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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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El Duque y yo no teníamos nada en común. Ni ellugar, ni las formas, ni las amistades, ni los títulos, ni el oficio, ni el nivel de vida. Con tiempo, y sin precipitación, hemos ido tejiendo vínculos mucho más sólidos que los obligados por las circunstancias olos intereses. Este libro es el retrato del amigo singular y del artista que sostiene una obra monumental. A través de sus páginas relato las andanzas y lasmutuas influencias de una insólita relación entre elnoble y el juglar. La amistad que Albert Boadella mantiene desde hace años con el duque de Segorbe le lleva a reflexionar sobre dos formas de ver elmundo y de estar en él: la del aristócrata que llevasiglos de tradición a sus espaldas y la del bufón, el comediante que arrastra una tradición muy distinta:gente de la farándula, de poco fiar. La verdadera distancia social, el protocolo, el gusto por latradición y el conservadurismo que, contra todo pronóstico, encaja a la perfección al bufón, amante también de la belleza y de lo clásico: la arquitectura, losjardines, el arte, la música y hasta la fiesta taurina. Una reflexión literaria y evocadora sobreun mundo de gran belleza a pesar de su anacronismo.
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JAIME SILES (Valencia, 1951) es catedrático de Filología Latina y Director del Departamento de Filología Clásica de la Universidad de Valencia. Premio Ocnos (1973), Premio de la Crítica Nacional (1983), Premio Internacional Loewe de Poesía (1989) y Premio Internacional Generación del 27 (1998), ha recibido también el Premio Teresa de Ávila (2003), el Premio de las Letras Valencianas (2994) y el Premio Andrés Bello (2017), éstos tres por el conjunto de su obra. En 2014 la Universidad de Clermond-Ferrant lo invistió Doctor honoris causa. Este libro asume y desarrolla el precepto nietzscheano de revivir en sí la Antigüedad Clásica, de objetivarla en una serie de imágenes, estampas y situaciones en las que se proyecta no tanto la nostalgia de su mundo como la consistencia de su realidad, tan necesaria para comprender en su compleja profundidad la nuestra. No hay aquí, pues, arqueología sino pasión, cultura y vida entrelazadas en el amor a Grecia y a lo que como ejemplo fue.
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Estellés, de mà en mà
Us proposem un viatge per l’apassionat i apassionant univers estellesià. Un univers concret i precís, dolç, amarg, alegre, tràgic, divertit, dramàtic, sorneguer, culte, malparlat… Estellés, entre paraules tendres i paraules obscenes, acarona, colpeix, grata, arrapa… Estellés ens conta històries comptant les síl·labes, sense comptar-les, cantant cançons… Estellés s’estima molt la vida i se l’estima amb el seu nom petit sempre en minúscula.
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Viatge per la sextina (1976-1986)
Publicat originalment el 1987, Viatge per la sextinaaplega els quatre volums que Joan Brossa va dedicar aun forma poètica complexa i d’,il·lustre conreu en la nostra literatura. Partint d’,un coneixement profund del gènere, la invenció del qual s’,atribueix al trobador Arnaut Daniel, Brossa enfa un tractament molt personal per tal d’,adaptar-lo al seu sistema conceptual, les seves intencions i la seva poètica, i aconsegueix així ampliar i actualitzar les possibilitats de la sextina i presentar-la al lector contemporani novament afaiçonada.
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¿Quién no tiene enemigos? El tango-canción no escapóa esta fatalidad. Durante muchos años, al contemplarsu decadencia, se diagnosticó la invasión de «ritmosforáneos» como la bestia negra a combatir. Por una disposición estatal, se logró allá por la década del cincuenta que en las radios, salas de baile y espectáculos debía propalarse obligatoriamente un porcentaje mayoritario de música nacional. Fue inútil. Los inefables «ritmos foráneos» siguieron apareciendo y desapareciendo al compás del almanaque, que es universal. Las bellas y sentidas letras de tantos extraordinariostangos tenían un enemigo mucho más insidioso que loscacareados «ritmos foráneos», y más difícil de localizar, porque también se denominaban tangos. Al menos así se inscriben en los registros autorales.
