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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Traducir la obra de Kamau Brathwaite no es asunto sencillo. Brathwaite es uno de los autores más libres del siglo XX –y parte del XXI. Su escritura es, al mismo tiempo, profundamente lúdica y tremendamente lúcida: una combinación difícil de encontrar. Con el oído pegado al corazón mismo de la lengua, consigue crear una poesía repleta de resonancias, donde cada sonido percute y hace eco, donde conviven coloquialismos y cultismos, donde el ritmo reina sin rivales.No es simple juego sonoro, sin embargo. El sonido en Brathwaite es trama, es música pensante. Y lo que dice, en una plural variedad de registros, constituye una exploración implacable de la vida en el Caribe, una zambullida en su historia y una crónica fiel de sus vicisitudes sociales en la actualidad. Todo ello punteado y cohesionado por la experiencia individual de un yo que asoma y desaparece, que cuenta su vida de modos oblicuos, para luego sumergirse en la corriente del devenir histórico.La voz de Brathwaite es múltiple. Y múltiples son en ella las musicalidades, los acontecimientos, los modismos, las expresiones, las experiencias y hasta las subjetividades que arropa. Incluso la tipografía: de ello da fe su llamado Sycorax video style, esa transformación radical que nuestro autor efectúa en la visualidad del lenguaje y que empieza a desplegarse en Black + Blues, precisamente. No en vano fue –es– uno de los grandes poetas del Caribe anglófono. Pocos podrían presumir de haber llevado la lengua a ese grado de tensión o de haber explorado con tanta valentía las muchas posibilidades de sentido que ofrece.Adalber Salas Hernández
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La poeta Luna Miguel selecciona en este Poesía Portátil los mejores versos de la mejor y más querida poeta italiana del siglo XX: Alda Merini. Nadie ha sido capaz como Alda Merini de ahondar en el amor y la pasión desde una visión tan cruda de su anverso: el dolor y la locura, la muerte y el abandono. Considerada una de las últimas poetas místicas, su genio poético despertó temprano, a la par que empezó a ser sometida contra su voluntad a ingresos en centros psiquiátricos. De estos episodios nacieron algunos de los versos más conmovedores de la poesía italiana moderna, escritos por una mujer que se convirtió en emblema de marginados y artistas, vagabundos e intelectuales. Querida por todos, comprendida por nadie, su poesía resurge ahora en la colección «Poesía Portátil», una selección cuidada y vibrante que invita a descubrir la grandeza de una de las autoras que mejor han sabido transformar el sufrimiento en belleza.
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Diàlegs de la incomunicació
Un diàleg total: la reproducció original dels poemes de la incomunicació de Viladot i els dibuixos de Joan Codina Donaire, que reinterpreten i redimensionen les obres acarades del d'Agramunt. Un empelt visual, ric en escenes impossibles, viatges onírics, capbussades introspectives i erotisme que juga amb ratlles de gruixos variats, parèntesis, punts i lletres per emfatitzar la complexitat del llenguatge mateix.
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Los versos contenidos en Ni un leve trazo se han ido destilando a lo largo de casi una década a refugio de la prisa, de «la solicitación de las diarias horas» de las que hablara Vicente Aleixandre. En ellos el autor da fe de las tres heridas hernandianas con las que se viene al mundo (la de la vida, la del amor, la de la muerte), asumiéndolas, integrándolas en su experiencia, reflexionando sobre su naturaleza inexorable. Para hacerlo, David Pulido Suárez emplea la ductilidad del soneto, la contención de la décima, la expansión de la prosa y la flexibilidad versolibrista, moldes todos escogidos según lo requiere la expresión de cada idea, nunca fruto del azar o del capricho.Quien lea los poemas que recorren estas páginas hallará textos escritos desde la honestidad y la humildad del que se reconoce pasajero y que, por lo tanto, únicamente puede limitarse a levantar acta cordial, franca, de aquello que impresiona su ánimo, pues «tal vez en la memoria/ de un labio quedará con leve acento/ el nombre que albergó su breve historia».
