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Libros de teatro
En Abacus disponemos de la mejor selección de libros de teatro, ese género olvidado e ignorado por el público, pero que constituye en sí mismo una importante fuente de riqueza literaria. Descubre las obras de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca y muchos más.
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Un libro de protesta escrito cuando en España nadie protestaba.Dámaso Alonso (1898-1990) ha definido Hijos de la ira (1944) como «un libro de protesta escrito cuando en España nadie protestaba. Es un libro de protesta y de indagación. Protesta ¿contra qué? Contra todo... Habíamos pasado por dos hechos de colectiva vesania, que habían quemado muchos años de nuestra vida, uno español y otro universal, y por las consecuencias de ambos. Yo escribí Hijos de la ira lleno de asco ante la estéril injusticia del mundo y la total desilusión de ser hombre. Es también un intento de indagación en la realidad del mundo, en su esencia, y de su primera causa [...]: la vida es monstruosa porque es inexplicable [...] De esta doble consideración [...] nacen todos los matices y contradicciones que el lector podrá encontrar en las distintas posiciones respecto de la causa primera». Fanny Rubio, directora del Instituto Cervantes de Roma y reconocida especialista en poesía española contemporánea, ofrece en este volumen una edición enriquecida con anotaciones y comentarios, que facilitan las comprensión de cada uno de los poemas, y con un estudio que analiza el alcance de la revolución literaria promovida por Hijos de la ira.
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L'alegria que passa
L'adaptació del clàssic de Santiago Rusiñol a càrrec de la companyia Dagoll Dagom.La sirena de la fàbrica determina l'existència dels habitants del poble gris. Cada matí els obrers s'encaminen als seus llocs respectius de la cadena de muntatge i obstinadament hi treballen fins que conclou la jornada. Un tedi fatal domina el municipi, els seus veïns hi viuen anestesiats pels efectes de la inèrcia i subjugats dòcilment al seu alcalde. Però l'arribada de l'Arca del Talent -una companyia d'artistes- provoca una sotragada. Els seus assajos i l'enlluernadora cantant del grup, la Zaira, desencadenen conseqüències inesperades que alteren el comportament dels habitants. Al poble gris, que experimenta les batzegades generades per la col·lisió de postures vitals diametralment oposades, s'obre una escletxa d'esperança. Basada en l'obra homònima de Santiago Rusiñol, la present peça teatral -l'última de creació pròpia de Dagoll Dagom- es va estrenar amb gran èxit el març del 2023. Aquesta edició incorpora una introducció i una guia didàctica perquè els joves lectors puguin treballar l'obra a l'aula i fer-ne una lectura fecunda.
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Año 1900. La reina Isabel II de España vive exiliada en París. Anciana, olvidada y únicamente asistida por su ayuda de cámara, se muestra con descarnada realidad: su condición de mujer, la falta de cariño sincero de su familia, el profundo amor a su Patria. Se resiste al vilipendio sufrido por personajes que la utilizaron por su influencia y, una vez cobrado protagonismo en la vida política, provocaron su destierro. Con íntima feminidad, defiende la honestidad de sus conductas, por las que fue juzgada con diferente criterio a cualquier hombre de su época, y se le destronó. El último encuentro con quien fuera su esposo, Francisco de Asís, desvela sentimientos sinceros, con él, se abre a la confesión de los progenitores de su descendencia, y desempaña el origen de sus sucesores a la Corona. La novela La de los tristes destinos, en la serie Episodios nacionales de Benito Pérez Galdós, aborda una etapa de su reinado. Despierta en ella la reflexión sobre lo que se reflejará de su vida en la historia de España, la tristeza de su destino: afronta sus errores, dignifica sus desengaños, y excita su reivindicación al derecho legítimo de representar a la Corona de España. Isabel II de España muestra, con íntima feminidad, su descarnado triste destino: su condición de reina mujer, lo escarnios sufridos y el profundo amor a su Patria. Ángel Marqués Valverde es Licenciado en Arte Dramático por la RESAD. Completa su formación teatral en el Laboratorio de teatro William Layton, y cursa dramaturgia con Guillermo Heras, José Sanchis Sinisterra, José María Esbec, Paloma Pedrero, entre otros. Imparte cursos de interpretación y de escritura, dirige montajes teatrales, y la ayudantía de dirección de María Ruiz en Catón, el último republicano, dentro del Festival de Teatro Grecoromano de Mérida. En su faceta de autor cuenta con una decena de obras teatrales, entre las que destaca su trilogía Leyendas negras de la monarquía española, compuesta por: Partida de damas (Reinas y damas en las cortes del rey prudente) (ganadora del Premio FETAM 2023 de escritura teatral), Hechizado, e Isabel, la castiza (triste destino). Así mismo, es autor de las novelas Nunca es tarde y El balneario de Tozeur, y diversos relatos.
