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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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A la raó
Un inèdit del poeta més influent de les últimes dècades: un gran llibre de poemes del segle XXI.''sóc foraster de la poesia / no he sabut mai què ni qui era / no n'era tassa ni cullera / ni veritat ni fantasia /no sé d'on ve ni de què em tria'' A la raó és un llibre de poemes fins ara inèdit que Enric Casasses ha guardat uns anys al calaix, només l'havia donat a conèixer, en part, als recitals. El llibre té dues parts. La primera, «A la raó», comprèn 48 poemes acompanyats amb unes quantes notes de l'autor. La segona, «A taula», són 18 poemes, majoritàriament en prosa.
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Un libro único en el que la ganadora del Premio Pulitzer y del Pen Hemingway da voz a una misteriosa escritora cuyos poemas cuentan una vida sospechosamente parecida a la suya. En el fondo del cajón de un escritorio de su casa de Roma, la autora halla algunos objetos olvidados por sus anteriores dueños: sellos, un diccionario griego-italiano, botones, postales que nunca se enviaron, la foto de tres mujeres de pie frente a una ventana y un cuaderno fucsia con el nombre de «Nerina» manuscrito en la cubierta. ¿Quién es esa mujer sin apellido? Como una poeta clásica o medieval, o como una misteriosa artista del Renacimiento, Nerina escapa a la historia y a la geografía. Apátrida, políglota, culta, escribe en su cuaderno poemas excepcionales y cotidianos sobre su vida entre Roma, Londres, Calcuta y Boston, sobre su vínculo con el mar, con su familia y con las palabras, y en ellos Jhumpa Lahiri vislumbra una identidad. Entre ella y Nerina, cuya existencia se confía a los versos y a muy pocas pistas más, existe la misma relación que une a ciertos poetas modernos con sus dobles, que a veces fingen ser otros autores, comentan poemas que pretenden no haber escrito o aparentan ser simples lectores. La escritora se convierte en lectora e incluso invoca la intervención de una misteriosa erudita para que le ayude a ordenar ese ovillo de estrofas y vidas que no son las suyas, pero que muy bien podrían ser las nuestras.La crítica ha dicho...«Lahiri juega con las identidades como Pessoa, [...] con una geografía más sentimental que biográfica, que oscila entre los roles de madre-hija-mujer y las edades de la vida».L'Espresso «Un juego literario. Un magnífico apócrifo. [...] Un uso perfecto, cuidado y minucioso de la lengua».Corriere del Ticino «Hay todo un mundo filológico dentro de El cuaderno de Nerina [...] un misterio hecho de cartas y de poesíaDomani«Lahiri desnuda la propia esencia de las palabras como un acto de fe en los sonidos y en las imágenes con las que intentamos captar y recrear la realidad».Corriere della Sera «Un paisaje del alma que atrapa las señales de nuestra historia. Una poesía intensa y madura».SuccedeOggi «Una autora de una elegancia y un aplomo extraordinarios».The New York Times«La más importante y premiada voz literaria de este joven siglo».Domani «Su propuesta poética mantiene firme la mirada sobre pequeños gestos que acaban conformando una sutil cartografía urbana, una estela desde la que poder interpretar la vida, en sus diversas formas».Zenda«Jhumpa Lahiri ha emprendido un camino en el que todo es nuevo y conocido a la vez».Aloma Rodríguez, Diari de Tarragona «Una voz que posee una rara capacidad para ahondar en el alma humana».Tutto Libri «Citando a DanteAlighieri, si uno busca en la literatura una vita nova que le ayude a comprender mejor su existencia, Jhumpa Lahiri es la compañera de viaje ideal».Io Donna
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El tiempo que nos hizo nos deshace.
