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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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El libro que consagró a Sara Búho como una de las poetas más reconocidas de su generación en una nueva edición ampliada y supervisada por la autora. Y yo a ti es un salto vacío que habla de la madurez de una voz joven que se cuestiona cada paso. Construido como un itinerario que comienza con una huida y termina en una reivindicación del silencio como una explosión íntima y necesaria, los versos de Sara Búho atraviesan las diversas emociones e incertidumbres por las que transita alguien que crea desde su experiencia interior: el bienestar, el miedo al futuro, lo incomprensible del amor, la autosuficiencia o la posibilidad de acariciar los sueños con las manos. Es un libro de poemas en los que la voz de la autora olvida el pasado y lo deja atrás, para tomar decisiones. En palabras de Benjamin Prado, la poesía de Sara Búho «se va abriendo paso porque sus versos hacen buenas preguntas sobre la identidad, el deseo o el abandono, indagan quién es esa gente que deja huellas con nuestras manos en el lugar del crimen o dudan si la nostalgia es el amor a las heridas, y por eso no podemos dejar de pensar en quienes no nos dieron motivos para echarlos de menos».
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Uno de los grandes embajadores de la lengua española arma una monumental antología de la poesía en nuestra lengua. «Los más de los poetas y poemas que aparecen en las páginas que siguen llegan a ellas con la impecable ejecutoria de hidalguía de una sostenida influencia en otros creadores y en otros textos, una opinión crítica unánime y la evidente predilección de los aficionados. A decir verdad, mi tarea ha sido fundamentalmente ir a buscar en las ediciones de mayor solvencia esos poemas y esos poetas estrictamente clásicos y traerlos aquí en la más amplia medida que permitieran las dimensiones del volumen. Las introducciones a cada autor y a cada texto hilvanan una no tan pequeña historia de la creación poética en España desde las jarchas hasta nuestros días.» «En los horizontes de la poesía española, hay, con todo, zonas de penumbra: períodos sólo frecuentados por unos cuantos especialistas, autores -también ellos- de dudosa reputación, rescates tardíos y minoritarios... Es en esos claroscuros donde quizá se encuentre (y se excuse) una intervención mía más personal y donde me habría gustado ofrecer al común de los lectores una selección tan orientadora como gozosa.» FRANCISCO RICO
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La imponente e imprescindible obra poética de Sylvia Plath, considerada hoy una de las más importantes de la segunda mitad del siglo XX, es a la vez reflejo de su atormentada y trágica existencia y de su inmenso y desesperado amor no correspondido por la vida. El legado de una mujer que supo caminar de una manera heroica por ese abismo aterrador, atravesado por las sendas solitarias de la belleza y la locura, que se abre siempre ante la inteligencia y la sensibilidad para ensanchar los horizontes del arte y de la vida humana y dejar sus más grandes creaciones. Se incluyen en esta nueva edición de su poesía, traducida al castellano por Victoria León, los 244 poemas que la autora escribió a partir de 1956 hasta el final de su vida, así como otros cincuenta textos escogidos entre sus trabajos juveniles. Sylvia Plath nació en Boston en 1932, quedó huérfana de padre a los ocho años y creció con su madre, su hermano y sus abuelos maternos. Mostrando desde muy pronto su talento y su pasión por la escritura, estudió en el Smith College, la universidad femenina ubicada en Northampton (Massachusetts), y en 1955 fue a la Universidad de Cambridge con una beca Fullbright. Allí conoció al poeta británico Ted Hughes, con quien se casó poco después. Regresó a Estados Unidos en 1957, donde estudió con Robert Lowell, y en 1960 publicó su primer libro de poemas, El Coloso. De vuelta a Inglaterra, publicó Ariel, en 1962, y su novela autobiográfica La campana de cristal. Puso fin a su vida en Londres en 1963. Tras su muerte, Ted Hugues reunió su poesía en un volumen por el que Plath recibió el Premio Pulitzer a título póstumo en 1981.