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La obra que tienes entre las manos es la ganadora del Primer Premio de Textos Escénicos LEB-CTMT con la colaboración de la AAT, escrita por la dramaturga Cristina Hermida. El jurado destacó su capacidad para generar una dramaturgia a partir de la crónica de la semana en que una autora, urgida por los plazos, se encierra a escribir una obra. La ironía y la ternura de la voz narrativa en su encierro doméstico dialogan con un exterior que asoma y nombra (muchas veces por ausencia) lo que la protagonista anhela y sabe casi imposible: una pausa en el frenesí de este tiempo poscapitalista que habitamos.En palabras de Eva Mir, prologuista: «Esta es una obra en gerundio, una obra sobre la propia construcción dramática que nos arrastra porque nos habla sobre aquello a lo que nos vemos arrastradas: los tiempos de las convocatorias, de las entregas, de la conciliación, de la compra diaria, de la búsqueda de piso, del proyecto de vivir en el campo, del cuidado de nuestras hijas las plantas, de todo aquello que pasa mientras intentas escribir».
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El estreno de canción de cuna «fue para sus autores la aventura más emocionante de su carrera de dramaturgos», recordaba María Lejárraga en sus memorias. Idéntica emoción embargó al público que asistió a aquel estreno el 21 de febrero de 1911 en el madrileño teatro Lara y a los millones de espectadores que, durante décadas, la aplaudieron en los escenarios de todo el mundo, convirtiéndola en una de las comedias españolas más representadas del siglo XX. Tras los triunfos resonantes en el Civic Repertory Theatre de Broadway (Nueva York) y en el Studio des Champs-Élysées (París), fue presentada en 1936 en la Comédie Française como una de las escasas obras extranjeras contemporáneas que figuraban en su selecto repertorio. Mereció también cinco adaptaciones cinematográficas entre 1933 y 1993, y varias versiones televisivas. Hoy permanece alejada de los teatros, pero no ha perdido su encanto ni su fuerza de atracción. Una lectura moderna de la obra nos descubre nuevos valores en una comedia que sigue cautivándonos por su poesía, por el perfecto engranaje de sus escenas, por su belleza formal y por la sutil representación de un mundo complejo más allá de su apariencia sencilla, amable y optimista. «Canción de cuna fue un oasis. Allí, debajo de la fábula, había algo superior a la fábula misma». Emilia Pardo Bazán La obra maestra de María Lejárraga y Gregorio Martínez Sierra. María de la O Lejárraga García (San Millán de la Cogolla, La Rioja, 1874-Buenos Aires, 1974) y Gregorio Martínez Sierra (Madrid, 1881-1947) compartieron su producción literaria con la única firma del marido, incluso desde antes de casarse en 1900. Tras la muerte de Gregorio en 1947, ella adoptó el nombre literario de María Martínez Sierra, que ocasionalmente había utilizado anteriormente. Fueron dos protagonistas esenciales de la historia del Modernismo en España, creadores de revistas literarias (Helios, Renacimiento), novelas (La humilde verdad, Tú eres la paz, El amor catedrático), teatro (Teatro de ensueño, Canción de cuna, El reino de Dios, Triángulo), libretos de zarzuela (Las golondrinas), ópera (Margot, Jardín de Oriente) y ballet (El amor brujo, El sombrero de tres picos), y ensayos, con especial dedicación a la difusión del feminismo (Cartas a las mujeres de España, Feminismo, feminidad, Nuevas cartas a las mujeres). Gregorio Martínez Sierra fue, además, un destacado editor, empresario teatral de éxito y uno de los mejores directores de escena de su época, además de pionero de la industria cinematográfica en Hollywood. María Lejárraga, que comenzó su carrera siendo maestra, desarrolló una importantísima labor como traductora y, al margen de su prolífica dedicación a la literatura, fue feminista militante, fundadora de asociaciones de mujeres (Lyceum Club, Unión de las Mujeres de España, Asociación Femenina de Educación Cívica), diputada a Cortes durante la Segunda República y una de las plumas imprescindibles de la literatura del exilio de 1939. Juan Aguilera Sastre e Isabel Lizarraga Vizcarra son investigadores y estudiosos de la literatura española de la Edad de Plata. Han publicado conjuntamente varios trabajos, entre los que destacan De Madrid a Ginebra. El feminismo español y el VIII Congreso de la Alianza Internacional para el Sufragio de la Mujer (2010) y tres volúmenes sobre la labor periodística de Clara Campoamor: La forja de una feminista (2019), Del Foro al Parlamento (2021) y Clara Campoamor de viva voz (2021). Han dedicado numerosos estudios a la vida y obra de María Lejárraga, desde la pedagogía y la dramaturgia hasta el feminismo, la política o el exilio. Han editado los volúmenes Homenaje del Ateneo Riojano a María de la O Lejárraga (1995), María Martínez Sierra y la República: Ilusión y compromiso (2002), María Lejárraga, pedagoga: Cuentos breves y otros textos (2004), Ante la República: Conferencias y entrevistas (1931-1932) (2006), María Martínez Sierra: Feminismo y música (2008), Cómo sueñan los hombres a las mujeres (2009) y, en esta misma editorial, Tragedia de la perra vida y otras diversiones. Teatro del exilio [1939-1974] (2009), Viajes de una gota de agua (2018), Una mujer por caminos de España (2019), Epistolario del exilio. Cartas familiares [1939-1969] (2021), Cartas a las mujeres de España (2022), Gregorio y yo (2023) y Feminismo, feminidad (2023). Como novelista, Isabel Lizarraga ha convertido a la feminista riojana en protagonista de sus novelas Luz ajena (2020) y Cándida (2022).