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Lo queer supone una respuesta amplia a los roles de género tradicionales del universo heteropatriarcal. Como la literatura se alimenta de la identidad personal, la escritura queer refleja la experiencia autobiográfica y el pensamiento crítico del autor queer, nuevas vías que abren fugas al patriarcado global. Hoy en día, la poesía queer es relevante por su capacidad de devolverle al lenguaje una plasticidad extraordinaria, hace posible la reescritura de un relato establecido, violento, rígido y normativo, tanto social como íntimo, que deja fuera a todo sujeto considerado ajeno a los roles habituales de género. Esta antología está pensada como un libro polifónico, el camino mejor para abordar el deseo queer. Sin pretender esbozar un canon, queremos dejar constancia de varias propuestas que dan forma a un nuevo relato y registran la búsqueda de una nueva afectividad y de su libertad radical. De ahí, la selección de voces que ilustran la pluralidad del deseo tanto en la forma como en los contenidos, así como nuevas maneras de sensibilidad y disidencia sexual, sin olvidar la crítica social, la descolonización, el antirracismo, así como la inclusión de lenguas minorizadas. La presente compilación, realizada y prologada por Ángelo Néstore, incluye poemas de Héctor Aceves, Txus García, Berta García Faet, Pol Guasch, Laia López Manrique, Antón Lopo, Roberta Marrero, Juanpe Sánchez López, Sara Torres y Gabriela Wiener.
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Riu avall
Riu avall és un breu poema èpic on Amat Baró assenyala sense tabús els conflictes de la civilització en l’actualitat: la solitud i el patiment que ha suposat el pas sobtat d’un món lligat encara a tradicions mil·lenàries a una era virtual que ha tallat tots els lligams amb el passat. La salut mental, les drogues, la pornografia, la família, el compromís social, el valor de la cultura, el pensament... tot hi és tractat des d’un jo lúcid que sofreix, tot s’hi descriu amb astúcia i dolor, amb sarcasme i saviesa.Per aconseguir aquest objectiu, Amat Baró se serveix de tots els estrats de l’idioma, diacrònics i sincrònics, com una unitat amb un objectiu: la creació literària. Per això els arcaismes no en sonen, els barbarismes esdevenen naturals i els dialectalismes no grinyolen. I tot en vers decasíl·lab. Trobadoresc a voltes, petrarquista en d’altres i a la xamberga quan li sembla, amb una música i un ritme oscil·lant entre l’harmonia i les dissonàncies, entre la varietat melòdica i la monotonalitat dels mantres. I rimat.Riu avall és, en definitiva, una confessió sense reserves nascuda del dolor i envernissada amb els pinzells del joc i la innocència, senyal que ja és marca d’estil en Baró.
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Poemario del autor Adyel Quintero DíazDurante la pandemia del COVID 19 el miedo, la ansiedad y la incertidumbre se tomaron la vida de casi todo el planeta. Mucho de lo que ocurría parecía a la vez incierto, como si fuese parte de una extraña película sin fin en la que cada día pasaban las mismas cosas. Todos los días se hicieron iguales, llenos de las imágenes que nos trajeron la muerte, la ausencia de ciertos rituales, el hastío, la nostalgia y las conversaciones delirantes que ocurrían al interior de las casas. Una manera de habitar semejante desvarío, fue dejarse llevar por esas imágenes, esos estados y permitir que algunos fragmentos de la “película” se proyectaran en estas páginas, donde la poesía, el teatro y el cine se mezclan como parte de un mismo lenguaje.