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Estamos ante uno de los cancioneros más conmovedores de la literatura catalana contemporánea. Pepe Sales arrolla a los lectores con su fuerza lírica y su canallería fabricada ennla cárcel, los antros… bajo el impulso constante del huidor. Su música es capaz de abrirse paso a martillazos a través de un contexto social represivo imposibilitando cualquier acallamiento. Una voz que florece en la periferia compartiendo su vitalismo contagioso capaz de convertir el deseo en una política, el sarcasmo en una fiesta. Víctor Obiols encuentra en su poesía un «nihilismo lúcido, rabia ceñida a un verso, intransferible visión sobre el país que le ha tocado vivir, ironía contra las tinieblas, remanso en la melancolía o en el tedio. Canciones llenas de cosas suyas, «trozos de vida». De amor y droga, como las quiso bautizar». Adentrarnos en este libro es también hacer un ejercicio de memoria, evitando la pérdida de las vidas efímeras o, al menos, postergando un conocimiento frágil de mundo. También es un viaje de conexiones entre lenguas vecinas, de vidas abriéndose paso a través de la palabra, antes de que los gestos sean posibles. Pepe Sales es culpable. ¿Qué decir? Sus versos están atravesados por la música, la droga, la represión franquista, la disidencia sexual. Culpable de obscenidad, grito inyectado en vena, cítara cantarina, luz de verborrea. En su poesía está tatuado el talego y su jerga. El dolor rezuma entre frases que parecen susurradas: «Bello peregrino / ¿quieres hacerlo conmigo? / Bello peregrino, /quédate por aquí». El artista nos dispara una compleja política que hace uso de todas las cadenas que prometen una liberación, pero que subyugan. En él reconoceremos todas estas cosas, inundadas por un cruel optimismo, una asombrosa ternura.
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Esta antología titulada En el brocal del pozo reúne la esencia de la poesía de Juana Castro, cuya trayectoria comenzó en el año 1978. Su obra ocupa un lugar indiscutible en la poesía española donde lo femenino afecta tangencialmente todo su recorrido como escritora. La conciencia feminista es mostrada con metáforas de una exquisitez insólita. Durante más de treinta años Juana Castro ha frecuentado un solo tema modulándolo a gusto del tiempo en que fue escrito: la experiencia de ser mujer desde diversas perspectivas y simbolizaciones siempre contraviniendo la cultura patriarcal. En ese territorio es única, de ahí que su poesía sea objeto de estudio en prestigiosas universidades norteamericanas. El crítico John C. Wilcox ha escrito con acierto en un ensayo sobre su poesía que la autora nos ofrece la intrahistoria de la mujer analfabeta de finales del s. XIX y principios del XX. En la fusión entre lo histórico y lo biológico la mujer siente menos pudor en acercarse a un yo que se mira muy de cerca y no precisamente para que el espejo le devuelva una imagen aumentada de su perplejidad. Los temas recurrentes de la poesía de Juana Castro son la vida rural, el amor como fuente de placer, la idealización de cuerpos femeninos, la pérdida de seres queridos como la de su hijo, la enfermedad del Alzheimer de sus padres y la lucha de la mujer contra la sociedad patriarcal. La selección de poemas que componen esta antología de carácter retrospectivo fue realizada por Concha García y la propia autora en los últimos meses de 2022.
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Silencio cuenta la historia de Águeda, una joven que llora la muerte de su madre, una suicida que sólo en la muerte encontró un camino para huir de la violencia de su marido. Cuando le niegan una tumba en el cementerio del pueblo, el cuerpo de la madre desaparece. Águeda sabe que su padre lo esconde, pero al desafiarlo, este decide castigar su atrevimiento con el encierro. Purgando su condena en una casa, la joven vivirá entre esas paredes como en un segundo vientre materno que la transformará. A través de los muros sentirá el mundo, las aves y las historias que le cuentan, conocerá el amor y la belleza, se dará cuenta de que, en esa sierra donde el crimen organizado manda, muchos son los que, como ella, lloran a sus muertos y buscan a sus desaparecidos.
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Montserrat. Llegendari, cançons, odes
Montserrat (1899) és un dels darrers volums de poesia de Jacint Verdaguer. Dividit en tres seccions -Llegendari, cançons, odes-, inclou dos reculls poètics anteriors -Cançons de Montserrat i Llegenda de Montserrat- que l'autor havia publicat l'any 1880, en ocasió del Mil·lenari montserratí, i disset composicions -entre elles, totes les odes- que no figuraven en aquells reculls. Poc abans de morir, Verdaguer revisà el volum i en preparà una «nova edició», que aparegué el juliol de 1902. Aquesta darrera i definitiva edició és la que reproduïm, normalitzada ortogràficament i presentada en un sol volum, respectant així la voluntat del poeta.