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Coa celebración do seu 75 aniversario, Editorial Galaxia recupera o espírito innovador que demostrou nas súas publicacións dende 1950, traendo ao lectorado de hoxe moitas destas obras que supuxeron unha renovación do mundo cultural galego e, por extensión, tamén da súa sociedade, grazas á Biblioteca 75 anos. O novo volume desta colección conmemorativa é Dar voz ao teatro galego o premio castelao de teatro 1964-1967, cunha introdución Cristina Domínguez Dapena. A Agrupación Cultural O Galo, a primeira asociación cultural da época legalmente constituída, impulsou en 1964 unha importante iniciativa: a convocatoria do primeiro Premio Castelao de Teatro Galego. Na súa primeira convocatoria o premio recaeu na peza Cando morren os farois, de Ángel de la Peña, un coñecido locutor da compostelá Radio Galicia, obra inédita ata a actualidade. Na súa segunda edición o premio foi concedido a Jenaro Mariñas del pola peza A revolta, e na seguinte, a do ano 1966, o premio foi declarado deserto. Na derradeira edición, a de 1967, a obra gañadora foi a peza de Xohana Torres, Un hotel de primeira sobre o río. Estas dúas obras foron publicadas no seu intre pola editorial Galaxia. O que van ler neste volume son, polo tanto, tres pezas de teatro creadas cunha clara vontade de contribuír á lingua e á cultura galegas, escritas con traballo, ilusión, compromiso e respecto. As tres persoas autoras compartían un fondo compromiso co teatro, aínda que cada unha o abordase desde unha perspectiva diferente.
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Una profesora de filosofía que roza los cincuenta años se enfrenta a un mundo que parece haber olvidado el sentido de la justicia. Entre aulas donde nadie la escucha, alquileres imposibles y vecinos que revientan las paredes con música, su vida se convierte en un ensayo sobre el colapso cotidiano. «El imperativo categórico» es una tragicomedia que, con humor ácido y un filo inquietante, lleva la ética kantiana a las trincheras de la precariedad urbana. Victoria Szpunberg traza con destreza una voz femenina feroz y frágil, que mezcla ironía, desesperación y lucidez. El resultado es un texto intenso, punzante, que desmonta el lenguaje burocrático, el cinismo académico y la violencia silenciosa de lo doméstico. Esta obra, estrenada en Barcelona con gran éxito, confirma a Szpunberg como una de las dramaturgas más incisivas de la escena contemporánea.
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Johan August Strindberg nació en Estocolmo en 1849y murió en 1912 en la misma ciudad. Su azarosa vida,las experiencias vividas, las traslada a menudo a laficción, por lo que su vida y su obra pueden analizarse de forma inseparable. La señorita Julie pertenece a su etapa naturalista, y el prólogo que Strindberg escribió para esta obra se convirtió de inmediato en un manifiesto teatral de gran trascendencia para la escena sueca y europea.La señorita Julie es una obra que va más allá del tiempo en quese escribió. La búsqueda de una identidad, el ansia de poder o el retrato de una sociedad en pleno cambioson algunos de los temas que aparecen en ella. Una mujer fuerte que fue educada como un hombre, un hombreque ansía el poder en la jerarquizada sociedad suecade la época y que ve en la utilización de la mujer laposibilidad de lograrlo. Búsqueda de amor, lucha declases y de géneros son los temas universales que nospresenta esta obra.
