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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Una historia de amor donde los amantes se funden hasta casi borrar su propia historia para, después, experimentar la resaca de la pasión amorosa y la inexorable ruptura. Mediante un lenguaje elaborado, preciso, fresco, Rut Muñoz acompasa el ritmo de los versos al de los cuerpos que se aman y se desenamoran en este libro donde la experimentación da como resultado un poemario coherente y equilibrado entre el intenso fondo y las formas más novedosas.
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Llibre de viatges
Benjamí de Tudela és un dels tres viatgers per excel·lència de l'edat mitjana, juntament amb Marco Polo de Venècia i Ibn Battuta de Tànger. Tots tres -jueu, cristià i musulmà-, surten de casa seva cap a Orient amb la idea de descriure la geografi a d'un món aleshores encara molt desconegut. La crònica de Benjamí de Tudela és un excel·lent retrat dels països que visita, i molt especialment de les comunitats jueves que l'acullen, al llarg del seu acolorit itinerari durant la segona meitat del segle xii per la costa mediterrània: Constantinoble, Jerusalem, Bagdad, Isfahan, el Caire... En la seva narració, inèdita fins ara en català, Benjamí ens descriu les rutes comercials, enumera riqueses i productes, explica fets llegendaris o històrics dels llocs i retrata acuradament la vida quotidiana de les comunitats jueves.
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“Frente a la barbarie, el perdón. Mariluz Escribano, como Antonio Machado, enfrentó el odio con amor y nos dio una lección única que ha marcado la vida de miles de jóvenes andaluces. La recuperación de su valiosísima obra poética es una responsabilidad social porque se sobrepone a dos de las cuestiones más graves e indescibrables del destino: el lugar donde naces y el sexo con el que llegas al mundo”.
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Este poema es una larga carta. Esta larga carta se haconvertido en un pequeño libro.Nunca he escrito másque libros cortos, por incapacidad de hacer otra cosa, pero quizá también por necesidad: escribir es convertir lo mucho en poco, el exceso en carencia. Ningúnlibro debería ser más pesado que la luz. Ninguna escritura debería hacer más ruido que una sonrisa.
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Ya lo decía Marcel Proust: «el verdadero viaje de descubrimiento consiste no en buscar nuevos paisajes, sino en mirar con nuevos ojos». Este libro nos habla de un gesto interior, de unos instantes de detenimiento y atención gratuita, incluso en medio de nuestros afanes, para poner la mirada en aquello que desconocemos. Para conseguirlo, el autor ha seleccionado cuidadosamente aforismos, citas y palabras transparentes y luminosas, fruto de la mirada poética de autores clásicos y pilares de la literatura hispánica, que iluminan y proporcionan profundidad a nuestra propia mirada. Y ocurrirá así que percibiendo algo más de la realidad, se nos revelará algo más de nosotros mismos.
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Poemario del autor Max Spiess.Fermento es la primera obra de Max Spiess, un poemario de lenguaje a veces críptico, pero fresco y lúcido que destaca la mejor tradición poética de los grandes maestros chilenos. La colección de poemas de este libro entra en los intersticios de la conciencia del yo atemporal, pero firmemente situado para visualizar desde ese punto la realidad del amor, de las cuestiones sociales y la evolución de una cultura posmoderna en que el individuo sufre y vive sus angustias desde lo singular pero hundido en una globalización que lo masifica en el consumo.
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XXVII Certamen de Letras Hispánicas Rafael de Cózar en la modalidad de Poesía. Rubiel G. Labarta (Holguín, Cuba, 1988) ha publicado, entre otros, los libros de poemas Los hijos de Caín (Premio Pinos Nuevos, 2016), Las regiones devastadas (Premio Mangle Rojo, 2019), País de humo (Premio Hermanos Loynaz, 2019), Plan para dos (Premio Gesto/Cálamo, 2020), Madera (Premio Calendario, 2020), Inventarios y cartografías (Premio de la Ciudad de Holguín, 2020), La humana arquitectura (Premio Milanés, 2020), De regreso a la estación vacía (Premio Manuela López, 2020) y Apnea (Premio Poesía de Primavera, 2021).
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Carmelo Guillén Acosta (Sevilla, 1955) ha reunido su obra poética en el volumen Aprendiendo a querer. Poesía (revisada) completa 1977-2007 (2007). Después ha publicado La vida es lo secreto (2009) y Las redenciones (Renacimiento, 2017).