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Carla Carmona (Sevilla, 1982) es profesora de filosofía en la Universidad de Sevilla. Combina su investigación en el ámbito de la filosofía con su práctica artística en las artes visuales, en la última década principalmente bajo el seudónimo de O/C. Es autora de los ensayos Poesía o el dedo gordo del pie (Revista Pasajes, 2021), Ludwig Wittgenstein: La consciencia del límite (Shackleton Books, 2019), En la cuerda floja de lo eterno: Sobre la gramática alucinada de Egon Schiele (Acantilado, 2013) y La idea pictórica de Egon Schiele: Un ensayo sobre lógica representacional (Genueve, 2012). Es traductora de los poemas y cartas de Egon Schiele (La Micro, 2014) y de los ensayos de Kathleen Raine sobre William Blake (Atalanta, 2013). Este es su primer poemario. En los ritmos de tus arcos adiestrarme. Vaporosas curvas: contorsión volátil de las vértebras, torcimiento de peroné, pie como plátano. («Ser costilla y helecho»)
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La Palabra Poesía habla de la luz que encontramos en la naturaleza como luz de la poesía que es a la vez construcción literaria y creativa tanto del universo como de la poesía. La Palabra Poesía proviene del contexto natural universal donde se reconoce la creación como parte del mismo poema, desde el cual se observa la misma creación que origina la Palabra creadora o el Verbo creador, que es la Palabra Poesía, como principio del universo en todas sus expresiones y formas, como origen de todas las lenguas y lenguajes, en el reconocimiento de su obra y significado. La naturaleza está muy presente en este libro, que ayuda y es esencia del arte para que el arte pueda llegar a ser mensaje universal y pueda perfeccionarse para alcanzar la trascendencia humana y mostrar a la humanidad la vía para ser parte de la naturaleza y del mismo arte, como conocimiento del ser humano expresado en la luz y la acción de la luz en su dimensión poética y creadora.La Palabra Poesía está dirigido a los lectores que tengan un interés por la naturaleza y por el despertar, en general, a todos los lectores de poesía.
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La piel surge en este libro como origen del lenguaje y cual límite y barrera. Marca los contornos del cuerpo, del decir, de la boca, muestra y a la vez esconde su canción. La palabra poética es nocturna, permanece agazapada, explora el dolor y ahonda en lo inefable, está íntimamente ligada al lenguaje oral y a los órganos que lo generan. Es capaz de producir una suerte de encantamiento. Juega con las manos y las voces, las recoge, les otorga un lugar y después las pierde. Su belleza es un fracaso.El poemario aparece así dividido en dos secciones, “Nocturno” y “Encantamiento”, acompañadas de un inicio y una coda que exploran y configuran los límites del lenguaje: los poemas no escritos, aquellos extraviados, las palabras que no llegan a su destino, la piel que frena y a la vez protege, que es temblor y cobijo.La presencia constante del cuerpo, como fuente de la canción y el pensamiento, enraíza a las palabras y no esconde el esfuerzo, el dolor y el encanto que supone su venida, su alumbramiento. Las imágenes vegetales, que se entrelazan a menudo con las somáticas, conectan a la voz con el mundo, con su contorno y su silencio. Al final, la voz es una fibra, un tejido, una cuerda que se acerca a lo olvidado, que acaricia lo indecible.
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En los últimos años, el de María de Zayas y Sotomayor se ha convertido en uno de los fenómenos más notables para los historiadores de la literatura y la cultura áurea, con una obra que ha pasado de observarse como una suerte de rareza a convertirse en lectura obligada en planes docentes de ambos lados del Atlántico. Antaño censurada por la violencia de sus obras y su retrato de ambientes opresivos y relaciones prohibidas, además de amenazada triplemente, como mujer, como creadora de tramas escabrosas y como autora de oculta identidad, hoy, sin embargo, son esas mismas coordenadas las que la llevan a aparecer continuamente en debates de actualidad innegable. ''La traición en la amistad'', cuya trama gira en torno a los amores de un grupo de jóvenes, y en particular en torno al deseo que tres mujeres sienten por uno de ellos, es un ejemplo destacado del legado de esta autora, que utiliza la literatura para satirizar y examinar las relaciones amorosas y de género en su tiempo.