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Compartimos moléculas y virus, nos derrota la muerte, y la espantamos con abrazos, susurros y miradas, un puñado de síntomas que llamamos amor, para entendernos. Inabarcable, incomprensiblemente hermanos, a pesar de que es fácil odiarse en todos los idiomas, de que ahora no sabríamos cómo estar juntos. Pensando en vosotros, en todos, alzo este privilegio, un vaso de agua potable. No sé cómo hacérosla llegar en esta hora de cerrar mi jornada. Fragmento de ''Abierto 24 h'' Arturo Tendero nació en Albacete en 1961 y reside en Chinchilla. Estudió Periodismo y Teatro y durante más de treinta años ha sido profesor de Educación Física. Como poeta ha publicado Una senda de aldeas cotidianas (Diputación de Albacete, 1991), Las aves sin dueño (La Siesta del Lobo, 2000), Adelántate a toda despedida (Pre-Textos, 2005), La memoria del visionario (Visor, 2006), Cosas que apenas pasan (Hiperión, 2008), Alguien queda (Renacimiento, 2013), El otro ser (Isla de Siltolá, 2018) y El principio del vuelo (Páramo, 2022). En este género ha obtenido, entre otros galardones y reconocimientos, los premios Jaén, Gerardo Diego, Manuel Alcántara y José Agustín Goytisolo. Aparte ha publicado libros de relatos, de artículos periodísticos, de viajes y ha estrenado varias obras teatrales. Ejerce la crítica literaria en InfoLibre, La Tribuna de Albacete y el blog El mundanal ruido. Cofundó con Juanjo Jiménez la revista La Siesta del Lobo, de la que han aparecido veinte números y que ha publicado también medio centenar de libros. Desde 2001 organiza las jornadas Poesía Viva, ahora en las primaveras de Albacete.
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El propósito ciego reúne toda la obra poética del escritor y poeta duranguense José Revueltas que se encontraba dispersa o inédita (la mayoría en Las cenizas, onceavo volumen de la Obras completas que prepararon Andrea Revueltas y Philippe Cheron). La treintena de poemas que nos presenta José Manuel Mateo nos permite conocer a un Revueltas poco conocido y estudiado, un Revueltas que se arriesga a combinar distintos metros, a poner en contacto la estrofa con el párrafo y a realizar una reflexión y diálogo con la conciencia, todo a fin de trazar una de las preocupaciones centrales del pensamiento revueltiano: la trágica tendencia a buscar un sentido para la existencia del hombre.
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El haiku, tal como lo entiende la tradición japonesa, es una forma de adoración de «lo sagrado», que se manifiesta incesantemente, y nos provoca ese asombro cuya naturaleza mística se desentraña en estas páginas. Mediante el cultivo del arte poético del haiku iniciamos una vía de contemplación en la Naturaleza y hacia la Naturaleza. No se trata de mirar intensamente ningún objeto, sino de «estar». El mundo es una realidad efervescente que nos ofrece la posibilidad de vibrar con ella, de ser parte del cambio, de la transformación del Todo, de la vida que nos circunda y late en nosotros. Y es esencial comprender que esta contemplación no es la contemplación de un «yo» huérfano y abandonado. Si hay algo que nos enseña el haiku es que no estamos desamparados en este mundo, porque también nosotros somos parte del misterio.
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Diari del captaire
Diari del captaire (1955) és un retrat de la ciutat de París, una adaptació literària de les vivències i peripècies de l’,autor a la capital francesa durant l’,època que hi va viure gràcies a una beca d’,estudi que compartí amb Maria Aurèlia Capmany. Joan Barat, tal com explica a la introducció del llibre, associava la seva idea d’,escriptor amb la de captaire: “,Tot en la vida de l’,home que capta és provisional. Però també més ric en la diversitat. Si la seva manera d’,allargar la mà és ben humana i convincent, és força probable que no torni de buit a la pols dels camins. Avui, que és tan fàcil obtenir una «certa felicitat» o «notorietat» amb diners, afalacs o, simplement, furtant, la inconformista actitud del bon captaire és tot un símbol. No totes les almoines tenen el mateix valor. S’,han de saber acceptar, escollir i aprofitar.”, Aquest diari, doncs, explica els records i experiències copsades per aquest captaire que rondava per París i que avui, amb aquesta edició, recuperem per tornar-les a viure.
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Els poemes de Collins ens revelen allò que tenen d'extraordinari els petits moments banals i quotidians. Al llarg del llibre acompanyem el poeta a passejar un gos d'edat impossible, a prendre un te tot divagant sobre les màximes confucianes, a fer la llista de la compra amb la llista dels amics morts, a descobrir una aranya irlandesa o fins i tot a assistir al seu propi funeral. Com ja ens té acostumats, totes les epifanies i reflexions són plenes d'humor, enginy i saviesa i travessades d'una profunda consciència de la fugacitat i de la inevitable finitud de la vida.
