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Libros de teatro
En Abacus disponemos de la mejor selección de libros de teatro, ese género olvidado e ignorado por el público, pero que constituye en sí mismo una importante fuente de riqueza literaria. Descubre las obras de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca y muchos más.
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Dos rodamons, Vladimir i Estragó, es reuneixen alpeu d’,un salze esperant l’,arribada d’,un personatge desconegut, Godot. Sobre aquestargument tan simple, Samuel Beckett planteja, des dels paràmetres de l’,anomenat teatre de l’,absurd, els interrogants que turmenten l’,home mentre dura el seu pas pel gran circ del món. Desde la seva estrena a París el 1953, Esperant Godot s’,ha convertit en un punt de referènciaclau del teatre i de la cultura contemporanis.
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Santa y heroína francesa, Juana de Arco fue quemada en la hoguera a los 19 años por herejía y brujería tras su participación decisiva en la Guerra de los CienAños, que enfrentó a Francia e Inglaterra, guiada porvoces de origen divino que escuchó desde muy joven.Revolucionando el teatro de su época y rehuyendo conironía el drama histórico tradicional, George BernardShaw reconstruye en Santa Juana, su obra cumbre, lashazañas de una mujer rebelde, visionaria y esencialmente humana. Esta edición recoge el prefacio íntegroque el autor escribió para la publicación original.
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Escrita en 1605, «El rey Lear» es una de las obras pertenecientes a la etapa de plenitud creadora de William Shakespeare (1574-1616). Ambientada en la Inglaterra pagana anterior al cristianismo, esta historia de las desgracias desencadenadas cuando Lear, por vengar su vanidad herida, arroja de su lado a la menor de sus hijas, corre paralela a otros temas que enriquecen el catálogo de los grandes retratos shakespearianos. La presente edición, a cargo de M. Á. Conejero, ha sido realizada por el equipo del Instituto Shakespeare de la Universidad de Valencia.
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El teatro reunido de una de las escritoras más sagaces y punzantes de la literatura contemporánea. Este volumen reúne el teatro de Yasmina Reza, tanto las principales obras traducidas y estrenadas en español como una pieza inédita hasta ahora en nuestro idioma. En todas ellas deslumbra la capacidad de la autora para escrutar los comportamientos humanos, detectar las flaquezas, hurgar en las contradicciones...Tres amigos reunidos en torno a un cuadro que puede ser, según se mire, una obra maestra o una tomadura de pelo, dos matrimonios que se citan para resolver civilizadamente un incidente protagonizado por sus hijos, pero acaban perdiendo los papeles, cinco actores que ensayan una obra y confiesan sus dudas, una pareja que discute en el aparcamiento de un restaurante... Situaciones que pueden resultarnos familiares se van torciendo hasta mostrar en carne viva todo aquello que preferiríamos que continuara oculto.Con la fuerza de los diálogos y un humor inclemente, la autora nos obliga a mirarnos en el espejo para reconocer que la vida puede ser tan placentera como cruel. Pocos dramaturgos contemporáneos han sabido retratar el alma humana con la contundencia y lucidez de Yasmina Reza.
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La clásica obra sobre los amantes más famosos de la historia literaria, en una preciosa edición en tapa dura. El tiempo no ha cerrado las heridas de los Montesco y los Capuleto, dos familias de Verona enemistadas por antiguos pleitos cuyo origen ya casi nadie alcanza a recordar. Con el odio llegó la violencia, y con la violencia, las primeras víctimas inocentes. Pero del odio nació también el amor entre dos jóvenes predestinados a la desventura: Romeo y Julieta. La suya es una de las historias más populares de todos los tiempos, a la vez que su trágico desenlace se ha convertido en un hito de la literatura universal, «pues jamás hubo tan triste suceso como este de Julieta y de Romeo».
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La vida dels habitants de la petita localitat nord-americana de Grover's Corners transcorre com a qualsevol altre lloc del món: neixen, creixen, s'enamoren, es casen i moren. L'aparent senzillesa de la seva existència es converteix en un cant als petits esdeveniments quotidians i en una colpidora reflexió sobre la consciència de viure. Amb aquest text, Thornton Wilder construeix una obra coral i sobre el pas del temps, guardonada amb el Premi Pulitzer de Teatre l'any 1938.
