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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Cuenta Tefi de Paz que lo suyo con Remigia Echarren fue un flechazo. Empatizó con ella por ser mujer circense y de Pamplona. Se quedó dentro de ella, como una luciérnaga revoloteando en su corazón. ¿Quién era Remigia? ¿Una mujer funambulista? Una historia tocaba en la puerta y en esas llegó una pandemia mundial. En medio del silencio su nombre resonó de nuevo con más fuerza: ¡Remigia, Remigia, Remigia! ¿Quién anda ahí? Abre, soy yo, La reina del Arga.La reina del Arga es una obra de teatro escrita y dirigida por la actriz y payasa Tefi de Paz. En ella se cuentan las aventuras de 'La Remigia', una funambulista valiente, creativa y sobre todo mujer en un reino de hombres como era la Pamplona de finales del siglo XIX. Se sabe poco de ella. Tefi resquebrajó los cimientos de la memoria local sacó brillo a algunos hallazgos, a gentes que sí oyeron hablar de ella, a sus hazañas, a sus propuestas, a su capítulo final.
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Nueva entrega poética de Kepa Murua en la que concibe este homenaje a Pau Donés, el cantante desaparecido, como un homenaje a todos aquellos seres queridos que desaparecen de nuestras vidas. Los poemas están concebidos como si fueran canciones con letras sencillas y adecuadas para ser dedicadas a un amor, al amigo, para ser cantadas y que nadie dude de lo que hablan, pues no hay doblez, no hay oscuridad en ellas, ni significados ocultos. Compuesto por 34 poemas-canciones, se trata de un libro-homenaje para el que ya no está y que, sin embargo, quedará entre nosotros, como todos los artistas para su público más leal. Porque los músicos se hacen inmortales, como el verdadero poeta, como los grandes artistas de cualquier época.
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Toda la obra reunida de un poeta imprescindible.«El descubrimiento de Miguel Casado me reconcilió de alguna manera con la poesía de mi propia generación.» Roberto Bolaño«Un meticuloso observador, que registra lo que contempla y no lo transforma, sino que lo desnuda.» Juan Antonio Masoliver, La Vanguardia«Miguel Casado representa esta corriente de afinación perceptiva y depuración formal, lo que le lleva a renunciar, en sus libros de madurez, a los chisporroteos metafóricos y a la evidencia rítmica.» Ángel Luis Prieto de Paula, Las moradas del verbo En un mundo saturado de discursos, donde los límites de lo virtual no son precisos, cunde la sensación de que la realidad se nos escapa, nos falta, y los días parecen discurrir en el seno de su carencia: el deseo de realidad es energía que aspira a poner la vida en tensión. Este volumen, Deseo de realidad, que reúne la obra poética de Miguel Casado desde 1986, recoge un proceso guiado por ese impulso, y también por un sentimiento de la lengua que trata de alcanzar -en un ver que es a la vez un pensar-lo concreto, lo particular, lo que está ahí. Los poemas de Miguel Casado fluyen como una conversación solitaria, persiguiendo en ese trance un sentido nuevo tan personal como político, un núcleo existencial. La palabra directa, las formas abiertas, el verso libre y el diverso montaje de cada uno de los libros (de la secuencia narrativa a la exploración del azar, del monólogo digresivo al mosaico sin estructura) componen, siempre en movimiento, una voz poética singular. Trazada con lentitud, al ritmo de su lógica interna, la poesía de Miguel Casado ofrece un mundo inconfundible, de una escritura firme y sin concesiones.
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El ciclo de las estaciones se hace eterno en los poemas de Carlos Gabriel Montes, que, con la valentía que supone nadar contracorriente en nuestra época, nos presenta un poemario estructurado como una obra dramática que es el tiempo mismo, el transcurso de un año con sus cuatro estaciones. Un libro en el que la muerte se disfraza de aguacero cuando se asoma a los poemas y que recorre un misterio tan antiguo como la humanidad.
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Joaquín Calderón (Sevilla, 1975). Fue profesor de música y violín durante varios cursos en diversos conservatorios andaluces, hasta que decidió abandonar la docencia y dedicarse a la música en directo, la producción y un buen puñado de hobbies que le han permitido vivir si no holgada, sí, felizmente. Tiene en su haber cuatro discos en solitario como cantautor. Aficionado a la lectura y la escritura, ha publicado en Renacimiento los poemarios Soy como puedo (2018) y La vida editada (2019). El Viajero es su tercer libro de poemas.
