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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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'Saiatu naiz kazetari lanak egiten. Ez dakit kazetari naizen. Ez baitut kazetaritzarik ikasi. Ez dakit asmatu dudan. Dudan. Saiatu bai. ''Saiatu naiz meteorologiaz jarduten, iragarpenak taxutzen, dakizkidanak erakusten eta zabaltzen. Ez dakit meteorologo deituko nioken nire buruari. Ez baitut meteorologiarik ikasi. Ez dakit asmatu dudan. Hor ere dudan. Saiatu, ordea, bai. ''Saiatu naiz, baita, euskal kultura bidean, kultura hedatu jaso eta kultibatuaren alorrean lantzen. Beste aurreko biak baino gehiago inporta zait honetan asmatzea. Ez dakit asmatu dudan. Saiatu naiz asmatzen, saiatu naizenez''.
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Con El cuidador Harold Pinter obtuvo en 1960 su primer éxito. Davies, el obsesivo “cuidador”, es una creación cómica clásica, y su ansiosa relación, su frágil equilibrio con los enigmáticos hermanos Aston y Mick es ya un mito en la dramaturgia del siglo XX.Sobre Los enanos —difundido por la BBC en diciembre de 1960—, expresó el propio autor: “Me gusta escribir para la radio, por la libertad que esto implica. Cuando escribí Los enanos, fui capaz de experimentar en la forma, una estructura móvil y flexible, más que cualquier otro medio”.El estreno de La colección ocurrió en la televisión inglesa en mayo de 1961. Su único acto explora provocativamente los manejos sexuales entre dos parejas del ramo del vestido.
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EnLes botes del Gat amb Botes, Fèlix-Micifús (el nét del mítc gat del marqués de Carabàs) fa una gran amistat amb uns ratolins, que l'escolten atentament. En la segona història, a través dels somnis del jove Gulliver, viatjarem per països tan fantàstics com el dels cavalls, el dels astròlegs, el de Lil·liput...
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Pericles, príncipe de Tiro es la primera obra del ciclo final que culminaría con La tempestad, en el que reina el mundo de lo maravilloso propio de los libros de aventuras (romances) sobre el trasfondo de los mitos esenciales de la experiencia humana (nacimiento y muerte, amor y pérdida, sufrimiento y regeneración). El largo itinerario del protagonista confluye en la que, según T. S. Eliot, es la mejor escena de anagnórisis jamás escrita.
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Eugène Ionesco (Slatina, 1912 – París, 1994), de origen rumano, junto con Samuel Beckett, Arthur Adamov y Jean Genet, es considerado uno de los más notables renovadores del teatro francés.Teatro de situaciones, ilógico, inverosímil, pero poético, burlesco y apasionante, el teatro de Ionesco está alejado de toda digresión dramática y pretende más bien sorprender, algo que por cierto no es nada fácil.En sus obras, el lenguaje saca a la luz la ausencia de ideas que las palabras intentan ocultar y en la que los objetos desbordan a seres insignificantes que no son capaces de enfrentar y dominar al mundo material, poniendo así en evidencia el absurdo de la existencia y de las relaciones sociales.
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La acción de Casa de muñecas (1879) tiene como protagonista a Nora, una mujer que simula estúpida frivolidad pero que en verdad es inteligente y aguda. Nora se vio forzada años atrás a recurrir a una artimaña financiera para costear un viaje en salvaguarda de la salud de Helmer, su marido, al tiempo que su padre se hallaba moribundo. A medida que la tensión del conflicto va in crescendo, la monotonía burguesa de la protagonista se va convirtiendo en un nudo corredizo que va dejándola sin aire. Ante su impotencia, observa la imposición de todo un mundo de valores contradictorios que amenazan su idea de felicidad. Teatro de ideas, pero intensamente dramático, la obra del noruego Henrik Ibsen (1828-1906) ha influido profundamente en la evolución de la escena europea contemporánea.
