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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Poemario del autor Carlos Emilio ZavalaPálida inestabilidad de nuestro tiempo surgió durante la pandemia como un retrato de la ciudad que dejamos de habitar y de las nuevas experiencias que surgieron a partir del confinamiento. Además de la vuelta a la normalidad con todas las circunstancias que esto conlleva como la violencia, la inseguridad y las vivencias del transporte público o la vida urbana. Amor, desamor, luto, política y cicatrices tienen espacio en este poemario.
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Último libro de Pedro Salinas (1891-1951) publicado en España en vida de su autor, Razón de amor aparece en 1936, el mismo año en que da comienzo el largo exilio americano del poeta. Dividido en dos partes, la primera de las cuales fluye como un largo poema, el poemario -cuyo título procede de un poema anónimo del siglo XIII que describe el encuentro de dos enamorados en un huerto florido- prolonga el tema de la separación de los amantes iniciado ya al final de La voz a ti debida, solo que aquí cobra un nuevo tono la voz del poeta, quien, por medio de la evocación, trata de exorcizar la ausencia de la amada. Como afirma Soledad Salinas de Marichal en la introducción del presente volumen, «se diría un diario íntimo y también una poesía de conjuros, dirigida a recordar, pero también a recobrar, el amor perdido para devolverlo a la realidad presente».
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Los días que no tienen nombre es un homenaje a la resiliencia del alma, una colección de poemas que capturan el vaivén de un milagro: ir del miedo hacia el amor. Es un testimonio de un viaje interno en donde cada poema es una ventana que da hacia esos días invisibles en los cuales el amor nos ha elevado hacia lo imposible y nos ha tirado después hasta sangrarnos las rodillas para encontrar así la inminente redención, el reconocimiento de las grietas, el reacomodo de los escombros para finalmente poder reconquistar a nuestro espejo y permitirnos regresar a nuestra propia esencia.
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Poemario ganador del Premio Internacional de Poesía Gerardo Diego, que patrocina el Gobierno de Cantabria, en su edición de 2024.
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¿Qué relación guarda Lope de Vega con la inteligencia artificial? ¿O el sobrepeso con la obra más emblemática de Velázquez? ¿Y qué papel juega el perro como animal de compañía en los tiempos que corren? Sergio Adillo ha sabido articular tres historias recurriendo a la entelequia irónica propia de las situaciones hilarantes. Inteligencia artificial para hacer comedias en este tiempo es una crítica a los generadores informáticos de contenido y su uso en la industria cultural, con las consecuencias que todos imaginamos, pero también una fotografía de los enfermos de alzhéimer, sin recurrir al dramatismo que entraña la enfermedad pero sí al drama propio de la representación escénica. Menina y gorda es una obra compleja con una única lectura. Sergio Adillo plantea, en la piel de una niña, la necesidad de que la sociedad vea más allá de los cuerpos normativos y acepte la pluralidad de físicos como modo de superar el acoso delirante que sufren aquellos que no tienen un cuerpo que sigue los estándares de la moda. Por último, Un tiempo de perros es un texto que recurre a la figura del perro como sujeto activo para presentar la evolución de las relaciones interpersonales y de nosotros con los animales.
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A recer de les paraules conté, en idees i sentiments, tot allò devastat i fosc (material de desfici i de residus amenaçadors, cicatrius, esquerdes...), que pot haver-hi a dins i a fora de nosaltres, procedent de les pèrdues vitals, i que malda per refer-se.Amb un to sincer, proper i esperançador, l'autora revela les lluites internes i les victòries silencioses. Estructurat el poemari en tres parts, la primera ''Cendra encesa'' recull runes i cendres, a fi de recuperar i recompondre, des d'una mirada renovada, allò salvable. La segona part ''Mirades sargides'' mobilitza a un viure reparador, amb el poder i la força de les paraules que ens hi acompanyen, la tercera part ''Renéixer de la cendra'' és ple d'al·lusions a reconstruir el camí cap a un nou recomençar inacabable.Y en euskera:''Hitzen aterpean'' liburuak ideietan eta sentimenduetan biltzen ditu gure barruan eta kanpoan suntsiturik eta ilun egon daitezkeen gauza guztiak (hondakin mehatxagarriak, orbainak, pitzadurak...), zein bizitzako galeretatik baitatoz, eta berreraikitzeko lehian ari baitira.Tonu zintzo, hurbil eta itxaropentsu batekin, egileak barne-borrokak eta garaipen isilak agerian uzten ditu. Poema-bildumak hiru zati ditu. Lehenengoak (''Errauts irazekia'') hondakinak eta errautsak biltzen ditu, gordetzea balio duena berreskuratu eta berreraiki ahal izateko, ikuspegi eraberritu batetik. Bigarren zatiak, (''Begirada sareztatuak'') bizitza eraberritzaile batera gonbidatzen gaitu, lagun egiten diguten hitzen indarrarekin. Hirugarren zatia (''Errautsetik birsortzea'') abiatze amaigabe berri baterako bidea berreraikitzeko aipamenez beterik dago.