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Una de las mutaciones más interesantes de la poesía contemporánea tiene que ver con la sustitución del espacio público, de la dimensión social como lugar de mera denuncia. Alta y clara, sí, pero tibia, por más que sus lemas se presten a ser coreados. A la manifestación de las ideas compartidas le sucede el hueso carnoso de lo manifiesto, los cuerpos antes que las pancartas, cuerpos que suscriben lo dicho, que anuncian lo que en ellos se inscribe. Por ese camino de una nueva forma de centralidad política se pasea Laura Rodríguez Díaz (Sevilla, 1998), después de su debut en San Lázaro (Cántico, 2021). Esa ganancia no es nueva, de acuerdo —salen a relucir Olga Novo, Núria Martínez-Vernis, Miriam Reyes…—, pero sí ha repuntado al calor de la coyuntura histórica con aportaciones tan consolidadas en torno a este tema como las de Sara Torres o Luna Miguel. En ese surco de la enjundia hay que buscar a Laura Rodríguez, el de la infirmitas, que tiene su origen a pachas entre la frágil calidad de los materiales, no sea que se venga abajo el edificio, nuestro hábitat urbano, y la entredicha homeostasis, la promesa de un equilibrio del cuerpo (social) que depende cada vez de más y más factores. ¿Puede la poesía salir indemne de esta urgencia? Con «la violencia de una nube» nos viene la autora a decir en anuncio. Un poemario rematado, atemperado se podría decir también, por el poema Las niñas de plata, que en su propia libertad presentamos aquí, compartiendo un volumen.
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En este número 190, el Plural está dedicado a ''La biodiversidad en el conflicto capital-vida'', coordinado por Erika González, en el que colaboran José Luis Fdez. Casadevantes ''Kois'', Miguel Díaz-Carro, Marta Rivera-Ferré, Jaume Grau, Maritxu Ameigeiras y varios miembros de organizaciones ecologistas. En la sección El desorden global, Raphael Granvaud analiza la situación en Níger tras el golpe de Estado, Antoine Larrache entrevista a Jamel Bisset sobre la experiencia de una movilización medioambiental en Argelia, Rachida El Azzouzi conversa con Chowra Makareni sobre el ''estallido revolucionario feminista'' en Irán y las repercusiones que sigue teniendo en la crisis del régimen, y finalmene, Yan Shenkman describe los efectos que está teniendo en Armenia la injusta ocupación azerí de Nagorno-Karabaj. En Plural 2, Andy Durgan recuerda en el cincuentenario de su muerte la trayectoria y el legado de Joaquim Maurín durante el primer tercio del siglo XX. En Futuro anterior, Raúl Garrobo rememora el significado histórico del enfrentamiento entre la clase trabajadora
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Els ostatges és un recorregut per tot allò que ens construeix: La infantesa, la joventut, la família, l'amistat, la cultura, la llengua, el paissatge, la memòria, la mort, i finalment, per tots els nostres dubtes, llegats i aprenentatges. Un recorregut pels nostres ostatges i pels nostres captors. Yolanda Esteve Giner (Barcelona, 1970) es licenciada en Geografía e Historia por la Universidad de Barcelona. Máster en Gestión Cultural por la Universidad de Barcelona y Posgrado en Dirección de Organización y Recursos Humanos por UManresa-UAB. Ha trabajado siempre en el ámbito de la gestión cultural. Actualmente coordina los programas de literatura y conocimiento del Ayuntamiento de Manresa, donde destacan el festival literario Tocats de Lletra, el proyecto Cosmògraf y la plataforma digital Manresa Ciutat Àgora. Ha publicado: Perifèries (Premi de Poesia Creu Verda de Montblanc 2016), Intercity (XXXVIII Premi de poesia Senyoriu d'Ausiàs March 2017), Zero (18è Premi Literari Betúlia de Poesia Memorial Carme Guasch. Premi Ciutat de Badalona 2018), Els ostatges (Premi Francisco Brines de Poesia 2023).
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José Pastor González regresa con un nuevo poemario en el que vuelve sobre los temas y motivos que definen su labor poética. La ciudad como ratonera en la que el ser humano lucha por sobrevivir, y un mundo rural desnudo, áspero y duro, alejado de bucolismos y visiones impostadas. Un rabioso grito de libertad, en el fondo y en la forma.
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Como cuando en el día de fiesta, para ver el campo sale el labriego a la mañana, cuando de la noche calurosa cayó la tregua del rayo todo el tiempo.
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Un passeig a través d'una geografia i un temps a la vegada íntim i generacional. Està estructurat en cinc parts que s'obren amb un poema llarg amb vocació periodística que s'anomena ''Crònica'', relat d'uns fets objectius que han estat seleccionats per a crear un itinerari personal. Aquestes cròniques abasten les dècades que van dels anys 60 a l'actualitat, fets històrics que a través del record han marcat la vida del jo poètic: l'arribada de l'home a la lluna, l'assassinat de John Lennon o els atemptats de les Torres Bessones. La part més lírica són poemes curts, un concentrat d'evocacions i sensacions que remeten a les vivències de l'autora a través de l'eix temporal emmarcat del naixement a la maduresa.