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POETA BESTSELLER DE THE NEW YORK TIMES Una reconfortante colección de poemas y reflexiones sobre el poder de querernos a nosotras mismas. ¿Cómo encontramos la estabilidad en nuestro interior, en medio de los vertiginosos cambios que experimentamos como personas y que experimenta el mundo? En un momento en el que muchas de nosotras nos sentimos desubicadas, Donde el amor empieza nos brinda unas palabras íntimas y optimistas que nos anclan, nos nutren y nos acompañan. Cleo Wade nos explica que nuestro objetivo no es evitar los momentos difíciles -períodos de desorientación, dudas, tristeza, dolor y ansiedad- y que vivir significa perderse. Tenemos la responsabilidad, pero también el enorme privilegio, de aprender a querernos para poder hacer frente a estos períodos y que nuestro malestar no suponga un freno a nuestra sanación. Donde el amor empieza nos recuerda que estar perdidas no es un estado permanente, sino un punto de partida hacia el autodescubrimiento, la conexión y el crecimiento personal. --- «Donde el amor empieza es una recopilación de poemas e ideas que me permitieron avanzar. Me permitieron pasar de un estado de ánimo a otro. Me permitieron pasar de una decisión basada en el miedo a una elección fundamentada. Me permitieron pasar de una espiral frenética a un momento de pausa. Me permitieron pasar de la vergüenza y la confusión al amor y el bienestar. Estas palabras me ayudaron a llegar a un nuevo lugar cuando más lo necesitaba. Me ayudaron a aceptar el cambio y a reencontrarme con mi propia luz tras llevar mucho tiempo perdida en la oscuridad.»Cleo Wade
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Si las sucesivas generaciones de lectores han seguido volviendo una y otra vez a la Odisea es porque esta historia de una errancia sin final, guiada por el imposible anhelo de una casa segura en la que fondear, es la historia de todos nosotros.Si los antiguos podían atribuir a los dioses el trágico destino de Ulises, a los modernos ya solo les cabe culparse y destruirse a sí mismos. ¿Cómo leer hoy, en un mundo sin épica, aquel poema inicial, cuyo ritmo y repeticiones obedecían a la divinidad? Solo es posible después de reconocer que aquel mundo ya no nos pertenece y que toda imitación arqueológica es inútil.Esta edición lo hace recurriendo al léxico popular y la voz poética de nuestra propia tradición castellana para devolvernos una bella versión, que rescata para el lector de hoy lo que la obra homérica tenía de Poema.
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Viento fuerte se estrena en el Teatro Español el 19 de diciembre de 2024 y estará en cartel hasta el 2 de febrero de 2025. La dirección corre a cargo de José María Esbec. El teatro es la forma de escritura que encumbró a Fosse como autor excepcional. Escribió más de treinta obras a ritmo vertiginoso y saltó a la fama en los escenarios de París y Berlín. Después de su gran obra narrativa ''Septología'' volvió con ''Viento Fuerte'' en 2021 y en 2024, después de recibir el Premio Nobel, se representa en los escenarios su nueva obra Einkvan. El teatro de Jon Fosse se lee como una obra narrativa o su obra narrativa se lee como teatro. Los dos géneros se difuminan en la escritura del nobel. En este primer tomo de su obra teatral en español, Cristina Gómez Baggethun ha hecho una selección bajo supervisión del propio autor. En ''Soy el viento'', el Uno y el Otro están en una barca, en la inmensidad del mar. En el puente, los personajes comparten un aguardiente, beben en silencio y se preguntan sobre el sentido de la vida que navega sin rumbo fijo. ''Viento Fuerte'' gira alrededor de un extraño triángulo amoroso. El tiempo y el espacio se desintegran. En un apartamento del decimocuarto piso, el viento sopla y la ventana cae lentamente al vacío. Un poema sobre el amor y la soledad. ''Viento fuerte'' nos lleva a presencias más allá de la realidad. En ''Invierno'', una mujer y un hombre se encuentran de vez en cuando en una ciudad a donde el hombre llega en un viaje de negocios. Una conexión temporal amenazada por un final abrupto o un trastorno radical. ''Sueño de otoño'' es una historia de amor y un drama familiar. En un momento aparentemente fortuito, un hombre y una mujer se conocen en un cementerio. Se conocieron en una vida pasada y tal vez sentían nostalgia el uno por el otro.
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Los protagonistas de este libro sienten que han perdido la libertad para ordenar su propia historia dentro de otra historia que es mucho más grande que ellos mismos. La madre celosa del tiempo que su empleada de hogar pasa con sus hijos, el adolescente vigoréxico obsesionado con construir un cuerpo que lo convierta en mejor persona, el anciano judío homosexual que llora abrazado a los jerséis de su amante cuando se le rompe la lavadora... y la vida. Una colección de personajes que luchan por encajar en el relato de sus propias vidas, héroes y fracasados al mismo tiempo. Labari indaga en estos cuentos en el deseo, la diferencia de clase social o el racismo, y en las carencias de todo tipo que nos impiden descifrar nuestra identidad sin atender a dogmas o a recetas. Al contrario, enfrenta el peligroso deseo de reunir lo que es distinto a través del lenguaje y se lanza a escribir desde fronteras, palabras e idiomas nuevos.