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I les muntanyes deixaven el silenci escrit
En aquest llibre l'autora ha volgut fer un camí d'observació interna i externa de les vivències de discontinuïtat creativa. Totes elles s'expressen amb els versos i la mètrica que neixen en la tradició oriental.?...el haikú és l'art d'ajustar els sentits a la percepció de la realitat (...). Es un exercici sobre el minúscul, sobre l'ínfim, sobre l'inapreciable, i tots sabem que aquests segments del món, difícilment son visibles sense la porció necessària de calma espiritual (...). Quan es parla de la via del haikú en termes de camí ( o de ginko) ens estem referint precisament a reactivar els sentits esmussats per l'abassegador ritme de la nostra quotidianitat simple i banal. I és tot just des d'aquest impuls que Esperança Castell entra en l'univers del haikú.
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In 1603, James VI of Scotland ascended the English throne, becoming James I of England. London was alive with an interest in all things Scottish, and Shakespeare turned to Scottish history for material. He found a spectacle of violence and stories of traitors advised by witches and wizards, echoing James’s belief in a connection between treason and witchcraft.In depicting a man who murders to become king, Macbeth teases us with huge questions. Is Macbeth tempted by fate, or by his or his wife’s ambition? Why does their success turn to ashes?Like other plays, Macbeth speaks to each generation. Its story was once seen as that of a hero who commits an evil act and pays an enormous price. Recently, it has been applied to nations that overreach themselves and to modern alienation. The line is blurred between Macbeth’s evil and his opponents’ good, and there are new attitudes toward both witchcraft and gender.The edition includes:-Freshly edited text based on the best early printed version of the play-Newly revised explanatory notes conveniently placed on pages facing the text of the play-Scene-by-scene plot summaries-A key to the play’s famous lines and phrases-An introduction to reading Shakespeare’s language
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Lola crece en los años veinte del siglo pasado en una tejería de un pueblo de Lleida. Es la mayor de seis hermanos y desde muy pequeña se siente llamada a ayudar a su padre en el tejar, primero llevando la contabilidad, luego aprendiendo a transportar el material con el carro y las mulas, y más tarde con el camión. Pero la gente no ve con buenos ojos que se convierta en camionera, porque considera que no es trabajo de mujeres. ¿Hasta dónde será capaz de llegar Lola para salvar la tejería? ¿Qué precio tendrá que pagar para ponerse al frente del negocio familiar y conducir el camión? La novela indaga en el concepto de familia, en la dureza del paso a la edad adulta y en su capacidad de soportar la presión social. Y la prosa -a menudo poética- fluye entre ladrillos, campos, caminos y un viaje en camión a Barcelona, mientras conocemos a la protagonista narradora y la acompañamos en su crecimiento, en su reto vital y en su anhelo de libertad. Esta es la historia de Lola, la primera mujer camionera de Cataluña, y un tributo a las mujeres pioneras en la lucha por la igualdad. El mundo del tejar era redondo, cuanto acontecía empezaba y acababa allí mismo. Cada paso, cada movimiento de los que vivíamos allí tenía que ver con las tejas, los ladrillos, la arcilla, el terraplén, el carro y la leña que terminaba en el horno. El horno, que funcionaba día y noche todos los días del año, siempre, y la chimenea echando su humareda, muy arriba, hacia el firmamento. Era tan alta que los días de niebla no se veía el final.