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Ana Blandiana (Timisoara, Rumanía, 1942), poeta, prosista y ensayista de excepción, es una figura legendaria de la literatura rumana y una de las voces femeninas más influyentes de la literatura contemporánea, representante de los valores humanísticos y militante de la justicia social. Entre otros premios, en 2024 le fue concedido el Premio Princesa de Asturias de las Letras. El tercer sacramento (1969) es un libro de poemas basado en la idea de la transubstanciación, de la identificación del yo con el universo. Son versos propios de la madurez, que profundizan en lo metafísico. Contienen todos los elementos de su creación posterior en la que las palabras casi alcanzan la transparencia. Es la escritura de una conciencia que, en pleno ejercicio de lucidez y exigencia moral, asume su propio destino. Un libro embargado por la melancolía en el que abundan las preguntas sobre la identidad del ser humano, de sus orígenes, su destino, las leyes de la existencia, y de cómo reconciliar la realidad con el deseo de pureza y de transfiguración. Blandiana continúa aquí con la misma inquietud por los temas morales de sus primeros volúmenes, y mantiene la misma predisposición para confrontar el mundo desde una perspectiva ética al tiempo que profundiza en la dimensión metafísica de la existencia. Pero ahora, en esta búsqueda de pureza moral, la poeta descubre la traición de las palabras. El lirismo del frenesí vitalista y la adhesión al ideal ético ceden ante la angustia y la incertidumbre.
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Nadia Fabo Andrés (Donostia, 1975) es filóloga hispánica y educadora social. Es autora de los poemarios Un antílope en la garganta (2019), Tina Turner en la cola del híper (2020), Tenderete (2021), Hija (2022) y Pitx (2024). «Al comienzo, una cita de Nadal Suau advierte: si este libro o cualquier otro no existieran seguiría sin pasar nada. Nunca pasa nada, salvo que decidamos que sí. Nadia Fabo Andrés parece haber elegido la ironía y el desapego como formas de acercamiento personal, y una autocrítica constante. En cierto modo, este es un libro emocionante, lo que podríamos llamar la lírica hoy. Hay leves hilos narrativos, yuxtaposición, voluntad de no crear relato. Hay humor, una mirada humorística franca, la risa. Y mezcla de registros, agudo saber crítico respecto al habla y la cultura que conforman un yo mujer, su imaginario, sus estados de ánimo, su desesperación. Y a la vez, muy fuerte, una poética del borrado, escribir, borrar: venir al mundo / para escribir borrar descubrir sabores escribir borrar decir 'vale' escribir borrar / (...) a veces pasan las cosas antes de tener las palabras / para nombrarlas. El borrado mantiene a raya el ego, el énfasis. Equilibrio inestable entre el decir y el no decir, un decir indirecto. A través de nimiedades, nos llega más tono, más huella personal, más singularidad, más vida precaria, que en formulaciones explícitas o en los movimientos del alma. Nunca pasa nada... Pero escribir poemas así es decidir que sí». Olvido García Valdés
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Aversions
Aversions, per què? Són les pors vitals, que ens avisen de perills, que són beneficioses per a la nostra supervivència, punxes de roser que no acaben de sortir amagades sota capes de pell, que burxen i fan un mal suportable la majoria de dies. Hem creat uns meridians imaginaris des d'on ens agafem fort per fer alguns salts mortals i sentir l'enyor de la infantesa, per refugiar-nos en els espais eròtics... I segons com, l'aversió és una excusa per parlar d'una fília, de la mateixa manera que un verí té el seu propi antiverí, del qual no es pot deslligar. No sabem mai com ens llevarem. Fem això, passejar les nostres aversions i fal·leres pels carrers de cada dia, protegint cada gota de sang, escrutant la bellesa que ens arriba des de diferents direccions, com l'espigadella. I som aquí, amb una N majúscula de conductor novell a l'esquena, penjada com una llufa, i amb una entrada a la mà per assistir a la nostra pròpia tragèdia. Al capdavall, som com aquests tossuts que tornen sempre a la posició inicial, com aquestes boies de colors estridents, surant tot el dia sota el sol a pocs metres de la costa, salvavides estacats amb corda, per tornar dels somnis i del joc amorós, per agafar fort un pa sota el braç en el joc de caducitats del firmament. Perquè només un petit tall en l'afaitat del matí que faci brollar una petita gota ens activa, plens de soroll interior, per a la nova alerta, per a un nou dia d'aversions.