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Publicado en 1977, Cuaderno de cuatro años es el último gran libro de Eugenio Montale. Profundizando en la línea que había abierto con Diario del 71 e del 72, Montale alcanza aquí su escritura más espontánea, improvisada al hilo del presente. A pesar de la distancia estilística que se establece frente a sus primeros libros, más crípticos y formales, los poemas del Cuaderno no renuncian al misterio: bajo su apariencia de sencillez, encontramos frases aplazadas, conexiones intangibles y palabras que resuenan en múltiples direcciones. A través de la ironía y la maestría rítmica, captan el instante en voz baja, casi sin literatura. En buena medida, Montale escribe ya como si se despidiese, pero convencido de que ese adiós tampoco importa demasiado. Ni siquiera la concesión del Premio Nobel en 1975 parece dejar rastro en estos poemas, que oscilan entre la serenidad, la emoción y una discreta pero incisiva crítica a su época. Una de las obras más singulares de un autor fundamental para entender la poesía italiana contemporánea.
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Poner nombre a revelaciones vespertinas, apagar incendios en el pecho, restañar heridas producidas por el mundo cuando este se quiebra, convertirse en nube, seguir oyendo la voz de los padres... de estas necesidades surge este Bestiario del deseo. Dividido en tres secciones, Bestiario, Deseo y Pecios, el de Juana Gallardo es un poemario de la sencillez y de lo efímero, tanto en la naturaleza como en la cultura. Numerosas son las referencias a autores y mitos, que se entrelazan con las de un mundo natural hacia el que la autora se muestra especialmente sensible: una naturaleza que es capaz de transformar en una sola noche ''su soledad en flores y el silencio en miles de riachuelos que nadie esperaba''. Si el campo es capaz de todo eso, dice, ¿cómo no vamos a ser capaces las personas de darle sentido a la vida y al mundo? Aunque ''la esperanza es pequeña'', como admite en un poema, es suficiente para contradecir al filósofo que sostuvo que, después de Auschwitz, no es posible la poesía. El convencimiento que transmite este poemario es ''que después de esta guerra/habrá poesía''. De cualquier guerra.
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La poesía de Fernando Riva (Perú, 1979) se instala en el borde del precipicio en una búsqueda de lo sublime que toma plena conciencia de la muerte. Su sentido trágico, lejos de acabar en una melancolía enfermiza, es una afirmación de la vida en su sentido místico. Con un preciosismo formal cada día más extraño, Riva nos enfrenta a las grandes preguntas del alma durante una extensión de la gracia que sólo el amor puede conceder a los sufrientes.
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''Un aura oscura de superstición y muerte rodea a esta obra, la más solemne y despiadada de las piezas canónicas de William Shakespeare.Un aura oscura de superstición y muerte rodea a esta obra, la más solemne y despiadada de las piezas canónicas de William Shakespeare. Se dice que desde su primera representación en el siglo xvii, la desgracia se hace presente en cada nueva puesta en escena, y este nefasto renombre forjó la tradición de jamás pronunciar su título dentro de un teatro, refiriéndose a ella solo como la tragedia escocesa.Con sus brujas, fantasmas y castillos perdidos en las brumas de la noche, sentó una influencia perdurable en el imaginario de las historias de terror fantástico y gótico. Su protagonista es, ante todo, el arquetipo del héroe convertido en villano. La sangrienta trayectoria de este guerrero escocés obsesionado por un infernal presagio de gloria, acompañado al asesinato por la caprichosa ambición de su esposa, dejó su huella en cada drama político y moral creado por la literatura, el cine y la televisión, desde El padrino hasta Juego de Tronos o Breaking bad.En continuidad con sus previos trabajos con Hamlet, El mercader de Venecia y Romeo y Julieta, la presente traducción de Carlos Gamerro, junto con sus notas y un completo estudio preliminar, traslada al español de América la música y la belleza de la mayor pluma de las letras inglesas.