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En El becario de Sevilla, Alex Lima aúna la poesía, el relato y los libros de viaje. Se trata de un romance (bildungsroman) poético testimonial de una generación juvenil que, como todas, se halla en estado de fuga, es decir, diciéndole adiós a la juventud misma y, por qué no recordarlo aquí, a su divino tesoro, único que en verdad llegamos a poseer, si cabe hablar así, porque lo demás es desengaño. Se trata de una generación de muchachos en el estadio existencial de, como reza este libro de Lima, desde su primer poema, entrar al espacio de la (auto)conciencia propia y, si la cognición individual lo permite, del mundo circundante y sus circunstancias.Tanto más claro queda la centralidad de este tópico a través del relato de estos 20 poemas —más las versiones en inglés, o viceversa— si se atiende a la noticia que trae el último de ellos, titulado con un dejo de nostalgia «Despedida estival», y que hace un guiño escolástico al memento mori de fondo de toda fiesta con su música y todo: no por nada se trata de una banda de estudiantes, «aprendices de la vida» y de algunas letras y números a la manera universitaria —de allí los ires y venires de becarios entre Estados Unidos y España en la trama de este poemario—, de jóvenes dejando de serlo y en disolución/desintegración por cambio de época de cada uno de ellos y del grupo en su conjunto, como le sucede a toda generación en todo su esplendor.
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El tiempo, la montaña, el torrente: en este libro la vida está como en suspenso, insegura de su línea de flotación. Todo está sujeto a la deriva, a la incertidumbre en la certeza misma del fluir. La vida pugna por asimilarlo, como las páginas que pasamos y que no estamos seguros de que formen un todo inteligible. La experiencia del exilio, de los «no lugares», del perpetuo desplazamiento íntimo, se combina con la del tiempo inasible. ''Flota el tiempo'' es una ocasión para meditar, a través de la poesía alimentada por una larga tradición y la extrema sobriedad de su lenguaje, sobre ese desdoblamiento del alma humana que es tal vez una dispersión, o en todo caso un riesgo necesario, donde la vida se encuentra a sí misma porque se pierde.
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Decimal blanco (Décimale blanche), publicado en 1967 por la prestigiosa editorial Mercure de France, fue el primer libro del longevo poeta, ensayista y memorialista Jean Daive (Bon-Secours, Bélgica, 1941). Un texto exigente y sin concesiones, que remite a la larga estirpe de experimentación verbal, gráfica y sintáctica abierta por Mallarmé, y que de inmediato llamará la atención de críticos y lectores, tanto en Francia como en Alemania y Estados Unidos. El libro, sin embargo, estuvo a punto de no ver la luz. Con las incertidumbres propias del poeta que comienza, Daive se resistía a publicarlo, sería uno de sus interlocutores más célebres, el poeta rumano Paul Celan —tal vez el mayor renovador de la lírica europea del siglo XX—, quien le animaría a hacerlo. Leyendo estos poemas, en la magnífica traducción de los poetas Rafael Antúnez y Juan Antonio Bernier, no es difícil entender la afinidad que Celan sintió con Daive: una poesía que reduce al mínimo sus elementos, que transforma la sonoridad en materia del poema y se acerca a la experiencia mística, de borrado personal, para abrirse a algo más a través del lenguaje.
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¿Cómo actuamos cuando somos testigos del dolor, de la injusticia y de la miseria? ¿Cuál es el coste de comprometerse? Los personajes de estos cuentos son jóvenes, niños, ancianos, incluso fantasmas, pero todos parecen hacerse esas preguntas. Con un prosa increíblemente pulida y bella, este libro retrata las paradojas de la intimidad, las maneras en que las personas se cuidan unas a otras, las escenas familiares que perduran durante décadas en la memoria y también las formas en que, a veces, nos abandonamos y nos herimos incluso sin querer. A Brinkley se lo ha comparado con Alice Munro y John Cheever, y muchos lo consideran el mejor cuentista de su generación. Cada uno de estos diez relatos funciona como una novela condensada y presenta un universo complejo que resuena en la mente del lector mucho después de haberlo terminado. Testigo es un libro contundente que refleja la condición humana con todas sus contradicciones: la ternura en medio de la tragedia, la inocencia frente a lo incomprensible, los intentos —a veces fallidos— de acercarnos pese al trauma y al dolor.