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Hilario Barrero (Toledo, 1944). Ha publicado los poemarios In tempore belli, Libro de familia, Educación nocturna y Tiempo y deseo. Ha traducido, entre otros, a Jane Kenyon, Ted Kooser y Henry James, y acaba de publicar El escondite inglés, antología bilingüe de poesía en inglés y la traducción de los Sonetos de William Shakespeare. Es autor de nueve volúmenes autobiográficos, entre los que destacan Días de Brooklyn, Nueva York a diario o A quien pueda interesar. Dirige Cuadernos de Humo. «Hay libros que son más que un libro, que por breves que sean compendian una vida, una época, un saber sobre el mundo. En Tarja, al barroco desengaño de las postrimerías se suma una historia ''de amor constante más allá de la muerte'' y una celebración de los instantes felices que fueron y nunca dejan de ser en la memoria. Hilario Barrero, que nació en la imperial Toledo, que conoció los rigores de una España que había vuelto a las negruras de la Contrarreforma, encontró el amor en la Barcelona libertaria de los años setenta y pasó la mayor parte de su vida en Nueva York enseñando poesía española y traduciendo poesía inglesa». José Luis García Martín
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El malalt imaginari
Molière era el pseudònim amb què Jean-Baptiste Poquelin (París, 1622-1673) signava les seves obres. No únicament va ser un gran dramaturg sinó també un gran poeta i actor, que va interpretar moltes de les seves pròpies creacions. El personatge central d’,El malalt imaginari és Argan, un home sa que es pensa que està malalt, i que està tothora consultant els metges. Tanta obsessió té amb la seva salut, que pretén que la seva filla Angèlica es casi amb un metge. Ella s’,hi nega, ja que està enamorada d’,un jove que ha conegut pocs dies abans. Toneta, la criada de la casa, s’,empesca un pla per evitar el casament.
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Romeo y Julieta ha mantenido plena vigencia desde la primera vez que fue representada, ya que trata, al igual que el resto de obras de su autor, de un tema universal, en este caso el de los obstáculos que deben vencer los amantes cuando pertenecen a familias enfrentadas. Esta obra fue escrita en 1597 por William Shakespeare, quien suele ser considerado el más grande dramaturgo de todos los tiempos.
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Mientras Franz Kafka pasea por Berlín, oye a una niña llorar desconsoladamente porque ha perdido a su muñeca. Para intentar calmarla, se le ocurre una idea: hacerse pasar por el cartero de las muñecas y decirle que la suya en realidad no está perdida, sino que se ha ido de viaje. Este es el punto de partida de una historia emotiva que mereció el Premio Nacional de Literatura Infantil y Juvenil.
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Constantino Molina (Pozo-Lorente, Albacete, 1985). Es autor de los poemarios Las ramas del azar (2014, Premio Adonáis y Premio Nacional de Poesía Joven), Silbando un eco extraño (2016, Premio Institución Alfons el Magnànim) y Cingla (2020, Premio de Poesía Hermanos Argensola). En narrativa ha publicado El canto de la perdiz roja en interior. Además, desarrolla su labor literaria en escritos sobre arte plástico que le han llevado a colaborar de manera asidua con artistas y galerías. El presente libro constituye una suerte de entremés en la trayectoria poética de su autor. Cerrado un ciclo compuesto por sus tres anteriores poemarios, en los que el hallazgo poético se forja a través de lo intuitivo y una metafísica de lo rural, y trabajando ya en los nuevos poemas que formarán su siguiente ciclo, este Premio Cervantes, con intención de entreacto, se sirve de uno de los temas más arquetípicos y manidos de la poesía, el amor, para ofrecer un juego en el que lo popular, la emoción y una interpretación distante y reflexiva sobre ese gran tema se dan la mano en busca de un público que muchas veces no demanda sino eso: más amor y menos entelequias. C. M.
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Nabí
Nova edició d'un dels llibres essencials de Josep Carner.El poema bíblic Nabí (1941), sobre la peripècia del profeta Jonàs, és generalment reconegut com l'obra mestra de Carner i un dels monuments indiscutibles de la literatura catalana. Aquesta edició presenta el text del poema tot sol, sense crosses que condicionin el lector a l'hora d'afrontar-ne la lectura. En el nostre esperit, on ningú no el destria, al dellà de cent cambres Déu nia, i l'home de sa casa s'ajeu en el llindarcom un servent, com un ca.