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El personaje de Yerma describe con intensidad y precisión el conflicto de la mujer estéril que no puede soportar su incapacidad para ser madre. La obra conectapoderosamente con cuestiones humanas intemporales: la omnipotencia del deseo, la frustración amorosa, laincapacidad para poder aceptar los propios límites, la desesperación y los anhelos. Por ello la tragedia de Yerma nos conecta con un universo poético en el queel sufrimiento humano aparece de forma descarnada, violenta, y, al mismo tiempo, bella.
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A cinc informàtics l'empresa els anuncia una dràstica reducció depersonal. Què cal fer davant d'un conflicte tan habitual al món d'avui?Ells no ho dubten: oposar-s'hi col·lectivament, tots a l'una, com s'hafet sempre en els conflictes laborals. Però no trigaran en adonar-se quela seva és una actitud del món d'ahir. Els dubtes i els ressentimentsacumulats entre ells sorgeixen aviat, i els acaben abocant al pitjordels errors: lluitar tots contra tots, a la desesperada. Estrenadaprofessionalment al Versus Teatre de Barcelona amb bona acollida depúblic i crítica, La peixera (premi de teatre Ciutat d'Alcoi) és unapeça de gran força dramàtica on l'autor, Toni Cabré, hi retrata un delstemes constants de la seva dilatada producció teatral: la perversitat aquè pot arribar l'individu en la nostra societat.
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Textos a part Arola
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Escrita a comienzos de los años treinta, la comedia TRES SOMBREROS DE COPA, germen de toda la producción teatral de Miguel Mihura, tardó veinte años en ser estrenada y produjo, en el momento de su estreno, escándalo y asombro. Mientras muchos espectadores¿A quién va dirigido el libro Tres sombreros de copa?Se recomienda Tres sombreros de copa para lectores a partir de 16 años interesados en el teatro español del siglo XX, especialmente aquellos que aprecian el humor absurdo y las obras que exploran temas de libertad individual, convenciones sociales y la búsqueda de la identidad. La obra es accesible para un público amplio, aunque su riqueza temática puede ser más apreciada por lectores con un cierto nivel de madurez intelectual. La obra también puede ser de interés para estudiantes de literatura española o teatro, ofreciendo un ejemplo destacado del género.Temas que trata el libro Tres sombreros de copaTres sombreros de copa explora diversos temas de manera entrelazada, creando una obra compleja y rica en matices:Libertad individual vs. convenciones sociales: La obra presenta un conflicto central entre la vida convencional y estructurada representada por Dionisio y su compromiso matrimonial, y la libertad y espontaneidad encarnadas por Paula y su mundo bohemio. Mihura explora las presiones sociales que limitan la expresión individual y las consecuencias de desafiar las normas establecidas.El amor y el deseo: La atracción entre Dionisio y Paula es un motor principal de la trama, mostrando la complejidad del deseo y la dificultad de alcanzar la felicidad plena. La obra no presenta una visión romántica idealizada del amor, sino que explora sus aspectos más contradictorios y frustrantes.La identidad y la búsqueda de uno mismo: Dionisio se encuentra en un punto crucial de su vida, a punto de tomar una decisión que definirá su futuro. Su encuentro con Paula le hace cuestionar sus valores y aspiraciones, llevándolo a una profunda reflexión sobre su propia identidad.El absurdo y la comedia: Mihura utiliza el humor absurdo para satirizar la sociedad y sus convenciones. Las situaciones cómicas y los diálogos ingeniosos sirven para criticar la hipocresía y la rigidez de ciertos comportamientos sociales.La tradición y la modernidad: La obra se sitúa en un contexto histórico específico, reflejando la tensión entre las tradiciones arraigadas y las nuevas ideas que emergían en la España de la época. Este conflicto se manifiesta en la oposición entre el mundo de Dionisio y el de Paula.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro Tres sombreros de copaAún no se dispone de un resumen de críticas, opiniones y valoraciones específicas para esta edición de Tres sombreros de copa. Sin embargo, la obra en general es considerada una pieza clave del teatro español, alabada por su humor inteligente, su originalidad y su capacidad para explorar temas universales con profundidad y sutileza. Se destaca su influencia en el teatro del absurdo y su vigencia a pesar del paso del tiempo.
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Quins són els límits que separen la realitat de la ficció? Fins a quin punt s'ha de diferenciar la representació de l'autenticitat en un escenari? La conversa entre el Marqués i Gabriel de Beaumont en El verí del teatre és una de les grans obres del teatre català contemporani.Ambientada en el context del racionalisme il·lustrat, l'obra planteja una reflexió metateatral que explora la creació artística com una substància verinosa tant en el sentit literal com en el figurat, analitzant les dinàmiques de poder entre els éssers humans, els límits de les convencions en l'art i la vida, i la moralitat de l'acció humana.