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El poema es una tentativa por cambiar la configuración de las cosas, por crear nuevas significaciones y luchar contra la desaparición. Consuelo Hernández hace circular en su poemario Mordiendo la penumbra la herencia del pasado con la recreación de la memoria, piensa las filiaciones entre historia y por-venir, entre la búsqueda de profundidad y el exceso mediático de nuestra época que genera confusión, vértigo y olvido. Por ello, para esta voz poética, el poema es ante todo una reacción a la ausencia, el poema es también un lugar y un tiempo... Escribir es un acto que convoca el silencio y una tentativa por reconstituir un todo. No cabe duda de que los poemas aquí inscritos, en su plenitud aparente, están hechos de mil fragmentos que provienen de lo conocido y de lo inacabado que se despliega en una transformación permanente. Pese al contexto de urgencia y de contradicción en que el libro ha sido escrito, el mensaje que prevalece es universal y humanista. El impulso que emerge de su verbo poético recuerda aquella frase de Séneca : «Non est ad astra mollis e terris via», ''No hay camino fácil de la Tierra a las estrellas''... Carles Díaz
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Kartografiak bere baitan biltzen du errealitateen eta irudimenaren arteko hartuemana: mapak ez dira errealitatea, baina errealitatearen irudi bat ematea dute helburu. Autorea errealitate baten, bere errealiatearen, kartografia egiten saiatu da liburuan. Asko eta askotarikoak dira errealitateak, bai, baina ez oso diferente, azken finean denok gara gizaki. Autorearena ez da besteen errrealitateetatik oso aldendurik egongo. Lurralde batzuk ondo marraztuta daude, sateliteen eta ordenadoreen bidez egiten diren modukoak dira: ahalik eta zehatzen. Beste batzuk, aldiz, zirriborroak, besterik ez. Terra Incognita franko agertzen da, halabeharrez, antzinako mapetan bezalaxe, nork ezagutzen du oso-osorik bere burua eta bere ingurua?
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Mailu Isila hiru zatitan banaturiko ibilbide bat da, lehen zatia, maldan behera doa, errealitate gordinera, bigarrena, maldan gora, goi-arnasaren bila, bi alde horietan, euskal poeten eta munduko poeten oihartzunez beterik daude poemak. Baina ibilbide hori, behera zein gora doalarik, ez da lineala, gora-nahiak eta behera-beharrak txirikordaturik daude, antzinako arkanoan bezalaxe (bi suge txirikordaturik, edo, gauza bera, estilizatuagoa: Taoren irudi biribila, hain modakoa). Txirikorda horren baitan jaiotzen da hirugarren zatia, egunerokotasun gordinari lotua eta, aldi berean, goi-kiriken egarri, etengabe kontzientzia mailukatuz, mailu isil, ironia eta errukia elkartzen diren euripean.
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La danza de los muertos (1901), fiel reflejo de las obsesiones del autor (amor y matrimonio, vida-muerte, conflictos personales y padecimientos de conciencia). Las Obras de cámara: Tormenta, El solar quemado, La sonata de los fantasmas y El pelícano las escribió Strindberg en 1907 para el Teatro Íntimo, que fundó con el joven director A. Falck. Para él precisamente concibió estas audaces “obras de cámara” que desconcertaron a la crítica y al público, por tratarse de piezas en un solo acto, en las que quedan borrados los perfiles de sus dramatis personae.
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La vida y obra de Miguel Hernández sorprenden por su intensidad. A los veintidós años publicó su primera obra, muestra de una poesía culta, fruto de su formación autodidacta. Tres años más tarde se consagró como poeta con la publicación de El rayo que no cesa. En los diez años que median entre su primer libro y su muerte, supo crear una poesía auténtica a partir de la asimilación personal de las diferentes tendencias literarias de su tiempo.Esta edición contiene introducción, notas, guía didáctica y un modelo de comentario de texto, a cargo de Mercedes Carpio.
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Bernardo Valdés, nacido en Barcelona en 1969, es autor de La indiferencia (2008) y de Sedienta calma (Renacimiento, 2015). Ha traducido el libro en verso Filósofos en libertad (2024) de Umberto Eco y también diversos libros juveniles. Última claridad es su tercer libro de poemas.