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Belleza que yo he visto ¡no te borres nunca! La ideología de la poesía española en los siglos XX y XXI, reúne una serie de trabajos, que, partiendo de la relación inherente entre poesía, ideología e historia, se centran fundamentalmente en tres núcleos de estudio de la poesía española contemporánea: el análisis de la cuestión teórica e histórico-literaria de la poesía desde una perspectiva ideológica y textual, el análisis de las relaciones entre la poesía y los discursos históricos como correlación de series, el estudio de la formalización del canon poético como elemento de construcción de la historia literaria y de las diversas estrategias de poder, así como de los modelos críticos que estas sustentan. Teniendo presentes esas premisas, los estudios aquí reunidos indagan en distintos aspectos de la poesía de Ángel González, Francisca Aguirre, Antonio Gamoneda, Antonio Gala, Manuel Mantero, Jesús Hilario Tundidor, Luis Antonio de Villena, Francisco Ruiz Noguera, Manuel Vilas o Azahara Palomeque, a la vez que se realiza un balance de La otra sentimentalidad a cuarenta años de su presentación pública, se estudian las cartografías poéticas en las poetas de posguerra o la aportación de Jaime Gil de Biedma y José María Castellet a la construcción de una posmodernidad sin memoria. Este volumen avanza en los logros consignados en La poesía como documento histórico. Poesía e ideología en la España contemporánea (Renacimiento, 2018), La llama y la flecha. Ideología y documento histórico en la poesía española contemporánea (Renacimiento, 2019), Quimera y derrota. Canon, ideología e identidad en la poesía española contemporánea (Renacimiento, 2022) y La esperanza entre cenizas. Compromiso, identidad y texto en la poesía española de los siglos XX y XXI (Renacimiento, 2023). J. J. L. y N. V. F. Juan José Lanz es catedrático de Literatura Española en la UPV/EHU y especialista en Literatura Española Contemporánea e investiga fundamentalmente en poesía española de los siglos XX y XXI y sus relaciones con la cultura y la sociedad. Algunos de sus libros más recientes son: La poesía española durante la Transición y la generación de la democracia, Páginas del 68. Revistas poéticas juveniles, 1962-1977, Alas de cadenas. Estudios sobre Blas de Otero, Las palabras gastadas. Poesía y poetas del medio siglo, Conocimiento y comunicación. Textos para una polémica poética en el medio siglo (1950-1963), Nuevos y novísimos poetas. En la estela del 68, La Musa Metafísica. Estudios sobre la poesía de Guillermo Carnero, Juan Ramón Jiménez y el legado de la Modernidad y Poesía, ideología e historia. (Siglos XX y XXI). Ha preparado la edición de obras de Juan Ramón Jiménez, Miguel Mihura, Rafael Ballesteros, Félix Grande, Diego Jesús Jiménez, Agustín Delgado y Luis Alberto de Cuenca. Natalia Vara Ferrero es profesora titular de Teoría de la Literatura en la UPV/EHU. Sus líneas de investigación se han centrado en tendencias teóricas actuales y en la narrativa, el ensayo y la poesía españolas contemporáneas, líneas que atraviesan diversos artículos y capítulos de libros en revistas y editoriales nacionales e internacionales. Algunas de sus publicaciones se han ocupado del análisis y edición de obras de Pedro Salinas (Víspera del gozo y otros textos del Arte Nuevo, Defensa del estudiante y la universidad, Dos prosas inéditas [entre la ironía y la sátira], El desnudo impecable y otras narraciones). Asimismo, es autora de Conocimiento y humanismo en la narrativa de Pedro Salinas y El hombre en la orilla. Ensayos sobre la multiplicidad de Pedro Salinas.
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No resideixo, visc
Rose Ausländer (Czernowitz, Bucovina, 1901 ? Düsseldorf, 1988) és una de les veus més escruixidores però també més lluminoses de l'Europa del segle XX. Forma part de la tradició jueva nascuda de la diàspora i és un testimoni de la barbàrie i l'holocaust. L'escriptura és una recerca de la identitat per aquesta dona, víctima d'exilis, que va viure quatre anys al gueto de Czernowitz. Escriure li donava força per continuar viva entre la pèrdua múltiple de pàtria, llengua, identitat i família. La seva obra consta de cap a tres mil poemes, que tracten sobre la pàtria, la infantesa i la joventut, el judaisme, la Xoà, l'exili, la llengua com a vehicle d'expressió poètica, com a ofici i com a pàtria, i, finalment, sobre l'amor, sobre la vellesa i la mort. Aquesta selecció, traduïda per Feliu Formosa i amb pròleg de la professora Heike van Lawick, posa a l'abast del lector l'obra d'una de les més grans autores -i víctima de les més grans desgràcies- del segle passat. Amb el suport del Departament de Cultura.