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Esta edición reúne, por primera vez, los siete poemarios de Marina Romero nunca reeditados y prácticamente desconocidos para el público español. Publicados desde 1935 hasta 1999, entre España, treinta años de exilio en Estados Unidos y veinte de regreso, fueron editados por instituciones y editoriales dedicadas, ya en su tiempo, específicamente a rescatar voces marginales como era la suya, en tanto que mujer intelectual y exiliada republicana. Se rescatan así las experiencias amorosa y exiliar que atraviesan sus versos desde la delicadeza más bella hasta una crudeza desgarradora, a veces simultáneas. Romero traza un doble duelo: por la patria y la amante perdidas y jamás reencontradas. De la evolución estética de Romero podemos deducir el principal patrón de su época, que va desde las poéticas de principios de siglo xx hasta la poética propia del exilio y la del regreso a una patria que marca un nuevo estadio para el sujeto: el de exiliado doble, de la España que conoció y del país que la acogió durante tres décadas y ahora se abandona. Rescate de la poesía jamás reeditada de una mujer intelectual, republicana y exiliada en Estados Unidos, cargada de sencillez y complejidad conceptual, de delicadeza y desgarro. Marina Romero (Madrid, 1908-2001) fue autora de poesía y literatura infantil. La suya se inscribe en la historia cultural de la mujer moderna española de principios de siglo XX, intelectual, feminista, republicana y emancipada, en torno a instituciones como la Residencia de Señoritas y una red femenina internacional de intercambios y apoyo. Exiliada en Estados Unidos, fue catedrática de Literatura Española en Douglass College (New Jersey). Allí mantuvo sus vínculos de juventud con otros exiliados republicanos: mujeres de la Residencia, las familias García Lorca, de los Ríos, Zulueta, los poetas Jorge Guillén, Pedro Salinas, etc. Regresó a Madrid en los años 70 para descubrir, quizás, que nunca se regresa al sitio del que se fue arrancada. Lucía Cotarelo Esteban es Doctora en Filología Española por la Universidad Complutense de Madrid y profesora en la Universitat Autònoma de Barcelona. Miembro del Grupo de Estudios del Exilio Literario (GEXEL), se especializa en la historia cultural y la poesía del exilio republicano en Estados Unidos, a la que la experiencia y obra de Marina Romero pertenecen. A este respecto, publicó el volumen Spain in the Hudson. Los poetas del exilio republicano español en Estados Unidos (2022). Actualmente, focaliza sus estudios en mujeres intelectuales y artistas exiliadas en el mismo país.
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En la poesía, como en la vida, hay un tiempo para aprender y otro para desaprender, para olvidar lo aprendido. Casual es el libro de un autor que ha leído todos los libros, al menos todos los libros de poesía española del último medio siglo, pero que escribe su propia poesía después de haberlos olvidado. Escribe, o más bien transcribe o, incluso, traduce, fábulas donde las cosas son lo que parecen y a la vez símbolo y alegoría, sueños sin onirismos que brotan quizás menos del inconsciente personal que del jungiano inconsciente colectivo. Algún homenaje, algún eco de la tradición, sirve a manera de descanso en este desconcertante viaje de exploración por la terra incognita del vivir y por el de la poesía, a menudo no menos misteriosa. A.L. José Luis García Martín (Aldeanueva del Camino, 1950) ha cultivado los más diversos géneros literarios, pero destaca especialmente como poeta, crítico literario y diarista. Entre sus últimas publicaciones se encuentran Aire en el aire, El lector impertinente y Sin propósito de enmienda. En los años setenta dirigió la revista Jugar con fuego, que cuenta con una reedición facsimilar (2016) en la hermana editorial Ulises. Desde hace un cuarto de siglo dirige Clarín, revista de nueva literatura.
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El talismán es fetiche, quitamiedos, el talismán invoca y atrae la gracia, otorga poderes mágicos. Su aura protectora se escribe como sortilegio y ritual para ahuyentar a la muerte, su poder es escudo frente al desaliento, consuelo para los afligidos. En estas páginas, los talismanes son poemas que Edda Armas tornea con ternura y tino, amuletos compuestos por palabras que parecen esconder la pócima mágica para mirar lo cotidiano con un encanto renovado.
