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Libros de teatro
En Abacus disponemos de la mejor selección de libros de teatro, ese género olvidado e ignorado por el público, pero que constituye en sí mismo una importante fuente de riqueza literaria. Descubre las obras de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca y muchos más.
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Cada obra de José Luis Alonso de Santos (Valladolid, 1942) constituye una indagación en los diversos niveles de la realidad y una defensa de la vida. La extraordinaria complejidad que caracteriza a las relaciones y a los sentimientos humanos, su ritualización social, la dinámica de las conductas, las fuerzas que las dominan, son algunas de las constantes del ''teatro de la vida'' que el autor ha logrado redefinir y presentar en sus tragedias, dramas y comedias. En estos ''Cuadros de amor y humor, al fresco'', la realidad entraña múltiples pliegues, de los cuales sólo algunos emergen en una primera instancia perceptiva. En estas piezas breves se nos desvelan los entresijos de las distintas capas de la sociedad, los diversos pliegues de la vida humana, el mundo complejo y apasionante del amor, desde una perspectiva de entonación lúdica. La fuerza dramática de estas piezas es el resultado de amor, humor e ingenio, sabiamente combinados.
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Arthur Schnitzler (1862-1931) fue uno de los más relevantes escritores de la Jung-Wien, grupo de autores entre los que se pueden contar, entre otros, a Hofmannsthal, Beer-Hofmann, Altenberg, Salten, Dörmann y Leopold von Adrian. Su extensa obra abarca el teatro (entre otras obras, Liebelei y Reigen), la novela (p. ej., Der Weg ins Freie y Therese. Chronik eines Frauenlebens) y sus narraciones (entre las que cabe destacar Lieutenant Gustl y Flucht in die Finsternis). Su autobiografía, Jugend in Wien, fue publicada póstumamente en 1968.
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Afuera es de noche y una plaga de langostas apocalípticas inunda la ciudad. Adentro se desenvuelve una tensa conversación entre tres hermanos que debaten si tener más hijos o no tenerlos, si apostar por técnicas de reproducción asistida o abortar. Sentados alrededor de la mesa, rememoran el pasado y revelan sus miedos más profundos, sus rabias e insidias, sus secretas contradicciones, hasta que el amanecer pone luz sobre el feroz desamor de ellos en tanto hijos. ''Esa cosa animal'' pone en diálogo un tabú que ha sido objeto de un acalorado debate en los últimos años. Esta aguda y lúcida obra es una ''adopción'' del ya clásico ensayo ''Contra los hijos'' de Lina Meruane: adopción y no adaptación porque amplía y expande, con giros ácidos y humorísticos, lo ya expresado en esa polémica diatriba: el problema de la procreación en un mundo moralmente arruinado, arrasado por el individualismo y la crueldad del modelo económico.
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Otelo es el arquetipo de hombre celoso, susceptible, incapaz de sobrellevar la más improbable presunción de que sea burlado por su esposa Desdémona. Shakespeare lo presenta como esposo ingenuo, cándido, frente a la perversidad de su enemigo Yago. De ahí hasta el nacimiento de la sospecha que ha de convertirlo en homicida, el drama desarrolla toda la complejidad psicológica que hace de esta tragedia directa, limpia, sin concesiones cómicas, una obra maestra.
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Aquest llibre és l’adaptació teatral de la magnífica novel·la de Sílvia Alcàntara ''Olor de Colònia'' —publicada per aquesta editorial el 2009— que mostra un fragment de la història del nostre país amb una trama vibrant que apel·la a la nostra memòria col·lectiva, entre la lenta represa industrial i la dura repressió franquista.El record d’en Bernat, l’amic del protagonista Climent Palau, és el fil conductor de l’obra i porta l’espectador a reviure les diferents èpoques del relat: des del tràgic incendi inicial fins a l’eufòria de la represa, la història d’amor secret, la rebel·lió de la filla adolescent, els tripijocs dels poderosos i, finalment, la decadència de la colònia.Una peça de literatura dramàtica per dur als escenaris un món que avui ha desaparegut però que encara ens resulta proper i que ben segur ens explica com a col·lectivitat.