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Toda mariposa piensa que exagera y se debate entre abrirse -y dejar que el viento mueva sus colores en el estruendo de sus dos alas batiendo- o cerrarse en cuchillo y mirar de frente al sol. Los poemas de Platón y asalariados son retratos que exceden los límites de su demarcación para contarnos otra historia. Un lugar en el que Giovanna degli Albizzi o Peter Brueghel conviven con numerosos seres y animales que logran conmover y extrañar, desde sus quehaceres cotidianos, al lector. Un mundo en el que ''las ramas decidieron adoptar/ las teorías de Fibonacci'', o los vencejos asisten con regularidad a los oficios litúrgicos, y donde cada cual debe enfrentar la más dura y placentera ocupación: vivir.
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«Mirar y pensar son dos cosas diferentes», dice Antonio Cabrera en este libro. Pero uno tiene la impresión de que toda su obra, la que ha escrito en prosa (El desapercibido) y la que ha escrito en verso (En la estación perpetua, Tierra en cielo, Piedras en el agua, Corteza de abedul) es un intento de unir ambas acciones. Antonio Cabrera discurre en estas páginas, nacidas sin prisa ni necesidad, por el tiempo (el año de la tierra, el minuto de la luz), como si fuera un lugar, lo mira como si fuera un paisaje. Así, espacio y tiempo, las dos coordenadas de la vida humana, adquieren un nueva dimensión, abarcable solo por la mirada del poeta o el discurso del filósofo, ahora devuelto al lector con un lenguaje luminoso y firme. Cabrera nos habla de cosas sencillas, cosas muchas veces vistas o sentidas (ver volar vencejos, colgar un cuadro, buscar espárragos o poner la lavadora), y no solo las renueva ante nuestros ojos sino que les da una dimensión distinta. Sus palabras nos incumben porque hablan de partes de nuestras vidas a las que nunca les hemos dedicado una fracción de pensamiento.
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Dos obras maestras de uno de los dramaturgos más grandes de la literatura universal.Molière, el mejor comediógrafo francés de todos los tiempos, llevó a escena la crítica de su sociedad en un momento en que Luis XIV pretendía hacer de su corte un espacio de civilidad, el cambio que quería imprimir a su reinado tuvo en el dramaturgo un agente que reprobaba por primera vez desde el escenario costumbres como el poder omnímodo de los padres sobre los hijos, la falta de libertad de las mujeres a la hora de elegir marido o la hipocresía tanto religiosa (El Tartufo) como social (Don Juan). Las preciosas ridículas le ganó el favor de Luis XIV, el rey vio en el comediógrafo una posibilidad para difundir desde el escenario nuevos comportamientos sociales que ayudaran al cambio que pretendía. La comedia ridiculiza el movimiento de las «preciosas», que trataban, desde los salones aristocráticos, de imitar el lenguaje de esos ambientes. El éxito fue tan inmediato y rotundo que hizo de Molière en ese momento un «colaborador» de las intenciones reales. Con Los enredos de Scapín el dramaturgo volvía, tras El Tartufo, Don Juan y El misántropo, a la comedia-farsa, con un criado enredador que heredaba la comicidad de la commedia dell'arte. Sus intrigas logran cumplir los deseos de sus «protegidos», dos jóvenes enamorados que solo quieren salvar su amor, burlando los intereses matrimoniales de los padres.
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La poesía de Nawjan Darwish es ajena a todo patetismo y autocompasión, y está, por el contrario, provista de ironía, humor y una conmovedora familiaridad con todo lo que nombra. El poeta explora una eternidad permanentemente despedazada, como si hubiese un dios subyacente, no nombrado, que se complaciera en hilvanarnos sufrimientos y desgracias. El poemario está compuesto por siete partes, todas ellas atravesadas por personajes que se presentan exhaustos en infinidad de cruces levantadas en infinidad de lugares. Expulsados de su tierra ancestral, permanentemente sitiados y perseguidos, hacen presente al lector de que, en esta tierra de víctimas y victimarios, de desplazados y desaparecidos, todos los demás somos sobrevivientes.