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![La torre [Edición bilingüe]](https://www.abacus.coop/dw/image/v2/BDLM_PRD/on/demandware.static/-/Sites-AbacusMaster/default/dw6bce62cf/images/large/1532114.39.jpg?sh=240 "La torre [Edición bilingüe]")
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En 1917, Yeats (1865-1939) compró una fortaleza normanda a pocos kilómetros de Galway. La convirtió en su residencia de verano e hizo de ella un símbolo, un monumento del alma a su propio esplendor al que le dedicó La torre (1928), el primer libro de poemas que escribió tras recibir el Premio Nobel en 1923. La torre es un otero desde el que contemplar, reflexionar y cantar con ironía y lucidez sobre un paisaje que es a la vez simbólico y real, interior y exterior, y, sobre todo, donde el pasado tiene el mismo peso que el futuro y donde el presente llegaba a llamar con la culata de un fusil a la misma puerta de la fortaleza: tras el estallido de la Primera Guerra Mundial se produjeron el Alzamiento de Pascua y la guerra civil irlandesa que daría lugar al Estado Libre de Irlanda, del que el poeta llegó a ser senador.Introducción y traducción de Andrés Catalán
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Transmutación', la segunda obra de Isaac Álvarez Félix, llega como una declaración de intenciones. Un libro que se atreve a convertir la poesía en un territorio de riesgo, crudeza y revelación. En estos versos, la culpa, la ansiedad, el origen y la desestructuración familiar se convierten en motores de cambio y en fuerzas vitales que empujan al autor a mirarse de frente. Al abandonar máscaras y patrones aprendidos, emerge un nuevo ser que es, al mismo tiempo, él mismo y otro distinto. Con una escritura que fluye como una música punzante, Isaac recoge la herencia de los beats y la lleva a un terreno propio: directo y visceral. Transmutación es un viaje de descenso y renacimiento, una exploración de las sombras para alumbrar una identidad renovada. Un poemario poderoso, cuya voz poética incomoda, remueve y, sobre todo, transforma.
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Hasta altas horas de la noche se sitúa en el insomnio como un lugar sin tiempo que transita entre la vigilia y el sueño, donde emergen la memoria, el tiempo, los viajes y la identidad. Con un tono introspectivo y onírico, y una cadencia que guía cada verso, este poemario da voz a reflexiones que solo aparecen cuando el mundo calla y el cielo se apaga. También es un tributo a otras voces que han dado forma a la mía. Es mi segundo libro de poesía y quizás el más fiel, a esas horas en las que, más que dormir, uno recuerda e inventa más allá de la noche.
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Recuerda que hasta la peor de las tormentas vuelve a dejar paso al mar en calma.«Somos como el mar.Nos estrellamos con las rocas una y otra vez.Nos rompemos, pero nos volvemos a reconstruir.Somos olas libres». Enmarcada en la inmensidad del océano, la poesía de Lucía Hormigo sube como la marea e inunda el corazón. Sumérgete en su canto sincero a la valentía y a la certeza de que se puede vencer al miedo. Sal de aquí más feliz y con el alma un poquito más llena.
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Un libro profundamente celebrador. Un canto a los seres tocados por la gracia, capaces de transfigurar la realidad más sencilla en la más sublime.En Fernando Plata tenemos a un joven poeta cuyo apellido ya indica cierta voluntad alquímica, pues concibe la poesía como transfiguración del sujeto o el objeto, pero desde la pura vigilancia de la conciencia. Y lo que más le importa es reflejar el encanto de la vida y del mundo, en poemas llenos de fuerza y con una dicción hímnica y de fe en esas criaturas del mundo órfico, los altos a los cuales dirige sus himnos. Dotado de profunda imaginación, escribe una poesía visionaria, sometiendo a sus imágenes a una idea rectora, de tal modo que el sentido preside la expresión. Sus ideas de orden proceden de Wallace Stevens, poeta de la imagen no surrealista, pero sí fantasiosa y plena. A Stevens y a Jorge Guillén los celebra como maestros, y su odisea mística está atravesada por el amor y la necesidad de la música. Como señala su prologuista y mentor, José Luis Rey, «Fernando Plata escribe una honda poesía espiritual y nos la entrega como quien ha seguido de cerca al sol hasta la caída de Faetón, para volver a alzarse en brazos de los altos, los seres mágicos y órficos en los cuales la poesía se ha cumplido en plenitud. Y esa plenitud es garantía de salvación. En este primer libro, un libro de himnos para el siglo XXI, el muchacho vigía de la Costa da Morte, con una poesía situada en el límite entre canto y eternidad, ambiciosa y a la vez humilde, nos regala una verdadera aventura del espíritu».