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El balancín chirría. Bajo la escalera y empiezo a correr. Te asomas para mirar la lluvia. Y yo corro entre las vacas que caen. Corro. Qué difícil es hablar del dolor.
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Dos obras de Shakespeare que fueron largamente mal leídas e injustamente relegadas a un segundo plano. Reunimos en un estuche dos de las mejores tragicomedias de William Shakespeare, mezcla originalísima de elementos cómicos, trágicos, románticos y líricos, que anticipa la suprema madurez de sus obras posteriores.El mercader de Venecia: Para cortejar a la rica y bella Porcia, Bassanio pide tres mil ducados a su amigo Antonio, el mercader de Venecia. Pero Antonio no tendrá dinero en efectivo hasta que sus barcos regresen de la mar, y para ayudar a su amigo se ve obligado a pedirle un préstamo a Shylock, un usurero judío famoso por sus altas tasas de interés. Shylock le deja el dinero con una condición: si Antonio no paga el préstamo en la fecha acordada, tendrá derecho a una libra de su carne.Antonio y Cleopatra: Tras el asesinato de Julio César y la batalla de Filipos, Marco Antonio, César Octavio y Lépido se reparten el dominio del mundo conocido. Sin embargo, Antonio queda cautivado por Cleopatra, reina de Egipto, y descuida sus responsabilidades políticas para pasar tiempo con ella en Alejandría. El consiguiente escándalo llega a ser un tema de murmuración en Roma, y causa una ruptura entre Antonio y el joven César Octavio. Con la muerte de la esposa de Antonio y el desafío de Pompeyo al poder del triunvirato, los hechos se precipitan: Antonio se ve obligado a regresar a Roma para retomar sus deberes y, para consolidar la alianza con César, se casa con su hermana Octavia. El enlace despierta un furibundo ataque de celos en Cleopatra.
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SARGENTO. ¿Tú eres aquél que durante la dominación roja incitabas a la gente, en los mítines, a destruir iglesias, a quemar sacerdotes, a sacar los ojos a los guardias civiles, a profanar imágenes, etc. etc.? JOSÉ LUIS.Sí, yo soy aquel que hablaba en los mítines, pero que no decía nada de eso, sino que había que ganar la guerra para que el pobre tuviera pan, el trabajador, trabajo, el campesino, tierra, el pueblo, libertad y cultura. (César M. Arconada, 1.º de Mayo en España, acto tercero) César Muñoz Arconada (Astudillo, Palencia, 5 de diciembre de 1898-Moscú, 10 de marzo de 1964), vinculado inicialmente a las vanguardias deshumanizadas de los años veinte, se convirtió desde 1931 en un escritor comunista militante. Autor antes de la guerra civil de novelas de títulos tan expresivos de la lucha de clases como Los pobres contra los ricos (1933) o Reparto de tierras (1934), de libros de poemas (Vivimos en una noche oscura, 1936) y de obras de teatro (Tres farsas para títeres, 1936), durante la guerra civil publicó Romances de la guerra (1937) y escribió la novela Río Tajo, Premio Nacional de Literatura 1938 en la zona republicana, que no llegó a editarse. Atravesó enfermo la frontera francesa a finales de enero de 1939 y estuvo internado en los campos de concentración de Argelès y Saint Cyprien. Liberado gracias a la solidaridad del escritor francés Louis Aragon, en mayo de 1939 pudo exiliarse en la Unión Soviética. Instalado definitivamente en Moscú, colaboró en revistas como La Literatura Internacional, de la que en 1943 fue nombrado redactor-jefe, y publicó ensayos, libros de cuentos (España es invencible, Cuentos de Madrid) y obras de teatro como la ópera antifascista Nueva Carmen (1944). Fiel al dogma estético estaliniano, practicó en la mayoría de sus obras un riguroso realismo socialista, insólito en la literatura de nuestro exilio republicano de 1939. Un realismo socialista del que constituye un buen ejemplo este 1.º de Mayo en España, obra dramática inédita hasta hoy.