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Por primera vez en un solo volumen, la poesía de Cristina Rivera Garza, una de las autoras más relevantes de la literatura contemporánea en español, ganadora de los premios Xavier Villaurrutia, José Donoso, Sor Juana Inés de la Cruz en dos ocasiones y Roger Callois, entre otros. «Advertencia: Cristina Rivera Garza es una escritora explosiva. Una diestra creadora de atmósferas, con un estilo poderoso, una lengua evocativa e indomable».Lina MeruaneEl adjetivo que mejor define la poesía de Cristina Rivera Garza, una de las escritoras más relevantes de la literatura mexicana actual, es «indómita». Porque quiebra los géneros con un sinfín de formas que van desde los posteos o los tuits hasta los textos comunales, los telegramas y las bitácoras, pero también porque rompe la sintaxis y hasta el mismo lenguaje. Estas profundas fisuras señalan ausencias: de cuerpos -más de cien mil personas han desaparecido en el lapso de dos décadas en México- y de palabras. Sus versos salvajes tejen nodos territoriales y afectivos, evocan corporeidades, juegan con la autoficción, construyen múltiples voces, tienden vasos comunicantes con su narrativa y están atravesados por las obsesiones que vertebran su obra: la violencia y la muerte, la enfermedad y el amor, el sueño y la razón. Son poemas que convierten a sus lectores en «traductores-detectives-cómplices» y que viven más allá de la página.La crítica ha dicho...«Una de las voces iberoamericanas más sólidas de hoy».Acta del jurado del Premio Sor Juana Inés de la Cruz «Advertencia: Cristina Rivera Garza es una escritora explosiva. Una diestra creadora de atmósferas, con un estilo poderoso, una lengua evocativa e indomable».Lina Meruane«Su escritura versátil y comprometida se ha convertido en las últimas décadas en referencia en el ámbito literario hispanohablante. [...] La suya es una voz poética, crítica y nómade, siempre improbable, inesperada y sorpresiva. Cada libro de Cristina Rivera Garza es una valiente aventura que conjuga contemporaneidad y atavismos».Acta del jurado del Premio Iberoamericano de Letras José Donoso«Leer la poesía de Cristina Rivera Garza nos hace temblar y rogar y conjurar y adorar y avizorar y fosforecer y decir qué hago con esto tan vivo y tan roto, tan mío y tan tuyo, tan real y tan incierto, tan querido y tan atroz».Sara Uribe«Una auténtica revelación en las letras hispánicas».Carlos Fuentes «Cristina Rivera Garza es una escritora alegórica».Marta Sanz «Una exponente única de nuestras letras».Juan Villoro «Sin lugar a dudas la mejor escritora mexicana del siglo xx y lo que va del xxi».Zenda«Una de las plumas más destacadas de la literatura latinoamericana».La Nación «Cristina Rivera Garza reta lo que se espera de una escritora, de una novela y del lenguaje mismo. Es una rebelde».Yuri Herrera «Leer a Cristina Rivera Garza es siempre sumergirse en la maravilla».María José Navia«Cristina Rivera Garza se ha consolidado como una autora de referencia en sus distintas vertientes: ensayista, narradora y poeta».María José Furió, Revista Mercurio
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El océano nunca ha tenido una biógrafa como Sue Goyette. Viviendo en la ciudad portuaria de Halifax (Nueva Escocia, Canadá), los días de Goyette están marcados por el hecho sustancial del Atlántico Norte, tanto por su presencia física como por sus connotaciones metafóricas. Y como muchos de los hechos abrumadores de la vida, nuestra conciencia de la importancia y el impacto del océano aumenta y disminuye a medida que el océano a veces acecha en el fondo, a veces se impone a nosotros, pero siempre, constantemente, es.En Océano Goyette elabora una especie de relato alternativo y apócrifo de nuestra relación con el océano.Océano recibió el premio Lieutenant Governor of Nova Scotia Masterworks Arts, uno de los más prestigiosos que concede el gobierno de esta provincia canadiense.
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Vicente Gallego (Valencia, 1963) ha publicado, entre otros, los libros de poemas titulados Cantar de ciego, Si temierais morir, Saber de grillos, Ser el canto, A pájaros y migas y Un gramo menos (haikus). Como ensayista se ha dado a conocer con tres libros acerca de la naturaleza original de la realidad: Contra toda creencia, Vivir el cuerpo de la realidad y Para caer en sí (Diálogos en torno a la palabra de Nisargadatta Maharaj). Desde hace más de veinte años, trabaja en la EMTRE como pesador de camiones de residuos urbanos.
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El nuevo poemario de la joven poeta Laura Ramos.«Antes de que comenzara el relato del mundo, dos personas se sentaron para hablar de los insectos», velan las primeras líneas del segundo poemario de Laura Ramos (Avilés, 1996). Desde ese momento se suceden personajes e historias varias, ligadas a la oralidad y a los orígenes de las cosas: expertos recolectores de remolachas sacan su jugo, robots fabricantes de libros se enamoran en su puesto de trabajo, gatos se cansan de sus melodramáticas dueñas. En el espacio del poema en prosa cabe todo: lo trágico y lo cómico, lo cómico y lo trágico. Y es que quienes cuentan esta historia bromean con acidez, o lloran mientras bromean, como es habitual en la vida. Una vida en la que, de todos modos, siempre pasan cosas bellísimas.
