respost la telefonada (literal) de Déu a la cabina del poble. Una cabina que està a punt de ser retirada de circulació. La Laia defensa que Déu li ha dit que tornarà a telefonar d'aquí set dies. Qui agafarà el telèfon quan torni a cridar-los? Es convertirà el poble en un destí atractiu amb el possible miracle? O és la salvació del poble el miracle en si? I, sobretot, per què els ha telefonat Déu?
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Una obra construida alrededor de una figura fascinante y monstruosa seducida por el poder.«Mi reino por un caballo», una de las citas más conocidas de Shakespeare, pertenece a Ricardo III. La obra, escrita probablemente en 1592, cuando el dramaturgo tenía veintiocho años, culmina su primera tetralogía de dramas históricos ingleses, iniciada con las tres partes de su Enrique VI. Su acción se centra en acontecimientos de los doce años del reinado de Eduardo IV y los dos del de Ricardo III, y cierra el ciclo dedicado a la Guerra de las Dos Rosas. Sin embargo, Ricardo III no es una mera continuación de la trilogía precedente. Apoyándose en un argumento muy estructurado, Shakespeare crea en ella su primer personaje memorable: un ser de gran magnetismo diabólico entregado a la conquista criminal del poder que ha llegado a convertirse en mito teatral y literario. Ángel-Luis Pujante, catedrático de Filología Inglesa de la Universidad de Murcia y traductor y estudioso de Shakespeare, nos ofrece en su introducción un estudio completo de los personajes de la obra y nos ayuda a comprender las diferentes fases de la acción.
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La noche inclinada, obra de teatro escrita a principio de los años sesenta del siglo XX, está compuesta por tres jornadas y ahonda en los recovecos del alma de José Miguel Carrera -uno de los héroes más controvertidos de la independencia hispanoamericana- en el momento más difícil y atormentado de la vida, o sea cuando se encuentra cara a cara con la Muerte, a la que se entrega sin miedo y sin remordimientos, consciente de haberlo dado todo por su patria, honorándola siempre. Tras su fusilamiento, tocará a la Noche protegerle de la Envidia y de la Muerte y otorgarle la posibilidad de brillar para la eternidad. Sacar del inmerecido olvido la última obra teatral del escritor Ramón de la Serna y Espina significa abrirse a la posibilidad de abandonar las lecturas maniqueas de las guerras de independencia hispanoamericanas y capturar los más sutiles matices del alma humana con todas sus debilidades, de las que ni siquiera los héroes pueden escapar. Drama inédito sobre la guerra de independencia chilena, en el que los héroes sin miedo y sin tacha, dejan espacios a los miedos y a las debilidades de los seres humanos. Ramón de la Serna y Espina (Valparaíso, 1894-Santiago de Chile, 1969). Periodista, traductor, novelista y dramaturgo, fue un intelectual de su tiempo, poliédrico, ecléctico y políglota. Primer hijo de la escritora Concha Espina, Ramón de la Serna se formó entre España, Alemania e Inglaterra y empezó su carrera dando cuenta de la vida cultural del tiempo para periódicos influyentes, como El Sol y El Imparcial. Tradujo del alemán al español importantes ensayos y obras críticas, entre las que destacan Lope de Vega y su tiempo de Vossler y Tipos psicológicos de Jung, gracias a las que obtuvo el aprecio de José Ortega y Gasset. Su novela Chao publicada en 1933 se inscribe en el surco trazado por los prosistas de la Generación del 27. Tras su exilio voluntario en Chile en 1939, el escritor empezó su importante colaboración con el periódico El Mercurio -que duraría hasta su muerte- con el ABC y con la editorial Losada. Bajo el influjo del grupo universitario chileno Teatro Experimental, empezó a dedicarse a la redacción de obras teatrales en las que los verdaderos protagonistas son los valores que los seres humanos corren el riesgo de perder. Daniela Agrillo. Doctora en Estudios Literarios, Lingüísticos y Comparativos, ha escrito Ramón de la Serna y Espina. La torre invisible. Lleva años intentando sacar del olvido al desconocido autor hispano chileno, al que ha dedicado, además de la mencionada antología, artículos y ponencias en congresos nacionales e internacionales.