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El zoo de vidre
Dos germans, Tom i Laura Wingfield, un baliga-balaga idealista i una noia apocada, conviuen en un pis de mala mort amb la mare, una dona manefla i possessiva que enyora la seva esplendorosa joventut, per bé que fa anys que el marit l'ha abandonada. El noi treballa en un trist magatzem, i la noia s'està a casa i dedica la major part del temps a la seva col·lecció de figuretes de vidre. L'arribada d'un possible pretendent per a la jove trastoca de sobte el dia a dia de la família i en destapa, alhora, la infelicitat més pregona. Només un talent fora mida com el de Tennessee Williams podia mostrar amb tanta exactitud, com fa en aquesta obra, la fragilitat dels éssers humans i la cara més llòbrega del somni americà.
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Una maravillosa sorpresa: dieciocho relatos autobiográficos del Premio Cervantes. A sus ochenta y seis años, Álvaro Pombo aborda la autoficción mediante dieciocho evocaciones en las que revive personas, espacios y experiencias que moldearon su carácter e inspiraron su literatura.El Premio Cervantes se somete a un examen retrospectivo sin corsé ni ambages que desemboca en una fuente de patrones y arquetipos pombianos: la idiosincrasia de sus padres, bautizados como «los señores». La frontera entre la intimidad del hogar y el contraluz de la ejemplaridad. Los personajes secundarios que no solo influyeron en su naturaleza, sino que también dotaron de rasgos y alma a sus personajes. Los paisajes como estado de ánimo, con Santander como centro del mundo. Los escolapios, los jesuitas y el instituto preuniversitario. La filosofía y el despertar literario. Las andanzas londinenses. Los misterios de la figura materna, del amor y de la luz final.Pombo vuelve a enhebrar su obra a través de la vida para coser la realidad con lo imaginable, porque solo así puede llegar a aprehender su propia existencia. Por ello es esta una autobiografía libre, que prescinde de toda cronología, porque para el autor los recuerdos de niñez y de juventud solo se distinguen según si vestía pantalones cortos o largos. Así, sin forzar gestas ni epifanías, Pombo entrega unas memorias colmadas de «detalles significativamente insignificantes» que revelan la compleja identidad de quien siempre ha huido de toda etiqueta. Con su loada prosa puntillista y psicológica, hecha de palabras selectas, líricas y tronantes, da forma a un libro que cierra y encierra la cuadratura del círculo del santanderino.Cuentos autobiográficos es la mejor cartografía para lectores de Álvaro Pombo, quien, tras la concesión del Premio Cervantes, se ha convertido en el escritor vivo con mayor palmarés de las letras hispanas.
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En 2020, Juana Dolores Romero Casanova, catalana, hija de inmigrantes andaluces, artista escénica, poeta, comunista, obtiene el Premi Amadeu Oller con Bijuteria, su primer poemario. Ahora traemos Bisutería, en edición bilingüe, con traducción al castellano de la propia autora.Y ¿qué es la bisutería? «La residualidad de un joyero de clase lumpen-proletaria», escribe.También: una hilera de poemas que funciona a la manera de una cadena de vértebras-joyas, donde coinciden, chocan y echan chispas las distintas facetas del lenguaje y del imaginario que ha pulido la autora: rimas exacerbadas, un léxico suburbano deslizándose en giros clásicos y cultismos, la lucha de clases y la purpurina, sangre y rubíes, oro y barro, crucifixión y prostitución…Todo un sistema circulatorio, con sus venas azules, rojas, que adornan el cuerpo lírico a la vez que lo atraviesan con violencia, suavidad. Una dialéctica contradictoria que no se contradice, o acaso, una dialéctica del oxímoron que se asume como tal, y casi con euforia.En algún lugar late un corazón enamorado, histérico, feliz, asustado.