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María quiere que observe las ruinas. Me las muestra con orgullo: ''recuerdos de un pasado que no existe''. Me pasea entre los restos de conceptos gastados, como ayer y mañana, tú y yo. Sus poemas están hechos de materia imaginada, no sé si mienten para decir la verdad, o dicen una verdad tan desnuda que no puede ser nombrada. En sus poemas viscerales encuentro una lucha. María no es inocente, sólo víctima del ''crimen perfecto: un corazón roto''. Pero ella tiene los huesos. Me ruega que los mire bien. Me pregunta si yo también los he visto. Me mira ''con unos ojos que se parecen demasiado a los míos''. Me pregunto con ella si acaso se puede desconocer esta herida. En las manos de María, algo más jóvenes que las mías, encuentro un aprendizaje que llega un poco tarde: frente a lo inevitable de los sentidos, una escritora lo suficientemente incauta puede crear realidades indiscutibles. María se sacude la tierra de las botas y me pide que recuerde los poemas, que son todo lo que tiene. Quiere que recuerde, que nunca me olvide del futuro que no fue. ANA CEREZUELA
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El puro amor por las palabras y su música han llevado al autor a adentrarse en ese mar insondable que conforman, con la ambiciosa pretensión de rastrear el fondo de su sentido y desvelar sus misterios. A modo de tratado, de verbis -que es un libro único, de difícil clasificación- es un canto a las palabras y explora el latido de las cosas y los sentimientos que cobran más honda vida al decirse, pero también aborda esa otra cara de la misma moneda que es el silencio. Sabemos que somos lenguaje y que, sin nombres, el mundo se desmorona, pero acaso no tengamos la suficiente consciencia para advertir el poder que la voz ejerce sobre nosotros o el maravilloso entramado que urdimos al expresarnos, aunque sea con el pensamiento. Estas páginas destinadas a los enamorados de las palabras discurren por los cauces que la poesía dispone, y es a partir del milagro que los versos conciben desde donde se nos convoca con la intención de persuadirnos de que el idioma que abrazamos desde la infancia nos protege de las inclemencias de la vida y, a veces, hasta puede salvarnos. «De verbis interpela al lenguaje y pretende llegar al lugar de donde salen las palabras para conocer su poder y sus miserias. Esta obra está más allá de las clasificaciones convencionales, no solo de las que separan la ciencia y el arte, sino de las que separan el mito y el logos». Dionisio Espejo Paredes Un libro que es una máquina de pensar porque pone en marcha las palabras, interroga al lector y activa el pensamiento. Ginés Aniorte (Murcia, 1960) ha publicado en esta editorial los libros de poesía Cuanto quise decir (2004), Los azares (2006), Nosotros (2009), Pensar en verso (2010), Las condiciones del pájaro (2012), Liquidación por reformas (2013) y El barco de Teseo (2022). Asimismo, ha publicado la novela Los caminos de tu nombre (2018) y el libro de memorias Angelina (2022).
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Libro de las ausencias es un canto homenaje a los antepasados, en un solo texto poemático compuesto de fragmentos de variable tamaño, separados por lo que podríamos llamar «descansillos», también de amplitud variable, representada en la medida de los espacios en blanco. Las pausas son en unos casos divisiones significativas, en otros apoyaturas del planteamiento musical y, las más de las veces, contemplativas, viscerales, meditativas y de cambio de yo poético. Porque hay más de un personaje que habla desde la primera persona, y otro colectivo, en cuyo nombre acaso se habla. Cada silencio es un silencio distinto.«Salgo de la espuma de mi yo». Esta frase, a poco de empezar el texto, muestra la metamorfosis que intenta el narrador, que habla desde la tercera persona, para en la siguiente frase poética [«Canto el pasar de unos hombres vulgares»] revelar la verdadera intención que le mueve, reafirmándola e implementándola con «¡Ay! Lloro yo el anuario de su fatiga…» un versículo más adelante.Libro de las ausencias tiene un planteamiento narrativo. Los hechos del pasado, el tiempo del reconocimiento. Así va fluyendo el poema: de la mano de alguno de los actores y del narrador colectivo, una mirada hacia atrás que quiere ser de exposición de una realidad, de enumeración de datos que constituyeron una etapa de lucha, fatigas, de fiestas a pérdidas y vidas nuevas. Puede parecer anacrónico el revoloteo, como extraviado, de una ausencia ocurrida fuera de tiempo. El vaho del subconsciente puede acarrear vetas de racionalidad de imposible e innecesaria definición.
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Hasta hace muy poco tiempo, los estudios sobre la vida de María Rosa de Gálvez (¿1768?-1806) se reducían a unos pocos datos, siempre repetidos, algunas maliciosas suposiciones y no pocas habladurías. A principios del siglo XX, algunas aportaciones abrieron nuevas perspectivas sobre su figura, pero ha habido que esperar hasta el XXI para que estudios detallados y en profundidad descubrieran tras ella una fascinante personalidad. Autora de una obra cuya cuidada edición en la Imprenta Real requirió de tres tomos, representa una figura destacada entre las escritoras en lengua castellana, en especial por la riqueza y calidad de sus tragedias, que dedicó a menudo a personajes femeninos, tal y como lo prueban las tres que se recogen en este volumen: ''Safo'', ''Blanca de Rossi'' y ''Zinda''.