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Representantes en la Tierra de una irrealidad llamada Dios: un diálogo clarificador en la sala de espejos.El papa y un cardenal, amigos de juventud, mantienen un diálogo en el que no faltan críticas a determinadas actuaciones de la Iglesia. La figura de la joven Hermana Teresa romperá el esquema del debate. Su identidad provoca un zamarreo emocional en los interlocutores. La charla íntima continuará después entre ellos, rompiendo verdades consolidadas que son sustituidas por su mero reflejo. Una conversación entre hombres de poder, que saben...
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Este libro tiene por eje la figura de Isolina Pumar, campesina anciana con la que Araúxo mantuvo una larga relación de amistad, de aprendizaje y de trabajo rural. A partir de las innumerables conversaciones que sostuvo con ella y de las fotografías tomadas durante este periodo, el autor armó una serie de textos híbridos que participan del collage y del estudio antropológico.
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Bartleby publica una amplia retrospectiva de la poesía del navarro Miguel Sánchez-Ostiz''Geografía de la ventura'', antología cuya edición ha sido realizada por Alfredo Rodríguez, compila la producción poética de Miguel Sánchez-Ostiz desde sus inicios a la actualidad, y es una invitación a sumergirse en la lectura de la obra poética del reconocido escritor navarro.
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Liu Xia es una gran poeta y fotógrafa China con una intensa vida marcada por su contexto pero desde el que surge una poesía que nos habla a todas y todos.Solo con la primera lectura de los poemas de Liu Xia (Pekín, 1961) se impone su peculiar síntesis de habla sencilla y nítida con el extrañamiento que hace sensible lo no dicho −los signos de una gran poeta−. El foco de su escritura está siempre en la vida concreta, en el relieve de los detalles, y su voz, en la que rebrota el secular debate chino entre la lengua literaria y la hablada, tiene la virtud de producir momentos de una intensidad y una agudeza existencial poco comunes. Y es este trabajo de la lengua, nunca efectista, el que trenza las microzonas de que se va haciendo el poema: el predominio del hablar directo y las radicales elipsis, el continuo sincopamiento de la sintaxis y la ausencia de nexos, el vaivén de los cambios de tono, el peso del silencio y el efecto puntual de la ironía o el sarcasmo, las enumeraciones vertiginosas, los cambios de persona gramatical que acercan y alejan el dolor, lo generalizan y singularizan. De este modo, sin ser nunca previsible en sus formas, la resistencia de una tristeza viva, una filosofía práctica de la supervivencia, configuran la lengua-mundo de sillas vacías.
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Los pájaros entre los cerezos, la lluvia sobre el zorro, la boca gastada de los árboles, el lomo casi azul de los caballos, los álamos del viejo caserón, la nerviosa canción de los barrancos, la savia que se mueve todavía mezclada en nuestra sangre. Carreteras que brillan en el bosque entrecruza el ámbito rural con el urbano. Recoge las voces estropeadas en la ciudad de alimañas, tractores, espíritus del río, la bojeda, la escarcha, los rebaños, todos los dulces frutos del verano. Un tácito permiso para el vuelo con objeto de alcanzar hasta las últimas farolas pisando las hojas secas de un camino. Este libro, en el que el autor aboga porque «los últimos días sean tus brazos, nuestros brazos, ciervos milenarios», ha obtenido el XXVII Premio de Poesía Ciudad de Salamanca.