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Ella no creía en el matrimonio por amor. A él solo le importaba su invernadero y mantenerse fuera de la sociedad. ¿Serán capaces de mantenerse firmes en sus ideales?A pesar de ser la mayor de sus hermanos, entre los planes de Elizabeth no encajaba un matrimonio inminente. Tenía claro que, a largo plazo, era lo lógico para una mujer de su clase, y en ese siglo, pero, al igual que estaba convencida de ello, también sabía que nunca se casaría por amor. Había presenciado el sufrimiento de su madre tras la muerte de su padre, y se juró a sí misma que jamás se enamoraría.Con lo que no contaba, era con los tejemanejes de su abuelo.De la noche a la mañana su futuro la situó lejos de Londres para casarse con... ¿el duque de Peachwood?Un hombre que, desde el fallecimiento de su esposa e hijo, en extrañas circunstancias, no había vuelto a aparecer en sociedad. Se había recluido en el campo y no se relacionaba con nadie.Su única obsesión, según los cotilleos de los salones londinenses, eran los melocotoneros que tenía en su invernadero.
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El filòsof grec Plató (514 aC-520 aC) se serveix del mite de la caverna (inclòs en La República) per comparar l'efecte de l'educació (παιδεία) i la manca d'aquesta en la nostra naturalesa. El professor de secundària, Carles Bosch, també l'usa per comprovar-ne l'efecte sobre un grup escollit d'alumnes a l'hora d'explicar-los l'ascens de les tendències extremistes que neguen la igualtat entre els sexes o la solidaritat en defensa del liberalisme salvatge, el populisme mentider, el masclisme o el desig d'un retorn a certes formes de feixisme. El professor observa i analitza les reaccions del grup d'elegits, les quals li donaran més d'una sorpresa. Es tracta d'una proposta teatral jove, crítica i divertida que ens fa pensar: hem eixit de la caverna platònica per mirar el sol o encara ens movem entre les seues ombres?
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Federico García Lorca, Obra Completa V. Teatro 3. Cine. MúsicaTeatro imposible: Diálogos El público Así que pasen cinco años Comedia sin título CINE Viaje a la Luna. Música: Colección de canciones populares antiguas Dos melodías del «Romancero gitano» Canciones del teatro Música para La Barraca Granada. Apéndices: Diálogos Teatro inconcluso Música
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Del laberinto en el que estuvo sumida la Castilla del siglo XV surgió otro, ahora en verso, que Juan de Mena presentó en 1444 al entonces monarca Juan II como un plan de acción política para la reforma del reino. Ese ''Laberinto de Fortuna'' constituye una pieza mayor en el canon de la literatura española, que se mueve entre las últimas inercias medievales y un primer Renacimiento propiamente hispánico. Mena lo concibió con una conciencia humanística y una decisiva dimensión experimental. En su afán por imitar la epopeya clásica, diseñó una lengua poética que se alejaba del uso común para dotar al castellano de una dignidad pareja a la del latín. Su éxito fue enorme y se mantuvo en el tiempo, como muestran los numerosos manuscritos en los que la obra nos ha llegado, los comentarios de Hernán Núñez o el Brocense o su presencia, aún viva, en la polémica gongorina. Esta edición crítica y modernizada pretende ofrecer una lectura clara y accesible de ese ''Laberinto'', que se presenta como un desafío sugestivo y extraordinario para los lectores del siglo XXI.
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Ocho testimonios reales, recopilados por Amnistia Internacional, de mujeres que ha sufrido la violencia machista, convertidas en piezas teatrales por la italiana más traducida del mundo.
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Cada obra de José Luis Alonso de Santos (Valladolid, 1942) constituye una indagación en los diversos niveles de la realidad y una defensa de la vida. La extraordinaria complejidad que caracteriza a las relaciones y a los sentimientos humanos, su ritualización social, la dinámica de las conductas, las fuerzas que las dominan, son algunas de las constantes del ''teatro de la vida'' que el autor ha logrado redefinir y presentar en sus tragedias, dramas y comedias. En estos ''Cuadros de amor y humor, al fresco'', la realidad entraña múltiples pliegues, de los cuales sólo algunos emergen en una primera instancia perceptiva. En estas piezas breves se nos desvelan los entresijos de las distintas capas de la sociedad, los diversos pliegues de la vida humana, el mundo complejo y apasionante del amor, desde una perspectiva de entonación lúdica. La fuerza dramática de estas piezas es el resultado de amor, humor e ingenio, sabiamente combinados.
