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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Diario para anunciar el fin del mundo aspira a ser un tratado sobre el origen del lenguaje. Se trata del ejercicio adánico de nombrar el universo a partir del movimiento: el hombre y la piedra como motor del tiempo, la palabra que oscila entre el nacimiento y el polvo que abriga la historia. Aunque no lo crean, / bajo este cielo carbonizado por el tiempo, / debajo de esta coraza de tierra / y de memoria, / mi corazón late como un satélite / que se niega a dejar su rotación. / Se trata de la flecha disparada / hacia la fe en la oscuridad, / la certeza de que la luz puede concluir, / aquí mismo, cuando las alabardas / corten el aire final, / cuando levante el vuelo la lanza / y su hoja de bronce / hurgue en la respiración de la guerra, / y el fuego avive por primera / y última vez / estos brazos que los siglos / no han logrado petrificar.
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Musgo y dientes es un poemario que recorre el duelo desde la figura del pájaro como símbolo del tránsito entre vida y muerte, cuerpo gestante y memoria. Dividido en tres secciones —«El desprendimiento del pájaro», «Una pluma hendida bajo la piel» y «La sombra del vuelo»—, este libro despliega una genealogía íntima, donde la orfandad, la maternidad y el linaje femenino se entrelazan. Como destaca Mónica Picorel en el prólogo: «Serrano canta a la muerte y canta con la muerte. Así dignifica la vida que se pierde ante sus ojos […] hasta convertir en luz lo que está destinado a las sombras». A través de un lenguaje ritual, sensorial y simbólico, Marina Serrano elabora una poética donde el dolor se transforma en raíz y vuelo, en cuerpo que late todavía, en musgo que reverdece entre los dientes.
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200 haikus de cine fantástico
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Los poemas de este libro discurren ante los ojos y por el oído del lector con la fluidez, sencillez y frescura con que lo hacen las aguas claras de un río. El ritmo incesante de la poesía te empapará de solidaridad y respeto a la naturaleza.
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La pícara Luna llega en una noche mágica para ayudar a hacer realidad los sueños de una Joven, un Mendigo y un Semáforo. Esto provoca una serie de situaciones irreales (que ellos creen vivir de verdad) mediante las cuales adquirirán la experiencia necesaria para poder decidir su futuro. Una historia de amistad que provoca en el lector reflexiones acerca de la insensibilidad y la insatisfacción que nos rodean. La magia de la Luna es una comedia que mezcla personajes reales y fantásticos e ironiza sobre creencias, comportamientos y modas de la sociedad actual.
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Descabellat de versos descabdellats
Què passaria si els cabells els convertíssim en fils de paraules, d’imatges i sons mesclats, desordenats, trenats només amb l’ordre dictat per la nostra imaginació, i amb aquest fil cabdellar un cabdell de versos? Llegiu aquest llibre i podreu descabellar tot un seguit de versos descabdellats.
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Poemas de France Preseren
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El cuadro del dolor, merecedor del III Premio de Poesía Juana Castro, es el primer poemario de Ana Castro. En él se recoge una aproximación poética al dolor, en la que cobran especial sentido las raíces y la genealogía familiar y literaria y en la que el lenguaje se vuelve insuficiente, abriéndose así a una serie de imágenes orgánicas y ficticias en su intento por tratar de darle un nombre. En el fallo del premio, el Jurado destacó: ''el poemario versa sobre el dolor, sobre las raíces y la familia, orgánico y material, sugerente y crudo. Con más voz personal que eco, el poemario posee ritmo interno y elige un léxico contenido para expresar intensas emociones''.
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Doce poetas del 27 se reúnen en este metafórico Huerto del limonar: Rafael Alberti, Vicente Aleixandre, Dámaso Alonso, Manuel Altolaguirre, Luis Cernuda, Gerardo Diego, Federico García Lorca, Jorge Guillén, Concha Méndez, José Moreno Villa, Emilio Prados y Pedro Salinas, para dialogar entre ellos y con sus lectores sobre poesía. Poesía que une tradición y vanguardia y que se dice en voz alta o se lee en silencio, con honda emoción creadora. Ana Pelegrín ha reunido, en esta antología, poemas de estos autores del 27 que por su temática, sonoridad o estructura despiertan el amor a la poesía moderna y tradicional. Rafael Vivas ha ilustrado los textos con delicadeza cromática y composiciones llamativas, pocas veces realistas, siempre evocadoras. Como requiere la poesía. ¡Déjate atrapar con la delicadeza y la pasión de la poesía!