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El amor y sus venenos es el tema que alimenta Nupcias de ceniza, de Rafael Tiburcio García, quien examina la incendiaria experiencia de amar a través de un lenguaje que se hiere y lastima. Los recuerdos, al ser evocados, vuelven a incinerar al poeta que emerge de las cenizas, sólo para volver a entregarse al fuego de la reflexión y a la tortura que la culpa ofrece. Este libro es un paraíso calcinado, nublado por el humo de un infierno interior, sus poemas trazan una ruta que parece conducir siempre al mismo punto de partida: el sufrimiento. Sin embargo, al igual que cuando amanece la claridad anuncia la inminente llegada de la luz, el sentimiento de abandono y pesadumbre también habrá de darle paso a la fe, a la certeza que confiere saber que las cenizas servirán para alimentar a las semillas del presente.Jair Universo Cortés
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“Cierta vez, alguien preguntó a Roberto Arlt por qué escribía teatro. Él pensó un momento, como si se tratase de algo inusitado, de una pregunta inesperada, y luego, como si acabase de descubrirlo él mismo, respondió: ‘Es mi modo de plantearle problemas a la humanidad’. Y dado que los problemas suyos eran los del hombre en cualquier punto del universo, nada mejor para expresarlos que el teatro…”, apuntó Mirta Arlt sobre la producción dramática de su padre.En La fiesta del hierro (1940) todo es atroz, desde lo que ocurre hasta cómo ocurre. Su verdadero protagonista es el Baal Moloch, diabólico ídolo sediento de sangre humana. El desierto entra en la ciudad (1953) es la obra teatral póstuma de Arlt, publicada diez años después de su muerte.
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Es obvio que la poesía y la fotografía pueden complementarse y hasta influirse recíprocamente. Por una parte, la fotografía capta una imagen fija, inmóvil (a veces solo un instante de una realidad dinámica o de una coyuntura motriz, desplazable o vibrante), y la poesía puede, a partir de esa suspensión o tregua del movimiento, hacer una lectura que la enriquezca. Por otra parte, la poesía, que genera o propone transformaciones, procesos, auges o deterioros, puede ser sintetizada ejemplarmente por la fotografía cuando esta elige de aquella una imagen decisiva, que habla por sí misma.De un modo directo o indirecto, la fotografía, a partir de un texto, puede llegar a construir una insustituible metáfora visual, capaz de fijar en la memoria para siempre, o para casi siempre, un hallazgo verbal que, de otra manera, habría pasado sin pena ni gloria.La apasionante experiencia que he vivido con Eduardo Longoni y el talante intuitivo y revelador que trasmite a su cámara me han servido, entre otras cosas, para recuperar estampas de mi pasado, calcomanías de mis barrios, calles de mi modesta biografía, ilustraciones de una ciudad remota y también actual, que es para mí entrañable y que había quedado algo desdibujada en mi memoria después de doce turbios y enturbiadores años de exilio.
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Hezurrek haragiari nola, hala eusten diote Gorputzeko Humoreek, haragian barna zirkulatzen dutelarik, espirituari, gorputzean gertatzen den ororen eragingarri. Errorentzat lau humore daude nagusiki: Melankolia, Hazia, Odola eta Tinta. Laurak nahikoa humore beltzak. Horiek baliatzen ditu tedium vitaeaz eta edergoseaz, sexuaz eta maitasunaz, adiskidantzaz eta gerrez, irakurtzeaz eta idazteaz aritzeko. Egunerokotasuna gai mitiko bihurtzera jolasten da Erro liburu honetan, gure etorkizuneko heroiak sentitzera.
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En El diablo y Dios (1951), el personaje central Goetz encarna magistralmente el mal, el mal absoluto, lleva así sus tropas deliberadamente a la muerte y descarga su responsabilidad en Dios. Y cuando aparentemente cambia, por una apuesta, pretendiendo hacer el bien, gana por medio de trampas. De hecho, Goetz no cree en Dios ni en el diablo, quiere lo absoluto, quiere ser uno u otro por ambición o afán de asombrar, pero sin que entre en juego ninguna creencia.En cuanto a Los secuestrados de Altona (1960), su acción ya no se basó en tiempos remotos, al contrario, se situó en días rigurosamente contemporáneos a su escritura, en la Alemania posnazi.Franz, uno de los que colaboraron con ese régimen, se niega a reconocer la derrota y vive enclaustrado, ajeno al tiempo transcurrido. “Pretendí que me encerraba —dice Franz en el último acto—, para no asistir a la agonía de Alemania, pero eso es falso. Yo deseé la muerte de mi país y me secuestré para no ser testigo de la resurrección”.