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Obres que van ser maleïdes mentre l'autor era viu, però que als ulls del lector/espectador del segle xxi adquireixen una nova dimensió i permeten gaudir d'una experiència poc habitual: descubrir un nou vell autor i en tot cas, apreciar de manera global la magnitud i la qualitat variada i polièdrica del dramaturg estatunidenc més prolífic del segle xx.
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José Zorrilla recreó con deslumbrante maestría una figura de la literatura universal de dimensiones míticas: el personaje de don Juan, que nuestro autor bautizó como don Juan Tenorio. Siguiendo la tradición romántica, Zorrilla situó la acción dramática en la Sevilla del siglo XVI, y siguiendo también a sus modelos creó su versión del burlador de mujeres y desafiador de los muertos. Sin embargo, este don Juan de Zorrilla brilla con luz más intensa: doña Inés consiguió hacer de él, hombre sin escrúpulos, un hombre delicado y amante, y al ligar su destino al del pecador, logró su arrepentimiento póstumo.
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Mauthausen. La voz de mi abuelo recupera la historia de Manuel Díaz, exiliado republicano superviviente de los campos nazis. Este monólogo, construido a partir del testimonio real que él mismo grabó antes de morir, nos cuenta su periplo vital desde la sublevación de Franco en 1936 hasta su liberación del campo de concentración de Mauthausen en 1945, tras cinco años allí como prisionero. La voz del abuelo Manuel nos habla de la guerra civil y su paso por el ejército republicano, del exilio, de los campos en Francia y, sobre todo, de Mauthausen: la cantera, Gusen, los partidos de fútbol, los negativos del fotógrafo Francesc Boix, la comida llena de gusanos, los piojos, el frío, el recuento, los andrajos, las muertes por agotamiento, las ejecuciones... Manuel lo relata con la calma y la sencillez del que ha presenciado la atrocidad. Sin alharacas. Sin dramatismos. Sin concesiones. Esta edición se completa con la reconstrucción del testimonio original de Manuel Díaz, con una entrevista a Pilar G. Almansa e Inma González, creadoras de la pieza, y con un estudio introductorio de Alba Saura-Clares.
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Els pares de Joan, que s'han separat recentment, es reuneixen a l'escola del fill per parlar amb la directora. El que semblava una trobada tranquilúla es capgira quan s'insinua una agressió en una festa. Mentre tracten d'identificar el responsable, els equívocs se succeeixen. L'obra esdevé una crítica sarcàstica i hilarant a la rigidesa del llenguatge políticament correcte i als greuges ancestrals entre homes i dones. Mans quietes! ha estat posada en escena per Albena Teatre amb un gran èxit de crítica i públic.
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Grand Canyon. Una nit d'estiu ardent en un poble de la Catalunya interior, una prostituta immigrant que fa la carretera presencia un accident mortal després d'una festa a la casa d'un polític membre d'una poderosa família de la burgesia barcelonina. Aquella mateixa nit, la Ruby, una noia de divuit anys, cantant de trap, tindrà problemes amb la justícia. Al seu pare, en Pere, un home ja entrat en la cinquantena que de jove volia ser una estrella del rock i que ara es guanya la vida fent reparacions a granges i cases, un gir inesperat en la seva vida el porta a veure que és un no ningú i que mai no ha acomplert cap dels seus somnis. Un d'aquests somnis era fer la Ruta 66 fins arribar al Gran Canyó del Colorado amb la seva dona i la seva filla. Un somni que creu que ja mai podrà acomplir. Però una aparició sorprenent li fa veure que mai està tot perdut, i que fins i tot el més petit pot fer caure el que sembla immens, i obrir camí pels qui vindran després. I el Pere inicia un viatge de no retorn. Amb el Gran Canyó a l'horitzó.Grand Canyon forma part de la Trilogia americana de Sergi Pompermayer, juntament amb Amèrica (també publicada en aquesta col·lecció) i Nevada (encara inèdita).