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El agua empapa la tierra. Las raíces de los árboles y los matorrales que forman una maraña en el subsuelo, la sostienen, todo forma parte de un equilibrio primigenio. Pero la montaña se quema, las máquinas cortan de un tajo la roca para trazar la carretera, el musgo y las raíces desaparecen y continúa lloviendo. Lo hace hasta que la tierra se hace blanda, algo se quiebra y una masa inmensa se derrumba monte abajo. Y en ese movimiento gigantesco lo arrastra todo a su paso. Es el argayu, metáfora que acecha nuestras vidas, tamizadas por las renuncias, temores, goces y fracasos. Este Argayu/Derrumbe es una apelación a la memoria viva de un mundo rural que se desvanece. Un derrumbe que sobrecoge desde su verdad más íntima.
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Si en el primer volumen de la trilogía de los dones de Mario Satz accedíamos a los secretos y pormenores del arte de los jardineros, cuyas vidas y aventuras nos mostraba ''El jardinero de Chahar Bagh'', en el segundo, ''Los maestros músicos y la flauta encantada'', seguimos con creciente interés las historias de una flauta encantada en la India, la construcción de una pirámide en Egipto con sus obreros consolados por arpistas, accedemos al Israel bíblico para oír la salmodia de los levitas en las escalinatas que conducían al templo o vemos, en el Japón del siglo XVI, la relación entre la música y los juegos del incienso. Explorados los usos y costumbres de las flores, árboles y huertos, el autor nos conduce en este libro a las vidas y obras de todos aquellos que en el tañido de una cuerda, la percusión de un tambor o el sonido de un instrumento de viento, exponen su ambición más alta: cantar la vida y, de ser posible, superar, por la música, las tristezas de la muerte. El poeta persa Hafiz cuenta que, habiendo hecho el Creador una criatura semejante a sí mismo en barro, intentó insuflarle el alma, pero como ésta se movía de aquí para allá, era inquieta, oscilante y ubicua, y se resistía a entrar en el cuerpo humano, el Hacedor mandó a llamar a los ángeles músicas para que tocaran la mejor de sus melodías y, al oírla, fascinada, el alma entró en éxtasis. Sin embargo, al constatar que su percepción acústica no era lo bastante fina como para captar aquella belleza sonora, el alma se introdujo entonces en el hombre de barro para servirse de él como concha acústica. Fue a partir de ese instante que, música mediante, cuerpo y alma enlazaron su destino del modo más armónico posible. De entre todas las artes, la música es la que está más cerca del límite de lo que puede expresarse. Penetra en lo invisible y nos conduce, con sus ritmos y melodías, a lo más hondo, a la vez que lo más inasible de nosotros mismos.
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Apartheids
El poemari de Montse Assens, Apartheids, Premi Marià Manent 2017, reflecteix el compromís de l’autora amb la societat. És una reflexió sobre la condició humana i la seva prepotència a l’hora de posar límits a les llibertats. És un intent de sacsejar consciències, de fer aflorar sentiments i de reclamar els drets humans.Amb un lèxic ric, un llenguatge planer i un ritme adequat, el llibre no divaga entre eufemismes i utopies ensucrades. Queda ben reflectit en la temàtica general plantejada i, sobretot, en els títols dels quatre apartats en què divideix el poemari: “Murs”, “Tanques i filats – Camí dels refugiats”, “Reixes, camps i presons” i “Llibertat (?)”.
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Es sabido que en los siglos xvi y xvii la poesía burlesca fue ampliamente cultivada y también, aunque nos pueda sorprender, lo fue la poesía erótica y la pornográfica, difundidas casi siempre a través de copias manuscritas para evitar la censura. La poesía erótica carecía de prestigio y, por tanto, solía ser anónima. Sin embargo, los poemas en que se describían sueños eróticos eran, en muchos casos, de autor conocido y se difundieron también a través de la imprenta. No eran meras representaciones explícitas del acto sexual sino que, en muchos casos, el poema se confunde con el propio sueño.