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Antonio Buero Vallejo señala, desde sus primeros textos teóricos, la obligación que tiene el creador debuscar modos de expresarse en una sociedad violentada por imposiciones censoriales. Sus estrenos teatrales tuvieron a veces una dimensión política, ya que constituían una forma de resistencia cívica y afirmaciónética, en una dictadura que no permitía otras manifestaciones de libertad. En Hoy es fiesta hay una potente intención social: un grupo de personajes típicos de clase media baja son presentados en un entorno que determina, en cierta medida, su inferior posición. Ellos mismos van mostrando los problemas que lesacucian, agravados por el estatismo del mundo que les rodea, las posibles pequeñas soluciones y sus particulares sueños. En El tragaluz la rivalidad fraterna remite de inmediato a la que tuvo lugar en laguerra civil y a la difícil convivencia posterior, con especial relieve a través de la figura de El padre.
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Haizea vuelve a casa de su madre para las vacaciones de verano, el 10 de julio de 1997. Justo en el momento en el que se abrazan efusivas, los informativos anuncian que ETA acaba de secuestrar a Miguel Ángel Blanco. De aquí en adelante, las cuarenta y ocho horas del secuestro se narran desde la televisión y por la ventana de una casa común, a través de los pequeños conflictos entre una madre que ha criado en soledad a una hija furiosa con el mundo. El acontecimiento trágico irá dinamitando los reproches, provocará a las dos en soledad y sacará a relucir sus mayores temores, esos que solo se confiesan con la muerte llamando a la ventana. El país entero movilizándose hará que ambas decidan, silenciosamente, aceptar todo y dejar el miedo aparte. El acontecimiento histórico del secuestro y asesinato de Miguel Ángel Blanco, queda cristalizado a través de la relación materno-filial. Un texto que propone mirar a los acontecimientos sociales y políticos desde la vulnerabilidad, nombrando cómo nos afectan irremediablemente, antes que buscar un enemigo al que hacerle culpable de nuestro dolor íntimo.
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Es esta la más famosa novela de Pirandello, y representa un momento decisivo en el desarrollo de su personalidad. Narra la historia de un tímido provinciano, Matías Pascal, que se aleja de su casa después de una de las habituales peleas con su mujer y su suegra y, en Montecarlo, gana una enorme cantidad de dinero. La lectura de una crónica periodística, que anuncia equivocadamente su muerte, lo empuja a intentar vivir una vida nueva. El difunto Matías Pascal llega a ser de esta manera el señor Adriano Meis, y va a establecerse a Roma. Pero Matías, finalmente, “muriendo” de nuevo, decide matar a Adriano y recobrar su antigua personalidad.
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Esta traducción que presentamos de Otelo es la segunda entrega de la colección «Shakespeare en el Mediterráneo». Coriolano fue la primera, y esperamos ir completando la traducción de las veinte obras restantes que el autor inglés situó en ciudades del Mediterráneo. En el prólogo de Coriolano se exponían las razones de esta iniciativa: el Renacimiento surgía en las ciudades de Italia y se extendía por el Mediterráneo, Inglaterra salía de la Edad Media y volvía los ojos y la pluma a Italia, Francia o España. Decíamos que «el Támesis terminó desembocando en el Mediterráneo».
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El sueño de una noche de verano fue escrita para servir de divertimento en las nupcias de personajes nobiliarios de la Corte de Isabel I. Shakespeare utilizó una ingente cantidad de fuentes, magistralmente manipuladas y transformadas de acuerdo con el propósito estético: desde las Metamorfosis de Ovidio, pasando por los cuentos de Chaucer o la Diana de Montemayor hasta llegar a los ritos de la fertilidad y el folclor de Gales. En una amalgama admirable, el dramaturgo funde tan heterogéneas influencias en un texto en que se presenta el amor consumado en el matrimonio como fuente de conflictos para alcanzar el poder político. / Las alegres comadres de Windsor, por contra, se presenta como una obra de comicidad y desenfado en la que los espectadores de la época, y aún los de hoy, pueden reconocer en escena los arquetipos de la Corte londinense. El obeso Falstaff, las comadres Ford y Page y los tipos de las callejuelas de Windsor pertenecen ya al enredo de la dramaturgia universal.