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Castrapo: lengua menor, fronteriza. Una variante del castellano hablada en Galicia por personas que tienen como primera lengua el gallego y sólo emplean el castellano por cortesía con el interlocutor o en entornos en los que se habla castellano. Sin sistema fonético, ni diccionario, ni mucho menos corpus literario. Objeto de burla, caricatura, humillación…Luz Pichel terminó de escribir Casa pechada en 2006. Y se publicó ese mismo año tras ganar un importante premio. «Quiso ser un ajuste de cuentas con la propia lengua y con la propia historia ?escribe Luz Pichel en el prólogo?. Había que escribir en gallego, por muy cerca que se estuviese de él, por muy lejos que quedara».En 2012, Pichel recibe la invitación de traducirlo al castellano. Es entonces cuando le surge el castrapo que hablaba ocasionalmente de niña y la oportunidad de lenguajearlo de adulta. Y añade, «me planteé la posibilidad de alejarme de la traducción hacia la versión libre tanto como la nueva escritura lo reclamara. Pero la poesía ejerce sus presiones y me llevó por derroteros con los que yo, en un principio, no contaba».El resultado: Cativa en su lughar, una auténtica fuerza poética y política, una de las exploraciones poéticas más potentes y transgresoras de las últimas décadas.«Usar una lengua de frontera, escribir desde donde no hay regla pero sí hay cuerpo y diferencia, es proceder también a reescribirlo todo, y diferente». María Salgado
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Este estuche reúne tres pilares fundamentales de Jorge Luis Borges: Poesía completa, Cuentos completos e Inquisiciones. Un compendio imprescindible para adentrarse en la obra de un autor que reinventó la literatura en español y sigue desafiando nuestra manera de pensar, soñar y recordar. Poesía completa recoge toda la obra poética de Borges, desde sus inicios modernistas hasta los poemas más íntimos y metafísicos de madurez. Aquí emergen sus obsesiones habituales el tiempo, la memoria, los laberintos, los espejos, el amor y la eternidad y su reflexión sobre la propia creación literaria. Cuentos completos ofrece por primera vez todos los relatos de Borges en un solo volumen: ficciones, narraciones fantásticas, universos paralelos, especulaciones filosóficas, historia, identidad. Desde «El Aleph» hasta «El jardín de los senderos que se bifurcan», «Las ruinas circulares», «Funes el memorioso», «Pierre Menard» o «El Sur», este libro es una odisea narrativa que expande los límites de lo posible. Inquisiciones es el primer libro en prosa de Borges, publicado en 1925. En él resuenan ecos de sus lecturas, sus influencias literarias, filosóficas y culturales: desde Quevedo y Unamuno hasta la tradición idealista, pasando por ensayos sobre autores poco conocidos, metáforas, reflexiones tempranas que ya anuncian el Borges que vendría. Una pieza clave para entender sus raíces, sus dudas y su formación intelectual.
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La copa d'or
Hafez de Xiraz (ca. 1315-1390) és el màxim representant de la poesia persa medieval. Les seves poesies —reunides al seu cèlebre Diwan— són encara un interlocutor d’allò més vàlid per a tots aquells qui senten el seu cor desemparat, per a tots aquells qui, a través del particular llenguatge del poeta de Xiraz, creuen afinar la seva ànima amb l’exaltació mística de les seves magnífiques metàfores i de les seves impossibles paradoxes.El vi en la poesia de Hafez és un tema central, té una gran imatgeria i diverses capes de significació. El vi és la veritat revelada, la saviesa adquirida, no pas per mitjans racionals o intel·lectuals, sinó a través de les emocions i de l’amor: «Els savis cerquen Déu als llibres. Jo l’he trobat al vi i al silenci».Manuel Forcano (Barcelona, 1968) és poeta, traductor i doctor en filologia semítica, especialista en cultures del Pròxim Orient. La seva pròpia obra poètica explora l’amor, el desig i l’evocació de l’antiguitat en contrast amb la vulgaritat del present. El seu llibre El tren de Bagdad va ser mereixedor del Premi Carles Riba 2003. La seva poesia ha estat recollida al volum Arabesc (2022).La copa d’or és el número 29 de la col·lecció Envinats, que té el vi com a fil conductor, que vincula el vi amb les arts i la creació.
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En la celebración de su 80 cumpleaños, Pere Gimferrer condensa en Balada décadas de búsqueda poética en un único canto de deslumbrante intensidad. Con Balada, Pere Gimferrer nos presenta una obra plena de madurez: un poema erudito y torrencial de naturaleza sinfónica, en ocho movimientos que compendian la memoria lúcida del mundo y del lenguaje, sus fastos verbales e imaginativos, entre claroscuros y fulgores. Balada es la celebración de una vida y una escritura, incesante, indagatoria, visionaria, a través de un repertorio de referencias culturales, literarias, cinematográficas y urbanas que constituyen la memoria encendida de Gimferrer. Así, sus versos destellan entre los ecos de Calderón y Shakespeare, Cernuda, Alberti o Keats, las ciudades -de Barcelona y Madrid a París y Delhi--, las películas y los pintores sobre los que pivota su memoria, a partir del Greco y su retablo manierista. A sus ochenta años, Pere Gimferrer condensa en su escritura décadas de búsqueda poética en un único canto de deslumbrante intensidad. Esta Balada es una ceremonia celebratoria. Este libro no sólo celebra los 80 años de un creador ineludible en nuestra literatura: confirma una voz que, desde hace décadas, nos recuerda que la poesía es el arte de volver tangible lo que abrigan las sombras.