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Marialuz Albuja Bayas (Quito, Ecuador, 1972). Poeta y narradora. Es graduada en Estudios de la Cultura y Literatura Hispanoamericana. Ha publicado cinco libros de poesía y dos novelas. Su obra ha sido parcialmente traducida a varios idiomas. Ha recibido el premio Dámaso Alonso a la creación literaria (Madrid), y quedó finalista de la convocatoria iberoamericana José Santos Chocano (Perú). También ha escrito cuento y dramaturgia. Doble filo es un poemario compuesto de tres secciones: Autorretrato, Lengua y Arma, todas ellas 'de doble filo'. La voz poética se manifiesta con fuerza y autenticidad en cada sección, sin ser la misma y, sin embargo, manteniendo una unidad en el impulso que no decae y en la exploración del lenguaje que no se acomoda a fórmulas ni permanece estático. En 'Autorretrato', la voz dialoga con el símbolo materno. Estos textos nacieron de la escritura paralela de un monólogo teatral y en ellos se mezcla la poesía con la ficción narrativa. Los textos que integran 'Lengua' transitan por el proceso de creación de lugares, afectos, significados y significantes. Finalmente, 'Arma' cierra la obra con el riesgo que implica, en nuestros días, escribir sobre el amor sin decir lo que ya se ha dicho.
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Marinada
Com un corrent d'aire que naix per contrast entre el mar fresc i la terra càlida, les experiències del passat i del present originen aquests versos. Durant la primavera i l'estiu de l'any anterior van germinar, per florir al llarg de la tardor i granar els primers dies d'hivern. La sentor marina es fa notar en sensacions corporals que envolten la infantesa, el vagareig de la vida emocional, la pau de l'amor i la maduresa entre vegetació i roques, l'enyor de la mar llunyana. Tot amarat d'un sentiment crític que esdevé literatura per estima al país i a la llengua.
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La poesía de Miguel d'Ors (Santiago de Compostela, 1946) devuelve una mirada esencial a los grandes temas: el paso del tiempo, la niñez, la familia, la naturaleza, Dios, la reflexión sobre el quehacer poético, esa nostalgia imposible de una vida que no pudo ser... Es la suya una mirada sorprendida y sorprendente que, desde un firme sentido clásico de la poesía, es capaz de entregarle al presente el legado recibido por la tradición con una voz propia que sabe quitarse a sí misma letras mayúsculas, artificios y oropeles. Más de medio siglo después de su primer libro, la poesía de d'Ors nos acompaña en el camino hacia ese territorio misterioso de la felicidad. Y, en las alforjas, tenaces, Las cosas de la vida.
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''Amadora'': Mujeres atrapadas en lo invisible, necesitadas e ignoradas que reclaman de forma indirecta, con dolores, tensiones y ansiedad, el respeto que se les ha negado.Amadora es una heroína de andar por casa, siempre a merced de los deseos ajenos, siempre dispuesta, no sea que se encuentre de pronto con que nadie la necesita. A Amadora la vida se le ha ido con el estribillo «no me puedo quejar». De un día para otro, el dolor llega a su vida y Amadora se siente como una niña a una señora pegada: señora cansada y dolorida. Un monólogo polifónico para cuerpos y voces dedicado «a las que nos parieron».
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Dos obras maestras de uno de los dramaturgos más grandes de la literatura universal.Molière, el mejor comediógrafo francés de todos los tiempos, llevó a escena la crítica de su sociedad en un momento en que Luis XIV pretendía hacer de su corte un espacio de civilidad, el cambio que quería imprimir a su reinado tuvo en el dramaturgo un agente que reprobaba por primera vez desde el escenario costumbres como el poder omnímodo de los padres sobre los hijos, la falta de libertad de las mujeres a la hora de elegir marido o la hipocresía tanto religiosa (El Tartufo) como social (Don Juan). Las preciosas ridículas le ganó el favor de Luis XIV, el rey vio en el comediógrafo una posibilidad para difundir desde el escenario nuevos comportamientos sociales que ayudaran al cambio que pretendía. La comedia ridiculiza el movimiento de las «preciosas», que trataban, desde los salones aristocráticos, de imitar el lenguaje de esos ambientes. El éxito fue tan inmediato y rotundo que hizo de Molière en ese momento un «colaborador» de las intenciones reales. Con Los enredos de Scapín el dramaturgo volvía, tras El Tartufo, Don Juan y El misántropo, a la comedia-farsa, con un criado enredador que heredaba la comicidad de la commedia dell'arte. Sus intrigas logran cumplir los deseos de sus «protegidos», dos jóvenes enamorados que solo quieren salvar su amor, burlando los intereses matrimoniales de los padres.