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Un poster. Per una cara, la fotografia d'un autor radical. Per l'altra, la seva obra. Poetes universals traduïts al català per poetes actuals. L'escriptor com a traductor. Una col·lecció d'autors d'obra imprescindible, una tria de fragments-postums, inèdits, oblidats. I un format que defuig la parcel·lació paginada per projectar en un sol llenç el sentit unitari que emana dels fragments. Una finestra oberta a grans unversos creatius.
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Una de las obras más populares de Shakespeare a lo largo del tiempo, esta es, según Swinburne, su creación más lograda en el entrelazamiento de diversos hilos en la trama. La historia tradicional de una dama calumniada en su castidad se combina con la de un par impar que denuesta ingeniosamente el matrimonio, pero acaba en él, y con la bufonesca irrupción de unos guardias que amenazan con desbarrancar la solución, pero terminan trayéndola.
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Se incorpora a esta colección uno de los más importantes autores de la literatura dramática contemporánea. Jean Anouilh (1910-1987) pertenece a la corriente de renovación teatral que en su país surgió al término de la Segunda Guerra Mundial, y es uno de sus representantes más conspicuos. Su teatro, que incursiona preferentemente en la comedia, se caracteriza siempre por excepcionales cualidades de brillantez y frescura, encuadradas dentro de un marco de auténtica maestría de la estructura dramática y dominio de la situación escénica.
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Arthur Miller se casa con Marilyn Monroe en 1956. En 1957, el Congreso de los Estados Unidos lo condena por negarse a colaborar con el Comité de Actividades Antiamericanas que había emprendido una “caza de brujas” entre la intelectualidad norteamericana. En 1961, Miller se divorcia de Marilyn, y al año siguiente ella muere de una sobredosis de barbitúricos.Después de la caída, sin duda la obra dramática con más componentes autobiográficos de Miller, recoge e integra esos dos episodios cardinales en la vida del autor para desarrollar el duelo que se sostiene en la conciencia de un hombre entre su sentimiento de culpabilidad y su deseo de inocencia. La llaga de la conciencia —parece advertir el dramaturgo— convierte a la especie humana en un fardo de pesadumbre, pues toda consideración sobre sí misma la enfrenta con la desgracia de que es víctima (o verdugo), es decir la coloca delante de su propia aflicción.Miller escribió esta obra y la de Incidente en Vichy, con la que se completa el presente volumen, en los primeros años de la década de 1960, mientras vivía con su familia en el Chelsea Hotel de Nueva York, y ambas se estrenaron con éxito poco tiempo después. En Incidente en Vichy, un puñado de personajes —auténtico despliegue de arquetipos—, que se ven sorprendidos por la persecución nazi, coinciden en un puesto de detención en el Vichy del mariscal Pétain, en los tiempos de la ocupación alemana de Francia en la Segunda Guerra Mundial.Como un coro de voces orquestado con maestría, las distintas personalidades reflejan el mosaico humano ante hechos siniestros que nos afectan, dejando al descubierto la parte oscura, pero también los arranques luminosos del alma humana.