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Poemario de la autora Aurora Gámez.Ondinas por la cinta de Möebius es un deslumbramiento, un canto al milagro que nos rodea, un viaje por paisajes mediterráneos o sierras insólitas y excepcionales como las Alpujarras o las sierras de Málaga o de las Nieves, donde habita la manzanilla junto al espliego, la amapola roja o los blancos arrayanes. Pero, también, es exaltación de la vida, del tiempo vivido y de la necesidad de retornar a los lugares antiguos de la infancia, para atrapar el instante infinito que habita en ellos, detenerlo y recuperar la llama que pervive en el corazón de sus ascuas: Sobrevivimos / al filo de los sueños / constituidos, versos de la autora que dialogan con aquellos otros de William Shakespeare, en boca de Próspero en el Epílogo de La Tempestad: Estamos hechos de la misma materia que los sueños y nuestra breve vida cierra su círculo con otro sueño.Acompaña al mensaje poético troncal una abisal reflexión acerca de la existencia y el paso del tiempo, sobre el misterio que se oculta en la materia (somos cenizas / y los mismos de siempre), una intensa indagación acerca de nuestra fugacidad y la sorpresa de nuestra insignificancia ante la magnificencia de las leyes que marcan el cosmos.
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Toda la obra reunida de un poeta imprescindible.«El descubrimiento de Miguel Casado me reconcilió de alguna manera con la poesía de mi propia generación.» Roberto Bolaño«Un meticuloso observador, que registra lo que contempla y no lo transforma, sino que lo desnuda.» Juan Antonio Masoliver, La Vanguardia«Miguel Casado representa esta corriente de afinación perceptiva y depuración formal, lo que le lleva a renunciar, en sus libros de madurez, a los chisporroteos metafóricos y a la evidencia rítmica.» Ángel Luis Prieto de Paula, Las moradas del verbo En un mundo saturado de discursos, donde los límites de lo virtual no son precisos, cunde la sensación de que la realidad se nos escapa, nos falta, y los días parecen discurrir en el seno de su carencia: el deseo de realidad es energía que aspira a poner la vida en tensión. Este volumen, Deseo de realidad, que reúne la obra poética de Miguel Casado desde 1986, recoge un proceso guiado por ese impulso, y también por un sentimiento de la lengua que trata de alcanzar -en un ver que es a la vez un pensar-lo concreto, lo particular, lo que está ahí. Los poemas de Miguel Casado fluyen como una conversación solitaria, persiguiendo en ese trance un sentido nuevo tan personal como político, un núcleo existencial. La palabra directa, las formas abiertas, el verso libre y el diverso montaje de cada uno de los libros (de la secuencia narrativa a la exploración del azar, del monólogo digresivo al mosaico sin estructura) componen, siempre en movimiento, una voz poética singular. Trazada con lentitud, al ritmo de su lógica interna, la poesía de Miguel Casado ofrece un mundo inconfundible, de una escritura firme y sin concesiones.
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Irene G. cierra algunas de sus heridas con este nuevo poemario, sin dejar de ser mujer rota que nada en su propia sangre templada, enfrentándose al duelo del abandono, de la pérdida, del descenso a las profundidades de la soledad, con la sed de una mujer que anhela matar el miedo, y una nueva vida hecha de pedacitos de vida. Con la experiencia de una poeta con oficio, la autora logra a través de su escritura sumergirse más y más hacia los fondos marinos, y conducir a quien lee entre las algas, dejándole la angustia propia de la falta de respiración, del silencio de las aguas. Sin embargo, deja un atisbo de luz hacia la superficie, porque la felicidad es una niña sin nombre, y la inquietud de las mariposas puede llegar a buscar refugio en las costillas de quien ha luchado con los puños y los dientes apretados. Las heridas de Irene G. escuecen por su crudeza, pero están hechas del mismo material que las de nuestras ausencias y nuestros fracasos. Por eso, nos invita a intuir el precipicio, a volar de memoria, a mirar a las flores para entender el amor y a esperar en la orilla para renacer con la siguiente ola. No habrá forma de resistirse a adentrarse en su mar.
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El temps se me'n va
L'autor es val d'un tema tan recurrent com és el pas del temps, però aquesta vegada s'arrisca a tirar endavant un projecte que ha guardat durant anys en el seu interior. És habitual que Raimond expressi el mateix missatge en els seus poemes, és a dir, sovint parla de les fites que ha aconseguit al llarg de la vida, malgrat que gairebé totes a destemps, però no pas en El temps se me'n va. Així doncs, El temps se me'n va és un recorregut vital del temps, però també, l'apèndix o l'epíleg que s'endinsa en aquell temps que hi haurà quan haguem esgotat el temps. En aquell punt caldrà preguntar-nos com serà el temps, quan el temps se n'hagi anat?
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Hacerse el muerto es una expedición topográfica por los pliegues de la propia conciencia ùla memoria, la decepción, el fracaso, la resiliencia, la esperanzaù pero también, y sobre todo, una indagación acerca de la capacidad de la poesía para erigirse como andamiaje o estructura posible de sentido.