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Este segundo volumen reúne ocho de las últimas obras de Josep Maria Miró, que indagan en nuevos retos como el gran formato, la autoficción o su primer texto para un único intérprete. Con ellas cosecha destacados reconocimientos como el Premio Nacional de literatura dramática. «La travesía» cuenta la historia de la hermana Cecília, quien abandona el proyecto humanitario en una zona de conflicto bélico después de que una niña brutalmente agredida fallece en sus brazos. En «Cúbito», dos hijos regresan a casa y encuentran instalado como ayudante de su madre a un conocido joven de su edad, los hermanos viven con recelo y perplejidad la presencia de este intruso. En «Olvidémonos de ser turistas», las vacaciones de una pareja barcelonesa les confrontará con el episodio más doloroso de sus vidas. «Tiempo salvaje» transcurre en una pequeña población que verá amenazada su tranquilidad cuando aparecen varias pintadas con el mensaje «Volveremos para violar a vuestras mujeres». En «El cuerpo más bonito que se habrá encontrado nunca en este lugar», el hallazgo del cadáver de un joven de diecisiete años nos permitirá conocer a algunos habitantes de ese lugar y un oscuro pasado lleno de secretos. En «La habitación blanca», Carles, Laura y Manel se reencuentran con la maestra que les enseñó a leer y escribir cuando eran niños, este encuentro resultará inquietante y trastornador para cada uno de ellos. «Restos del fulgor nocturno» es una autoficción donde el autor escribe una nueva obra a partir de «Lo fingido verdadero» de Lope de Vega y dialoga con conceptos como ficción, representación, familia, disidencia e ideología. Finalmente, en «El Monstruo», Santi y Berta se reencuentran con alguien que desapareció hace casi dos décadas tras protagonizar uno de los episodios más oscuros y turbios ocurridos en el pueblo donde viven.
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Arthur Schnitzler (1862-1931) fue uno de los más relevantes escritores de la Jung-Wien, grupo de autores entre los que se pueden contar, entre otros, a Hofmannsthal, Beer-Hofmann, Altenberg, Salten, Dörmann y Leopold von Adrian. Su extensa obra abarca el teatro (entre otras obras, Liebelei y Reigen), la novela (p. ej., Der Weg ins Freie y Therese. Chronik eines Frauenlebens) y sus narraciones (entre las que cabe destacar Lieutenant Gustl y Flucht in die Finsternis). Su autobiografía, Jugend in Wien, fue publicada póstumamente en 1968.
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Currículum
Carles ha viscut una part de la seua vida emmirallat pels èxits del seu company Enric. Tant si era en els estudis com perseguint dones, el seu amic era sempre el model a seguir. Fins i tot, si fem cas del que conta Carles, aquest heroi era capaç, jugant al futbol, de crear efectes que haurien deixat bocabadat el mateix Maradona. Passats els anys, però, Carles ha descobert també l'altra cara del seu mite, una cara més humana que ara ens exposa amb tendresa i un humor corrosiu.
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El gronxador
En un jardí oblidat al bell mig d'un barri envellit, la Carme, una dona gran lligada al passat, i en Gerard, un funcionari atrapat per les seves pròpies contradiccions, s'enfronten a un dilema profund: la lluita entre la memòria i el progrés. Quan l'Ajuntament decideix enderrocar la casa de la Carme, aquest petit espai es converteix en un camp de batalla on es qüestionen la justícia, la impotència i el sentit de l'existència. Amb un gronxador com a símbol de pèrdues irreparables i esperança tènue, l'obra explora la fragilitat humana davant les forces implacables de la societat.
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“Comediante y mártir” llamó Sartre a Genet desde el título del libro que consagró a la personalidad más controvertida y elusiva de la literatura francesa contemporánea. Comediante y mártir porque apariencia y verdad, juego y trascendencia establecen en la obra y en la vida de Genet una relación insólita. Fue precisamente su vida desdichada lo que, en principio, recibió más atención: la obra (difundida clandestinamente en la posguerra) tuvo menos lectores que las crónicas periodísticas donde sus delitos se consignaban puntualmente. Hacia 1950, cuando Jean Genet (París, 1910-1986) decide abandonar la literatura, la editorial Gallimard emprende la publicación de todas sus obras, precedidas por el tomo donde Jean-Paul Sartre estudió el universo moral y novelesco del autor.
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Eugène Ionesco (Slatina, 1912 – París, 1994), de origen rumano, junto con Samuel Beckett, Arthur Adamov y Jean Genet, es considerado uno de los más notables renovadores del teatro francés.Teatro de situaciones, ilógico, inverosímil, pero poético, burlesco y apasionante, el teatro de Ionesco está alejado de toda digresión dramática y pretende más bien sorprender, algo que por cierto no es nada fácil.En sus obras, el lenguaje saca a la luz la ausencia de ideas que las palabras intentan ocultar y en la que los objetos desbordan a seres insignificantes que no son capaces de enfrentar y dominar al mundo material, poniendo así en evidencia el absurdo de la existencia y de las relaciones sociales.
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Ella i màquina
Ella és una dona de mitjana edat, amb les mateixes preocupacions i inquietuds que qualsevol de nosaltres. En cada acte, assistim a un diàleg de la protagonista amb la gent del seu entorn i, a poc a poc, l'obra es desclou com una panoràmica de la societat contemporània: la relació amb la parella, amb els fills adolescents, amb els pares que es fan grans. I fins i tot amb màquina, la qual prendrà la paraula en un final tan inesperat com irònic.