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Seleccionados por Eva Ariza y acompañados por las poéticas ilustraciones de Leticia Ruifernández, los textos de La ciudad trazan un recorrido literario por algunas de las grandes ciudades del mundo: Nueva York - Zadie Smith Ciudad de México - Valeria Luiselli Jerusalén - Najwan Darwish Río de Janeiro - Clarice Lispector Roma - Igiaba Scego París - Philippe Jaccottet Praga - Bohumil Hrabal Lahore - Saadat Hasan Manto El Cairo - Radwa Ashur
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El silenci de les falzies
La Glòria demana a la seva filla Sílvia que torni a Mallorca per acomiadar-se de la seva àvia, que està a punt de morir. Amb aquest retorn a l'illa, hauran de confrontar la distància emocional i aprendre a respirar en un silenci que inunda tot allò que es diuen. Poc després de l'arribada de la Sílvia, apareixerà la Lola, una al·lota sorda amb qui serà capaç d'observar la dansa de les falzies i reconèixer les dificultats d'arrelar-se i estimar(-se). Una història que parla a la maternitat des dels dos punts de vista, el d'una mare i el d'una filla, amb la voluntat de representar personatges femenins imperfectes i els abismes que s'obren entre allò que volem i allò que podem expressar.
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La sabiduría de un alma vieja y el enigma de un cuerpo joven es un poemario con el que pueden identi?carse muchas personas, aunque en el fondo sea un proyecto personal donde la autora describe su proceso de crecimiento, tanto físico, como mental y espiritual. En los poemas, explora además su relación con Dios, y la manera en que la fe le ha sido crucial para seguir con vida. Además, a través de estos versos, Sánchez Linares desnuda su vulnerabilidad compartiendo sus experiencias con la ansiedad, la depresión, un divorcio a temprana edad, y otras vivencias que han ido construyendo su identidad. Este poemario embarca al lector en un corto viaje de vida, con emociones contradictorias y complicadas, pero, al ?nal, con la esperanza necesaria para vivir.
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«Esta poesía [...] sistemáticamente se nos aparece como escrita cuando ya todo ha pasado, y somos de algún modo meros espectadores de nuestra propia vida, espectadores concernidos, a los que aún afecta, y hasta estremece (Dices que no queda nada. / Mentira. Mira bien. / Mira mis manos: / tiemblan), pero lo hace ya desde otro lugar, desde un definitivo y decisivo fue que, sin embargo, no excluye, que hasta exige, la interpretación, la valoración, el poder todavía seguir hablando del futuro que ha pasado, / hablando del futuro qué ha pasado. Un lugar otro desde el que todo lo que cabe contemplar son, esencialmente, ruinas, pero sin olvidar nunca que toda ruina al fin es solo el séquito, / más duradero que él, de un resplandor». José Cereijo
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Sidi Brahim formó parte del primer movimiento saharaui anticolonial, la Organización Liberación Sahara (OLS) de 1970. Este libro recoge parte de su poesía comprometida con el proceso de liberación de su patria, el Sahara Occidental. Como muchos de los niños saharauis de aquel tiempo, por la mañana, salía a pastorear con sus louh con versículos coránicos escritos, y al volver cada noche a la jaima tenía que recitar delante del padre lo memorizado en su jornada de pastoreo. Además de las enseñanzas religiosas, Sidi Brahim y sus hermanos aprendieron de su padre la vida beduina propia de la sociedad saharaui: les enseñó a pastorear, a cultivar y a cazar el avestruz, la gacela y el antílope con un arma rubaia, fusil de cuatro cartuchos, que usaba su familia para cazar.