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La elegía, cuando se sostiene en la verdad poética, pertenece al género del canto, no cabe en ella la vana queja, sino el lamento pronunciado desde el vuelo del amor desposeído. Estas odas de invierno de David Pujante son eso, un canto de amor a la vida desde una conciencia crepuscular: un homenaje y una herida abierta, palabras apasionadas. (Vicente Gallego)
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Escrita en la primavera de 1938 y estrenada en el Abbey Theatre de Dublín en agosto del mismo año, Purgatorio fue la última pieza teatral que Yeats vio representada en vida. Como gran parte de su producción dramática, estamos ante una obra escueta y minimalista, en la que los valores del simbolismo se combinan con el influjo del teatro No japonés y barruntos del teatro del absurdo. Purgatorio tiene mucho de testamento, pero es también una muestra de la vitalidad de su autor, capaz de volver una y otra vez sobre sus obsesiones y darles forma: deseo y violencia, culpa y anhelo de redención, el peso de la herencia familiar, la sombra del desarraigo y la orfandad connatural del hombre. El resultado es una obra en la que el aliento visionario del gran poeta irlandés convive con una lucidez descarnada -y desolada- en la que no es difícil ver un anuncio del mejor Beckett.
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Selección de la poesía de Miguel Hernández llevada a cabo por Juan José Téllez.Andalucía ha adoptado desde antiguo a Miguel Hernández y esta antología de su obra intenta centrar su poesía en el rastro andaluz que se percibe en ella. Desde la sombra de Luis de Góngora a la de Federico García Lorca, pasando por Vicente Aleixandre y por otros andaluces que le marcaron, como fue el caso de María Zambrano, Rafael Alberti o María Teresa León.Su breve estancia en el frente de Jaén, su intento de huida a Portugal a través de Sevilla, Cádiz o Huelva y el inicio de su largo viacrucis literario están presentes en sus versos. Y en esta selección.
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En su intento por plasmar en palabras su mundo propio, José Luis Puerto recurre a la inocencia para lograrlo, consciente de que solo ahondando en ella es posible transitar en un mundo tan materialista y pragmático como el actual. ''Hay una íntima, indisoluble correlación entre inocencia y universalidad. Solo el hombre dotado de un corazón inocente podría habitar el universo'', escribió María Zambrano. Y este ''Ritual de la inocencia'' se convierte en una guía humanizadora e iluminadora que pretende la salvación mediante la palabra.
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El cierre de la Autobiografía en construcción de una Deborah Levy que logra su habitación propia. Deborah Levy imagina una casa en una latitud cálida, cerca de un lago o de un mar. Allí hay una chimenea y un mayordomo que atiende sus deseos, hasta el de discutir. Pero Levy en realidad está en Londres, no tiene dinero para construir el hogar que imagina, su apartamento es minúsculo y lo más parecido a un jardín en su casa es un banano al que entrega los cuidados que sus hijas ya no necesitan. La menor ha abandonado el nido, y Levy, a sus cincuenta y nueve años, está lista para afrontar una nueva etapa en su vida. Así, nos lleva desde Nueva York a Bombay, pasando por París y Berlín, mientras teje una estimulante y audaz reflexión sobre el significado del hogar y de los espectros que lo acechan. Entretejiendo el pasado y el presente, lo personal y lo político, y convocando a Marguerite Duras, Elena Ferrante, Georgia O#Keeffe o Céline Schiamma, la autora indaga en el significado de la feminidad y de la propiedad. A través de sus recuerdos hace inventario de sus posesiones reales e imaginarias y cuestiona nuestra forma de entender el valor de la vida intelectual y cotidiana de la mujer. Después de Cosas que no quiero saber y El coste de vivir, esta obra es la culminación de una autobiografía escrita en el fragor de una vida que no está solamente protagonizada por Levy, sino por todas las mujeres que la sostienen con una red invisible. Reseñas: «La voz imprevisible, tierna, incisiva, entristecida y entusiasta de la Levy biógrafa ofrece un festín literario.»Gonzalo Torné El Cultural «Por supuesto, Levy es feminista, su autobiografía desvela no solo una postura como mujer, también esa visión impregna otros temas como la migración, el imperialismo, el racismo o el amor. Estos textos según Levy tenían que narrar dos aspectos que nunca coexisten: el poder de los hombres y la vulnerabilidad que se permite la mujer al escribir.» Ariana Basciani, The Objective Sobre Cosas que no quiero saber: «Una narración vivaz y brillante sobre cómo los detalles más inocentes de la vida personal de una escritora pueden alcanzar el poder en la ficción.»The New York Times Book Review «Un relato vívido