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Un libro único en el que la ganadora del Premio Pulitzer y del Pen Hemingway da voz a una misteriosa escritora cuyos poemas cuentan una vida sospechosamente parecida a la suya. En el fondo del cajón de un escritorio de su casa de Roma, la autora halla algunos objetos olvidados por sus anteriores dueños: sellos, un diccionario griego-italiano, botones, postales que nunca se enviaron, la foto de tres mujeres de pie frente a una ventana y un cuaderno fucsia con el nombre de «Nerina» manuscrito en la cubierta. ¿Quién es esa mujer sin apellido? Como una poeta clásica o medieval, o como una misteriosa artista del Renacimiento, Nerina escapa a la historia y a la geografía. Apátrida, políglota, culta, escribe en su cuaderno poemas excepcionales y cotidianos sobre su vida entre Roma, Londres, Calcuta y Boston, sobre su vínculo con el mar, con su familia y con las palabras, y en ellos Jhumpa Lahiri vislumbra una identidad. Entre ella y Nerina, cuya existencia se confía a los versos y a muy pocas pistas más, existe la misma relación que une a ciertos poetas modernos con sus dobles, que a veces fingen ser otros autores, comentan poemas que pretenden no haber escrito o aparentan ser simples lectores. La escritora se convierte en lectora e incluso invoca la intervención de una misteriosa erudita para que le ayude a ordenar ese ovillo de estrofas y vidas que no son las suyas, pero que muy bien podrían ser las nuestras.La crítica ha dicho...«Lahiri juega con las identidades como Pessoa, [...] con una geografía más sentimental que biográfica, que oscila entre los roles de madre-hija-mujer y las edades de la vida».L'Espresso «Un juego literario. Un magnífico apócrifo. [...] Un uso perfecto, cuidado y minucioso de la lengua».Corriere del Ticino «Hay todo un mundo filológico dentro de El cuaderno de Nerina [...] un misterio hecho de cartas y de poesíaDomani«Lahiri desnuda la propia esencia de las palabras como un acto de fe en los sonidos y en las imágenes con las que intentamos captar y recrear la realidad».Corriere della Sera «Un paisaje del alma que atrapa las señales de nuestra historia. Una poesía intensa y madura».SuccedeOggi «Una autora de una elegancia y un aplomo extraordinarios».The New York Times«La más importante y premiada voz literaria de este joven siglo».Domani «Su propuesta poética mantiene firme la mirada sobre pequeños gestos que acaban conformando una sutil cartografía urbana, una estela desde la que poder interpretar la vida, en sus diversas formas».Zenda«Jhumpa Lahiri ha emprendido un camino en el que todo es nuevo y conocido a la vez».Aloma Rodríguez, Diari de Tarragona «Una voz que posee una rara capacidad para ahondar en el alma humana».Tutto Libri «Citando a DanteAlighieri, si uno busca en la literatura una vita nova que le ayude a comprender mejor su existencia, Jhumpa Lahiri es la compañera de viaje ideal».Io Donna
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La guerra civil y los primeros años de la dictadura franquista atravesaron la vida y la obra de Miguel Hernández. Por su evidente reflejo en lo que escribió -a raíz del golpe de estado planteó un viraje en su obra, hasta entonces al margen de las motivaciones políticas- y por sus consecuencias en su propia biografía: la afiliación al PCE en los días iniciales de la guerra, su nombramiento como comisario político y su presencia activa en varios frentes, su viaje a la URSS y más tarde, iniciada la dictadura, su detención y condena, su encierro en varias cárceles y su muerte por tuberculosis en el penal de Alicante. Miguel Hernández pasaba el verano de 1936 en su Orihuela natal. Trabajaba en Madrid con José María de Cossío, colaborando en los proyectos editoriales del escritor, y había logrado introducirse en los círculos culturales de la época: acababa de publicar su libro de poemas El rayo que no cesa, contaba con la amistad de Vicente Aleixandre y la admiración de Juan Ramón Jiménez. La guerra transformó su escritura: mantuvo el diálogo con los clásicos del Siglo de Oro -en sus poemas y obras de teatro no ''rebaja'' la exigencia lingüística- pero se abrió a otros asuntos, priorizó lo que considera urgente, y se inició en la escritura de artículos de opinión y crónicas periodísticas. Libro de la guerra es una antología que, a partir de la propia obra de Miguel Hernández (poesía, cuentos, teatro) y otros textos personales relacionados de forma directa o implícita con la guerra civil, como cartas, documentos y fotografías, recorre la profunda transformación ideológica y literaria que sufrió el poeta conforme el conflicto iba ganando terreno en España. La meticulosa edición y el prólogo de la misma ha corrido a cargo de la escritora, poeta y editora Elena Medel.
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La poesia de Montserrat Costas fa màgia amb la quotidianitat. És un laberint de miralls que deformen o estilitzen el nostre pas pel món, tot fent burla de la voràgine en què estem immersos. La seva ploma té vocació d’estilet, de ganive- ta, de bisturí. Anatomitza aquesta modernitat que hem construït i que alhora és ratera de les nostres existències. I és que aquí ja ningú es deslliura de Morir en hora punta.