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Luces de bohemia, escrita en 1920, es una obra clave en la historia del teatro español y universal. Su singularidad impidió que fuera escenificada hasta 1963 (en París) y, posteriormente, en Valencia de forma comercial (1970). El teatro español no supo comprender un texto que planteaba conflictos éticos, estéticos y técnicos de difícil representación. La obra es una denuncia moral, cultural, ideológica y estética de la sociedad española de la época (extensible a la sociedad actual y a otros países) por razón de los abusos del poder político y económico, la mediatización de la cultura y de la información, el conflicto religioso, las diferencias de clase y la pobreza cultural y artística. Un mundo en que reinan la miseria, el egoísmo y la falsedad. La variedad de espacios resultó en 1920 desconcertante: trece distintos para quince escenas. La lista de personajes se desboca, pues aparecen unos cincuenta, además de grupos de poetas modernistas, guardias e incluso diversos animales. Luces de bohemia no se adscribe a ningún género convencional, pues crea un nuevo modelo: el esperpento. El innovador lenguaje, derivado del modernismo y del simbolismo, y personalizado con la estética del esperpento, dota, en fin, a las acotaciones y a los diálogos de una gran elevación literaria por su riqueza de registros y originalidad.El texto editado sigue fielmente la impresión de 1924, aunque se han corregido algunas erratas evidentes, se acompaña con notas y orientaciones para ayudar a los lectores a entender pasajes oscuros y de difícil comprensión, y se completa con un comentario de texto del famoso fragmento en que Valle-Inclán define el esperpento. El volumen incluye una detallada Introducción, Bibliografía, Tabla cronológica, Textos complementarios y una cuidadosa Guía de actividades, que abarca numerosas destrezas y facilita el entendimiento del texto y la reflexión sobre la educación en valores. Contiene asimismo un Glosario que explica el significado de los nombres de los personajes.
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Aquest volum aplega les obres teatrals més significatives de Victoria Szpunberg escrites entre 2004 i 2018. Inclou des dels seus títols més coneguts -com La màquina de parlar o la trilogia La fragilidad de la memoria- fins a diverses peces breus com el monodrama Balena blava -estrenat a la Sala Gran del TNC- o el primer text de l´autora, Entre aquí y allá, en una reescriptura que tanmateix permet aprofundir en els gèrmens dramatúrgics de Victoria Szpunberg.
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Con «La reina de la belleza de Leenane«, «Un cráneo en Connemara» y «El solitario oeste», Martin McDonagh convierte el paisaje rural irlandés en un escenario de desesperación, crueldad y comedia negra. La suya no es la Irlanda del romanticismo nacionalista ni la postal turística: en esta «égloga negra» —como se ha descrito con acierto su propuesta dramática—, lo bucólico se disuelve en resentimiento, dipsomanía, rencores familiares y objetos cotidianos que, sin previo aviso, se convierten en armas del crimen. A medio camino entre el esperpento rural y la farsa nihilista, McDonagh descompone los códigos del realismo tradicional para levantar un teatro donde el lenguaje se convierte en campo de batalla y el gag convive con la tragedia. Heredero bastardo de Synge y del in-yer-face theatre británico, McDonagh sorprendió a la escena internacional a finales de los noventa con esta trilogía, que debutó de la mano de la Druid Theatre Company de Galway. Las expectativas de una obra irlandesa al uso —con su entorno doméstico, sus tópicos rurales y sus conflictos familiares contenidos— se desmoronaron en media hora: lo que parecía una pieza más dentro de una tradición reconocible se reveló como un artefacto corrosivo, cargado de humor negrísimo, violencia latente y referencias cruzadas a la cultura pop, el cine de Tarantino y el melodrama clásico. Sus personajes —hermanos que se estrangulan, hijas que matan a sus madres, policías melancólicos que citan series de televisión— encarnan una Irlanda deformada y reconocible a la vez, donde las reliquias del Estado, la Iglesia o la lengua gaélica son poco más que vestigios borrosos de un mundo en ruinas. Este volumen reúne por primera vez en castellano las tres piezas de la «Trilogía de Leenane». Con su inconfundible mezcla de comedia incómoda, estructuras clásicas trastocadas y un sentido del ritmo que atrapa al lector desde la primera línea, la «Trilogía de Leenane» confirma a McDonagh como una de las voces más singulares del teatro contemporáneo. En Leenane, como dice uno de sus personajes, «Dios no tiene jurisdicción».