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La figura y la obra de Alfonsina Storni han sido víctimas a menudo de mixtificaciones y malentendidos que se han ido alargando a lo largo de los años. Su tiempo nunca supo entender del todo a la mujer que fue Alfonsina Storni, del mismo modo que la crítica tampoco acertó nunca a situar su poesía en el contexto adecuado ni a comprender su potencial capacidad renovadora de la poesía americana, más allá del convencional uso de la métrica y la rima. Lo importante es que Alfonsina Storni ensanchó ampliamente los límites de lo que puede contarse o no puede contarse en un poema, ya que parece que nunca dejó de contar lo que realmente quería contar o cantar en un poema. Pocos poetas han sido, en ese sentido, tan salvajemente libres, tan afirmativos, tan dueños de sus temores, alegrías y obsesiones como lo fue Alfonsina Storni. Esta antología, prologada por Mª Ángeles Robles, poeta y estudiosa gaditana, pudiera ser que proponga unas nuevas líneas de lectura de la poesía de Alfonsina a los lectores del siglo XXI. A.L.
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Emilia dibuja fl,ores sobre los recuerdos grises y habla con las sombras para convencerles de la existencia de la luz, como un gato que, cuando se hace de noche, se asoma a la venta-na buscando la Luna. Quizás cuando pases las páginas lo entenderás, cuando más perdido estás, ella te marca una X en la espalda yte susurra: «Necesitas encontrarte, las estrellas llegarán después». Emilia siente y escribe. Y cuando siente y escribe el Sol sale. Y si te fi,jas bien,en algún punto la Luna observa y sonríe.Raquel Beck
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En 1863 Rosalía publica ''Cantares gallegos'', cuyo prólogo contiene un alegato reivindicativo de Galicia y sus gentes. En cuanto a la intención declarada por Rosalía, podríamos resumirla como el propósito de cantar las bellezas de su tierra, los encantos del paisaje de Galicia y sus gentes, dando a conocer algunas de sus poéticas costumbres, que conservan cierta frescura patriarcal y primitiva, y borrando así las visiones denigratorias. Un propósito que lleva aparejado el empleo y la defensa de la lengua gallega: mostrar, dice, que nuestro dialecto dulce y melodioso es tan adecuado como el primero para todo tipo de versificación, muy lejos de esa versión degradada de la lengua de la que algunos hacen mofa. Y es que la escritora tenía como única pauta la oralidad: su gallego es el que oía hablar a su alrededor, lo que imprime a los poemas de Rosalía esa tan loada naturalidad, sencillez y acierto, o verdad.
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Una reflexión sobre el deseo y sobre todo aquello que nos sucede cuando nos sentimos desbordados por él. Cuatro personajes protagonizan los versos de estos poemas: la mujer que los canta, un Toro, un coro de ancestras y una flor cuyo nombre es Amarilis. Poco o nada sabemos de esa mujer, aunque su voz -a ratos primaveral y desbocada, a ratos una voz pidiendo auxilio- no cese de cantar. Y es que su canto es el canto de una necesidad: la de quién ha sentido, galopando por las estepas de su cuerpo con las fuerzas desmedidas del anhelo y la pasión, el dominio salvaje del Toro, y ahora, sometida y condenada, en medio de los estragos del amor, no puede sino contarlo, explicarse, medirse a sí misma de nuevo. Obsesionada con los mitos griegos, para ello recurre a Amarilis.¿Pero quién es Amarilis? ¿Una flor, una deidad campestre, la amada de Títiro en las Bucólicas de Virgilio? ¿Y por qué, ante el ruego confesional de esa mujer, se conmina al silencio? Y el Toro, ¿es toro o encarnación de Dionisio? ¿Las ancestras son abuelas, madres, poetas? ¿Qué saben ellas que no sabe la mujer? Así, ese juego sutil de preguntas cruza constantemente los límites de lo humano, lo animal y lo vegetal, en una metamorfosis en la que todo está deformándose y transformándose de nuevo.Con una lírica exuberante, que mezcla con absoluta maestría riesgo y elegancia, furia y sensibilidad, Amarilis es una reflexión sobre el deseo y sobre todo aquello que nos sucede cuando nos sentimos desbordados por él. Conjugando elegía, teatralidad y mitología, los poemas de Natalia Litvinova son una puerta abierta hacia lo innombrable, hacia el momento exacto en que, como en un relato clásico, un final inaugura un nuevo principio.