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In 1603, James VI of Scotland ascended the English throne, becoming James I of England. London was alive with an interest in all things Scottish, and Shakespeare turned to Scottish history for material. He found a spectacle of violence and stories of traitors advised by witches and wizards, echoing James’s belief in a connection between treason and witchcraft.In depicting a man who murders to become king, Macbeth teases us with huge questions. Is Macbeth tempted by fate, or by his or his wife’s ambition? Why does their success turn to ashes?Like other plays, Macbeth speaks to each generation. Its story was once seen as that of a hero who commits an evil act and pays an enormous price. Recently, it has been applied to nations that overreach themselves and to modern alienation. The line is blurred between Macbeth’s evil and his opponents’ good, and there are new attitudes toward both witchcraft and gender.The edition includes:-Freshly edited text based on the best early printed version of the play-Newly revised explanatory notes conveniently placed on pages facing the text of the play-Scene-by-scene plot summaries-A key to the play’s famous lines and phrases-An introduction to reading Shakespeare’s language
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Chejóv tiene una forma propia, como los impresionistas. Uno mira y tiene su impresión de que el artista porne sus colores tal como le van a parar a las manos y como si sus pinceladas no tuvieran ninguna relación entre ellas.Pero si uno se aleja un poco y lo mira mejor, recibe una impresión extraordinaria, la de encontrarse frente a un cuadro claro e indiscutible.
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Una dramatúrgia de Mercè Sarrias basada en el llibre del mateix títol de Jordi Panyella. En els cinquanta anys de la seva mort, es reivindica la injustícia de l'execució de Salvador Puig Antich, condemnat en un judici ple d'irregularitats. Es vol recuperar el record de la mort injusta d'un home jove i, al mateix temps, recuperar la nostra memòria democràtica.
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La acción se desarrolla en una ciudad universidad. Sala de estar de un secretario de actas. Apenas amueblada y decorada. Paredes claras, sin tapizar.
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Escrita en 1931 y estrenada dos años después en Madrid, ''Bodas de Sangre'' es una de las obras dramáticas más conocidas de García Lorca y parte de la trilogía lorquiana, junto a ''La Casa de Bernarda Alba'' y ''Yerma''. Una boda se ve amenazada por la sombra del amor irracional y desmedido del anterior pretendiente de la novia, que está dispuesto a lo que sea por recuperar su amor perdido. El tema principal de la obra es el drama entre la vida y la muerte, rodeado de las supersticiones y leyendas de la España andaluza. También abunda en ella la simbología ineludible de la muerte, acechando en cada esquina. ''Bodas de Sangre'' representa a la perfección la España rural de los años 30, con sus costumbres y sus arquetipos sociales, con sus pugnas entre pasiones y tradiciones religiosas. Una obra que, en clave lírica y dramática, demuestra una vez más lo mejor de Lorca.
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El tango del emperador es la segunda de una trilogía de piezas independientes de Santiago Martín Bermúdez sobre la historia europea del siglo XX, una especie de triple retrato muy parcial de una crisis de conciencias y de partidos políticos. La danza es un denominador común: vals, tango y Tarantela. El vals de los condenados, de tema francés, el protagonizan tres intelectuales que tuvieron opciones políticas muy diversas.
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Textos a part Arola
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Aquesta edició neix amb la intenció de crear una col·lecció de llibres que reculli textos contemporanis de teatre breu en català. Hi trobareu els quatre textos seleccionats d'entre els 53 que han participat a la FET! del 2025.