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El texto con el que Angélica Liddell hizo temblar el Palacio de los Papas en la inauguración del Festival de Aviñón, la muestra teatral más prestigiosa de Europa.Y aquí estamos intentando arreglar lo que no tiene arreglo, sobre el amor, sobre la muerte, sobre el miedo y sobre el arte.¿Qué haréis cuando ya no os quede tiempo? ¿Qué haréis cuando ya no existan ni los machos ni las hembras, ni las falsedades ni las apariencias, sino solamente mierda y vejez, y no podáis poner en juego ningún tipo de fama, ni de influencia, ni de belleza, ni de grandeza ni de orgullo, ni de vanidad, ni de poder? ¿Qué pasará cuando cada mañana os cueste más prepararos para existir? ¿Qué pasará cuando vestirse y asearse sea una tarea de extenuante cumplimiento? ¿Cómo evitaréis los pequeños derrames que poco a poco irán fulminando vuestra memoria, vuestra inteligencia, vuestra prepotencia y vuestra lucidez? ¿Qué pasará cuando se os olviden las palabras y las cosas, y sintáis manchas blancas en el cerebro, y estéis solos, completamente solos y desvalidos, y enfermos, y vuestro aspecto sea desagradable y repulsivo, por mucho que os lavéis, por mucho que os afeitéis, y nadie, absolutamente nadie quiera pasar un día entero con vosotros? ¿No sabéis que la juventud solamente le otorga cosas a la juventud? Entonces, ¿a quién pediréis misericordia cuando estéis a merced de todos y de cualquiera, y no tengáis nada más que pedir? ¿Cómo sabréis que habéis llegado a la demencia si es imposible saberlo, si es imposible distinguir entre lo real y lo irreal? ¿Qué pasará cuando un desconocido os lleve donde no queréis ir? ¿Gritaréis?¿De verdad no os da miedo?
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Poemario ganador del Premio de Poesía Joven Vaso Roto 2024.Infancia es una fruta, el primer poemario de Edurne Batanero y ganador del Premio de Poesía Joven Vaso Roto, nos invita a explorar las etapas de la vida a través de versos que combinan dulzura y acidez. Con una mirada íntima y crítica, la autora aborda temas como la amistad, el paso del tiempo, la familia y la vejez. A través de un lenguaje preciso y expresivo, Batanero nos sumerge en recuerdos de la infancia, el descubrimiento del mundo y la conexión entre generaciones. Un poemario que destaca por su cohesión, ritmo y capacidad para plasmar lo cotidiano con una fuerza única.
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Primer libro de la autora Laura del Carmen VargasUna luz en la alcoba es una colección de poemas en la que la escritora nos invita a explorar temas tanto de amor, tal vez de un amor prohibido, o tal vez un amor de madre, o quizás el amor universal, sin límites, sin fronteras. En su poesía, encontramos la conexión con el amor propio para aprender de las enseñanzas del amor, para evolucionar o tal vez para continuar creyendo más que nunca, en el amor.VIRGINIA BULACIO, autora de Luna inmigrante
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Poemario del autor Patricio S. AlejandroPor lo general, y lo más saludable —pareciera—, es que todo libro se presentara como una apuesta, como un salto al vacío que, al decir de Hölderlin, se convirtiera en vuelo. Patricio S. Alejandro, en Artefactos para trazar un sueño, reúne materiales que conforman una pradera, una gran extensión de realidad. La geografía se enmaraña y la óptica nos ofrece una visión descentrada donde se da un contagio entre la voz y lo contemplado a través de un registro que, lejos de discriminar, lo exige todo. Vamos de asombro en asombro hasta caer en una red que nos salva, pero el vuelo y la conciencia de la caída nos enfrentan a un horizonte donde la perplejidad colorea el paisaje, ese sueño lleno de tanta realidad.JOSÉ JAVIER VILLARREAL
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21 de març dia mundial de la poesia
Els homes i madones de Paratge de Llleida lliuren aquest llibre a tots els amants de la poesia, esperant que en el pròxim, edició 2025, hi constin com poetes amb els seus versos.