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Con motivo del centenario del nacimiento de Arthur Miller, reunimos enun volumen las cinco piezas teatrales más importantes del dramaturgo:Todos eran mis hijos (1947), Muerte de un viajante (1949), Las brujas deSalem (1952), Panorama desde el puente (1955) y Después de la caída(1964). En las obras que integran este volumen, Miller abordó lasconflictivas relaciones entre padres e hijos, y entre maridos y mujeres,así como la necesidad de vivir según unos principios morales y de asumirla responsabilidad social e individual que a cada hombre le toca, y entodas ellas supo reflejar las frustraciones de la sociedadcontemporánea.
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Gioconda Belli selecciona en este libro los mejores poemas de su amplia producción poética. Una celebración de la palabra poética y un muestrario vibrante de la vitalidad artística de la autora, de su búsqueda incesante de la identidad femenina y latinoamericana. «Gioconda Belli, novelista, poeta, autora de memorias, se ha establecido como uno de los grandes escritores de la literatura en español.» SALMAN RUSHDIE.
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Hombre de vida asendereada y de múltiples ocupaciones por razón, sobre todo, de su voluntad de ascender en la escala social, Pierre-Augustin Caron, más conocido como Beaumarchais (1732-1798), dejó, con todo, dos obras dramáticas magistrales: El barbero de Sevilla (1775) y Las bodas de Fígaro (1781). En El barbero de Sevilla, como nos explica en su introducción Mauro Armiño, el genio del autor consiguió hacer de una intriga y unos personajes trillados una comedia absolutamente original en la que destaca la fuerza que supo imprimir a todos los personajes, pero sobre todo al conde Almaviva y especialmente a Fígaro, heredero del criado de la comedia clásica que alcanza la categoría de protagonista en igualdad de condiciones que su antiguo amo, y en el que cristaliza una de las grandes creaciones de la tradición dramática europea.
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Se trata de un diccionario de autor -lleno de caprichos y curiosidades, también de ausencias y lagunas, y que incurre en inevitables y sugerentes circunloquios, saltos de una lengua a otra y alguna que otra reiteración- que propone un amplio y detall
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Biografía a retazos de Andrea CamilleriVeintitrés ejercicios de memoria que rememoran los momentos clave de la vida de Andrea Camilleri, ilustrados por artistas italianos de la talla de Alessandro Gottardo, Gipi, Lorenzo Mattotti, Guido Scarabottolo y Olimpia Zagnoli. A pesar de haberse quedado ciego a los noventa y un años, Andrea Camilleri no se dejó amedrentar por la oscuridad, igual que nunca tuvo miedo a la página en blanco. El autor siciliano escribió dictando hasta el final de sus días, y con la oralidad encontró una nueva forma de contar historias. Desde el principio de su ceguera, se aplicó al ejercicio de la memoria con la misma disciplina férrea con la que había trabajado toda su vida. Con persistente lucidez, se dedicó a hilvanar los recuerdos de una vida larga y prolífica, haciendo gala de una agudeza mental única y su particular visión del mundo. Este libro nació como un ejercicio para practicar esta nueva forma de escritura, una especie de cuadernillo de vacaciones: veintitrés relatos concebidos en veintitrés días. En ellas, el autor rememora episodios clave de su vida, retrata a los artistas que tuvo en más estima y repasa la historia reciente de Italia, la que ha vivido en primera persona. Un juego literario donde se entrelazan sonidos, conversaciones e imágenes que nunca podrá sacarse de la cabeza. «Me gustaría que este libro fuera como la pirueta de un acróbata que vuela de un trapecio a otro, tal vez haciendo un triple salto mortal, siempre con la sonrisa en los labios, sin exteriorizar la fatiga, el compromiso diario o la sensación constante de riesgo que ha hecho posible ese progreso. Si el trapecista mostrara el esfuerzo que le ha costado ejecutar esa cabriola, el espectador ciertamente no disfrutaría del espectáculo.» La crítica ha dicho:«A pesar de haber sido dictados a Isabella Dessalvi, estos ejercicios resuenan en el lector con la voz fuerte, hueca e irónica de su autor. Uno casi puede sentir las entonaciones, las pausas, la cadencia, su estado de ánimo. En todos se percibe un amargor nostálgico y divertido.»Il Messaggero