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Este libro forma parte de una serie de publicaciones dedicadas a las grandes obras de la dramaturgia española del siglo XIX. En esta ocasión, se centra en el estudio y la edición del teatro breve de esa época, un tipo de piezas que representa aproximadamente un tercio de la vasta producción escénica de un siglo marcado por el surgimiento y desarrollo de la industria teatral.A partir del entremés barroco y otras formas teatrales cercanas, la proliferación de obras breves se intensificó en el siglo XVIII, consolidándose el sainete como género principal para expresar el costumbrismo y la comicidad popular. Durante el Romanticismo, esta tradición teatral se mantuvo viva y fue enriquecida por los escritores surgidos en el contexto de la revolución burguesa, quienes incorporaron nuevos temas, personajes y una particular visión de la realidad.En este volumen se incluye una muestra representativa de piezas teatrales en un acto, que refleja el tono, la temática y los rasgos distintivos del género en los años centrales del siglo xix. En total, son doce obras elegidas no solo por el éxito que alcanzaron en su tiempo, sino también por su originalidad, calidad literaria y, en especial, su potencial escénico. Los autores incluidos abarcan tanto figuras de gran relevancia en la literatura de la época como nombres menos conocidos, pero igualmente valiosos para ilustrar la riqueza del teatro español del siglo xix. Entre ellos destacan Manuel Bretón de los Herreros, Mariano Pina y Bohigas, Antonio Gil y Zárate, Joaquina Vera, Manuel Fernández y González, Antonio María Segovia, José Méndez de Álvaro, Rafael Máiquez, Miguel Pastorfido, Juan de la Puerta Vizcaíno, Ventura de la Vega, Carlos García Doncel y Luis Valladares y Garriga.
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Cuatro piezas fundamentales del gran dramaturgo sueco August Strindberg: El padre (1887), Los camaradas (1888), La señorita Julia (1888) y Acreedores (1888-1890).Impregnadas de la perspectiva cientificista del naturalismo, estas obras lo trascienden a partir de la singular lucidez del escritor, quien llegó a escribir al respecto: “¿No es posible una emancipación del arte, un renacimiento, una liberación de las terribles reglas que están empezando a hacer desgraciada a la gente, las cuales quieren convertir el teatro en un foro político, una escuela dominical o una iglesia? ¡Quizá! Podemos tener un teatro, donde uno pueda estremecerse ante lo más horrible y reír ante lo ridículo: donde uno pueda verlo todo y no ofenderse si ve lo que está escondido tras los velos teológicos y estéticos, donde se rompan las leyes de los convencionalismos. ¡Podemos tener un teatro donde uno tenga libertad para todo, excepto libertad para carecer de talento, ser hipócrita o ser tonto! ¡Y si no tuviéramos tal teatro, probablemente procuraríamos hacerlo nacer de cualquier forma!”.
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Giordano Bruno publica las primeras obras que han llegado hasta nosotros en París en 1582. Se trata de los tratados mnemotécnicos latinos De umbris idearum (dedicada al rey Enrique III, que le nombrará ''lecteur royal'') y Cantus circaeus, de la presentación de la combinatoria luliana en De compendiosa architectura et complemento artis Lullii y de una comedia Candelaio / Candelero. Candelero no es solo la culminación de la comedia italiana del Renacimiento, siguiendo la senda de Maquiavelo (La Mandrágora) y el Aretino, en una triple trama ambientada en la Nápoles contemporánea, sino que es una amarga crítica de la corrupción de la sociedad europea, presentada como una jungla en la que nada es lo que parece, en la que la ostentación de sabiduría esconde necedad y locura, donde la justicia está ausente y a lo sumo es ejercida por una turba de ladrones y pícaros disfradados de agentes de la justicia para conseguir desplumar a los necios. Con ello Candelero constituye una obertura teatral de los diálogos filosóficos que, poco después y en un escenario en buena medida teatral, presentarán la reforma moral, política y religiosa de la sociedad europea a partir de la recuperación de la verdadera imagen del universo y de su relación con la divinidad.
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«Retablo jovial» recoge cinco farsas breves de Casona: «Sancho Panza en la ínsula», «Entremés del mancebo que casó con mujer brava», «Farsa del cornudo apaleado», «Fablilla del secreto bien guardado» y «Farsa y justicia del Corregidor». En ellas se percibe su amor por el teatro popular, y todas destacan por su humor, el ingenio de los diálogos y su sabiduría teatral para la adaptación de textos clásicos.