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Una jauría de hijos, encabezada por el primogénito, se alza contra su padre, terrible, señorial y bárbaro, sin más leyes que el instinto. Junto a él, unas mujeres entregadas y miedosas en sus papeles de víctimas ingenuas o encarnaciones del instinto lúbrico y salvaje. Y, al margen de lo humano, la Naturaleza, bella, sorda e indiferente. En esta obra, Valle-Inclán se sirve de un lenguaje y una forma innovadores para cantar hechos primarios que resten bestialidad al pecado de la tragedia antigua secularizada, entre hombres tremendos como dioses o reyes. La extraordinaria imaginería del ''Águila de Blasón,'' la cadencia ritual del lenguaje y todos los elementos que conforman esa atmósfera litúrgica y enigmática, mítica y poética, diabólica e ingenua a la vez, la convierten en punto de partida de la trilogía ''Comedias Bárbaras,'' configurando su carácter simbolista y pre-esperpéntico.
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Vint-i-cinc anys després de la seua última nit junts, Joan i Laura es tornen a trobar. Esta podria ser l'última oportunitat per a reviure allò que van ser. Vint-i-cinc anys després de la seua última nit junts, Joan i Laura es tornen a trobar. Els anys han passat, i amb ells les renúncies, els desenganys i la vida tal com és, lluny de les il·lusions de joventut. No obstant això, hi ha emocions que resisteixen el pas del temps. Entre records, ironia i tendresa, esta nit podria ser l'última oportunitat per a reviure allò que van ser... o descobrir en què s'han convertit. Amb humor, nostàlgia i una mirada lúcida sobre el pas del temps, Regala'm esta nit ens proposa una comèdia romàntica on els somnis i la realitat es tornen a enfrontar.
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PREMIO NOBEL DE LITERATURA 2005 Traducción: Carlos Fuentes En la constelación de autores británicos que surgieron en la posguerra de la Segunda Guerra Mundial, muy pronto se destacó la figura de Harold Pinter (que hoy sigue en el primer plano de los grandes autores), se diría que como una brillante ilustración del parentesco que el filósofo Georg Lukacs encontraba entre el ''naturalismo'' y la ''vanguardia''. Se diría que se trataba de un ''absurdo'' bañado de realidad reconocible, y que los espectadores del teatro -y de la radio, y del cine y de la televisión- reconocían y reconocen como una voz aguda contemporánea. Pinter comenzó su hoy extensa obra en 1957 con The room (el cuarto), siendo desde entonces los cuartos cerrados, con muy pocos personajes, dos o poco más, los escenarios de muchos de sus dramas. En 1960 daría The caretaker (que se tradujo como ''El guardián''), y comenzó su fama. Aquella vanguardia naturalista trascendió luego, hasta nuestros días, en un ''teatro político'' que da lugar a temas como la tortura y la opresión lingüística. A esta fase corresponden las excelentes muestras contenidas en este volumen.
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Dama dictadura és un cúmul de caceres sota d'un aixopluc en forma de revista ¡Hola!. Una cacera de Carmen Polo als seus collarets, una cacera de Franco a Carmen, les caceres que organitzen les classes altes i les caceres de la ultradreta a persones vulnerables durant els anys 90. És un àlbum d'assassinats i aristocràcia sobre l'herència feixista que ens ha deixat la moral catolicocristiana de Carmen Polo. «¿Qué es España? La finca del abuelo.» Això responia el net de Franco quan era petit. Cinquanta anys més tard, aquesta finca segueix sent de les mateixes famílies i les caceres estan més de moda que mai. El feixisme és un monstre que es troba en els racons on menys t'esperes, a dins unes botes amb punta d'acer, a dins la boca del policia que diu que portes una falda molt curta i en la petita Carmen Polo que hi ha dins de cada una de nosaltres. Per tant, l'única solució que ens queda es posar-nos les motxilles de cazafascistas i en trobar-los estar atentes a tirar estrelles ninges, fer encanteris i deixar-los congelats, abans que no expandeixin la seva merda i comencin a caçar.