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La extraordinaria y desconocida obra poética de Fernando Aramburu.Sinfonía corporal ofrece, reunidos, los seis libros de poesía que Fernando Aramburu escribió entre 1977 y 2005, obras casi desconocidas pero memorables de un autor que, pese a cambiar los versos por la prosa, nunca ha dejado de ser un poeta refugiado en la novela, el cuento, el ensayo y la columna periodística. Leídos ahora, los poemas de estos libros, en la actualidad inencontrables, sorprenden por su extraordinaria calidad. En ellos afloran el inconformismo como primer guía literario, las reflexiones sobre un entorno social injusto y violento, o el compromiso contra la crueldad política, pero también la sensualidad y el amor. La edición corre a cargo de Francisco Javier Irazoki, gran conocedor del corpus literario de Fernando Aramburu, guiado por el convencimiento de que estos poemas ensanchan y hacen más grande su obra. Como asegura el editor en el epílogo: «Sinfonía corporal es un fragmento mayor, importante, que completa la imagen literaria de Fernando Aramburu», un autor cuya intensidad poética «no se ha detenido o remansado. Continúa fluyendo con fuerza en otros cauces».
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Bruc en flor és un poemari de Florbela Espanca publicat immediatament després de la seua mort. Està considerat el llibre més personal de l'autora. Hi excel·leix mercès a la condensació semàntica, temàtica i estilística del poema i del recull, concebuts com un Tot. El poemari es basteix a partir de la remembrança hedonista i apologètica, profana i carnal, de l'amor. És una hagiografia biogràfica i un balanç de gran veracitat en què el jo poètic evoca els moments viscuts, des de la consciència, inevitable, del guany i de la pèrdua. És una exaltació sense embuts de la vida a través dels sentits, una holística del cos, una sublimació de l'amor fins a les últimes conseqüències. És a Bruc en flor on millor es percep la intensitat poètica i vital de Florbela. S'hi mostra amb tota la nuesa, sincera, única, inconfusible... Molts dels poemes del recull constitueixen veritables fites de la poesia portuguesa contemporània.
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En esta antología de poesía de las voces imprescindibles de la poesía joven actual tomamos la mano de 18 de las poetas para dar un paseo por el Museo Nacional del Prado, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.Nos detendremos donde ellas y ellos se detengan, frente a pinturas barrocas, composiciones cubistas o inquietantes acuarelas vanguardistas. Nos recitarán sus poemas frente a las obras enmarcadas y seremos parte de un juego de voces en el que desde el pasado preguntan y en el presente contestan, y al contrario también.Con poemas de Sara Torres, Rodrigo García Marina, Carla Nyman, Berta García Faet, Pol Guash o Ángelo Nestore.
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De tripas corazón de Lucía Patiño es un libro conmovedor, lleno de fuerza, de tristeza, de ternura, de ironía. Es un libro sobre la materia que somos, en donde las palabras son ''la luz al final del poema'', es decir, en donde la poesía es la manera que encuentra la poeta de habitar un cuerpo frágil, quebrado, con una piel rota y unas palabras que también se parecen a la piel, pues logran cicatrizar las heridas. Estos poemas son las cicatrices, o la marca de esa fortaleza en la fragilidad. Es un libro sobre lo que es tener cuerpo, un cuerpo enfermo. Sobre el dolor físico. Sobre la brecha entre la poesía y el lenguaje médico, aparentemente objetivo, científico, que también se llena de potencial poético al pasar a través de esa conciencia doliente. Porque el dolor es único e intransferible. Y es lo más humano, lo que nos hermana. Allá donde el dolor no se entiende, la palabra llega a preguntarse si somos nuestro cuerpo, o nuestro nombre, o algo a medio camino entre nuestra materia y nuestras palabras, si somos nuestra voz. Esta es una voz que pasa a través del dolor y lo transforma, lo convierte en poesía. Aquí la poesía nos sacude. Nos ayuda a sanar.
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La niña no podía hablar. Su padre se había marchado llevándose las palabras. Llegar a decir sorteando el silencio es una posible definición de la poesía. Pero la niña, Marina Oroza, no supo hasta mucho después que su padre era Carlos Oroza, el poeta beatnik español. Mucho tiempo después, dueña de una voz de poderosa personalidad, empezó a buscarle. Este libro es el fiel testimonio de ese ajuste de cuentas y de cuentos.