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Emily Dickinson (Amherst, Massachusetts, 1830-1886) escribió más de 1700 poemas, muchos de ellos breves, de rima regular y métrica simple en unas pocas combinaciones de versos yámbicos de tres o cuatro pies, siempre en torno del amor, la naturaleza, la fe y la muerte. Sólo un par de ellos fueron publicados en vida (presuntamente sin su consentimiento) aunque solía circularlos entre algunos allegados.Publicar no era, para la gran poeta, parte esencial del destino de un escritor. ¿Había en esta actitud suya un desmedido respeto por su padre, contrario a que las mujeres publicaran sus escritos? Acaso por este decreto machista de su progenitor y para precaver sus monsergas siempre se refirió a “imprimir”, jamás a “publicar”, un implícito reconocimiento de que sus poemas eran leídos por terceros…
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Jean Cocteau (1889-1963) transitó todos los géneros de la literatura: novela, poesía, teatro, ensayo y, dentro de cada uno de ellos, en variantes encontradas, participó también en experiencias musicales, cinematográficas y plásticas. En este volumen de Losada Clásica, se recogen dos de sus piezas más justamente famosas: Los monstruos sagrados, en la cual denuncia a los grandes actores, y La máquina de escribir, donde su consumado talento maneja, afectando parodiarlos, los más violentos efectos escénicos. Silvio D’Amico, uno de los mayores historiadores del teatro universal, supo calificar a su autor: “I’enfant terrible” de la literatura francesa del siglo XX.
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En su prólogo, Jordi Doce apunta que ''la primera impresión que produce la escritura de Juan Malpartida es de una profunda unidad. A pesar de haberse desplegado en muchos géneros sus obsesiones y paisajes, sus gustos y disgustos, sus ritmos y fraseos son fundamentalmente los mismos.''
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Losada incorpora a su colección Aniversario dos piezas fundamentales del gran dramaturgo sueco August Strindberg (1849-1912): La Señorita Julia (1888) y El padre (1887), impregnadas de la perspectiva cientificista del naturalismo, estas obras lo trascienden a partir de su singular lucidez.El autor reflexiona acerca del arte teatral de la siguiente manera: “¿No es posible una emancipación del arte, un renacimiento, una liberación de las terribles reglas que están empezando a hacer desgraciada a la gente, las cuales quieren convertir el teatro en un foro político, una escuela dominical o una iglesia? ¡Quizá! Podemos tener un teatro donde uno pueda estremecerse ante lo más horrible y reír ante lo ridículo: donde uno pueda verlo todo y no ofenderse si ve lo que está escondido tras los velos teológicos y estéticos, donde se rompan las leyes de los convencionalismos. ¡Podemos tener un teatro donde uno tenga libertad para todo, excepto libertad para carecer de talento, ser hipócrita o ser tonto! ¡Y si no tuviéramos tal teatro, probablemente procuraríamos hacerlo nacer de cualquier forma!”
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Guernica de Picasso, Ulises de Joyce, El Acorazado Potemkin de Eisenstein, los laberintos kafkianos…, entre esas pocas, seguras cumbres del arte del siglo XX, figura también Alturas de Machu Picchu del chileno Pablo Neruda, gran figura de la poesía mundial.En este célebre poema se funde todo el lirismo angustiado y deslumbrante de las primeras obras del eximio poeta con la esperanzada y vasta epopeya del Canto general, del que forma parte. Completa el volumen Nerudiana dispersa, textos en verso y en prosa no incluidos en libro.
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Joaquim Molas, apunta en el pròleg: ''Per a la meva tria, només he tingut en compte la producció catalana no sols pel seu volum i per les seves virtuts, sinó sobretot pel fet de ser aquella sobre la qual el poeta va posar més èmfasi i, per tant, la que millor el defineix.''
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Rinoceronte (1959) es la pieza más rica y densa de Eugène Ionesco (nacido Eugen Ionescu, Salatina, Rumanía 1909-París 1994). Sin abandonar el espíritu de innovación ni la comicidad de La cantante calva, Ionesco introduce un mito: todos los habitantes de una ciudad mutan paulatinamente en rinocerontes.El animal encarna el fanatismo que “desfigura a las personas, las deshumaniza”. Cuando solamente Berenguer resiste la marea de las bestias feroces, símbolos del totalitarismo, comprendemos que estamos frente a una reflexión sobre la historia. Mientras bestias inmundas correteen todavía en el planeta, siempre habrá héroes dispuestos a decir: “No capitulo”.