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Fernando Pessoa (Lisboa, 1888-1935), es autor de una de las obras poéticas más sugerentes y trascendentales de nuestro siglo. Abierta a las corrientes más innovadoras, su poesía es sensual e intuitiva, mágica y abstracta. Alberto Caeiro, uno de los heter
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Texto inédito de la adaptación dramática de la novela A.M.D.G. de Pérez de Ayala, realizada por Martín Galeano y López de Carrión. Su estreno en 1931 provocó uno de los escándalos más recordados de la Segunda República y un intenso debate con repercusiones internacionales. El montaje de esta obra de teatro político y de tesis antijesuítica fue boicoteado por los sectores clericales dentro de una campaña más amplia cuyo fin era desestabilizar al nuevo gobierno. Se trata de un documento imprescindible para conocer los intentos de creación de un repertorio teatral republicano. La reescritura de los adaptadores potenció la crítica a la Compañía de Jesús, ya presente en la novela, con la intención de justificar la expulsión de los jesuitas de España. Pérez de Ayala realizó modificaciones posteriores para que su desenlace no fuera entendido como incitación a la violencia anticlerical en su estreno. El volumen incluye un detallado estudio del contexto que explica la adaptación, así como un examen en profundidad del texto. La obra dramática y la gran polémica que produjo la puesta en escena iluminan de forma extraordinaria este apasionante momento de la historia de España.
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Allen Ginsberg (Patersen, New Jersey,1926 - New York,1997) es uno de los más significativos y auténticospoetas del siglo XX. Su obsesión por el sexo, las drogas, la religión y la política le han convertido en un figura sumamente provocadora y comprometida. El poema Howl, publicado en 1956 está considerado como el emblema de la generación beat y texto básico de la protesta de la juventud americana. Traducción de Katy Gallego, revisada por Antonio Resines
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Entre dues frontères
L'occità és la segona llengua territorial del Principat de Catalunya –i hi és oficial des de 2006–, i al mateix temps és la segona llengua minoritzada de la Unió Europea en nombre de parlants. En aquest llibre l'autor de la primera i única Gramatica aranesa (Pagès Editors, 2007) ens proposa un itinerari per diferents aspectes rellevants que afecten aquesta llengua, i que fan referència sobretot a l'aranès i als parlars veïns de l'Estat francès. Entre dues frontères recull diversos treballs en els quals s'intenta de respondre una sèrie de preguntes que poden interessar qualsevol persona que vulgui saber més coses sobre la Vall d'Aran, sobre l'aranès i sobre el conjunt de l'occità. És veritat que l'aranès és un dialecte? Quines són les principals diferències entre els parlars dels diferents pobles de la Vall d'Aran? Què tenen en comú l'aranès i les varietats gascones situades a l'altre costat de la frontera francoespanyola? Com s'han d'escriure els noms de lloc occitans? Quin és el model formal de l'aranès des d'un punt de vista sintàctic? Com era la llengua que utilitzava el famós poeta aranès Jusèp Condò? Totes aquestes preguntes tenen resposta en un treball que, a més, conté una important secció cartogràfica final d'una quarantena de mapes en què per primera vegada es dibuixen les principals variacions dialectals que hi ha a l'interior de la Vall d'Aran. Entre dues fronteres és sense cap mena de dubte una obra de referència sobre l'occità, i en definitiva sobre l'aranès.
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Ritmo trepidante, humor y descaro se unen en esta obra ambientada en la Sevilla de principios del siglo xvii para hacernos partícipes de los claroscuros que se esconden en el oficio del comediante.
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Sin abandonar esa voz inconfundible que lo ha convertido en un poeta de referencia en la poesía española actual, Antonio Colinas se interna, en Desiertos de la luz, por nuevos caminos que lo conducen a una mayor austeridad y despojamiento. Más que nunca, el autor viaja «hacia el centro de los centros» para traer «como ofrenda, como paloma ardiente / sólo unas pocas brasas»: los poemas.Si en la primera parte, «Cuaderno de la vida», prevalecen el mundo real y la anécdota, en la segunda, «Cuaderno de la luz», todo se desnuda en busca de las esencias, de la universalidad de la vivencia humana, y los símbolos se adueñan por completo de los poemas. Los versos se desprenden de adornos, se quiebran y desgarran hasta tornarse imágenes fragmentarias, puros fogonazos de conocimiento. Así, Colinas conduce al lector hasta un mundo donde se unen, en plácida armonía, presente y pasado, música y silencio: en última instancia, Oriente y Occidente. Surge al paso el anhelo de la luz más pura, desnuda, esa luz que a veces sólo se encuentra en lo más oscuro. Y, por doquier, fluye la música, que, de Händel y Glenn Gould al canto de la naturaleza y de las piedras, va depurándose hasta convertirse en una melodía primordial, «que arde / sin consumirse, que por siempre embriaga».