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Con la creación del personaje de Ubú, Alfred Jarry (1873-1907) dio forma genialmente al emblema del ser humano egoísta, mediocre, despreciable y mezquino que suele abundar en las fangosas aguas del poder y pulular en ellas siempre atento a su medro y a su perpetuación, sin importar quien caiga en el camino. Situada ficticiamente en Polonia (lo que equivale, a decir del autor, a «en ninguna parte» y en todas), «Ubú rey», obra bufa, sátira implacable y guiñolesca válida para todo tiempo y lugar, se ha convertido por derecho propio en uno de los grandes clásicos de la literatura que brillan como perpetuo azote de los que mandan y de los que aspiran a mandar. La presente edición incluye varios textos fundamentales que aportan datos relevantes sobre los primeros pasos de la obra y la dramaturgia del autor. Versión de Wenceslao-Carlos Lozano
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In 1603, James VI of Scotland ascended the English throne, becoming James I of England. London was alive with an interest in all things Scottish, and Shakespeare turned to Scottish history for material. He found a spectacle of violence and stories of traitors advised by witches and wizards, echoing James’s belief in a connection between treason and witchcraft.In depicting a man who murders to become king, Macbeth teases us with huge questions. Is Macbeth tempted by fate, or by his or his wife’s ambition? Why does their success turn to ashes?Like other plays, Macbeth speaks to each generation. Its story was once seen as that of a hero who commits an evil act and pays an enormous price. Recently, it has been applied to nations that overreach themselves and to modern alienation. The line is blurred between Macbeth’s evil and his opponents’ good, and there are new attitudes toward both witchcraft and gender.The edition includes:-Freshly edited text based on the best early printed version of the play-Newly revised explanatory notes conveniently placed on pages facing the text of the play-Scene-by-scene plot summaries-A key to the play’s famous lines and phrases-An introduction to reading Shakespeare’s language
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Hikikomori és una paraula japonesa per a designar un jove, generalment adolescent, que, incapaç d'assolir les metes rígides traçades per la societat, reacciona aïllant-se'n. En aquest llibre, ambientat al Japó, trobarem un retrat àcid del buit que, en el món desenvolupat actual, impera en la vida de molts joves i del procés d'autodestrucció que alguns emprenen. Hikikomori (L'era del buit) va resultar guanyador del XXII Premi de Teatre Ciutat de València.
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Fedra es la tragedia del amor prohibido. La de una mujer en cuyo corazón crece, invencible, una pasión castigada por el cielo y por los hombres. Le horroriza lo que siente hacia su amado, pero ya no es dueña de sí, es un animal enloquecido. Ha elegido morir por apartarse de su hijastro, pero lo ve en todas partes, en cada sombra ve la imagen de un hombre al que no puede nombrar.Hécuba es la tragedia de la venganza. La de una anciana que nació en un palacio, esposa de un rey y madre de hombres llamados a ser reyes, y que hoy solo espera ser arrastrada como esclava hacia tierra extranjera. Pero precisamente cuando es más débil, se levanta fortísima y devuelve un golpe tan brutal como el que ella recibió, erigiéndose en acusador, juez y verdugo.«Dos mujeres dolientes que sienten, sufren y toman las riendas de su destino, que laten llenas de vida. El perfecto equilibrio entre ternura y desgarro. Eros y Tánatos». Antonio López Fonseca
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Escrita por Leandro Fernández de Moratín a principios del siglo XIX, El sí de las niñas es una obra teatral en tres actos. Esta comedia presenta a una muchacha de 16 años que se debate entre el amor por un joven y el matrimonio organizado por su madre con un hombre de casi 60 años. Una imprescindible colección de las obras clásicas en español más leídas en las aulas. - Títulos fundamentales de la literatura hispana. - Ediciones a cargo de señalados especialistas. - Textos íntegros, rigurosamente anotados. - 24 páginas de actividades. Una selección de títulos variada y representativa de las distintas épocas y géneros (poesía, novela, cuento, teatro) de la literatura española, perfectamente concorde con los programas educativos vigentes de ESO y Bachillerato.