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Estos poemas recorren los días del presente incierto, se acogen a la memoria con gratitud o proyectan una mirada crítica sobre la realidad cotidiana.Con su séptimo libro de poemas, Juan Bonilla entrega una obra de plena madurez donde se alternan los tonos elegiacos y una suerte de vitalismo desengañado que no renuncia a celebrar el esplendor del mundo, sin dejar de ver ni de señalar sus miserias. Desde el inicio, Los días heterónomos parte de la limitación provocada por la enfermedad para constatar su paradójica ampliación de campo, el acceso a una ''luz distinta'' que es descrita con la rica e imprevisible imaginería del autor, siempre alejada de los modos consabidos. Estructurados en cuatro secciones de nueve composiciones cada una, a las que se suman un prólogo y un epílogo en verso, los poemas recogidos en el libro recorren esos días en los que, en efecto, como sugiere el título, ''no somos ley de nuestro propio estar'', pero también se acogen a la memoria, con gratitud no exenta de aristas, o proyectan una mirada crítica sobre la realidad cotidiana, de algún modo redimida por el don -''esa es su magia: / la poesía es fiebre y se contagia''- que la convierte en acuñación memorable: ''Por encima del arte / que a Adonis hace fiero y bello a Marte, / cántico de la vida, / no le pidas que te cierre una herida, / más bien que te las abra / con eficaz palabra / helada en luz tan pura / que sea un simulacro de sutura''. En el proceso de edición, el autor ha añadido al original premiado por el Hermanos Machado, cinco poemas ya conocidos que encuentran su lugar natural en un libro que tiene mucho de balance o recuento, hecho de fragmentos o cristales rotos con los que fabrica un espejo donde se refleja un hombre dañado pero sereno y como de costumbre incisivo, batallador, dispuesto a seguir entonando ''este himno de estar vivos''.
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Los periodistas Jesús Úbeda y Julio Valdeón, uno en Madrid y otro en Nueva York, reciben un encargo ilusionante: escribir una biografía de Raúl del Pozo, mito viviente del periodismo y la literatura. Ocurre que este se niega a contar su vida porque detesta el género: «Las mejores biografías las hizo Plutarco en el siglo I d. C., las de después son mediocres». La solución pasa por traicionar al biografiado entrevistándole a él y a muchos que lo conocen. Es así que Arturo Pérez Reverte, José María García, Jesús Quintero, Manuel Vicent, Carmen Rigalt, Javier Rioyo, Federico Jiménez Losantos, Antonio Lucas y Antonio Casado, entre otros, suman sus voces para pulir un retrato extasiado, radiante y blasfemo de uno de los hombres que mejor ha escrito y descrito a España y los españoles.Raúl del Pozo, que nació el mismo día que Ava Gadner y Jesuscristo, reportero, corresponsal, columnista, ha enganchado a varias generaciones de lectores con su prosa feroz y sorprenderá de nuevo esta vez con andanzas, anécdotas y episodios tan desconocidos como sorprendentes.
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Una vida de contrastes es el libro de memorias de Diana, la tercera de las seis hermanas Mitford (las otras cinco son Nancy la novelista, Pamela la experta en aves de corral, Unity la amante de Hitler, Jessica la comunista y Deborah la duquesa). Se narra aquí su matrimonio con Bryan Guinnes, una de las mayores fortunas de Inglaterra, pero sobre todo la relación con Sir Oswald Mosley, del que sería amante y con el que, una vez viudo, contraería matrimonio en 1936... ¡en casa de Goebbels! Mosley entonces era el líder del partido nazi británico, por lo que Winston Churchill –tío de Diana- los envió a ambos tres años a la cárcel, una experiencia, según ella, “bastante incómoda”.