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«Deja que las velas se apaguen solas (como sucedió en Las higueras necesitan compañía) es poesía de primer grado. En este libro hay intuiciones de esa naturaleza comentada, pero también hay recuerdos, y cosas observadas en viajes, y homenajes a personas queridas, y elegías, y anhelos... Hay algo claramente zen en todo esto, pero esa quietud y esa paciencia y esa observación serena no resuelven el irresistible misterio de la literatura que nos va regalando Rafael Pérez Hernando. Misterio y belleza se alían aquí con la sorpresa». Juan Marqués
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Una dona gran comença a perdre la memòria, i el seu fill decideix dur-la a una residència. Allà, i contra tot pronòstic, mentre els records s'esvaeixen progressivament, tindrà l'oportunitat de viure una intensa —i probablement darrera— història d'amor. Una comèdia commovedora de Marc Artigau i Queralt sobre l'amor i el desig a l'anomenada «tercera edat», sobre els camins erràtics d'una memòria que es desfà com un castell de sorra i sobre aquells que tenen cura, tan bé com saben, de les persones que estimen.
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Con El cuidador Harold Pinter obtuvo en 1960 su primer éxito. Davies, el obsesivo “cuidador”, es una creación cómica clásica, y su ansiosa relación, su frágil equilibrio con los enigmáticos hermanos Aston y Mick es ya un mito en la dramaturgia del siglo XX.Sobre Los enanos —difundido por la BBC en diciembre de 1960—, expresó el propio autor: “Me gusta escribir para la radio, por la libertad que esto implica. Cuando escribí Los enanos, fui capaz de experimentar en la forma, una estructura móvil y flexible, más que cualquier otro medio”.El estreno de La colección ocurrió en la televisión inglesa en mayo de 1961. Su único acto explora provocativamente los manejos sexuales entre dos parejas del ramo del vestido.
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Se incorpora a esta colección uno de los más importantes autores de la literatura dramática contemporánea. Jean Anouilh (1910-1987) pertenece a la corriente de renovación teatral que en su país surgió al término de la Segunda Guerra Mundial, y es uno de sus representantes más conspicuos. Su teatro, que incursiona preferentemente en la comedia, se caracteriza siempre por excepcionales cualidades de brillantez y frescura, encuadradas dentro de un marco de auténtica maestría de la estructura dramática y dominio de la situación escénica.
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Primer tomo de la nueva colección de Calambur. Un clásico indispensable. El abanico de Lady windermere, estrenada en el teatro St. James de Londres en 1892, es una comedia de cuatro actos con la que Oscar Wilde inició su producción teatral. Ambientada en los salones londinenses de la época victoriana, esta obra denuncia la hipoteca, el puritanismo y la doble moral de la sociedad de la época. El espíritu crítico del autor se concentra en asuntos como la fidelidad conyugal, el adulterio, la reputación o los sacrificios del amor maternal. Un tono de comedia en la que nada es lo que parece sirve al dramaturgo para desplegar con lucidez su fina ironía, característica que permanecer en toda la obra posterior del autor irlandés.
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Coriolano condensa de un modo extraordinario las características del Shakespeare universal.Coriolano, una de las obras más políticas de William Shakespeare, ha sugerido en el mundo contemporáneo interpretaciones antagónicas. Sin embargo, no es un teatro de ideas, sino de personajes y «caracteres». Es, quizá, la última tragedia de su autor y, como tal, refleja los rasgos más característicos del Shakespeare maduro y universal, al tiempo que manifiesta una singularidad en el plano estético e intelectual que la convierten en su obra más inquietante: T. S. Eliot la consideró, junto a Antonio y Cleopatra, su mejor logro artístico. Frente a la espiritualidad de Hamlet o Macbeth, Coriolano es una obra de acción que insiste en lo material, en lo más elemental de la historia: la lucha por la supervivencia o, incluso, la mera subsistencia. Ángel-Luis Pujante, uno de los mayores conocedores en España de la obra de Shakespeare, consigue mantener en su traducción el estilo austero y el lenguaje lleno de paradojas, antítesis y dilemas de Coriolano, mientras que analiza en la Introducción el carácter de esa singular tragedia.
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En esta obra se encuentra el eco de Lesbos, donde la palabra se entrega a la celebración del deseo, el amor y la libertad. Vive Safo en el interior de la pluma de María Folguera, el color de Mowcka y las canciones de Christina Rosenvinge, que se unen para dar belleza a su herencia y su canto. Un canto a través del tiempo donde el lector encontrará la experiencia del susurro de los versos eternos de Safo reinterpretados. Una artista de influencia capital en nuestro presente, un símbolo de artista gloriosa, un manantial para explorar la identidad y la memoria. Este trabajo pone en valor lo femenino, sostiene viva la herencia de Safo, despierta el eco de su ausencia y convierte en presencia visible su lugar, y con ello el lugar del abrazo de todas las mujeres que nos han traído hasta aquí.