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La venganza de don Mendo de Pedro Muñoz Seca es uno de los textos más importantes y populares de la historia del teatro español. Forma parte del canon dramático, junto a Fuenteovejuna, La vida es sueño, Don Juan Tenorio, Luces de bohemia, Bodas de sangre o Historia de una escalera. Su excepcionalidad reside en su extraordinaria factura como parodia dramática respecto a la tradición española de Talía. Una rocambolesca y disparatada historia de amor y venganza que sintetiza, de manera muy brillante, aquella práctica burlesca que seguirá como «sombra jovial a toda revolución literaria, lo mismo a la tragedia neoclásica que al dramón romántico» (E. Asensio), desde el honor calderoniano y la comedia de capa y espada, hasta el polvoriento neohistoricismo modernista de finales del xix y principios del xx. Y es que Don Mendo era también una caricatura que ponía en solfa la escena de su tiempo, cuyo remedo e impostura llena de ripios, anacronismos y juegos cómicos de personajes, situaciones y lenguajes un texto que logra, cien años después de su exitoso estreno (1918-2018), la carcajada del espectador: todo un clásico del humor. Pedro Muñoz Seca (Puerto de Santa María, Cádiz, 1879-Madrid, 1936). Uno de los autores dramáticos más populares del primer tercio del XX. Sus inicios (1904) están en el género chico. Colaboró con Pérez Fernández, García Álvarez, Rafael de Santa Ana, López de Aro y Azorín, con quien estrena El clamor (1928). Renovador del teatro cómico gracias al disparatado astracán, que se basa en la deformación caricaturesca de la realidad y en el manejo del humor lingüístico. Su obra maestra es La venganza de don Mendo (1918), que llevaría al cine Fernando Fernán Gómez en los años 60. Otras obras importantes son: El verdugo de Sevilla (1916), Los extremeños se tocan (1926), La oca (1931), Anacleto se divorcia (1932) y La plasmatoria (1935). Valle-Inclán dijo de él: «quítenle al teatro de MS el humor, desnúdenle de caricatura, arrebátenle su ingenio satírico y facilidad para la parodia, y seguirán ante un monumental autor de teatro». Como García Lorca murió víctima de la guerra civil. Alberto Romero Ferrer es catedrático de Literatura Española de la Universidad de Cádiz y Premio Manuel Alvar de Estudios Humanísticos 2016. Ha sido profesor invitado en el King's College London y ha impartido cursos y conferencias en la University of London, Fondation Napoleón de París, Nineteenth-Century Hispanists Network, CSIC, Menéndez Pelayo, Instituto Feijoo de Estudios del Siglo xviii, UNIA, Napoli, Verona, Padova, Saarbrücken, Regensburg, La Plata, Gent, RESAD, Casa de Velázquez, UNED y Fundación Juan March, entre otras. Es autor de un centenar de artículos especializados y de una quincena de libros referidos a sus principales temas de estudio: el teatro breve de los siglos XVIII y XIX, la parodia dramática española, escenografía teatral del XIX, la zarzuela y el género chico, y la historia de la cultura popular peninsular.