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A partir de la mundialmente reconocida Zheng Min (1920-) hasta la joven poeta tibetana Tenzin Pelmo (2000-), con poemas escritos desde 1941 hasta 2021, Vaso Roto Ediciones quiere presentar esta edición a través de la cual el lector podrá acercarse a una de las culturas milenarias de la humanidad cuya escritura al día de hoy es un referente universal. En la presente obra se muestra la poesía que abarca varias décadas de creación, desde las valientes feministas de los años ochenta Yi Lei, Zhai Yongming, Tang Yaping y Hai Nan para cerrar con las más jóvenes Li Cheng-en y Yu Yoyo. Esta antología distingue el compromiso de voces como Li Nan, Xiao Xiao, Xiao An (grupo No No), Lin Zi, Zheng Xiaoqiong (trabajadora migrante), Li Suo y Jike Bu, así como las internacionalmente reconocidas Shu Ting y Wang Xiaoni, e incluye la reciente pandemia, poetas desde el confi namiento de Wuhan en el 2020 y poetas que responden a esta situación mundial. Incorpora igualmente a las poetas más controversiales, Zhao Lihua y Yu Xiuhua. En esta muestra se han incluido poetas de diversas regiones de minorías étnicas de China y, por primera vez, se presenta en castellano la poesía Nüshu, lengua propia del sur de China, de la que ofrecemos la primera traducción al lector hispanohablante.
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Masaoka Shiki es es uno de los autores más cruciales en la historia del haiku, pues marca un panorama de novedad entre el haiku clásico y el contemporáneo. Shiki nos ha legado un amor impenitente al pincel, con el que dibujó y escribió. Tanto su prosa como su poesía nos hacen ver en él una figura clave para entender la nueva aurora estética de Japón a en las primeras décadas del siglo XX.El haiku es una forma de poesía tradicional japonesa de 17 sílabas organizadas en un esquema de tres versos (5-7-5). No tiene título ni rima pues pretende, con la máxima sencillez, transmitir una apreciación de la realidad espiritualizándola y elevándola por encima de su pequeña trascendencia. El haiku, que ha permanecido durante siglos íntimamente ligado con la cultura tradicional japonesa, actualmente se ha universalizado de tal manera que podemos considerarlo finalmente, patrimonio del ser humano.
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Hay palabras que no sirven para nada: cuerpo, luz, deseo. No sirven para nada porque sirven para todo, porque pronunciar-las es atraer hacia la tierra a todoslos cuerpos extraños que la harían estallar, y al mismo tiempo es como mecerla levemente, dulcemente, comosi alrededor de ella no ocurriera nada. Me gustan las palabras cuerpo, luz, deseo. Me gustan porque lo significan todo para quien las lee, y tal vez nada paraquien las escribe, o viceversa. Me gusta decir luz yquedarme ciega, decir cuerpo y saberme aire, o pronunciar deseo y no querer nada, ni a nadie, ni nunca más. Sólo una buena voz sería capaz de pronunciar estosconceptos y salir ilesa de la guerra que ello conlleva. Sólo una buena curadora de gestos. Una buena bruja. Una buena poeta. Carla Nyman hace magia, y cura yrevienta el aire. Carla Nyman escribe sobre el cuerpo, la luz y el deseo, y nos deja con la boca abierta ylas manos suaves. ¿Se puede tocar un poema? Se debe:y aquí se hace. Carla Nyman restriega todos sus poemas contra nuestras manos y nos entrega lo mejor del género que practica, esto es, una lírica que en vez desentenciar, sugiere, que en vez de imponer, susurra,y que en vez de oprimir, ama.Luna Miguel
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La naturaleza de la vida es la impermanencia, y con la vida, el ser humano está siempre en proceso de cambio. Pero algo en estas transformaciones permanece inalterable. ¿Qué varía y qué es lo queda en ese tránsito? ¿Cómo se revela lo que somos y nunca dejamos de ser? Vivir es sin duda un riesgo que asumimos a pesar de que esa aceptación entrañe siempre una pérdida. Mitad, de Julieta Valero, es una honda y poética refl exión en torno a los temas más vigentes en tiempos queexigen sumergirnos en cuestionamientos que no acabannunca de agotarse. Lo que se rompe y lo que brota cohabitan en un lenguaje que se tensa al situar al lector ante sus límites y ante su relación consigo mismo,con la Naturaleza, con los otros. Se oponen y a la vez conviven en una morada desde la que reconstituirnos, ubicarnos en relación con los demás y volver a significar –o intentarlo, al menos– el suceso frágil y vibrante que somos.La naturaleza de la vida esla impermanencia, y con la vida, el ser humano está siempre en proceso de cambio. Pero algo en estas transformaciones permanece inalterable. ¿Qué varía y qué es lo queda en ese tránsito? ¿Cómo se revela lo que somos y nunca dejamos de ser? Vivir es sin duda un riesgo que asumimos a pesar de que esa aceptación entrañesiempre una pérdida. Mitad, de Julieta Valero, es una honda y poética refl exión en torno a los temas másvigentes en tiempos que exigen sumergirnos en cuestionamientos que no acaban nunca de agotarse. Lo que serompe y lo que brota cohabitan en un lenguaje que setensa al situar al lector ante sus límites y ante surelación consigo mismo, con la Naturaleza, con los otros. Se oponen y a la vez conviven en una morada desde la que reconstituirnos, ubicarnos en relación conlos demás y volver a significar –o intentarlo, al menos– el suceso frágil y vibrante que somos.