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Una breve y oportuna colección de ensayos profundamente personales y conmovedores sobre la experiencia del confinamiento escritos por una de las plumas más lúcidas de nuestro tiempo. «Se escribirán muchos libros sobre el 2020: análisis históricos y políticos, informes exhaustivos. Éste no entra en ninguna de esas categorías [...]. Mi intención ha sido organizar, en los retazos de tiempo que estos peculiares meses nos han concedido, algunos sentimientos y reflexiones que los sucesos han provocado en mí hasta ahora.» Escritas durante los primeros meses de confinamiento, estas Contemplaciones de Zadie Smith son un agudo ejercicio de observación de realidades, sensaciones, ideas y preguntas que han aflorado en una situación sin precedentes. ¿Qué supone someterse a una nueva realidad? ¿Y resistirse? ¿Cómo valorar el sufrimiento, siempre relativo? ¿Qué lugar ocupan los otros cuando estamos solos u obligados a convivir? ¿Qué han significado el desprecio y la compasión en medio de esta crisis? En definitiva, cuando irrumpe un mundo desconocido, ¿qué se nos revela sobre el anterior? Breve pero inmensamente sugestivo y de gran alcance, Contemplaciones es un libro singular en el que la intimidad y la ternura conviven con la ironía, la lucidez e incluso la indignación. Zadie Smith abre así un generoso espacio para el pensamiento, lo suficientemente amplio para que cada lector reflexione sobre lo que ha sucedido y lo que desearía que ocurra en adelante.
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Miguel Hernández, junto con Machado o Bécquer, es uno de los poetas más populares de nuestra literatura. Su poesía nace de la necesidad y del contacto directo con la vida., con el amor, con el paisaje, con la realidad que le rodea. Sus poemas son un fiel espejo de sus sentimientos, que pueden ir desde la exaltación por la vida hasta el desesperanzador pesimismo de sus últimos libros. Uno de los rasgos más identificativos de la voz del poeta es su defensa de una poesía hecha por el pueblo y para el pueblo. El poeta intenta dignificar la tierra y al hombre sencillo de campo, se hace eco de los problemas que castigan a la población, como la miseria y la injusticia, para denunciarlos.
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No daríamos una imagen completa de Javier Lostalé si no recordásemos su incansable labor de divulgación de la poesía a través de la radio. A ambas tareas, la poética y la radiofónica, las unifica el conocimiento hondo derivado de su amor a la poesía, por encima y más allá de cualquier alineamiento estético, cosa que todo el mundo le reconoce. JOSÉ CEREIJO
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El haiku, tal como lo entiende la tradición japonesa, es una forma de adoración de «lo sagrado», que se manifiesta incesantemente, y nos provoca ese asombro cuya naturaleza mística se desentraña en estas páginas. Mediante el cultivo del arte poético del haiku iniciamos una vía de contemplación en la Naturaleza y hacia la Naturaleza. No se trata de mirar intensamente ningún objeto, sino de «estar». El mundo es una realidad efervescente que nos ofrece la posibilidad de vibrar con ella, de ser parte del cambio, de la transformación del Todo, de la vida que nos circunda y late en nosotros. Y es esencial comprender que esta contemplación no es la contemplación de un «yo» huérfano y abandonado. Si hay algo que nos enseña el haiku es que no estamos desamparados en este mundo, porque también nosotros somos parte del misterio.
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«Ahora me había tranquilizado. Ya nada me impulsaba a levantarme a medianoche. Ya no me consumía en mi propia llama. Tranquilo y solo, ahora miraba al frente sin pasear la mirada por el pasado ni el futuro. Ya no acuciaban mi mente las cosas cercanas ni las lejanas. Y a los hombres, si no me obligaban a mirarlos, no los veía. Antes, mi mente se figuraba a menudo este siglo como el tonel eternamente vacío de las Danaides, y mi alma se fundía en derroche de amor para llenar los huecos. Ahora ya no veía ningún hueco, ahora ya no me agobiaba el tedio vital.»La presente edición, con traducción de Eduardo Gil Bera, incluye el «Fragmento de Hiperión».