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Si bien la obra de Bertolt Brecht (1898-1956) abarcamuy diversos géneros, su legado literario ha ejercidouna influencia decisiva sobre todo en el dominio delteatro. Después de un largo exilio forzado por el régimen nazi, a su regreso a Alemania fundó y dirigió la compañía Berliner Ensemble, donde llevó a la práctica, a través de sus múltiples experiencias innovadoras, su teoría del teatro épico, que postula sustituirla intensidad emocional ligada al teatro tradicionalpor el alejamiento reflexivo y la observación críticaa través del distanciamiento. Este volumen, correspondiente al noveno de la serie que recoge su «Teatro completo», incluye dos obras escritas entre 1940 y 1943: '' La evitable ascensión de Arturo Ui '' (una sátira de Adolf Hitler) y '' Las visiones de Simone Machard '' . Traducción de Miguel Sáenz
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Renata, en plena crisis existencial, engatusa a Rita y a Greta para que acudan a visitarla al viejo caserón heredado de su madre en un remoto pueblo catalán. Veintiséis años atrás, las tres fueron responsables del primer gran éxito del dramaturgo escocés Malcolm Logan, ahora no son nada. Quiere el destino que mientras se teje este reencuentro coincidan dos hechos más. Por un lado, el célebre dramaturgo, de siempre un lobo estepario que huye de la sociedad, decide retirarse en la cumbre de su carrera para irse a vivir al bosque. Por otra parte, Jonás, hipnotista experto, acaba de vivir, junto a su ayudante Valentina, un suceso trágico que lo mantiene pendiente de un juicio. Cuando las tres amigas y los dos fugitivos coinciden en la taberna del pueblo, Renata no tiene la menor duda: ese hombre de semblante atormentado es Malcolm Logan y hay que convencerlo de que escriba para ellas su último y definitivo éxito. Por su parte Jonás, en plena crisis de identidad, no dejará pasar esa oportunidad de convertirse en el célebre y enigmático genio.
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Basquiat nació de una mezcla de dos etnias tradicionalmente discriminadas en Estados Unidos: la puertorriqueña, por parte de madre'' y la haitiana, por parte de padre. Siendo adolescente, ya se dedicaba a la música y a intervenir edificios y paredes del Soho Manhattan bajo la firma «SAMO» (SAMe Old shit). Una dura crítica al país donde nació y al lugar, mínimo, reservado a los negros (como él mismo se denominaba) y a laalteridad. En este tributo, que el escritor y ensayista Koffi Kwahulé traza a base de tags y de voces quese suceden y se pisan frenéticamente, la música y ladanza constituyen una parte fundamental de un texto que puede leerse como una partitura polifónica, al tiempo que es un testimonio sobre lo artístico entendidocomo crítica social del sistema de exclusión.
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Una reflexión sobre la maternidad en general y la gestación subrogada en particular.Mater dolorosa es una reflexión sobre la maternidad en general y la gestación subrogada en particular. Las protagonistas de esta obra son las dos caras de una misma moneda, las dos caras de una historia atravesada por los deseos que nos mueven, que nos arrastran. Pero ¿dónde nacen esos deseos? ¿Cuánto tiempo hace que la maternidad no es un anhelo propio? ¿En qué momento se convirtió en un deseo impuesto? ¿Queda alguien realmente libre para desear?
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Con la presente edición del Teatro completo de César Vallejo, que permite, por primera vez, la consulta de la edición facsimilar y dactilográfica, realizamos un extenso recorrido que se inicia con Los topos y termina con La piedra cansada. En total son doce obras póstumas en las que las influencias de autores como Piscator, Eisenstein, Kirshon o Tairov van a ser decisivas a la hora de dar respuesta a una nueva concepción de los espacios escénicos, al igual que ya estaba operando desde su poesía ese «asalto al lenguaje», «el habla plural» que le convertiría en uno de los herederos de la universalidad.
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José Luis Alonso de Santos es, sin duda, uno de los autores más representativos del nuevo teatro español. Después de una amplia experiencia en el teatro independiente, se incorporó al comercial obteniendo grandes éxitos refrendados luego en varias adaptaciones cinematográficas. Toda la crítica coincide en elogiar su facilidad para volcar en la vida escénica tanto el lirismo de sus recuerdos autobiográficos (El álbum familiar) como su visión tragicómica de los nuevos marginados (Bajarse al moro). La capacidad de observación, el sentido del humor y el lenguaje coloquial han convertido a esta última obra en un clásico, leído y representado en muchos países como testimonio de la nueva realidad del teatro español.
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Mi adorado Juan, de Miguel Mihura (9788468213484).De la colección Aula de Literatura de Vicens Vives, para Lengua y literatura de Educación Secundaria Obligatoria.