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El mercader de Venecia, escrita entre 1596 y 1598, es una tragedia romántica muy representativa de la obra de William Shakespeare. En esta pieza teatral hallaremos a algunos de los personajes más icónicos de la literatura shakesperiana: el prestamista usurero Shylock, dispuesto a cobrarse sus deudas de la forma más sanguinaria, el mercader Antonio, antítesis del anterior, quien asumirá los riesgos financieros de la aventura sentimental de su amigo Bassanio, poniendo su amistad incluso por encima de su propia carne, y la acaudalada huérfana Porcia, quien, con su aplastante superioridad intelectual y audacia, conseguirá doblegar las voluntades de cuantos la rodean. Esta apasionante obra, dividida en cinco actos, disecciona el alma humana para adentrarse en una cuestión que, más de 400 años después, sigue gozando de plena actualidad: hasta dónde es capaz de llegar el poderoso con tal de cobrarse una deuda de quien todo lo ha perdido.
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Un Pastor Mayor y un Pastor Menor, padre e hijo, atraviesan un país deshabitado y arrasado por la sequía con un rebaño de noventa ovejas y dos perros. El padre quiere llevar el ganado desde la sierra hacia los pastos de invierno, en el llano, y el hijo lo acompaña para sublimar la realidad de la experiencia trashumante en forma de égloga grecolatina o renacentista. Juntos siguen el curso del río Tajo (o lo que queda de él) en una armonía precaria que se irá al traste con una confesión del Pastor Menor.
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Rostoll cremat
Es sol crema! sa claror és pura il·lusió, clar que es blat necessita sol per créixer, per. arriba un diaque es sol és foc. o es pagès no sega es blat abans es sol no el consumeixi? es sol mos dona sa vida, per. si el miram fixament, si no miram res més, mos enlluerna, mos desorientam i perdem el món de vista.
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Mesura per mesura
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PREMI EDUARD ESCALANTE - XXXVI PREMIS CIUTAT DE VALÈNCIA Diana és una coneguda DJ que recorre el món punxant als clubs més selectes. El seu germanastre, Noel, un drogoaddicte al límit de l'abisme, és la seua única companyia en aquest periple. Fa mesos que no paren per casa, però cap dels dos no té ganes de tornar-hi, perquè això suposaria reprendre la relació tòxica que tenen amb la mare. El pare, en canvi, fa temps que va eixir del quadre familiar a causa d'un accident domèstic que, potser, no va ser gens fortuït...
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El rei Joan
Estrenada probablement el 1596, El rei Joan reprèn la crònica monàrquica que Shakespeare havia iniciat en els principis de la seva carrera. Avui, un dels motius més poderosos de l'atracció que el drama, construït amb savi equilibri, exerceix sobre nosaltres, és la seva perspicaç descripció dels mecanismes de poder. Faltar a la paraula donada sembla la constant dels reis, afalagar per tenir temps d'esmolar l'arma és una actitud normal de la qual ni tan sols escapa un personatge com el Delfí de França, presentat amb els trets amables de la joventut i d'una endevinada generositat. Els ciutadans que deixen sentir la veu, o l'actitud dels quals ens és dibuixada, poden tenir de bell nou un perfil entenedor en una època com la nostra on els avenços tecnològics han tornat a posar el poder - sobretot el poder d'anorrear - en les mans d'uns pocs. L'exclamació que Shakespeare posa a la boca del bastard, «Món guillat! Reis guillats! Conveni estúpid!», sona amb una autenticitat que sobrepassa la del mateix personatge.
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Puños narra la lucha por la reconquista de una misma.La trama se va desvelando como un edificio construido de manera que toda su parte interior se pueda ver desde un solo punto. Es decir, una especie de panóptico que permite observar, a modo de partitura, una historia de amor tóxica, desde el momento inicial del encuentro hasta la ruptura, contada desde la perspectivade una mujer que busca un sentido a la relación queha vivido. Tres voces (Tú, Yo, El) con sus respectivas fugas y choques que hacen latir corazones, palabrasy cuerpos en cinco movimientos cardinales: Oeste, Norte, Sur, Puntos y Este.
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Joan y Laia, una joven pareja en crisis, viajan desdeBarcelona hasta un pequeño pueblo del sur para asistir al entierro del padre del primero, del que nada hasabido en toda su vida. Cruzarán el país para unir las piezas de un relato del que inevitablemente formanparte. Una historia ocurrida antes del nacimiento deJoan y que tiene como escenario las últimas minas deplomo de Jaén. En la tierra rojiza del sur esperan otros hombres y mujeres para contarnos su historia: Emilia, Antonio, Beatriz y Samuel. Ahora tan sólo quedan una pequeña piedra y una carta como herencia aún ininteligible. Éstas son las pistas que Joan y Laia seguirán para tratar de comprender la geometría familiary así quizá poder empezar de nuevo.