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A principios del siglo XXI, una virulenta epidemia provocada por el bioterrorismo ha dividido al mundo en dos comunidades: la de los nox, seres de la noche, eternamente jóvenes, inteligentes, fuertes y sanos, y la de los curios, aquellas personas que sobrevivieron a la pandemia, pero que siguen siendo vulnerables al virus, y que ahora viven en guetos. En una de estas aldeas aisladas hace años asesinaron a un nox y, desde entonces, sus habitantes han sufrido un embargo que por fin va a concluir. Lamentablemente, con el restablecimiento de las relaciones entre nox y curios, regresan los prejuicios y los viejos rencores. Tomohiro Maekawa ha sido galardonado con un gran número de premios, tales como el Premio Yomiuri o el Kinokuniya y algunas de sus historias han llegado a la gran pantalla.
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Los libros de teatro son obras impresas que recogen textos dramáticos pensados para la representación escénica y la lectura reflexiva. El teatro como género literario se construye a partir del diálogo, la acción y la estructura en actos o escenas. Aunque a veces se habla de novelas teatrales, el texto teatral posee características propias que lo diferencian de la narrativa tradicional. El formato en papel facilita la lectura pausada, el análisis del diálogo y la comprensión de la estructura dramática.
¿Qué son los libros de teatro?
Los libros de teatro son publicaciones en papel que contienen obras dramáticas destinadas tanto a la representación como a la lectura individual.
Definición
Una obra de teatro se estructura en actos y escenas y se desarrolla principalmente a través del diálogo entre personajes. Los libros de teatro permiten acceder al texto íntegro, analizar sus acotaciones y comprender la construcción escénica.
Características del género dramático
El teatro se caracteriza por la acción directa, la interacción entre personajes y la presencia de indicaciones escénicas. La lectura en papel facilita la visualización de la puesta en escena y la interpretación del conflicto dramático.
Cómo elegir libros de teatro
Seleccionar entre distintos libros de teatro implica considerar el periodo histórico, el estilo del autor o autora y el tipo de dramaturgia que se desea explorar.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca teatro clásico, contemporáneo o propuestas experimentales.
- Obras teatrales clásicas del canon universal.
- Dramaturgia contemporánea con temáticas actuales.
- Teatro breve o monólogos.
- Ediciones comentadas para el estudio académico.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de teatro en formato papel pueden incluir diferentes propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Obras completas de un autor o autora.
- Antologías teatrales temáticas o históricas.
- Textos acompañados de estudios críticos.
- Dramaturgia contemporánea de nuevos autores y autoras.
Estos libros permiten analizar la estructura dramática, el ritmo del diálogo y la evolución de los personajes.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de teatro en papel favorece la comprensión del lenguaje escénico y el desarrollo de habilidades interpretativas.
Comprensión del conflicto dramático
El análisis de obras teatrales ayuda a entender la construcción del conflicto y la dinámica entre personajes.
Fomento de la lectura expresiva
Los libros de teatro invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación, fortaleciendo la expresión oral y la sensibilidad artística.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de teatro?
Los libros de teatro están dirigidos tanto a lectores y lectoras interesados en la literatura dramática como a estudiantes y docentes que trabajan el texto teatral.
- Personas interesadas en el arte escénico.
- Estudiantes de literatura y artes escénicas.
- Grupos de lectura que practican la lectura dramatizada.
- Quienes desean conocer la evolución histórica del teatro.
Preguntas frecuentes sobre libros de teatro
¿Qué diferencia hay entre una obra de teatro y una novela?
La obra de teatro se construye principalmente a través del diálogo y está pensada para la representación escénica, mientras que la novela desarrolla una narración extensa en prosa.
¿Qué aportan los libros de teatro a nivel educativo?
Favorecen la comprensión del lenguaje dramático, el análisis del conflicto y el desarrollo de la lectura expresiva.
¿Cómo elegir un libro de teatro adecuado?
Es recomendable considerar el periodo histórico, el estilo dramático y el interés por determinadas corrientes teatrales.
¿Por qué leer teatro en formato papel?
El formato en papel facilita la lectura detallada del diálogo, la comprensión de las acotaciones y la interpretación pausada del texto dramático.