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Una obra imprescindible de Shakespeare sobre la ambición, el poder y la traición en el marco fascinante de la antigua Roma. De regreso a Roma tras su exitosa campaña en España, Julio César se hace nombrar cónsul y dictador perpetuo. Es entonces cuando, en defensa de la República, Casio pone en marcha una conspiración para asesinarlo con ayuda del noble Bruto. Sin embargo, Marco Antonio volverá la opinión pública en contra de los conspiradores, en una jugada que llevará a los lectores a reflexionar sobre el honor, la ambición y la integridad. En el imprescindible prólogo escrito para nuestra edición, el novelista y experto en literatura inglesa Santiago Posteguillo destaca la plena vigencia de esta pieza en la que el ejercicio de la autoridad llama a los peores excesos políticos. Santiago Posteguillo ha dicho:«Todo el mundo debería leer la obra de teatro Julio César de Shakespeare, al menos, una vez en la vida».
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El arquetipo de Don Juan, entroncado con la tradición literaria del Siglo de Oro español, se convirtió durante el siglo XIX en uno de los personajes favoritos del romanticismo europeo. Estrenado en 1844, el drama de José Zorrilla (1817-1893) incorporó def
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Una selección de títulos variada y representativa de las distintas épocas y géneros (poesía, novela, cuento, teatro) de la literatura española, perfectamente concorde con los programas educativos vigentes de ESO y Bachillerato.
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Maragall a casa és un espectacle creat per Josep M. Jaumà a partir dels articles, poemes i correspondència del poeta Joan Maragall que es representa des de l'any 2011 al menjador de la seva casa de Sant Gervasi, des d'on l'actor Jep Barceló, sota la direcció de Dolors Vilarasau, ens explica les seves vivències, els seus somnis, el seu ideari. Els versos, articles, discursos i cartes de Joan Maragall (Barcelona, 1860 - 1911) van suposar un canvi de rumb en la literatura, en el pensament i, en general, en la cultura catalana. Ja amb el seu primer recull de poemes i amb els primers articles al ''Diario de Barcelona'' va aconduir els seus lectors des del floralisme historicista i rural de la Renaixença a la modernitat de la vida quotidiana a ciutat. Maragall cresqué alhora que creixia l'Eixample barceloní i -atès que l'atzar li oferí aquesta possibilitat- es proposà educar la nova burgesia industrial i comercial que s'hi instal·lava. Va obrir-li horitzons més enllà dels diners i de les ostentacions socials, va fer-li descobrir l'ordre i la bellesa de la natura, el poder de la paraula i de l'art, la força de l'esperit que li permetria enfrontar-se al demà. El fet que vint anys dedicats quasi exclusivament a aquest propòsit tinguessin el final tan tràgic del juliol de 1909, degué ser per a ell un cop molt dur. Envellí ràpidament i morí dos anys després. El centenari, any en què es creà l'espectacle, va ser una bona ocasió, no tan sols per celebrar l'alta qualitat del que (malgrat els obstacles de l'època) arribà a assolir, sinó també per comprovar una vegada més la vigència actual del seu pensament i de la seva actitud, enfrontats encara avui a obstacles potser més poderosos dels que li tocà viure. L'home Maragall i la seva obra continuen essent un referent literari, moral i cívic indispensable per a nosaltres, per al país.
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En Deesses per nassos, Demèter i Persèfone decideixen desobeir la imposició per la qual mare i filla s'han de separar cada tardor. Persèfone no tornarà als inferns i les dues deesses s'amagaran de la policia de l'Olimp entre els humans i aterraran en distintes èpoques i distintes cultures. Amb els ingredients i l'esperit desimbolt propis de la comèdia, es va perfilant en l'obra una revisió de la història de la humanitat i dels seus valors.