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Un grupo de chicos y chicas suele reunirse en un callejón para tomar juntos unas cervezas. Allí, entre confidencias, sueñan con un futuro mejor, se enamoran y se desengañan, se divierten y sufren. Así, Litrona es un punto de encuentro para el debate y el juego, para el aprendizaje y la diversión, refleja el mundo de los jóvenes (sus «tribus», su música, su lenguaje…) y una gran diversidad de temas (el amor, la amistad, la música, el dinero, las drogas, las expectativas de futuro, el embarazo juvenil…).
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Groc
Poesia groga com la llum d’una espelma, com el rovell d’un ou, com la llimona, com la mimosa, com el maillot del ciclista, com el submarí dels Beatles, com les llumetes de Nadal, com el pa de pessic... I per acabar, bona música de color groc.
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Algunos de estos poemas de los hermanos Machado permanecen en la memoria de varias generaciones. Cada uno de ellos, sin perder de vista lo popular, representa una línea poética: las raíces clásicas y románticas, de fondo filosófico, en Antonio, el modernismo y la preocupación por la elegancia de las formas, en Manuel. Sus trayectorias vitales, sin embargo, corren parejas, preocupados ambos por la situación del país. El profesor y escritor sevillano Antonio Rodríguez Almodóvar, especialista en la obra de ambos autores, reúne en esta selección sus poemas más célebres junto a otros menos divulgados. Su antología aúna diversidad y emoción, valores éticos e intereses estéticos. La ensoñación y el simbolismo, tan presentes en la obra de los Machado, son las claves elegidas por la ilustradora Patricia Metola para transformar en imágenes estos versos. ¡Disfruta de los elocuentes versos!
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Un poemario henchido de amor, pleno de sensualidad homoerótica, que se lee como un canto de cisne: una oda crepuscular a la juventud y la belleza para siempre perdidas. Amé a algunos muchachos con el alma / cuando yo era un muchacho como ellos / sin atreverme a confesarlo nunca. / El amor verdadero, su pureza, / se hace vulgar si median las palabras. / Elegí la amistad, la cercanía, / el estar juntos sin sospecha alguna, / hablar en los paseos de la tarde, / una mano en el hombro. Eso fue todo, / mucho para quien ama y no lo dice. / No me arrepiento del secreto. Pude / tener al lado la belleza viva / y el que me amaran de distinta forma. / Fui feliz por momentos y eso basta.
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«¿Quién soy?» es la pregunta que recorre, entre líneas, estas páginas. Quien las escribe ronda los cuarenta años, vive en Madrid y es escritora. Lleva una vidaen apariencia inmejorable: matrimonio feliz, maternidad idílica, una primera novela a punto de salir a laluz, otra en curso, viajes, lecturas, traducciones... Sin embargo, el diario que la autora lleva en esosaños, entre 1997 y 1999, reproducido aquí prácticamente sin correcciones ni cortes, no puede ocultar la angustia de una crisis de identidad. Una escritora queapenas tiene ingresos como tal, que dedica lo mejor de su tiempo a la vida familiar, ¿es de verdad escritora? El mundo literario, con sus envidias, su machismo, el señuelo del éxito y sus servidumbres, ¿cómo manejarlo?... Mantener la pareja ¿justifica abandonar elpropio país, alejarse de la profesión y de las las amistades? Esa pareja, ¿es tan perfecta como parece? ¿De verdad están de acuerdo los dos en tener otro hijo?... Y sobre todo: por debajo de esa vida convencional, ¿dónde está el yo? Tercera entrega del diario de Laura Freixas, Saber quién soy registra una vida cotidiana, examina una conciencia, refleja el proceso de escritura e indaga en ciertos dilemas y contradiccionesderivados de la situación de las mujeres.
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Toda antología se resigna, por su propia esencia, a ser injusta, puesto que supone una elección subjetiva y habitualmente requiere descartes. Los ocho poetas de Las aguas tranquilas no constituyen un cenáculo literario ni comparten un mismo registro poético. Esta no pretende ser una antología panorámica ni generacional, responde, con mayor o menor acierto, a las preferencias personales del antólogo. Nacidos entre principios de los sesenta y finales de los setenta, los ocho son, por encima de todo, auténticos poetas, de calidad indudable. Apenas han sido traducidos al castellano (o no con la debida difusión), y el propósito es que se descubran a un público lector más amplio. Que estas páginas sean un pórtico a la poesía que se está haciendo en el País Vasco en euskera, a algunos de sus representantes más destacados, a lo que la diferencia y la hace excepcionalmente genuina.