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Dramatúrgia britànica contemporània
Aquesta antologia recull quatre dels textos més rellevants del teatre britànic dels darrers anys que, amb una veu autoral singular, segueixen la tradició del ''new writing'', influenciats per mestres del passat com Beckett i per autors més recents com Crimp, Kane o Churchill. Combinen forma i contingut per transmetre cosmovisions compromeses del món i una crítica de la identitat britànica.
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'Barlaán y Josafat'' cuenta las peripecias de un santo, Josafat, quien, apoyado por su anciano maestro, abandona el culto a los dioses paganos para abrazar lafe cristiana. Auténtica vida de un santo que, sin embargo, nunca existió como tal, pues Josafat no es otroque Buda, cuya historia había viajado durante siglosdesde la India hasta Europa, cristianizándose en elproceso e integrándose entre los muchos relatos moralizantes que en la época servían a los creyentes de ejemplos de conducta y modelos de fe.
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LA COMEDIA NEGRA DE UNO DE LOS MÁS QUERIDOS AUTORES DE LA NOVELA POLICIACA EN ESPAÑOL «No me ofrezcan vivir en un gran velero, o en un palacio romano, o en un ático de Manhattan: yo quiero vivir en una novela de Domingo Villar».Enric González «Domingo Villar definió su obra teatral como una comedia. El espacio, perfectamente detallado en una acotación ad hoc al principio de la pieza, nos permite concretar un poco más el género: comedia de salón, quizás, o incluso comedia burguesa. Pero la trama, basada en una intriga sobre la falta de inspiración del protagonista y su voluntad de desaparecer aprovechando un muerto muy oportuno, nos orientan a la comedia negra. Como sea, el ritmo rápido, el enredo más o menos complicado, y la intención de hacer reír mediante la comparecencia de gags e ingeniosas líneas de diálogo que hacen entrar y salir a los personajes de su tendencia al estereotipo convierten esta pieza de Villar en una obra tan interesante dramatúrgicamente como divertida para el público. Eso es Síbaris: un refugio definido en la pieza como una tranquila playa de Grecia, esa que figura en los sueños de evasión de cada espectador que, como su protagonista, también necesita un lugar donde huir de la vida cotidiana que, absurdamente, avanza esquivando esa verdad que solo aportan los sueños y las artes». Del prólogo de Inma López Silva
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Acompanya'm en la nit
El text se centra en una parella major, antics propietaris d'un teatre-circ ambulant. Amb només quatre escenaris, barrejant escenesdel present i del passat, reviurem esdeveniments clau que van marcar les seues vides, així com secrets que mai s'han atrevi
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Esta edición reúne en un solo volumen dos de las comedias llevadas al teatro por un Molière ya consagrado como dramaturgo bajo el mecenazgo de Luis XIV. En El avaro, comedia en cinco actos y prosa, la avaricia de su protagonista destruye los sentimient
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Por primera vez se reúnen en un volumen las cinco obras que Pablo Remón ha escrito hasta la fecha para la compañía La_Abducción. En apenas cinco años, a partir de su debut en 2013, la trayectoria de Pablo Remón le ha llevado a ocupar un lugar destacado como autor dentro del panorama teatral en castellano. Cinco obras que pueden leerse casi como novelas que combinan lo cotidiano con lo extraordinario, el humor con la gravedad dramática, la Historia con las historias minúsculas. Así, un joven de provincias está convencido de que los extraterrestres han abducido a su padre, un guionista vende su alma a una productora de cine para cumplir su sueño, un político condenado por la Justicia regresa a su tierra para sacar en procesión al santo del pueblo, la intrahistoria de la familia de un general franquista sirve de pretexto para desmitificar la transición española. Y casi siempre, de fondo, la meseta como espacio y motivo narrativo, paisaje y estado de ánimo cada vez más vacíos, símbolo de un éxodo hoy casi olvidado. Obras, en definitiva, construidas sobre el deseo y la pulsión de continuar narrando para sacar a la luz lo que somos y lo que podríamos ser. Como dice el autor: «La mejor manera de contarnos, de explicarnos dónde estamos, como individuos y como sociedad, sigue siendo contar una (o mil) historias».