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La obra revolucionaria que cambió el teatro del siglo XX y allanó el camino para el Premio Nobel del autor en 1934. Publicada en 1921 y representada desde entonces incontables veces en todos el mundo, Seis personajes en busca de autor presenta a un grupo de personajes que irrumpen en el ensayo de una obra teatral en busca de un autor que pueda contar su historia completa y darles un sentido y un final. Exploración de la teoría clásica de la representación, la obra cuestiona la idea misma de la verdad en el arte y desafía las convenciones teatrales tradicionales. La acompaña en este volumen Enrico IV, una pieza que, a partir de la locura de su protagonista, explora temas como la identidad y la construcción de la realidad, animando al espectador a reflexionar sobre la naturaleza de la ficción. Ambas están consideradas obras maestras del teatro del siglo XX y han influido en generaciones de dramaturgos y narradores posteriores.
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Las autoras incluidas en esta Antología presentanpreocupaciones y procedimientos dramatúrgicos semejantes y abordan cuestiones fundamentales del panorama político, cultural y artístico de la actualidad. Sus obras quieren convertirse en discursos cívicos y en amplificadores culturales. Esta edición recoge obras deLola Blasco, Antonia Bueno, Diana de Paco Serrano, Juana Escabias, Beth Escudé i Gallès, Aizpea Goenaga,Diana I. Luque, Gracia Morales, Itziar Pascual, Carmen Resino y Vanesa Sotelo. El volumen constituye una muestra muy significativa de las dramaturgias femeninas y del mejor teatro español de nuestros días.
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Una mirada a los desastres de la guerra de Troya (y de todas las guerras) a través de la historia de amor de Aquiles y Patroclo. No estoy aquí para contar la guerra de Troya. Esta es la historia de mi carne, allí donde coincidieron la muerte y el amor.Tomando como punto de partida el canto XVI de la Ilíada, el dramaturgo Alberto Conejero, ganador del Premio Nacional de Literatura Dramática en 2019, nos brinda una aproximación personal e íntima al poema de Homero, una nueva mirada vivida y contada desde un personaje secundario en el relato habitual, tan discutido como fascinante y misterioso: Patroclo, el «más amado» por Aquiles.En mitad de tanto fuego que enlaza diversas épocas y donde aparecen referencias y citas de, entre otros, Safo, Pedro Lemebel, Anne Carson o Luis Cernuda es un alegato antibelicista y una muestra más de la impotencia del arte ante la guerra, un oratorio por las víctimas que habla de conceptos como el poder, la pasión, la violencia o la patria.La obra es también un intento de contar la historia de otro modo, que es imaginar el futuro de otro modo. El rescate de una alegría posible. El canto de un personaje que aquí es, ante todo, carne enamorada y deseo. Un deseo libre y disidente.Porque yo no estoy aquí para hablar del «compañero devoto», ni «del más querido entre los soldados», yo estoy aquí para reventar los eufemismos, para hablar del amante insaciable.
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Un vespre d’intensa pluja, una dona més aviat rude i un jove especialment immadur arriben per motius d’entrada inexplicables a la remota cabana on viu en Salvador, El Sibarita de la Pluja, un vell entranyable tocat per un misticisme singular.A conseqüència de les condicions meteorològiques i de la geografia de l’indret, els tres personatges queden aïllats i han de conviure onze dies en aquell petit univers que ha creat en Salvador: una roca encimbellada on medita, una esplanada amb un gos enterrat a qui parla, una passera submergida que potser el riu s’ha endut i una cabana amb infinitat de cites d’autors il·lustres gravades a les bigues del sostre.Amb el pas dels dies, sorgiran tensions, es teixiran complicitats, es descobriran secrets del tot inesperats i, sobretot, es faran reflexions sobre la joventut i la vellesa, la inadaptació, la fugida, la solitud, el límit de la bogeria, la convivència amb la natura, la saviesa, la creativitat, el pas del temps, la mort… I la recerca contínua en un món en canvi constant.