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Santiago Rusiñol (Barcelona, 1861 Aranjuez, 1931) va ser un artista polifacètic que va destacar sobretot en l'àmbit de la pintura i de la dramatúrgia. Per la seua gran productivitat, la seua personalitat carismàtica i la seua influència en els altres autors del moment, prompte esdevingué un dels líders del Modernisme. La seua obra dramàtica compta amb més de seixanta títols, entre els quals destaquen: L'alegria que passa, Cigales i formigues, L'Heroi o Els jocs florals de Canprosa, entre d'altres. L'Heroi és una de les obres de teatre més crítiques i reeixides de la literatura catalana. De temàtica antimilitarista, l'obra desmitifica la guerra colonial a partir de la història d'un soldat que torna a casa tot triomfant, després d'haver lluitat a Pampanga. Però aquest soldat es mereix realment que el carreguen d'honors i corones de llorer?
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En 1970, las compañeras de clase Elvira Fontao y Rosa Lires han vuelto a encontrarse. Han pasado décadas desde los años en que compartieron escuela. Ahora, mujeres adultas, este encuentro les ha servido para olvidar por unas horas el mundo en blanco y negro en el que viven. Pero la reunión tiene una desafortunada causa: el entierro de la que fue su maestra, María Barbeito. Elvira y Rosa recuperarán un diálogo perdido que evocará, a través de la palabra y el juego, aquella escuela de la Segunda República que les abrió los ojos a un mundo libre. Un futuro que quedó sesgado por la guerra y por la dictadura franquista. Las alumnas es un ejercicio entre el arte dramático y el documento histórico, una reivindicación de la escuela laica, libre y transformadora de la Segunda República que reconoce el trabajo de aquellas maestras que lucharon por una educación moderna e igualitaria. La literatura dramática de Paula Carballeira evoca el objetivo del espíritu teatral: el de no olvidar, el de recordar y traer el pasado al presente.
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Ifigènia reescriu les tragèdies que va compondre Eurípides a partir de la figura d'Ifigènia, l'adolescent que a l'inici de la Guerra de Troia ha de ser sacrificada perquè un oracle determina que només així els vents bufaran a favor dels vaixells hel·lens. Mentre Agamèmnon, el seu pare i comandant de l'exèrcit grec, es debat entre matar-la o no matar-la, les tropes es desesperen acampades a la platja. Temen quedar-se sense menjar, l'estiu és a tocar, l'atmosfera és sufocant i la impaciència no deixa de créixer... Eurípides. Amb Èsquil i Sòfocles, del qual fou contemporani i competidor, és considerat un dels tres grans poetes tràgics de l'era clàssica. Eurípides participà activament en la renovació dels gèneres que tingué lloc a la Grècia del segle v aC. Escriví unes noranta obres i obtingué quatre premis. Incomprès en vida, les seves obres tingueren contínues reposicions després de mort i exerciren una gran influència sobre els dramaturgs llatins.
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La última obra de MaiakovskiEstrenada el 30 de enero de 1930 en Leningrado y el 16 de marzo en Moscú, esta obra será la última de Maiakovski, y el motivo directo de su suicidio pocos días después, el 14 de abril.Su sátira del burocratismo, de la charlatanería, la fanfarronería o del oportunismo que el sistema soviético venía propiciando, redoblada su crítica con un complejo y futurista juego de espejos, no fue bien recibida ni por el público ni por la crítica ni por las autoridades.
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Huit dones que ens conten experiències de dolor i discriminació a les que ha donat veu Dacia Maraini, primer sobre els escenaris i ara també a un llibre, per fixar sobre la pàgina blanca històries que simbolitzen una tràgica quotidianitat.
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En este sexto volumen del Teatro Caníbal Completo, de Morales Lomas, se pueden encontrar las siguientes obras: La plaza del caníbal, Boca a boca, Juegos caníbales, La familia, El hospital, El banco espiritual, La visita, Prohibido fumar, El lagarto, La funeraria y Relajación. Un conjunto de obras que, como señala el catedrático de Literatura Española Francisco Gutiérrez Carbajo, apelan a los temas universales de la vida, como el amor, el humor, la muerte , siempre tratados con gran originalidad, tino y sabiduría, y en las que el proceder de Morales Lomas, como el de los buenos maestros, es comparable al de los antiguos orífices. Va puliendo minuciosa y detalladamente sus piezas para que funcionen como un perfecto mecanismo de relojería. Nada lo deja a la improvisación. Son obras que entran de lleno en el ser humano, en sus contradicciones, en su irrelevancia, en sus miserias y en su sabiduría para mostrar nuestra esencia como seres humanos en una sociedad siempre motivo para ser criticada y constante objeto de atención por el dramaturgo giennense.