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Una fábula sociofantástica y psicológica, una bellísima reflexión sobre la enfermedad y lo corrompido. El gran escritor mexicano Juan Villoro inició su andadura novelística en 1991 con El disparo de argón, que obtuvo el inmediato respaldo de la crítica y se tradujo al alemán y al francés. Dos temas articulan la sugerente trama de esta novela: la mirada y la ciudad. Un espacio definido les sirve de vínculo: la clínica oftalmológica del doctor Suárez, versión mexicana de la célebre Clínica Barraquer en Barcelona. Casa de los signos, el edificio levantado por Suárez pretende servir a la vista y a la visión, a la salud y las formas trascendentes que entran por los ojos. Pero este ideal ocurre en un México convulso, donde el tráfico de órganos es una activa variante de la economía informal. El sueño ha sido pervertido y Suárez no puede ser localizado, el gran profeta de la vista se ha vuelto invisible. Su discípulo Fernando Balmes debe buscar el hilo que lleve al maestro. Todo lo que pasa por sus ojos -la ciudad, la clínica, los otros- se somete al rigor del oftalmólogo hasta que algo nubla su horizonte: una mujer altera el cristal con que mira el mundo y una trama de sombras lo adentra en un país donde la urgencia no es curar los ojos sino venderlos.
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Latín ha muerto, ¡viva el latín!. Breve historia de una gran lengua3a.ed., El
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La fàbrica (1970-1971)
L'experiència de gairebé trenta anys de Martí i Pol com a escrivent de La Blava, una fàbrica de filats de Roda de Ter, i el seu compromís cívic i polític amb els treballadors «la seva gent» i, poèticament, els «herois» de la història, es concreten en aquest poemari que recrea la vida silenciosa i quotidiana d'aquelles persones i denuncia l'opressió econòmica i social.L'autor va redactar els poemes de La fàbrica entre els anys 1969 i 1971 i els va publicar, amb gravats de Jordi Sarrate, a Quaderns El Bordiol el 1972. El text que reproduïm dels poemes procedeix del primer volum de l'Obra poètica de Miquel Martí i Pol, publicada per Edicions 62, que va ser revisat pel mateix poeta i per Pere Farrés, curador dels quatre volums de l'Obra poètica i d'aquest volum.
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Berardinelli vuelca en esta obra sus ácidas reflexiones sobre el papel de la crítica literaria y el propio hecho de la escritura, inéditas en España. Su tesis fundamental se sostiene sobre este planteamiento: quien lee se expone a innumerables riesgos.
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«Aún / hay cantos que cantar más allá / de los hombres». Estos versos de Paul Celan ofrecen una clave para comprender la singularidad radical de uno de los mayores poetas europeos del siglo XX. En Celan el poema siempre lleva consigo lo humano y al mismo tiempo lo trasciende, en el sentido de que sobrepasa el horizonte crepuscular de una tradición humanista que ha llegado a convivir pacíficamente con la destrucción de los valores y los ideales que ella misma consagrara durante siglos. La obra de Celan resulta así inseparable de un pensamiento poético que pregunta por lo humano desde la catástrofe. Este libro muestra en qué medida su poética hereda el legado ya en crisis de la lírica moderna y lo transforma en una ''lírica del desastre'' que descubre en la lengua del poema una experiencia única y extrema. Experiencia destructiva que sin duda marcó a hierro y fuego la historia europea y dejó huellas indelebles en la vida y en la obra del poeta, pero experiencia límite también, y aun más decisiva, del propio lenguaje como deseo de una «lengua madre» que abre en el texto poético el abismo del amor y la muerte donde encuentra su raíz última la existencia. Raíz Celan: un poema de La rosa de nadie, titulado «Radix, Matrix», hace las veces de hilo de Ariadna en la lectura desideral que aquí se propone de la tríada en torno a la que gira la escritura poética celaniana: Poema - Lengua - Abismo.
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