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¿Qué es la patria? ¿Quiénes son los míos? ¿Cuáles son nuestras razones? ¿Por qué valen más que las de los otros? ¿Quién se beneficia de ese negocio? ¿Tengo el derecho de matar a alguien por defender un trozo de tela polvorienta cosida a un mástil? ¿Se puede volver después de atravesar esa línea? ¿Se puede volver? Esta obra de teatro cuestiona todas las narrativas identitarias que inflaman las pasiones hasta el delirio.
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«Y vosotros, dondequiera que estéis, ¿sabéis vosotros qué es lo que os quita el sueño?».Todo arranca en una noche de insomnio en un barco que navega desde Sicilia con destino al continente. Es un viaje en el tiempo más que en el espacio, porque el Mediterráneo, mito y realidad, encierra todas las historias, las más bellas y también las más terribles.Incapaz de dormir, el viajero es asaltado por imágenes que ha ido descubriendo en su vagar por la isla de Sicilia. Sobre todo, las de unos formidables mosaicos en cuyo centro hay sendos barcos que transportan animales: los de la catedral de Monreale, que cuentan la historia del arca de Noé, y los de la villa romana del Casale, el mayor de los cuales, que lleva por título La gran cacería, representa la captura en África y Asia de fieras que se exhibirán en los anfiteatros del Imperio.«¿Conseguiría dormir si supiese qué me quita el sueño?».«Una de las obras del mejor Mayorga, el que no se casa con nadie, el filósofo, el implicado con nuestro tiempo y nuestra historia». José-Miguel Vila, Diario Crítico.
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Los libros de teatro son obras impresas que recogen textos dramáticos pensados para la representación escénica y la lectura reflexiva. El teatro como género literario se construye a partir del diálogo, la acción y la estructura en actos o escenas. Aunque a veces se habla de novelas teatrales, el texto teatral posee características propias que lo diferencian de la narrativa tradicional. El formato en papel facilita la lectura pausada, el análisis del diálogo y la comprensión de la estructura dramática.
¿Qué son los libros de teatro?
Los libros de teatro son publicaciones en papel que contienen obras dramáticas destinadas tanto a la representación como a la lectura individual.
Definición
Una obra de teatro se estructura en actos y escenas y se desarrolla principalmente a través del diálogo entre personajes. Los libros de teatro permiten acceder al texto íntegro, analizar sus acotaciones y comprender la construcción escénica.
Características del género dramático
El teatro se caracteriza por la acción directa, la interacción entre personajes y la presencia de indicaciones escénicas. La lectura en papel facilita la visualización de la puesta en escena y la interpretación del conflicto dramático.
Cómo elegir libros de teatro
Seleccionar entre distintos libros de teatro implica considerar el periodo histórico, el estilo del autor o autora y el tipo de dramaturgia que se desea explorar.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca teatro clásico, contemporáneo o propuestas experimentales.
- Obras teatrales clásicas del canon universal.
- Dramaturgia contemporánea con temáticas actuales.
- Teatro breve o monólogos.
- Ediciones comentadas para el estudio académico.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de teatro en formato papel pueden incluir diferentes propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Obras completas de un autor o autora.
- Antologías teatrales temáticas o históricas.
- Textos acompañados de estudios críticos.
- Dramaturgia contemporánea de nuevos autores y autoras.
Estos libros permiten analizar la estructura dramática, el ritmo del diálogo y la evolución de los personajes.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de teatro en papel favorece la comprensión del lenguaje escénico y el desarrollo de habilidades interpretativas.
Comprensión del conflicto dramático
El análisis de obras teatrales ayuda a entender la construcción del conflicto y la dinámica entre personajes.
Fomento de la lectura expresiva
Los libros de teatro invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación, fortaleciendo la expresión oral y la sensibilidad artística.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de teatro?
Los libros de teatro están dirigidos tanto a lectores y lectoras interesados en la literatura dramática como a estudiantes y docentes que trabajan el texto teatral.
- Personas interesadas en el arte escénico.
- Estudiantes de literatura y artes escénicas.
- Grupos de lectura que practican la lectura dramatizada.
- Quienes desean conocer la evolución histórica del teatro.
Preguntas frecuentes sobre libros de teatro
¿Qué diferencia hay entre una obra de teatro y una novela?
La obra de teatro se construye principalmente a través del diálogo y está pensada para la representación escénica, mientras que la novela desarrolla una narración extensa en prosa.
¿Qué aportan los libros de teatro a nivel educativo?
Favorecen la comprensión del lenguaje dramático, el análisis del conflicto y el desarrollo de la lectura expresiva.
¿Cómo elegir un libro de teatro adecuado?
Es recomendable considerar el periodo histórico, el estilo dramático y el interés por determinadas corrientes teatrales.
¿Por qué leer teatro en formato papel?
El formato en papel facilita la lectura detallada del diálogo, la comprensión de las acotaciones y la interpretación pausada del texto dramático.