y sorprendente de la vida de la escritora, que feminiza y personaliza las contundentes a afirmaciones de Orwell.»The Spectator Sobre El coste de vivir: «Derrocha en el segundo tomo de su autobiografía tanto hallazgos expresivos como verdades acendradas [...] en un tapiz algo descosido que sin embargo se lee con delectación y donde rubrica sobre todo el regreso a los planteamientos de Simone de Beauvoir en El segundo sexo, esto es, vuelve a admitir la dificultad desquiciante de conjugar pareja, maternidad e independencia intelectual.»El Periódico «El coste de vivir es el precio que debe pagar una mujer para desmontar un hogar en el que ya no se siente como en casa. Para Levy, este acto radical da inicio a la búsqueda de una nueva vida que resulta inseparable de la búsqueda de una nueva narrativa.»The Times
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Aunque el cenit de la literatura polaca suele estar asociado a sus grandes autores románticos, ya en el siglo XVI Jan Kochanowski (1530-1584) había elevado al más alto nivel literario la lengua del país. Y es que, verdadero humanista y hombre del Renacimiento, Kochanowski desplegó a lo largo de toda su obra una abrumadora erudición filológica, filosófica e histórica que supo combinar perfectamente con una sutilísima expresividad artística. Entre toda su producción, los ''Trenos'' (1580), un delicado conjunto de elegías dedicado a su hija Úrsula, muerta con solo dos años y medio, brillan con especial intensidad, y es que no habrá en toda la literatura polaca otras voces o sensibilidades que puedan equipararse a su ingenio, calidad expresiva y maestría compositiva hasta que Adam Mickiewicz, ya en el XIX, haga su aparición.
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SARGENTO. ¿Tú eres aquél que durante la dominación roja incitabas a la gente, en los mítines, a destruir iglesias, a quemar sacerdotes, a sacar los ojos a los guardias civiles, a profanar imágenes, etc. etc.? JOSÉ LUIS.Sí, yo soy aquel que hablaba en los mítines, pero que no decía nada de eso, sino que había que ganar la guerra para que el pobre tuviera pan, el trabajador, trabajo, el campesino, tierra, el pueblo, libertad y cultura. (César M. Arconada, 1.º de Mayo en España, acto tercero) César Muñoz Arconada (Astudillo, Palencia, 5 de diciembre de 1898-Moscú, 10 de marzo de 1964), vinculado inicialmente a las vanguardias deshumanizadas de los años veinte, se convirtió desde 1931 en un escritor comunista militante. Autor antes de la guerra civil de novelas de títulos tan expresivos de la lucha de clases como Los pobres contra los ricos (1933) o Reparto de tierras (1934), de libros de poemas (Vivimos en una noche oscura, 1936) y de obras de teatro (Tres farsas para títeres, 1936), durante la guerra civil publicó Romances de la guerra (1937) y escribió la novela Río Tajo, Premio Nacional de Literatura 1938 en la zona republicana, que no llegó a editarse. Atravesó enfermo la frontera francesa a finales de enero de 1939 y estuvo internado en los campos de concentración de Argelès y Saint Cyprien. Liberado gracias a la solidaridad del escritor francés Louis Aragon, en mayo de 1939 pudo exiliarse en la Unión Soviética. Instalado definitivamente en Moscú, colaboró en revistas como La Literatura Internacional, de la que en 1943 fue nombrado redactor-jefe, y publicó ensayos, libros de cuentos (España es invencible, Cuentos de Madrid) y obras de teatro como la ópera antifascista Nueva Carmen (1944). Fiel al dogma estético estaliniano, practicó en la mayoría de sus obras un riguroso realismo socialista, insólito en la literatura de nuestro exilio republicano de 1939. Un realismo socialista del que constituye un buen ejemplo este 1.º de Mayo en España, obra dramática inédita hasta hoy.
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Restauración, publicada en 1991, abre el Teatro reunido de Eduardo Mendoza. A la inolvidable Mallenca de Restauración, que vive apartada de la ciudad y que una noche recibe tres inesperadas visitas, se unen en este volumen los pers
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Fernando Pessoa, san Juan de la Cruz, Federico GarcíaLorca, Leopoldo Mª Panero, Omar Jayyam y Matsuo Basho son los seis poetas elegidos aquí, pero podían haber sido otros. Igualmente podían no haber estado sobrela luna sino sobre la nieve, en la orilla de un ríoe incluso enterrados junto a mi corazón.Nadade esto importa.Lo que quiero decir es que através de estos poetas comprendí que la soledad de laluna no era mi soledad sino que era la soledad de todos los hombres, y que la poesía, justamente por serlo más profundo de cada uno de nosotros, es algo queno nos pertenece.No sé bien lo que es ser poeta. Si soy poeta no lo soy por decisión propia. Simplemente voy de metáfora en metáfora sin encontrarme nunca.Lo único que sí sé es que a veces una luzterrible y hermosa nos ilumina.