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Los poemas de ''Brindis y desesperación'' ofrecen una visión diferente sobre lo cotidiano, desde las dos caras opuestas de la vida.La poesía de Miguel Sande explora ese mundo agridulce que nos ofrece el día a día, todo lo que la cotidianidad promete de extraordinario e inesperado. Y, al mismo tiempo, también nos adentra en esa zona que surcan quienes sienten que han iniciado eso que llamamos «el camino de vuelta». El autor profundiza en las zonas grises de nuestra conducta, en los detalles que deseamos ocultar y que él nos expone con ternura y dureza en una mezcla difícil e inaudita, como la propia existencia: Brindis y desesperación, las dos caras de la vida.
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Si la poesía es la resistencia, ¿qué pasa cuando la dictadura viene de la poesía misma? Bitácora de Amor o de Guerra plantea una respuesta a este interrogante.¿Qué ocurriría si, a diferencia de lo que plantea 1984 y Un mundo feliz y Black Mirror, el eje de un futuro distópico no girara en torno al dominio de una clase o potencia opresora, o de una tecnología que se sale de control, sino en torno a la disputa por la poesía?Bitácora de amor o de guerra es una apuesta innovadora y que refresca los tópicos poéticos contemporáneos con una historia de amor que se presenta en un contexto de caos social, generado por la pugna entre las distintas corrientes estéticas que se disputan el canon de la poesía mundial.Una reflexión sobre la poesía, sus temas, sus motivaciones, sus alcances, su pasado y su futuro, la pervivencia de clasicismos y de vanguardias, luego de cuya lectura, todos los amantes de la poesía terminarán, quieran o no, tomando partido. Y donde se responde a la pregunta: ¿qué pasará con la poesía después de la muerte de lo poético?«No falta quien en esto vea el fin del mundo otros, optimistas, el comienzo.»
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La poeta granadina Eva Molina Saavedra debuta con ''La mirada rasante'': la poesía como herramienta para comprender el mundo.La mirada rasante se sitúa en un territorio de introspección meditativa desde el cual descubrir realidades insospechadas, a partir de una hipersensibilidad que no renuncia a rebelarse contra la injusticia o lo absurdo, en ocasiones, o en abrazar y dar calor desde lo corpóreo y emocional, si es necesario. Se trata de dar cuenta de las consecuencias de una lucidez que muchas veces preferiría no saber y no asistir a la acumulación psíquica de planos e imágenes que se inclinan por sus significados, y que nos pueblan. Pero también La mirada rasante se apoya en un escepticismo tamizado y descreído que posee la poesía como asidero, tal vez el único que nos queda, desde el que intentar comprender el mundo, nuestra historia individual y colectiva y los sentimientos que nos configuran. J. C. ABRIL
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Poesía con estilos del Barroco y del pop, de parodia y autoparodia, del grupo Cántico y de la música indie, de los novísimos y de las artes plásticas, de la moda del cine y de Patty Pravo.