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Dama Dictadura
Dama dictadura és un cúmul de caceres sota d'un aixopluc en forma de revista ¡Hola!. Una cacera de Carmen Polo als seus collarets, una cacera de Franco a Carmen, les caceres que organitzen les classes altes i les caceres de la ultradreta a persones vulnerables durant els anys 90. És un àlbum d'assassinats i aristocràcia sobre l'herència feixista que ens ha deixat la moral catolicocristiana de Carmen Polo. «¿Qué es España? La finca del abuelo.» Això responia el net de Franco quan era petit. Cinquanta anys més tard, aquesta finca segueix sent de les mateixes famílies i les caceres estan més de moda que mai. El feixisme és un monstre que es troba en els racons on menys t'esperes, a dins unes botes amb punta d'acer, a dins la boca del policia que diu que portes una falda molt curta i en la petita Carmen Polo que hi ha dins de cada una de nosaltres. Per tant, l'única solució que ens queda es posar-nos les motxilles de cazafascistas i en trobar-los estar atentes a tirar estrelles ninges, fer encanteris i deixar-los congelats, abans que no expandeixin la seva merda i comencin a caçar.
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Entre adioses y bienvenidas la autora se despide de personas, espacios y tiempos para encontrarse con lo nuevo a través de un viaje tanto real como imaginario que será un parteaguas. Morir no alcanza es la historia –en poesía– de un antes y un después con una elección por un futuro a ciegas, tan incierto como desconocido. Es en este escenario, que queda entre tiempos, que las palabras se deslizan para evocar tanto recuerdos como sensaciones a veces deseadas, a veces temidas. Los pensamientos también acechan como trampas nocturnas, con los que la autora juega o debate. Morir no alcanza es un libro que muestra al descubierto algunos de esos laberintos mortales que proceden de la experiencia vivida como de la imaginación insomne.
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Smoke es una obra breve y fascinante en la que John Berger explora el humo como un símbolo multifacético de la vida moderna, a través de aforismos y reflexiones poéticas. Este librito, acompañado de ilustraciones evocadoras de Selçuk Demirel, invita a reflexionar sobre las cambiantes percepciones de la sociedad frente al acto de fumar. En el pasado, fumar era común y hasta glamuroso, se fumaba en trenes, aviones y otros espacios públicos, pero con el tiempo, el humo pasó a verse como una amenaza silenciosa.La obra utiliza el humo como una metáfora para hablar de la transformación de la percepción social y de cómo el pasado contrasta con el presente en aspectos que van más allá del cigarrillo. Las ilustraciones de Demirel complementan las reflexiones de Berger, resaltando las tensiones entre una sociedad que avanza rápidamente y una nostalgia por lo que se va perdiendo. Esta colaboración entre Berger y Demirel ha sido celebrada anteriormente en libros como Man on a beach y Cataract, y aquí vuelve a brillar con la agudeza y sensibilidad que caracterizan el estilo de Berger.
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Constantino Molina (Pozo-Lorente, Albacete, 1985). Es autor de los poemarios Las ramas del azar (2014, Premio Adonáis y Premio Nacional de Poesía Joven), Silbando un eco extraño (2016, Premio Institución Alfons el Magnànim) y Cingla (2020, Premio de Poesía Hermanos Argensola). En narrativa ha publicado El canto de la perdiz roja en interior. Además, desarrolla su labor literaria en escritos sobre arte plástico que le han llevado a colaborar de manera asidua con artistas y galerías. El presente libro constituye una suerte de entremés en la trayectoria poética de su autor. Cerrado un ciclo compuesto por sus tres anteriores poemarios, en los que el hallazgo poético se forja a través de lo intuitivo y una metafísica de lo rural, y trabajando ya en los nuevos poemas que formarán su siguiente ciclo, este Premio Cervantes, con intención de entreacto, se sirve de uno de los temas más arquetípicos y manidos de la poesía, el amor, para ofrecer un juego en el que lo popular, la emoción y una interpretación distante y reflexiva sobre ese gran tema se dan la mano en busca de un público que muchas veces no demanda sino eso: más amor y menos entelequias. C. M.