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En medio del silencio, cuando todo parece haberse detenido, hay palabras que aún respiran. Susurros del alma es un refugio de versos que no prometen finales felices, pero sí compañía honesta en el camino.Este libro es un recorrido por las grietas del alma humana: el dolor que no se dice, la esperanza que persiste en lo mínimo, la calma que llega después de rendirse sin perderse. No hay heroínas perfectas aquí, solo personas reales que sienten, se rompen y, aun así, se levantan.Cada poema es un espejo que no juzga, una mano tendida en la oscuridad, una voz que acompaña cuando las fuerzas flaquean. Un homenaje a la resiliencia silenciosa y a la ternura de seguir, incluso sin certezas.Para quienes caminan con el alma cansada, pero el corazón aún encendido.Para ti, que no te rendiste del todo.
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Federico García Lorca fue escribiendo sus Poemas en prosa durante 1927 y 1928, tras la publicación del Romancero gitano y antes de la de Poeta en Nueva York. Transgenéricos, difíciles de encasillar en ninguna de las grandes categorías poéticas, estos poemas estuvieron durante décadas perdidos entre sus obras completas, en gran medida por haber quedado encajonados, como tantos otros proyectos del poeta, y no haber sido publicados en vida. Tan desafiante como fascinante, la presente edición de la obra es una reconstrucción de lo que podría haber sido el libro ideado originalmente por Lorca. La inspiración para su escritura parece haber nacido de la convivencia con Salvador Dalí durante la primavera y verano 1927 en Barcelona y Figueres. El pintor abrió la puerta al poeta granadino a una poesía de un vuelo más agudo y personal, evadida de la realidad y muestra de un «,Amor de morir y burla de morir»,. Los Poemas en prosa siguen la senda de la prosa poética de Charles Baudelaire, del Conde de Lautréamont, de Arthur Rimbaud o de Max Jacob, pero siempre bajo el prisma único y genial del universo lorquiano. Esta edición cuenta con la revisión y el meritorio epílogo de Andrew A. Anderson, que ha sido profesor de Literatura Española en las universidades de Oxford, Michigan y Virginia, y experto en las vanguardias históricas, en especial de la obra de Federico García Lorca.
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Ca la Viuda, una casa de pueblo un poco apartada del resto de vecinos, lleva años vacía. En su interior, los retratos de la estirpe familiar cuelgan, pacientes y severos, sobre la chimenea, esperando la vuelta a casa de la última mujer de la familia. Y al fin llega el día y aparece Maria en el umbral, arrastrando los pies en la hojarasca. Lleva una mochila raída, un cochecito de criatura, una trona, maletas. Parece más muerta que viva, completamente exhausta. Pero allí está. Le esperan nueve meses por delante, los peores de su vida. Nueve meses para replegarse y resurgir de sus cenizas, para volver a habitar la casa madre, acurrucarse con ella y dejarse acunar por sus fantasmas. Un tiempo macabro y oscuro en el que, pese a todo, la vida sigue y brota por todas partes: en la ternura de Manel y en la vitalidad arrolladora de Cristineta, sus vecinos. En el cotilleo diario en Ca la Puri, la peluquería del pueblo, o en un simple ramillete de violetas olvidado muchas veces bajo una ventana. Solo tierra, solo lluvia, solo barro es el sorprendente debut de Montse Albets, una novela dura y hermosa sobre el duelo y la soledad extrema, pero también sobre las segundas oportunidades, la calidez humana y la necesidad incuestionable de los demás.
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En ¿Cómo escapar de un bucle temporal?, Anna Goretti Montalvo abre una caja que ha permanecido cerrada demasiado tiempo. Dentro, se agitan los ecos de un amor que no encontró su lugar, las palabras que nunca se dijeron, los silencios que se volvieron gritos ahogados. Cada página es un intento por romper el ciclo, por entender lo que fue y lo que nunca pudo ser.Con una escritura íntima y desgarradora, la autora convierte la memoria en fuego y el dolor en poesía. Este es el relato de una despedida que no se dio, de promesas rotas y susurros convertidos en quimeras. Es un viaje emocional hacia lo más profundo del corazón, donde el tiempo no avanza, solo se repite.Un canto a lo que quedó suspendido en el aire. Un portazo convertido en palabra.