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En un ámbito fantasmagórico y nocturno, se encuentran tres monarcas que persiguen una estrella anómala. Han abandonado su reino, se han echado a los caminos, se han visto obligados a dialogar con su conciencia. Cada cual mantiene en secreto el motivo de su peregrinar, en parte porque ellos mismos lo desconocen. Felipe Benítez Reyes ha publicado diversos libros de poesía, recopilados en un volumen titulado Trama de niebla. Es autor de novelas como El novio del mundo y El pensamiento de los monstruos. Ha obtenido el Premio de la Crítica y el Premio Nacional de Literatura, entre otros. Los astrólogos errantes es su primera obra teatral, que en la actualidad está siendo representada por La Madriguera Teatro, con música original de Javier Ruibal y con la colaboración de Joaquín Sabina en la voz del narrador.
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Una extraordinaria novela de culto con una enigmática mujer como protagonista.«Pynchon es probablemente el mejor de todos los grandes novelistas norteamericanos vivos.» Harold Bloom «Thomas Pynchon es en las letras el perfecto equivalente de Bob Dylan: clásico y moderno y atemporal y eterno. Y por encima de todos y de todo. ... Hay que leerle, hay que aprender a leer a este hombre invisible pero omnipresente para saber de qué se trata.» Rodrigo Fresán, Abc Cultural «Pynchon es lo máximo. ... Cuando lees a Pynchon por primera vez es como si te hubiera dado un calambre. No sabes lo que ha pasado, pero luego te das cuenta del milagro..» Junot Díaz, El País Semanal Tres son los protagonistas de esta extraña y fantástica aventura: Herbert Stencil, que busca algo que cree haber perdido, Benny Profane, quien, como nunca tuvo nada que perder, nunca ha buscado nada, y V., una enigmática mujer que podría ser una joven desflorada en El Cairo, una bailarina alemana en el suroeste africano o una lesbiana de París. Pero ¿por qué Stencil se empeña en investigar la verdadera identidad de V.? La respuesta tal vez resida tanto en la pertinaz idea que tiene Stencil de que «detrás de V., y en V., hay mucho más que todo lo que jamás hayamos soñado» como en esta reflexión del propio Pynchon: «Lo que son para el libertino unos muslos abiertos, lo que es el vuelo de los pájaros migratorios para el ornitólogo, lo que es una tenaza para el ajustador, eso es para el joven Stencil la letra V».
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«No me queráis tanto, que me vais a matáh» nos dice el dramaturgo, director de escena y performer Alberto Cortés en su nueva pieza, Analphabet. En ella, los fantasmas ocupan el papel protagonista de una historia construida sobre y a partir de la melancolía, la vulnerabilidad y la pena a las que nos llevan en ocasiones las relaciones de pareja. Ambientada en una mezcla de paisajes vascos, playas andaluzas y bosques del romanticismo alemán, Analphabet es (quiere ser) mito y consuelo de nuestras heridas y azote de nuestros abusadores. La palabra se convierte así en sanación del cuerpo maltratado y en altavoz de los abusos tantas veces silenciados que se dan (también) en las relaciones intragénero.Entre los múltiples paisajes y visiones aparecidos en estas páginas, encontramos a otros fantasmas que comparten genealogía: Goethe, Hölderling, Novalis, Bergamín o Anne Carson.Como correlato de esta herida, Siempre vengo de noche se cierra con un cuaderno de notas, o diario de trabajo, en el que el autor crea otra obra donde recoge sus inseguridades, contradicciones e impresiones acerca del hecho escénico y del oficio mismo de escribir.
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El pobre de Freshmater, a la idíl·lica illa de Wight, fou escenari de llegendáries trobades entre la flor i nata dels artistes victorians: pintura, poesia, filosofia, fotografia s'aplegaven entorn d'apassionats ideals estétics en un món cada vegada més accelerat i convuls.