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TRAS la muerte de Charles Bukowski el 9 de marzo de 1994, John Martin, editor del poeta desde los años sesenta, inició un minucioso trabajo de revisión de sus archivos. Con el volumen La gente parece flores al fin culmina el proceso de exhumación de sus poemas. Ahora se puede afirmar que su obra está por fin completa. Este libro constituye una arenga a la guerra sin cuartel en defensa del minuto siguiente, por la sencilla razón de que esos minutos no tardarán en agotarse. A estas alturas, el poeta se esfuerza más si cabe por captar la esencia del tiempo y fijar la realidad para que no desaparezca. Al ir alcanzando el final, está en posición de reflexionar: «la muerte me entra en la boca / y me serpentea por los dientes / y me pregunto si me asusta / este morir sordo y apenas triste que es / como el marchitarse de una rosa».
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Los textos aquí reunidos han sido escritos a lo largo de toda la vida literaria de María Victoria Atencia. Conferencias, presentaciones de libros, artículos, etc., que conforman al juntarse ahora un preciso y precioso corpus de íntima reflexión sobre el hecho poético en sí y sobre los planteamientos teóricos en los que se basa la propia creación a través de sus aproximaciones a Rilke, Bécquer, Borges o Juan Ramón Jiménez. Se da cuerpo también en estas páginas a la admiración y a la profunda amistad que le unió a sus maestros declarados Jorge Guillén, Bernabé Fernández-Canivell, Octavio Paz…, a su itinerario vital y artístico al lado de elegidos compañeros de viaje como Elena Martín Vivaldi, Pablo García Baena, Antonio Carvajal, Biruté Ciplijauskaité, Claude Esteban… Varias entrevistas cierran el volumen dejándonos así la propia voz de la autora sonando con frescura antes de concluir sus páginas absolutamente recomendables. Algunos de estos textos han sido publicados en revistas de no fácil acceso, otros en la prensa diaria. Muchos permanecían inéditos. Su reunión, aun poniendo de manifiesto algunas repeticiones de ideas y referencias (literales en ocasiones y que se ha preferido mantener como muestra de su perseverancia en ellas), aportará sin duda muchas de las claves necesarias para iluminar más si cabe una obra poética situada ya sin discusión posible entre las más importantes de la segunda mitad del siglo xx.
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Disjecta reúne en un sólo volumen los escritos misceláneos de Samuel Beckett acerca de arte, literatura y asuntos relacionados. Incluye la obra inacabada Deseos humanos, un fragmento de su primera novela Sueño de mujeres del montón y cierto número de importantes y reveladoras cartas, así como todos sus textos acerca de pintores y de la pintura. Todo ello termina constituyendo una singular introducción a lo que sin reparos habría que denominar la estética de Beckett.Ruby Cohn —amigo de Beckett y autor de muchos estudios importantes acerca del drama moderno— le persuadió para que permitiera la publicación de estos textos, seis años antes de la muerte de su autor. Hoy en día, con el título que propuso el propio Beckett, Disjecta, se han convertido en clásicos indiscutibles.
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La poesía de Carolyn Forché nos enfrenta al conformismo, nos convierte en testigos del sufrimiento de los otros, nos hace humanos en un mundo en el que apenas acertamos a comprender el significado de serlo. Por eso Forché es la poeta más comprometida de los Estados Unidos, autora de una obra incuestionable que denuncia nuestra hipocresía y nuestro cinismo. El lector tiene en sus manos la mejor literatura que en la actualidad brota de la lengua de Whitman o Dickinson. No tengo ninguna duda de que la obra de Carolyn Forché será una de las pocas que atraviese los siglos para hablar de nosotros.
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Francisco Brines es sin duda uno de los nombres más imprescindibles para entender y gustar la poesía española del siglo XX, un siglo que ha sido, ante todo en su mitad primera, de excepcional calidad y riqueza. Es la suya una poesía de clara raíz metafísica en la que se plantean todas las grandes preguntas que atañen a la condición humana. Poesía plena de sensorialidad y sensualidad, poesía afirmativa, felizmente enraizada en el cuerpo y la tierra nativa, exaltadora de la vida en todas sus intensidades, pero a la vez, poesía hondamente habitada por el tiempo, por la conciencia del tiempo, puesto que existimos y nos afirmamos «entre dos nadas». Francisco Brines no fue sólo uno de nuestros poetas mayores sino también un amigo cercano de incontables poetas y un maestro de muchos felices lectores de poesía, y viceversa. En esta nueva antología, Tierra nativa, se reúnen una serie de poemas escogidos a lo largo de toda su obra relacionados con Elca, su casa familiar, y con el paisaje y la naturaleza mediterráneos en los que tan enraizada está su poesía. A.L.
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