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Más de mil vidas responde al mismo estímulo poético que motivó Unos días de invierno (Renacimiento, 2016), título junto al que constituye una etapa creativa en la escritura de Antonio Moreno (Alicante, 1964). Desde sus primeros libros, un motivo central en la obra de este poeta ha sido la aspiración a incorporar la poesía -hecha, a la postre, con palabras- en el silencio. El extremo laconismo del haiku brinda una posibilidad de acercarse a esa paradójica e inalcanzable meta. Antonio Moreno (Alicante, 1964) publicó en El viaje de la luz (Renacimiento, 2014) una antología del conjunto de su obra poética. Unos días de invierno (Renacimiento, 2016) es su libro más reciente.
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En muy pocos poemarios de calidad la reflexión sobre el zeitgeist del presente se da la mano con el espíritu apocalíptico de la ciencia-ficción. Este es uno de ellos: Que nadie se aburra, / no habrá tiempo para el bostezo. / El futuro nos ha tomado por sorpresa. / Se nos viene un vendaval / de estímulos psicoeléctricos, y nuevas obligaciones / en el vastísimo / botadero cibernético [...] / Aburrirse genera cortocircuitos / en el sistema de recompensas / de los algoritmos. / Que nadie se aburra. / No hay tiempo para el bostezo. La poesía como una hermenéutica de la materia, donde están los residuos, el resto, lo que nadie ve.
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Un poemario que retrata con delicadeza y sensibilidad ese mundo cotidiano que envuelve el paso de la infancia a la madurez, utilizando la metáfora del vuelo como hilo conductor. Arráncame un pedazo de ombligo / y pónselo entre las manos a mi abuelo. / Él sabrá dónde sembrarlo / en su camino al olivar / y cultivará viejas formas de atravesar el dolor / si otros pájaros se lo comen / y olvido cómo volver a tierra.
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«Deja que las velas se apaguen solas (como sucedió en Las higueras necesitan compañía) es poesía de primer grado. En este libro hay intuiciones de esa naturaleza comentada, pero también hay recuerdos, y cosas observadas en viajes, y homenajes a personas queridas, y elegías, y anhelos... Hay algo claramente zen en todo esto, pero esa quietud y esa paciencia y esa observación serena no resuelven el irresistible misterio de la literatura que nos va regalando Rafael Pérez Hernando. Misterio y belleza se alían aquí con la sorpresa». Juan Marqués
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El lector tiene en sus manos versos que, desde la nostalgia de quien partió, por la conjunción de una crisis personal y una oportunidad laboral, hablan de la impronta indeleble de la tierra y la época que, tras vernos nacer, acompañaron los avatares de nuestra infancia y juventud. Son recuerdos del primer hogar, amistades y sueños, horas felices y retos superados así como de las sólidas raíces y el cálido abrazo de tierra y tiempos adonde, no importa donde estemos, mil recuerdos impregnados de melancolía quieren volver, aun sabiendo que al regreso ya nada será lo mismo. El tiempo pasa y lugares, pueblos y gentes cambian, igual que cambia quien los añora y extraña.
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El cuerpo como un campo de batalla, una voz iluminadora que no pide perdón. «Todos los poemas me salen amarillos», escribe Marta Sanz en uno de los versos de este libro. Y es que el amarillo es, aquí, un color último, definitivo, de una acidez que se identifica con un nervioso sentido del humor. Funciona al mismo tiempo como origen y como frontera de todas las cosas que suceden en esta vida: el filo preciso entre la claridad y la tiniebla. Porque estos poemas nacen del fulgor de un destello, y con amarillenta calidez se dirigen a un futuro que languidece, pero no tienen miedo, porque han comprendido que toda luz que brilla es siempre devorada, que todo lo que ilumina es a su vez consumido.Los versos se extienden como un delicado manto sobre el paisaje de lo cotidiano, cruzan las carreteras de una geografía íntima atravesada por la enfermedad, el deseo, la memoria, el final. El cuerpo se convierte en una elegía del paso del tiempo, un encefalograma en el que se registra cada marca, cada afrenta. Amarilla es, por encima de todo, una política de lo íntimo y una intimidad al descubierto, lanzada al mundo.