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En una ciutat d'un país de l'est d'Europa, un taxista i la seva esposa allotgen a casa seva durant una nit una viatgera que no ha pogut agafar el seu vol a causa de la boira. Fa vint-i-cinc anys que ha caigut el mur de Berlín, i els antecedents i les conseqüències d'aquest fet encara són ben presents a les vides de tots tres i d'aquells que els envolten.
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Calderón de la Barca, uno de los grandes autores de la literatura universal, escribió numerosas obras que trataban de cuestiones filosóficas. En El gran teatro del mundo, el Creador se dirige al Mundo y a sus personajes, los hombres: Nuestra vida -quiere decirnos- es parte de una gran obra de teatro y no importa el papel que se nos haya asignado en este mundo -rico o pobre, rey o labrador-, lo que importa es cómo lo desempeñemos. El lector asiste fascinado a esta reconstrucción tan amena y peculiar del Universo, de lo que significa nuestra vida y de los valores que la deberían guiar. Esta adaptación trata de acercar la obra a un público amplio, desde la adolescencia en adelante, en España y en Hispanoamérica, trasladando los valores del teatro del siglo de oro, su permanente juventud y actualidad. Partiendo de cierta libertad respecto al original, la adaptación es muy fiel al espíritu de la obra, y conserva en buena parte la belleza de los versos, pues Calderón fue un maravilloso poeta. Las excelentes acuarelas son de Begoña Summers, que también ha ilustrado en Gadir ediciones de Cervantes y Lope de Vega. Merece la pena volver los ojos hacia nuestro Siglo de Oro.
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L'obra de Joan Ramis és la mostra més important de la literatura catalana de segle XVIII, i s'emmarca en el corrent Neoclàssic, que era el vigent a Europa en aquell moment. A diferència de Fontanella (l'altre gran autor teatral de l'època Moderna) les obres de Ramis són fàcilment intel·ligibles per al lector d'avui, tant per la forma com per la llengua, així com perquè l'estil neoclàssic defuig l'obscuritat del primer Barroc. Els temes que toca són universals, l'amor, la justícia, la venjança... i encara avui en dia interpel·len els lectors i els espectadors. Aquesta edició presenta, per primer cop, tot el seu teatre en un sol volum.
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Los seis relatos aquí reunidos tienen como trasfondo el mundo protestante en diversas épocas y lugares de Europa. La autora ha escogido seis momentos entre cientos posibles que sirven de contrapunto a esa visión monolítica impuesta desde el cisma y e
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Cinco mujeres narran sus historias tras las rejas de sus respectivas jaulas, cinco mujeres del mundo árabe, pero que podrían provenir de cualquier lugar. Valientes, revelan sus cadenas, frustraciones e ira. Desde su posición de carcelero y confidente, el hombre las escucha y las provoca. Lama, la solterona, Zeina, la niqab, Hiba, la prostituta, Yara, la lesbiana, y Abeer, la gorda... se desnudan por completo. La crudeza de su lenguaje es proporcional a la intensidad de su sufrimiento.
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La poesía de Miriam Reyes escarba en lo oscuro. No necesita saber lo que busca ni entender lo que encuentra, pero no puede parar de escarbar: todo huele a tierra y a sangre. Su escritura parte del cuerpo –una propiedad que la posee, un refugio que la deja a la intemperie– y de esa tierra que acumula en las uñas y en los zapatos. Su lenguaje es afilado y sirve para hacer incisiones, pero también para jugar y recoger la ceniza, para desgarrar y remendar. Niega lo que afirma para no ser rehén de ninguna certeza. No sabe, busca. Vivir es extraño, como sentirse lejos de quien está muy cerca. Después de tantos años todavía se asombra de esa extraña manera de estar viva, de esa necesidad de traducción.