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«Lem. Una vida que no es de este mundo» es la aclamada biografía del escritor polaco de ciencia ficción Stanislaw Lem, uno de los grandes talentos literarios del siglo XX. Considerado un filósofo en Alemania, un científico en Rusia y un escritor de libros para niños en su patria, Polonia, Lem fue, sobre todo, un hombre que se apegó al espíritu de su tiempo. El periodista Wojciech Orlinski se sirve de fuentes inéditas, muchas de ellas familiares, de anécdotas y de datos nunca revelados, para desgranar una memoria íntima que es también la memoria de una época. Seremos testigos, así, del devenir de un creador radical en medio de una era de totalitarismos, de un siglo de plomo. ¿Cómo sobrevivió Lem al Holocausto? ¿Qué opinaba sobre el comunismo? ¿De qué trataba en realidad su magistral Solaris y por qué Andrzej Wajda no llegó a encargarse de su adaptación al cine? ¿Qué fue lo que truncó su amistad con Philip K.Dick y provocó que este último lo denunciara ante el FBI? ¿Dónde y cuándo probó Lem las drogas y cuál fue su experiencia?
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«Zoo» narra los encuentros entre un escritor ''alter
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Aunque nadie piensa en Rafael de León como uno de los poetas más influyentes de la poesía española del siglo XX, lo cierto es que muchos especialistas no dudan en adscribirlo por derecho propio a la Generación del 27 como autor de una obra poética significativa y escrita a conciencia. Aunque mundialmente conocido por su inigualable aportación a la copla, sus libros ''Pena y alegría del amor'' (1958) y ''Profecía'' (1964) testimoniaron la voz de un hombre que supo entrelazar la tradición con la innovación, creando un estilo único que ha dejado una huella imborrable en la identidad cultural española. En colaboración con compositores como Manuel Quiroga y Antonio Quintero, Rafael de León creó algunas de las coplas más icónicas de la música española, interpretadas por artistas legendarios como Concha Piquer, Juanita Reina y Lola Flores. Entre sus composiciones más famosas se encuentran ''Ojos verdes'', ''Tatuaje'', ''Y sin embargo te quiero'' y ''La bien pagá''. Estas canciones destacaron por la profundidad lírica y la capacidad de León para capturar las emociones y las historias del pueblo español. Importantes nombres de las nuevas generaciones de críticos culturales como Jesús Pascual lo reivindican en la actualidad como uno de los creadores más interesantes y complejos de las letras hispanas que -eclipsado por sus éxitos en el mundo del espectáculo- no llegó a tener el reconocimiento literario que se merece. Este volumen recoge los dos libros de poesía completos que publicó en vida, y queda enriquecido por un apéndice fotográfico que hace un recorrido por algunos momentos de su vida y de su esfera más personal, ofreciendo a los lectores una poesía asombrosamente vigente, lúcida y de impecable oficio.
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Torcuato Tasso (1554-1595) es una de las figuras señeras del Renacimiento europeo y, probablemente, el poeta más grande que ha dado nunca la lengua italiana. Si bien debe su mayor celebridad a ser el autor de la Jerusalén liberada, una de las cimas de la poesía épica occidental, fue, y no en menor medida, un extraordinario poeta lírico y dramático. Ejemplo de esto último son la Aminta (el drama pastoril más bello del Renacimiento) o El rey Torrismondo, una tragedia singular. Muy admirado por escritores de la talla de Milton, Goethe, Byron o Leopardi, Tasso publicó sus Poemas etéreos en un momento especialmente dulce de su vida. Era un joven poeta que había escrito ya, y publicado con éxito, un poema épico de la envergadura del Rinaldo, ante el que se abrían grandes expectativas en la carrera cortesana, y que estaba profundamente enamorado. Aunque con posterioridad sometió estas composiciones a una revisión más o menos profunda según los casos, resulta innegable que en ellas ya se muestra todo el genio de Torquato Tasso, la innegable singularidad de su estilo, y el maravilloso poder y la modernidad de su palabra.
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Al regresar de su primer viaje a los Estados Unidos, Italo Calvino decidió reelaborar el diario y la correspondencia que mantuvo con sus amigos durante aquellos meses tan señalados. ''A mi partida hacia los Estados Unidos me prometí que no escribiría un libro sobre América. Sin embargo, cambié de idea. Los libros de viaje son un modo útil, modesto y completo de hacer literatura.