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Maresía presenta la segunda antología de poesía bonita y que se entiende, una selección de poemas de dieciséis autores con una gran proyección en el panorama poético actual: José María Castellano Martínez, Malena Ulcina Cabello, Amanda Plaza, Míriam de los Ríos, Álvaro Macías Rondán, Aurora H. Camero, Andrés Rubio Blanco, Cris Rivero, Paula Sánchez Santiago, Obed Higueras, Javier Vayá Albert, Jesús Durán, Pablo R. Carratalá, Berta Algaba, María José Coronado e Ismael Rodríguez Lara. Junto a estos, se incluyen otros textos poéticos de Francisco Padilla Chacón y José Fernández del Cacho. Alentados por el éxito de la primera antología, mantenemos el sistema de acompañar cada poema con un comentario de su autor y una explicación del editor que justifica la elección. Poesía bonita y que se entiende 2. Nueva antología comentada de poesía actual continúa la línea de Maresía de acercar la poesía a todos.
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Una comedia del autor de de la distopía ''Nosotros''Conocido sobre todo por su novela distópica de 1921 Nosotros, Zamiatin (1884-1937) fue también autor de relatos y de obras de teatro, caso de esta comedia, estrenada en 1925, en la que juega con la fanfarronería y la presunción de la sociedad rusa y, por extensión, soviética.Por su inconformismo y su sentido de la sátira, pronto quedará censurado y relegado en su país del que, no obstante, podrá salir en 1932. Zamiatin puede considerarse uno de los primeros disidentes soviéticos.
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«No me queráis tanto, que me vais a matáh» nos dice el dramaturgo, director de escena y performer Alberto Cortés en su nueva pieza, Analphabet. En ella, los fantasmas ocupan el papel protagonista de una historia construida sobre y a partir de la melancolía, la vulnerabilidad y la pena a las que nos llevan en ocasiones las relaciones de pareja. Ambientada en una mezcla de paisajes vascos, playas andaluzas y bosques del romanticismo alemán, Analphabet es (quiere ser) mito y consuelo de nuestras heridas y azote de nuestros abusadores. La palabra se convierte así en sanación del cuerpo maltratado y en altavoz de los abusos tantas veces silenciados que se dan (también) en las relaciones intragénero.Entre los múltiples paisajes y visiones aparecidos en estas páginas, encontramos a otros fantasmas que comparten genealogía: Goethe, Hölderling, Novalis, Bergamín o Anne Carson.Como correlato de esta herida, Siempre vengo de noche se cierra con un cuaderno de notas, o diario de trabajo, en el que el autor crea otra obra donde recoge sus inseguridades, contradicciones e impresiones acerca del hecho escénico y del oficio mismo de escribir.
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Con este libro desembarca en la Biblioteca del Exiliode la Editorial Renacimiento una de las voces más singulares del exilio republicano, el argentino-gallegoLuís Seoane (1910-1979), artista, editor y escritor.Hijo de emigrantes gallegos nacido en Buenos Aires,Seoane se desplazaría de niño a la tierra de su familia para vivir allí dos décadas y acabar exiliándose ala capital argentina. Figura relevante en la modernidad artística argentina de mediados del siglo XX, mantuvo siempre viva la llama de su amor por la culturagaleguista, a la que no paró de contribuir con diferentes iniciativas periodísticas, editoriales y artísticas. Su ciudadanía múltiple fue una puerta abierta acohabitaciones, pero también a alteridades, como lasderivadas de la sensación de desalojo de la historiaproducida, a mediados de los años cincuenta, por doslargas décadas de exilio. En ese momento, Seoane recurrió a la escritura dramática para metabolizar un presente agreste y el resultado son los dos valiosos textos presentados en esta edición, La soldadera (1957)y El irlandés astrólogo (1959), publicados en editoriales porteñas especializadas en teatro, pero siemprecon un ojo apuntando hacia el presente y el pasado desu añorada Galicia. Pablo García Martínez (Arzúa, 1985) es investigador postdoctoral de la Fundación Alexander von Humboldt, con residencia en la Friderich-Alexander Universität (Alemania). Doctor en Culturas Latinoamericanas, Ibéricas y Latinas por la City University of New York (CUNY), ha publicado artículos en el Bulletin of Hispanic Studies, el Journal of SpanishCultural Studies o la Revista Hispánica Moderna, entre otras revistas. Ha presentado su investigación encongresos, así como en conferencias ofrecidas por invitación, organizados en Columbia University, HarvardUniversity, Johns Hopkins University, Oxford University, University College Cork, la Universidad Complutense de Madrid o la Universidade de Santiago de Compostela, entre otros centros de referencia a nivel internacional. Ha comisariado la exposición Modernidades diverxentes. Seoane, Ver y Estimar, activa en la Fundación Luís Seoane entre enero y abril de 2021. Es autorde Un largo puente de papel. Cultura impresa y humanismo antifascista en el exilio de Luís Seoane (2021).