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Henrik Ibsen nació el 20 de marzo de 1828 en Skien, al sur de Cristianía, llamada hoy con su nombre más antiguo: Oslo. Alternó sus residencias en Noruega —su patria—, Alemania, Italia y, desde 1892, ya no se movió de Cristianía, donde murió en 1906. Hasta el final de su vida Ibsen marcó las llagas morales de su pueblo y de la humanidad, sin hacer caso de las voces contrarias. Desenmascaró a sus adversarios en Un enemigo del pueblo (1883), planteó la lucha entre la verdad y la mentira en El pato silvestre (1884), y la de los valores ciertos o aparentes en Casa de muñecas (1879), determinó las causas del tormento fisiológico y espiritual en Espectros (1881), en Hedda Gabler (1890) buceó en el abismo del alma femenina como foco de un problema general, debatió en La dama del mar (1888) el determinismo y el libre albedrío, formulando sugestiones novísimas, y deslumbró con la imaginación envolvente de Peer Gynt (1867), donde resuenan los ecos de las fantásticas leyendas nórdicas.
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T. S. Eliot se atrevió a calificar como el mayor logro artístico de Shakespeare esta última de sus tragedias romanas, admirada también por Coleridge y Brecht, e inspirada en una historia (legendaria) narrada por Plutarco. Coriolano es un guerrero sobrehumano y un aristócrata radical e inhumano. Su inflexibilidad lo lleva a la tragedia, no sin amenazar la subsistencia de Roma. El conflicto entre patricios y plebeyos ha dado lugar a puestas en escena con muy diversas perspectivas ideológicas.
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La fortuna va voler que Rosegó, un gos del carrer i sense amo, fóra acollit en el pis de Lluc Recatan poc després que aquest home haguera perdut la seua última mascota. Malgrat les diferències que els separen, aprendran coses l'un de l'altre i entaularan una amistat sincera. A les aventures d'aquests personatges s'afegiran els amics de Rosegó: els gossets de la street band.
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En 1895 se estrena en el teatro St. James La importancia de llamarse Ernesto, la pieza más brillante de Oscar Wilde (1854-1900) y también la última. De ritmo vertiginoso y parlamentos agudos, la obra aparenta ser una comedia de enredos y costumbres, pero deja entrever, como es típico en el dramaturgo irlandés, un trasfondo dramático, de donde emerge el retrato de una sociedad falaz, prejuiciosa y de doble moral.Pero las convicciones quedan expuestas, y ya no podrán permanecer soterradas bajo los buenos modales, respuestas displicentes y perezosas costumbres. Vera o los nihilistas, primera pieza teatral de Wilde, se representó en agosto de 1883, en Nueva York, en el transcurso de su gira por los Estados Unidos.
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En el Horacio, representado en París en 1640, Pierre Corneille (1606-1684) evoca con apasionada elocuencia la grandeza de la antigua Roma.Poliucto se estrenó en París entre 1642 y 1643. Después de las tres obras maestras precedentes —El Cid, Horacio y Cinna—, Poliucto señala la cumbre de la ascensión dramática de Corneille.
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Entre los autores fundacionales de Losada, los que esta editorial publica desde sus inicios, destaca especialmente William Shakespeare (1564-1616), cuya obra incluye en su catálogo desde 1939.Casi siete décadas después, presentamos esta edición de las Obras Completas de Shakespeare, en la que han colaborado prestigiosos traductores, escritores, profesores y especialistas en la obra del bardo de Stratford. Con el añadido de un luminoso estudio crítico de la ensayista, poeta y docente Laura Cerrato, y la introducción general del gran escritor y profesor Pedro Henríquez Ureña, este segundo tomo que reúne las Comedias se completa con una conversación entre el historiador y crítico Jorge Dubatti y el maestro de actores David Amitín, también director de teatro y ópera.
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Gustavo Adolfo Bécquer es uno de los escritores más importantes de la literatura española. Nació en Sevilla, y cuando tenía tu misma edad aún no sabía si quería ser pintor o escritor, hasta que se hizo mayor y decidió que sería poeta. Escribió muchos poemas de amor, y también viajó por las tierras de España buscando historias y relatos conservados en la tradición y en la memoria de la gente. Con todo lo que escuchó escribió un libro titulado Leyendas, en las que aparecen damas y caballeros medievales, castillos abandonados, iglesias derruidas y, sobre todo, fantasmas. Que te diviertas y... ¡cuidado con los espíritus!
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