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La primera biografía autorizada de Carmen Balcells, la agente literaria que revolucionó el panorama editorial en español. Carmen Balcells fue mucho más que una agente, fue un mito. Una combinación afortunada de talento, inteligencia y ambición la convirtió en un referente internacional de la literatura en lengua española. Para escribir su biografía, Carme Riera, que la trató durante casi cuarenta años, ha tenido acceso al archivo de la agencia y ha entrevistado a familiares, amigos, autores, editores y agentes. El resultado es el brillante retrato de una figura querida y temida, poderosa y polémica, que reunió un catálogo asombroso de autores y ocupa un lugar esencial en la cultura hispánica de los últimos setenta años. Reseñas: «El legado de Balcells no es menos importante que el que deja un gran escritor, pintor o músico».MARIO VARGAS LLOSA «Carmen Balcells es un emperador romano».GONZALO SUÁREZ «Tener a Balcells era viajar siempre en primera».EDUARDO MENDOZA «Con Balcells ganó siempre la literatura».MIQUEL DE PALOL
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La mejor manera de conocer a Sontag es leerla. La selección definitiva de su obra Este volumen reúne la obra imprescindible de una de las escritoras e intelectuales más trascendentales de la segunda mitad siglo XX. El crítico cultural e historiador David Rieff, hijo de la autora, ha antologado los escritos que conforman este libro basado, entre otros criterios, en lo que la propia Susan Sontag consideraba su obra más perdurable, así como en el eco que podrían suscitar algunos de ellos entre los lectores de la tercera década del siglo XXI. Los estudios, ensayos, artículos, relatos y fragmentos de las novelas y de los diarios se conjugan en esta compilación para ofrecer el retrato más sólido y fidedigno de su ejemplar y controvertida trayectoria. Destaca la incorporación de «El Tercer Mundo de las mujeres», nunca antes recogido en libro. Escrito hace medio siglo, analiza situaciones sociales y políticas feministas de permanente relevancia. En esta edición se incluyen asimismo fragmentos inéditos de los diarios de Sontag, sobre el sitio de Sarajevo o sobre la gestación de sus últimas novelas, que arrojan nueva luz sobre su sensibilidad y pensamiento. La crítica ha dicho: «A diferencia de muchos escritores comprometidos políticamente, Sontag nunca se aferró a la seguridad de un sistema de pensamiento cerrado. Si se labró una reputación de pensadora antagónica fue porque respondió directamente a los acontecimientos históricos, los cuales rara vez se ajustan a los estereotipos ideológicos».John Gray «Podría afirmarse que desvió el caudal de su curso: sus islas de reflexión ya nos parecen actualmente el territorio sobre el que siempre hemos vivido».Hillary Mantel «¿Qué la hacía única? No se parecía a nadie. Nada de lo que se propusiese #ninguna idea# iba a ser bien recibida. Lanzaba esa crítica a la trituradora y lo valoraba todo de nuevo».Margaret Atwood «Nuestros héroes y heroínas son aquellos que lograron, desde Orwell hasta Camus y Solzhenitsyn, ser intelectuales y a la vez comprometidos. Cuando Milosevic adoptó el nacionalsocialismo a ultranza después de 1989, [Sontag] tuvo verdaderas agallas para irse a vivir bajo el bombardeo de Sarajevo y ayudar a organizar la resistencia civil bosnia».Christopher Hitchens «Se diría que Susan Sontag es como Oscar Wilde, a quien tanto admiraba: el mismo esteticismo, pero militante».Enrique Lynch, Babelia, El País «Alguna gente busca su seguridad aferrándose a su pasado. Susan parecía encontrarla corriendo hacia el futuro, pertrechada y parapetada con el potente armamento de sus ideas».Barbara Probst Solomon «#Esteta enamorada# y #moralista obsesiva#, tal y como se describía a sí misma, Sontag, consideraba la tarea cotidiana de pensar y sentir como aspectos de una dialéctica continua. Al depurar esa sensibilidad mientras se ocupaba de los temas más controvertidos de su época, Sontag creo un corpus de un mérito ejemplar».The Boston Globe «Susan Sontag es uno de los críticos más valiosos e interesantes que tenemos, una escritora de la que es posible aprender continuamente.»Richard Gilman, The New Republic «Una escritora importante. Yo admiro de forma especial el modo en que convierte sueños y pensamientos en una historia real.»Hannah Arendt «Se diría que Susan Sontag es como Oscar Wilde, a quien tanto admiraba: el mismo esteticismo, pero militante.»Enrique Lynch, Babelia, El País «La prosa de Sontag es ágil, lúdica... Como siempre, aparecen ideas estimulantes en cada rincón.»The New York Times Book Review
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