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Estamos en el siglo XVIII, apoteosis de la Ilustración y Siglo de las Luces. El vitriólico Voltaire creía en las virtudes de la razón, la ciencia y el arte como artífices del progreso civilizatorio y el explosivo Rousseau sostenía que tales factores arruinan la libertad y la inocencia del hombre, que es bueno -¡el buen salvaje!- mientras permanece vinculado a las pautas de la naturaleza. Hélas! Tan antagónicas posiciones encizañaron la amistad de dos polemistas natos y corrosivos que, hacia 1741, habían unido recursos en torno al luminoso y transformador proyecto de la Encyclopédie. Que una conversación sobre el escenario entre dos filósofos mantenga durante 1,5 horas pegados a sus asientos a los espectadores que abarrotan cada noche el teatro María Guerrero de Madrid conduce a una reflexión: ¿no será que la filosofía no es tan aburrida como se dice?, -¿de verdad que la filosofía es superflua e improductiva como mucha gente sostiene? La obra Voltaire/Rousseau. La disputa, interpretada por Josep Maria Flotats y Pere Ponce, supone un reto por cuanto no es habitual ver la filosofía convertida en materia prima de una obra teatral y a dos filósofos como sus protagonistas.
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La familia es el teatro en el que estamos obligados a adoptar un papel sin haberlo elegido ni ensayado previamente, Como personajes, asumimos ese papel según las circunstancias, según el destino o la mera fortuna, Y el escenario es, apenas, una cuerda floja sobre la que debemos poner en juego nuestras capacidades con el solo fin de evitar caer al vacío, La familia es una obra teatral que dura la vida entera, una perpetua representación a merced de aplausos y abucheos. EL AUTOR VUELVE A SORPRENDERNOS CON SU CAPACIDAD DE MOSTRARNOS TODAS LAS MIRADAS«Franco Chiaravalloti apuesta por la escritura mestiza y la mirada moral, agitada por la pulsión nómada con el fin de trazar las coordenadas de este mapamundi literario, tan tumultuoso, tan libre, tan admirable», Eloy Tizón
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El día comienza como otro cualquiera en un campus de Japón: un grupo de estudiantes discuten sobre el tema de su trabajo de investigación, en la cafetería un hombre que va a casarse acaba de descubrir que su exnovia está embarazada, los amigos de los prometidos preparan un baile para la bodaa… Hasta que de pronto todos los personajes empiezan a morir uno tras otro sin causa aparente.¿No queda nadie vivo? es una obra de nuestro tiempo que retrata la sensación diluyente de la muerte en la sociedad actual: los muertos convertidos en números en las noticias, la prohibición de visitas en los hospitales donde los enfermos de coronavirus mueren en soledad, la glorificación de la belleza y la juventud en los anuncios, las respuestas evasivas cuando se habla de la muerte… Vivimos evitando esta realidad cuando es la que nos hace conscientes de estar vivos.Por eso, en esta obra el escenario se convierte en un espacio abierto, donde ningún elemento escenográfico nos impide asistir a la muerte de los personajes.
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Abú Magrib ens conta l'odissea d'un jove magribí que travessa l'estret de Gibraltar amb una pastera amb l'esperança de poder construir-se, treballant, un futur millor i més lliure. El seu és un testimoni de l'explo-tació -sobretot laboral i sexual-, de la marginació, del dolor i de la injustícia que oprimeixen els «sense papers». Aquest text denuncia, sense maniqueismes ni idealismes, l'anomenat «Primer Món», que, més sovint del que seria desitjable, tracta i valora les persones com si foren mercaderies. I és, alhora, un viatge iniciàtic pels racons d'una condició humana atrapada per l'estrangeria permanent de les nostres vides.
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El teatro de Roland Schimmelpfennig ocupa un lugar central en la escena contemporánea por su capacidad para renovar el lenguaje dramático sin perder el vínculo con lo humano. Su escritura, de estructura precisa y poética, articula tensiones que trascienden el conflicto clásico y plantea una dramaturgia que interpela sin juzgar, que escucha y desafía a la vez, en una relación de respeto mutuo entre texto, intérpretes y público. Frente a un mundo fragmentado, sus obras convocan la narración como forma de resistencia. Sus textos funcionan como partituras de imágenes, abiertas a la imaginación escénica, donde el ritmo, la repetición y la variación sustituyen a la progresión lineal. En ellos conviven lo simbólico y lo cotidiano, lo arquetípico y lo contemporáneo, la herida y la posibilidad de redención. Su teatro ha contribuido de manera decisiva a repensar las formas de representación en el siglo XXI, y su influencia se extiende tanto en la escritura como en la práctica escénica de hoy.