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Benjamín Prado (Madrid, 1961) es autor de nueve libros de poemas, entre los que destacan Cobijo contra la tormenta, Marea humana o Ya no es tarde, once novelas, entre ellas las de la serie protagonizada por el profesor Juan Urbano, varios ensayos y tomos de aforismos. Sus obras se han publicado en veinticinco países. «Un libro para el disfrute del lector, un libro de poesía de primera clase». Túa Blesa, El Cultural «En Paradero desconocido, que tiene algo de ejercicio existencial, de simbiosis y fotosíntesis y de intercambio de roles con el lector, Benjamín Prado, autor de algunos de los versos fundamentales de la poesía en español de las últimas décadas, ofrece poemas afilados, que se clavan y causan temor, siempre trazando una ecuación entre la imagen certera y el relato sumergido en el poema». Guillermo Balbona, El Diario Montañés «Sólo los diez enormes poemas con que empieza el libro ya justificarían sobradamente su lectura: diez estaciones de paso en las que Benjamín Prado refleja el transcurso del tiempo, un recorrido absolutamente emocionante en el que poco se deja atrás este madrileño que intenta esquivar los espejismos de nuestra existencia». Ramón Rozas, Diario de Pontevedra
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Poesía como resultado de una vida, como medio o recurso o triquiñuela para infiltrarse en las emociones y en la luz.Poesía hay que celebra, que canta y loa, exultante, poesía, también, que rabia y que denuncia, o se rebela, poesía, finalmente, que sufre y se lamenta.Posiblemente todo esto encontrarás en Los niños de la gloria, alborozo y desazón y daño, nostalgia y pena, no como fin, sin embargo, sospecharás enseguida, sino como medio o recurso o triquiñuela para infiltrarse, mañosamente, en el querer saber, indagar en lo que airosa, heroica, castigadamente somos, recorrer por las venas de la luz y de la sombra las rutas que acaso lleven al origen de la carne y de aquel vuelo terrenal, última patria, que aquel dirá albur, impulso éste, algunos alma.Nada se afirma en estos versos, sino que todo es un si y un quizá, una entelequia o viso, o imaginación, el columbrar, como mucho, de un horizonte, un principio, un transcurrir por estos arduos jardines florecidos, espinosos, de la vida. Eclipses y apagones, esparcirses y pavesas, oreos, evaporaciones, lo que pudiera ser o ha sido, más que lo que es, el tiempo de otra hora, los espacios que habitan el espejo.Hallarás, pues, en estos versos, el ciego adivinar, un algo zahorí, de la busca y el tanteo.
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Esta antología de Ana Merino indaga en temas como la existencia y el paso del tiempo, compartiendo reflexiones e intuiciones donde se dibuja la complejidad de las emociones y el trazo de los presentimientos. Una propuesta comprometida con el ingenio, llena de espacios luminosos que van trazando un camino de huellas personalísimas y estimulantes. Una poesía donde las ideas alimentan la imaginación dando aliento a personajes, atmósferas y tramas. En estos poemas están los paisajes de la naturaleza, las sirenas, las brujas, los magos, los niños perdidos, los seres desamparados, el doble, los soldados, los náufragos o las pioneras. Habitan en ellos la niñez y la mirada esperanzada llena de los mejores propósitos que se interrogan una y otra vez sobre el deseo, la efervescencia de la vida y sus misteriosos.
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Poesía sobre el afán de conocernos a nosotros mismos, sobre las inevitables preguntas que nos hacen humanos. Poesía al fin y al cabo sobre el deseo, la luz, o el dolor.El poemario que tienes entre tus manos ha supuesto un importante ejercicio de inmersión en las aguas profundas de la voluntad y en su memoria más íntima, hijo del tiempo de lo ineludible, del deseo y su aliento, fruto de la piel y sus grietas. Poesía por tanto de mi funeral y mi bautismo. De eso hablan estas estrofas. Es la poesía de los vasos comunicantes, la que conecta los extremos.Los poemas que se hayan aquí reunidos son consecuencia directa del anhelo. Anhelo por comprender el misterio que se cierne sobre nosotros, sobre un cuerpo y un espíritu invadidos por la emoción más viva. En esta ofrenda están los espejos y las nubes que llenan mis días, los interrogantes y el grito. Sí, también el grito. El canto de una caracola que entrego como el bien más preciado al que me aferro: la voz interior. ¿Puede acaso un verso venir de otro legítimo lugar?En la escucha de esas voces interiores, a veces escondidas sobre las regiones más sencillas, sobre la cotidianidad de los objetos y su grandeza, otras apostadas en la carne más despierta y voraz, he ido trasladando el eco de mis letras al papel. Al concluir el poemario, el papel fue convirtiéndose lentamente en cuerpo de semilla. Una simiente que emite todavía intacta, desde el núcleo del ámbar milenario en el que quedó atrapada, el mensaje cifrado de su condición.Simiente de ámbar es el trazo del animal sobre la arena. Un animal que se resiste a silenciar su humanidad. Podría decirse pues, que si yo soy piedra, estos versos son los líquenes que, aferrados a mí, comparto en su total desnudez.
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Poemas de piedra seca. Cuidada sucesión de versos y fotografías sin más argamasa que la dimensión diaria de cierta desesperanza, el recuerdo emocionado del padre, una leve amenaza de abismo cotidiano, la magnitud real de lo inconsistente, el eco de las palabras de Carver que eligen la voz del poeta para multiplicarse. Luis Carlos Marco Bruna.
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