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Desde la antigüedad, la búsqueda más intensa del ser humano es la del lugar donde habita el alma. He aquí una respuesta actual, sencilla, irónica y sorprendente a ese gran enigma histórico. El resultado de un duro viaje de ida y vuelta a las entrañas. Cada relato de este libro está protagonizado por las diferentes formas que puede adquirir el alma: ya sea una barra de pan, un loro, un enjambre de abejas o una guitarra eléctrica. Aquí se encuentran todas las claves de la narrativa de Rivas: todas son historias que le ocurren a gente corriente, habitantes de la Galicia rural y humilde, en todas ellas hay melancolía, poesía e indagación en las capas profundas de la realidad —es decir, el alma— que no siempre podemos percibir por nosotros mismos.
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La dama del alba'', estrenada en 1944, es una de las piezas más representativas de Alejandro Casona. Vista en su conjunto es una obra esencialmente poética en la que se funden aires de leyenda asturianos y ciertos toques de mitología telúrica para desarrollar el tema tan universal de la muerte.¿A quién va dirigido el libro LA DAMA DEL ALBA?Se dirige a un público amplio interesado en el teatro clásico español, la literatura con elementos de misterio y realismo mágico, y las obras que exploran temas universales como la muerte, el duelo, la fe y la esperanza. Es especialmente atractivo para lectores que aprecian las tramas bien construidas, los personajes complejos y el lenguaje poético. También puede resultar de interés para estudiantes de literatura española y amantes del teatro del siglo XX.Temas que trata el libro La dama del albaLa Dama del Alba explora una serie de temas interconectados que enriquecen su narrativa:El duelo y la superación de la pérdida: La obra se centra en una familia que lucha por superar la muerte de una hija, cuyo cuerpo nunca fue encontrado. El proceso de duelo de la madre es un elemento central, mostrando la complejidad de la pena y la dificultad de seguir adelante.La muerte como personaje: La Peregrina, un personaje enigmático, representa la muerte de forma alegórica. Su presencia en la obra no es solo física, sino que también simboliza la aceptación de la muerte como parte del ciclo de la vida.La fe y la superstición: La obra presenta una mezcla de creencias religiosas y supersticiones populares, reflejando la cultura rural de Asturias. La fe de los personajes se pone a prueba ante la incertidumbre y el misterio.La familia y las relaciones interpersonales: Las relaciones entre los miembros de la familia, marcadas por el dolor y la pérdida, son un elemento crucial de la trama. Se exploran los lazos familiares, la dependencia y el apoyo mutuo en momentos de crisis.La realidad y la fantasía: La obra combina elementos realistas con elementos fantásticos, creando una atmósfera de misterio y suspense. La presencia de la Peregrina y ciertos sucesos sobrenaturales añaden una capa de realismo mágico a la historia.La vida rural en Asturias: La obra está ambientada en el entorno rural de Asturias, describiendo con detalle la vida, las costumbres y las creencias de sus habitantes. El paisaje asturiano forma parte integral de la atmósfera de la obra.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro LA DAMA DEL ALBAAún no se han encontrado opiniones o críticas sobre LA DAMA DEL ALBA en las fuentes consultadas.
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La trayectoria de este autor expresa una permanente voluntad de investigación en el teatro español, sobre todo de los aspectos oscuros de la teatralidad. Ñaque es una lúcida reflexión metateatral que viene a demostrar que la esencia del teatro reside en el encuentro entre el actor y el espectador. ¡Ay, Carmela! se convirtió desde la noche de su estreno en uno de los éxitos de los años 80. Se trata de una crónica sentimental, emotiva y entrañable de la memoria republicana de la Guerra Civil, pero también es un cálido homenaje a la dignidad artística.
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Premio SGAE de Teatro Infantil y Juvenil 2002.Mención especial del jurado«Estimados amigos, jóvenes espectadores, amado público... ¡Ejem...!Esto... ¿Podría alguien explicarme qué demonios estáis haciendo aquí? Porque... ¿no habréis venido, por casualidad, a ver una función de teatro?».