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La obra que tienes entre las manos es la ganadora del Primer Premio de Textos Escénicos LEB-CTMT con la colaboración de la AAT, escrita por la dramaturga Cristina Hermida. El jurado destacó su capacidad para generar una dramaturgia a partir de la crónica de la semana en que una autora, urgida por los plazos, se encierra a escribir una obra. La ironía y la ternura de la voz narrativa en su encierro doméstico dialogan con un exterior que asoma y nombra (muchas veces por ausencia) lo que la protagonista anhela y sabe casi imposible: una pausa en el frenesí de este tiempo poscapitalista que habitamos.En palabras de Eva Mir, prologuista: «Esta es una obra en gerundio, una obra sobre la propia construcción dramática que nos arrastra porque nos habla sobre aquello a lo que nos vemos arrastradas: los tiempos de las convocatorias, de las entregas, de la conciliación, de la compra diaria, de la búsqueda de piso, del proyecto de vivir en el campo, del cuidado de nuestras hijas las plantas, de todo aquello que pasa mientras intentas escribir».
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«Naturaleza trans» relata la historia de tres chicas trans de la frontera entre Uruguay y Brasil. Mediante una audaz exploración de las identidades no normativas, a través de la performance y la narrativa personal, la historia desentraña la complejidad de vivir más allá de la categoría del género binario. La obra fusiona elementos del teatro documental y el ritual, invitando al público/lector a ser testigo de una transformación colectiva, donde lo individual se entrelaza con lo social en una lucha constante por la visibilidad y la aceptación. «Muñecas de piel» nos habla sobre la explotación sexual a partir del hallazgo del cadáver de una joven, un suceso real que nos sumerge en un universo de dolor, culpa y cuestionamiento. Esta obra -que generó una gran polémica y acabó en los juzgados uruguayos al abordar un tema tan delicado como la explotación sexual de menores- se convierte en un poderoso testimonio artístico que invita a reflexionar sobre las sombras de nuestra sociedad y el papel del teatro como catalizador de cambios sociales. Acompañan a cada obra las bitácoras de la autora, que nos permiten conocer de primera mano su proceso de gestación.
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En octubre de 2021, un grupo de personas comprometidas con la educación, la memoria histórica o el teatro, se planteó un interrogante: ¿cómo hubiéramos afrontado el inicio del curso escolar en Madrid en septiembre de 1936?A partir de esta pregunta comenzó un proceso de investigación y creación colectiva con un propósito: construir una trama dramática que conjugara la libertad creativa con el rigor historiográfico.El grupo se completó con la incorporación de un director profesional y tras dos años de trabajo, alcanzó su objetivo: representar una obra de teatro que rindiera homenaje a las escuelas republicanas en Madrid. Esta obra es La escuela perdida.El texto que presentamos en este libro es el resultado final de una aventura en la que se han conjugado el afecto, los deseos, el aprendizaje, la investigación histórica y la reflexión sobre la memoria colectiva. Las autoras y autores esperamos que su lectura estimule el interés de saber más sobre la escuela republicana. Una escuela perdida cuya recuperación hoy es muy necesaria.
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Octavio Paz (Ciudad de México, 1914-1998) recibió el Premio Nobel de Literatura de 1990. Fue considerado, durante décadas, uno de los más notables poetas y ensayistas en lengua española. Con Piedra y sol -términos queridos y significativos en la cosmovisión paciana-, Luis Antonio de Villena ha pretendido trazar una antología personal y plural de su labor poética. Una obra, hito de nuestra modernidad, que se abre en la secuela de nuestro 27 y la Generación mexicana de «Contemporáneos» y que culmina en la constante búsqueda del «poema total», en un rico lenguaje de imágenes, entre la profundidad, la sorpresa y el diálogo con la tradición. Quizá, verdaderamente, Paz fuese el último cronológicamente de nuestros grandes modernos. Hondura y fulgor.