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Esta antología ilustrada rinde homenaje a Julia Uceda y reivindica tanto su ejemplo moral como la fuerza y la singularidad de su poesía.Publicada con motivo del centenario del nacimiento de Julia Uceda, una de las autoras más importantes de su generación y de la poesía española contemporánea, esta antología es fruto de la colaboración entre la poeta, que trabajó en ella hasta poco antes de su muerte en 2024, y su sobrino el artista Francisco Uceda. A todo lo que pase y se borre y se pierda recoge poemas de sus diez libros publicados, desde Mariposa en cenizas (1959) hasta Escritos en la corteza de los árboles (2013), y los acompaña de ilustraciones expresamente realizadas para la ocasión, en una hermosa edición que rinde homenaje a la memoria de Julia Uceda y reivindica tanto su perdurable ejemplo moral como la fuerza y la singularidad de su poesía.
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Una obra que refleja la madurez creativa de un poeta en pleno dominio de su voz y su oficioEn Estos nuevos tópicos —,textos escritos entre 2014 y 2023—, se tejen y destejen, a modo de hilos diversos, el ritmo de las estaciones en las calles de la ciudad o en la ribera del río contaminado, la miopía, las preguntas acerca de la revolución, la memoria de los padres, los seres que habitan junto a nosotros, la energía de su resistencia... Después de El sentimiento de la vista (2015) y Deseo de realidad (2023), los poemas crean el espacio en que pensamiento y escritura se forman a la vez, con los mismos componentes: la percepción de las cosas y los hechos, sus voces y conversaciones superpuestas, la síntesis entre el sentimiento y el sentido —,una forma de vida interior que no parece estar separada de las otras maneras de habitar el mundo—,. La palabra directa y ajena a ciertos usos retóricos, el verso libre y la voz, tan propia, de Miguel Casado vienen quizá a recordar que el movimiento del habla no empieza ni termina en las páginas del libro. «El descubrimiento de Miguel Casado me reconcilió de alguna manera con la poesía de mi propia generación.» Roberto Bolaño «Un meticuloso observador, que registra lo que contempla y no lo transforma, sino que lo desnuda.» Juan Antonio Masoliver, La Vanguardia «Miguel Casado representa esta corriente de afinación perceptiva y depuración formal, lo que le lleva a renunciar, en sus libros de madurez, a los chisporroteos metafóricos y a la evidencia rítmica.» Ángel Luis Prieto de Paula, Las moradas del verbo
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Verd
Dins d’aquest llibre hi trobareu poemes de color verd de fulla verda, altres de color verd de fulla adormida i alguns de color verd de sobre taula. I per acabar, uns consells de bona música per al color verd.
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Ngũgĩ wa Thiong'o es estudiante en una prestigiosa escuela de Nairobi cuando la guerrilla Mau Mau reclama la independencia de Kenia. La etapa de más represión del gobierno británico coincide con su entrada al instituto, donde se siente protegido. Así, cuando Ngũgĩ visita su pueblo lo encuentra devastado y trasladado cerca de la vigilancia de las autoridades en un conjunto de pueblos a modo de campo de concentración. El contraste de su vida de estudiante con su humilde vida familiar -caracterizada por la brutal violencia que ejercen los británicos contra los kenianos-, es la semilla de la que germinará su pensamiento hacia la defensa de la justicia y la igualdad. Esta obra es una celebración de la implacable determinación de la juventud y el poder de la esperanza. Ngũgĩ escribe el descubrimiento de su pasión por el conocimiento, la lectura y la mirada crítica para explicar su historia y la historia de una nación. Todo esto hace de este relato un testimonio imprescindible de las experiencias que lo convertirán en uno de los pensadores más importantes de nuestra época.
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Este poemario está concebido como el proceso de curación de una herida, ese amor, la vida misma que nos desgarra, coagula, se inflama, prolifera y se cierra para que podamos seguir viviendo. Esas yoes, ellas, aún convalecientes, emanan desde el verso que se abre como un torbellino tras la piel y va discurriendo en fondo y forma a lo largo de las páginas que intentan adquirir la forma descendente de esa cicatriz que culmina con la sanación.