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Cúspide, desde la perspectiva de la plenitud de la edad, de la poesía amorosa nerudiana, estos Cien sonetos de amor sorprenden ante todo por el contraste entre la palpitación de la palabra y la imagen, y la deliberada elección de una desnudez que rehúye los prestigios sonoros o constructivos del soneto clásico. «Con mucha humildad—,escribe Neruda—,hice estos sonetos de madera, les di esta opaca y pura substancia», que contrapone a las «rimas que sonaron como platería, cristal o cañonazo» de los poetas que anteriormente abordaron el soneto. Del mismo modo, es evitado el principio del mantenimiento de un patrón métrico y rítmico invariable, y, con mayor razón todavía, la estructura silogística y simétrica en la exposición de lo contenido en cuartetos y tercetos. Pero este despojamiento voluntario es un medio para dejar expedita la más soberana libertad en la visión: se conquista una nueva y poderosa cohesión, la de una palabra de tierra, agua, aire y llama, la de una voz que es el metal y el elemento y oye el latido de un mundo en el latido del cuerpo amado. Himno a lo tangible, el amor en Neruda es también vía de acceso a la fusión con el núcleo último donde la conciencia reconoce su ser en el ser del mundo.
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Si es posible, publicad mis versos. Tengo el presentimiento de que muerto seré más y mejor conocido que vivo. Con esta recomendación a su amigo Ferrán, Gustavo era enterrado y Bécquer iba a nacer para la poesía. Gustavo Adolfo Bécquer es un poeta sencillo y contemporáneo. Sus '' Rimas '' , aparentemente fáciles,son el testimonio de un hombre que poseía unas extraordinarias dotes de expresión y una gran capacidad desíntesis: la difícil sencillez de lo auténtico. El secreto de Bécquer está en haber sabido llegar por igual al pueblo, a la burguesía, a los poetas y a los estudiosos de su obra, y el misterio de esas famas paralelas no tiene equivalente en toda la poesía española.Esta edición de sus '' Rimas '' constituye una nueva lectura de su poesía desde una óptica moderna y apartir de un documentado conocimiento de los más íntimos detalles de su vida y de la profundidad de su obra.
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Antologia poètica
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Esta traducción de Una temporada en el interno realizada por Juan Abeleira supone un paso decisivo para el acercamiento de los lectores en lengua española a la obra de Rimbaud. Años de dedicación a este autor y al estudio de la bibliografía más reciente sobre el poeta francés, con aportaciones decisivas para la aproximación a su obra, han permitido al traductor depurar al máximo sus versiones, eliminando los numerosos deslices y errores de cuantos les han precedido, y establecer un texto castellano que no añade al original nuevas dificultades, sino que resuelve las dudas con exactitud y precisión, dejando al lector enfrentado con los misterios y las riquezas del texto rimbaudano una labor que sólo las más recientes investigaciones de criticos y estudiosos han hecho posible.Las numerosas notas que explican y justifican cada matiz de su versión al final del volumen, para no interferir en la lectura del texto facilitan y complementan su lectura sin entrar en el terreno de las explicaciones, resbaladizo y a menudo arbitrario o interesado.luminaciones y Poesías, los otros dos textos fundamentales de Arthur Rimbaud, también traducidos y anotados por Juan Abeleira y publicados en esta colección, completan su tarea de hacer accesible al lector en lengua española de una manera plenamente fidedigna la obra de este poeta, al que tanto debe la poesia del mundo entero.
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Luis García Montero (Granada, 1958) es autor de diversos libros de poemas: Tristia, El jardín extranjero, Diario cómplice, Las flores del frío. Ha publicado también el libro de prosa narrativa Luna del Sur. Tono sostenido, poderosa nostalgia, emoción d
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La importancia de «La nueva antología rota» de León Felipe radica en dos puntos: en primer lugar, en la atención que le presta el propio autor, como recopilación última de algunos de sus poemas más notorios (de las obras «Versos y oraciones de caminante», «Drop a Star», «Español del éxodo y del llanto» o «El poeta prometeico», entre otras), revisada por él mismo, en segundo lugar, porque actualmente es casi imposible de encontrar.
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A lo largo de la carrera de Walt Whitman, se publicaron nueve ediciones de su obra poética, siempre titulada Hojas de hierba. La primera, de 1855, ya contenía el célebre “Canto de mí mismo” (no aún con ese título), a la última y canónica, de 1892, se la llama “del lecho de muerte” porque trabajó sobre ella en sus días finales.Cada una incorporaba poemas nuevos, suprimía o corregía anteriores, iba agrupándolos en secciones variables.La audacia y la fuerza de la personalidad marcan su empresa poética: apertura sexual y política, peculiar y heterodoxo sincretismo religioso, innovador verso libre torrencialmente musical, apropiación de recursos tradicionales como las aliteraciones de cuño anglosajón o los catálogos y las palabras compuestas de cuño épico, creación de neologismos.Del crisol donde fundió todo eso y mucho más surge una de las experiencias más fascinantes en la historia de la poesía, con sus hondonadas y sus altas cumbres.
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