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En un jardí oblidat al bell mig d'un barri envellit, la Carme, una dona gran lligada al passat, i en Gerard, un funcionari atrapat per les seves pròpies contradiccions, s'enfronten a un dilema profund: la lluita entre la memòria i el progrés. Quan l'Ajuntament decideix enderrocar la casa de la Carme, aquest petit espai es converteix en un camp de batalla on es qüestionen la justícia, la impotència i el sentit de l'existència. Amb un gronxador com a símbol de pèrdues irreparables i esperança tènue, l'obra explora la fragilitat humana davant les forces implacables de la societat.
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Los libros de teatro son obras impresas que recogen textos dramáticos pensados para la representación escénica y la lectura reflexiva. El teatro como género literario se construye a partir del diálogo, la acción y la estructura en actos o escenas. Aunque a veces se habla de novelas teatrales, el texto teatral posee características propias que lo diferencian de la narrativa tradicional. El formato en papel facilita la lectura pausada, el análisis del diálogo y la comprensión de la estructura dramática.
¿Qué son los libros de teatro?
Los libros de teatro son publicaciones en papel que contienen obras dramáticas destinadas tanto a la representación como a la lectura individual.
Definición
Una obra de teatro se estructura en actos y escenas y se desarrolla principalmente a través del diálogo entre personajes. Los libros de teatro permiten acceder al texto íntegro, analizar sus acotaciones y comprender la construcción escénica.
Características del género dramático
El teatro se caracteriza por la acción directa, la interacción entre personajes y la presencia de indicaciones escénicas. La lectura en papel facilita la visualización de la puesta en escena y la interpretación del conflicto dramático.
Cómo elegir libros de teatro
Seleccionar entre distintos libros de teatro implica considerar el periodo histórico, el estilo del autor o autora y el tipo de dramaturgia que se desea explorar.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca teatro clásico, contemporáneo o propuestas experimentales.
- Obras teatrales clásicas del canon universal.
- Dramaturgia contemporánea con temáticas actuales.
- Teatro breve o monólogos.
- Ediciones comentadas para el estudio académico.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de teatro en formato papel pueden incluir diferentes propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Obras completas de un autor o autora.
- Antologías teatrales temáticas o históricas.
- Textos acompañados de estudios críticos.
- Dramaturgia contemporánea de nuevos autores y autoras.
Estos libros permiten analizar la estructura dramática, el ritmo del diálogo y la evolución de los personajes.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de teatro en papel favorece la comprensión del lenguaje escénico y el desarrollo de habilidades interpretativas.
Comprensión del conflicto dramático
El análisis de obras teatrales ayuda a entender la construcción del conflicto y la dinámica entre personajes.
Fomento de la lectura expresiva
Los libros de teatro invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación, fortaleciendo la expresión oral y la sensibilidad artística.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de teatro?
Los libros de teatro están dirigidos tanto a lectores y lectoras interesados en la literatura dramática como a estudiantes y docentes que trabajan el texto teatral.
- Personas interesadas en el arte escénico.
- Estudiantes de literatura y artes escénicas.
- Grupos de lectura que practican la lectura dramatizada.
- Quienes desean conocer la evolución histórica del teatro.
Preguntas frecuentes sobre libros de teatro
¿Qué diferencia hay entre una obra de teatro y una novela?
La obra de teatro se construye principalmente a través del diálogo y está pensada para la representación escénica, mientras que la novela desarrolla una narración extensa en prosa.
¿Qué aportan los libros de teatro a nivel educativo?
Favorecen la comprensión del lenguaje dramático, el análisis del conflicto y el desarrollo de la lectura expresiva.
¿Cómo elegir un libro de teatro adecuado?
Es recomendable considerar el periodo histórico, el estilo dramático y el interés por determinadas corrientes teatrales.
¿Por qué leer teatro en formato papel?
El formato en papel facilita la lectura detallada del diálogo, la comprensión de las acotaciones y la interpretación pausada del texto dramático.