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En Las canciones, texto escrito a partir de personajes y situaciones de Antón Chéjov, un grupo de personas se reúne para escuchar diversas músicas. Y lo que en principio parecía un acto inofensivo, termina por transformarlos.Pablo Messiez escribe esta obra para excitar el sentido del oído, ese sentido siempre abierto, el primero. Nos propone escuchar el mundo y escuchar su música, contra la que ningún párpado protege puesto que, como dice Quignard, ningún párpado se cierra sobre la oreja.Con epílogo en forma de conversación entre el dramaturgo y director de escena Pablo Messiez y el director y guionista Carlos Marqués-Marcet.
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Los libros de teatro son obras impresas que recogen textos dramáticos pensados para la representación escénica y la lectura reflexiva. El teatro como género literario se construye a partir del diálogo, la acción y la estructura en actos o escenas. Aunque a veces se habla de novelas teatrales, el texto teatral posee características propias que lo diferencian de la narrativa tradicional. El formato en papel facilita la lectura pausada, el análisis del diálogo y la comprensión de la estructura dramática.
¿Qué son los libros de teatro?
Los libros de teatro son publicaciones en papel que contienen obras dramáticas destinadas tanto a la representación como a la lectura individual.
Definición
Una obra de teatro se estructura en actos y escenas y se desarrolla principalmente a través del diálogo entre personajes. Los libros de teatro permiten acceder al texto íntegro, analizar sus acotaciones y comprender la construcción escénica.
Características del género dramático
El teatro se caracteriza por la acción directa, la interacción entre personajes y la presencia de indicaciones escénicas. La lectura en papel facilita la visualización de la puesta en escena y la interpretación del conflicto dramático.
Cómo elegir libros de teatro
Seleccionar entre distintos libros de teatro implica considerar el periodo histórico, el estilo del autor o autora y el tipo de dramaturgia que se desea explorar.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca teatro clásico, contemporáneo o propuestas experimentales.
- Obras teatrales clásicas del canon universal.
- Dramaturgia contemporánea con temáticas actuales.
- Teatro breve o monólogos.
- Ediciones comentadas para el estudio académico.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de teatro en formato papel pueden incluir diferentes propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Obras completas de un autor o autora.
- Antologías teatrales temáticas o históricas.
- Textos acompañados de estudios críticos.
- Dramaturgia contemporánea de nuevos autores y autoras.
Estos libros permiten analizar la estructura dramática, el ritmo del diálogo y la evolución de los personajes.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de teatro en papel favorece la comprensión del lenguaje escénico y el desarrollo de habilidades interpretativas.
Comprensión del conflicto dramático
El análisis de obras teatrales ayuda a entender la construcción del conflicto y la dinámica entre personajes.
Fomento de la lectura expresiva
Los libros de teatro invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación, fortaleciendo la expresión oral y la sensibilidad artística.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de teatro?
Los libros de teatro están dirigidos tanto a lectores y lectoras interesados en la literatura dramática como a estudiantes y docentes que trabajan el texto teatral.
- Personas interesadas en el arte escénico.
- Estudiantes de literatura y artes escénicas.
- Grupos de lectura que practican la lectura dramatizada.
- Quienes desean conocer la evolución histórica del teatro.
Preguntas frecuentes sobre libros de teatro
¿Qué diferencia hay entre una obra de teatro y una novela?
La obra de teatro se construye principalmente a través del diálogo y está pensada para la representación escénica, mientras que la novela desarrolla una narración extensa en prosa.
¿Qué aportan los libros de teatro a nivel educativo?
Favorecen la comprensión del lenguaje dramático, el análisis del conflicto y el desarrollo de la lectura expresiva.
¿Cómo elegir un libro de teatro adecuado?
Es recomendable considerar el periodo histórico, el estilo dramático y el interés por determinadas corrientes teatrales.
¿Por qué leer teatro en formato papel?
El formato en papel facilita la lectura detallada del diálogo, la comprensión de las acotaciones y la interpretación pausada del texto dramático.