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Segundo libro que publicamos del autor, un auténtico clásico de la poesía brasileña.En Plenilunio, su última entrega hasta el momento, Lêdo Ivo (Maceió, Brasil, 1924) un auténtico clásico vivo de las letras brasileñas, asume la desnudez y el despojamiento en el que sólo los verdaderos poetas son capaces de hacer brotar la palabra verdadera sin necesidad de recurrir a cuanto es poético a priori.
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Este libro no tiene piedad, pero te acuna en sus brazos con la suavidad de una madre. Es la pregunta que antecede a la respuesta: un ave que se abalanza sobre su presa para alimentar a su descendencia. Pensar «familia» es parte de un proceso cognitivo en el que, con cada poema, nace una flor en lugar de una espina. «El legado familiar es un animal inseparable» nos dice Elisa, y es que todos tenemos de alguna manera un sello ancestral, invisible y tensionado, que nos quema la piel, Queramos o no, todos tenemos algo de Mala Sangre. J. L. Torres Oyarbide
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Itsaso Arana, Violeta Gil y Celso Giménez, los componentes de La tristura, llevan más de quince años trabajando alrededor de las artes escénicas, tratando de generar «situaciones humanas» dentro y fuera del escenario como en estas tres obras que os presentamos. En CINE acompañamos a Pablo en la búsqueda de su identidad. Los orígenes ocultos y los secretos de su biografía se funden con la historia de los niños robados en España. Future Lovers presenta las inquietudes de seis adolescentes ante un mundo que sienten ajeno mientras intentan crear un refugio donde sus comportamientos no sean condenados. La obra consigue que el espectador se reconozca en los personajes y se cuestione si sus expectativas y sus sueños juveniles lograron cumplirse finalmente. Con un lenguaje metateatral y un dispositivo que juega con el documental, Renacimiento, explora los casi 50 años de democracia española, mientras acompañamos a los personajes de la obra a través de la trastienda de los montajes y desmontajes de una compañía de teatro cualquiera. Una obra que nos recuerda que, sin importar cómo hayamos llegado hasta aquí, la vida empieza, de nuevo e imparablemente, ahora mismo. «La tristura era un atentado contra la idea de individualidad, una vida opinable y comentable. Hablaban en plural, casi no bebían, toda la vida era obra. Durante un tiempo vivieron todos juntos. Todo les parecía poco, el teatro no era suficiente. De hecho, sigue sin serlo». Del prólogo de Sabina Urraca «La historia de La tristura es la del siglo xxi español, la del teatro último. Una de las aventuras más obsesivas, arriesgadas y, en el buen sentido de la palabra, pretenciosas de nuestro teatro». Pablo Caruana, El País « un trabajo hondo y capaz de encontrar el equilibrio entre la búsqueda y el hallazgo, entre nuevas narrativas y compromiso político, que reta al espectador a hacer su trabajo sin caer en el hermetismo. Lo moderno es amar». David Montero, El Diario [sobre CINE]
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Camuflado bajo la forma de una investigación sobre el lenguaje poético vanguardista, ''Dinosaurios de pelo rosa'' es en realidad un cancionero amoroso que Luis Alberto de Cuenca compara con los que en su día escribieran Petrarca, Bécquer o Salinas. Los dinosaurios de la poesía de Amanda Sorokin descubren un mundo de sensaciones íntimas que se vuelven fantásticas, empeñadas en enfrentarse al exterior, a veces irónicas pero siempre expresadas con enorme autenticidad. Con una voz diferente, personal, única se presenta ante el lector una historia de amor con éxitos y fracasos, sombras de una realidad que muestra la incapacidad del ser humano para sustraerse del embrujo pasional. Una muestra de cómo el soplo de Eros, en palabras de Dante, es capaz de mover el sol y las estrellas.
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'Versos para América Latina'' es un puente que une a los países de América Latina ensalzando su espíritu y sus raíces en un solo canto emocional, poético e inteligente.Versos para América Latina es una antología emocional, sensible e inteligente. Por sus páginas deambulan multitud de temas de forma más o menos velada, aunque destacan algunos, como el análisis introspectivo de las emociones y los sentimientos, el amor, las relaciones humanas, la reflexión existencial, la naturaleza y la nostalgia, entre otros. Resalta especialmente por su lenguaje sencillo, cotidiano y vital y por la extraordinaria capacidad del autor para describir sentimientos, emociones y reflexiones en pocas palabras.
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