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El ultraísmo fue la primera manifestación articulada, con epicentro en Madrid e inmediata repercusión en Sevilla, de la vanguardia poética española, cóctel de cubismo francés, futurismo italiano, expresionismo alemán, creacionismo huidobriano, dadaísmo, ramonismo…, Esta antología recoge los versos de sus protagonistas, autores como Rogelio Buendía, Rafael Cansinos Assens (''Juan Las''), Juan Chabás, José de Ciria y Escalante, Gerardo Diego, Antonio Espina, Pedro Garfias, César González-Ruano, Juan Larrea, Rafael Lasso de la Vega, Eugenio Montes, Humberto Rivas, José Rivas Panedas, Lucía Sánchez Saornil (''Luciano de San-Saor''), Jacobo Sureda, Guillermo de Torre, Adriano del Valle o Isaac del Vando-Villar. Los poemas muy breves coexisten con largos cantos urbanos. La elipsis cubista y el dinamismo futurista, con el canto castizo al arrabal. La construcción, con el humor. En apéndice se ofrecen poemas de varios autores latinoamericanos que anduvieron por España, como Jorge Luis Borges o el propio Vicente Huidobro.
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El pecado y la noche es una colección de relatos en los que Antonio de Hoyos y Vinent despliega todo el esplendor de su estética decadentista y simbolista. A través de una prosa preciosista y sugerente, los cuentos exploran el conflicto entre el deseo y la culpa, el cuerpo y el alma, la fe y la transgresión. Ambientados en espacios sombríos, aristocráticos o místicos, los personajes de estos relatos —andrógenos, visionarios, pecadores o ascetas— encarnan una búsqueda desesperada de belleza y sentido, muchas veces al margen de la moral tradicional.En un Madrid envuelto en luces tenues y decadencia moral, El pecado y la noche, libro de relatos, habla, través de ambientes suntuosos, figuras ambiguas y rituales de placer, de un mundo de pasiones prohibidas, donde el pecado se convierte en vía de conocimiento. Escrita con un estilo preciosista y simbolista, la obra combina erotismo, misticismo y crítica social, explorando temas como la identidad sexual, la culpa religiosa y la doble moral de la alta sociedad. Con esta obra, Hoyos y Vinent plantea una profunda reflexión sobre el alma moderna, atrapada entre la carne y el ideal, la fe y la transgresión.El volumen incluye los siguientes cuentos: Las ciudades sumergidas, La noche del Walpurgis, Hermafrodita, El hombre de la muñeca extraña, Una hora de amor, La santa, La caja de Pandora, Los cómplices, La domadora, Embrujamiento, Las preciosas ridículas, Madame d'Opporidol, Miss Decency y Ninón.Cada uno de estos relatos representa una faceta del universo estético y espiritual de Hoyos y Vinent, donde la noche actúa como metáfora del misterio, el deseo y la redención imposible.
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Acechado por la locura, alcohólico, marcado por la temprana muerte de su padre, Fernando Pessoa (1888-1935) escribió con distintos nombres para escapar, quizá, de su propia voluntad. “No soy nada, nunca seré nada”, dijo de sí mismo, descreído del valor de su obra.Por el hecho de haber sido escritos, de ser tan nítidos como para conmovernos de distintas maneras en cada lectura -y de conmovernos integralmente-, los poemas de Pessoa demuestran que no estamos condenados a ser siempre los mismos, tampoco él fue siempre el mismo, sino una verdadera asamblea de poetas, cada uno con una obra completa que no terminará de leerse nunca.
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Según la crítica, Tamerlán el Grande es la obra de Marlowe de más consistente intensidad y más generosos recursos poéticos. Se la señala como una creación de extraordinaria fuerza, concentrada en su protagonista, Timur el Cojo (del persa Timür-i lang), el último de los grandes conquistadores nómadas de Asia Central.Christopher Marlowe nació en 1564 en Canterbury –el mismo año que Shakespeare– y murió en 1593. Ya desde el estreno de Tamerlán el Grande en 1587, Marlowe consiguió triunfar en los escenarios londinenses. Su carrera como dramaturgo fue sumamente exitosa, y todas sus obras, representadas en exclusividad por la compañía Admiral’s Men, fueron muy aplaudidas.
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