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Este volumen forma parte de una trilogía, compuesta por las obras de Caiero, Reis y Campos, y aspira a contribuir a la lectura global de los heterónimos de Fernando Pessoa. Por un lado, podemos leer cada volumen como un libro aislado, por otro, podemos leer cada tomo como parte de un conjunto mayor y comprender finalmente por qué hacen de Pessoa el escritor más universal de la lengua portuguesa.
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La cua del dromedari i La Ventafocs de Teià
Dos escriptors passen dos dies a Teià, durant el festival Lletrescena, de literatura i dramatúrgia, entrant en contacte amb una comunitat, amb un paisatge. A posteriori, escriuen una ficció posant el poble com a escenari. A La cua del dromedari fabula una història a partir d'una pintura mural escrita en català i La Ventafocs de Teià és una història coral de personatges curiosos, amb les seves històries i desitjos amagats.
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Un corazón bajo la sotana cuenta, en forma de pseudo diario, la pasión breve pero culpable de un joven seminarista en vísperas de tomar los hábitos. Por su ironía mordazy el humor que se despliega en todo momento, este texto merece ser colocado al lado d
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Els cels dels divendres
Aquest és, sense cap mena de dubte, un poemari de maduresa. Josep Civit hi convoca el temps per mirar de recuperar les fites significatives de tota una vida. I com a bon poeta s'entreté a mirar d'esclarir on són els límits entre el que diem i el que volem dir, entre el que expressem també com a límit d'allò que el món oculta. No debades, els referents literaris seran també convocats al poema. Com tota mirada en el retrovisor, en aquests versos la vida mostra, en retrospectiva, els contrast entre l'ahir i l'ara. Una vida que no fa concessions, però que tampoc tira la tovallola.
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En 1998, a la edad de veintisiete años, Roberto Enríquez fue diagnosticado de una enfermedad autoinmune, esclerosis múltiple, que lo marcará de por vida. De este terremoto neurológico nace un texto escrito con urgencia, De cuerpo presente, con el que, junto a fotografías de Toya Legido, debutó como escritor. Publicado en julio de 1998 por esta misma casa, en la colección Libros Inútiles, aquella humilde edición ‒grapada, formato de 15 x 10 cm, 700 ejemplares‒ se agotó rápido y hoy es inencontrable. Ahora, en este volumen, reproducimos la maqueta de manera idéntica a la de aquella publicación.Veintisiete años después‒-de nuevo veintisiete‒ del epicentro de aquella conmoción, esta vez bajo el nombre de Bob Pop, a la edad de cincuenta y tres años, el cuerpo esclerotizado, la cabeza más lúcida que nunca, los dedos de la mano endurecidos, rígidos, ojos y lentes siempre avizor, escribe con la misma urgencia y valentía, a modo de cara B, un nuevo De cuerpo presente, donde los nuevos poemas conversan con y contra cada uno de aquellos poemas del siglo pasado, esta vez entreverados con los retratos hechos ex profeso para esta edición por su Maridito Rétiz.Es decir, un poemario escrito en dos tiempos y un solo cuerpo.«Será vuestra lectura quien me haga futuro». Bob Pop
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Elí Urbina es uno de los poetas peruanos más notables de las nuevas generaciones, cuya obra se distingue por un profundo sentido antropológico y por su exploración de diversos registros poéticos. Esta antología abarca su trayectoria desde su primera obra inédita, hasta su interés por la poesía visual, el lipograma, la épica y los haikus. Además, ofrece una muestra de sus poemas más recientes. El reconocido poeta español Justo Jorge Padrón elogió su estilo, señalando que: “Leyéndolo, uno se da cuenta de la irremediable soledad del hombre, haciendo necesario el diálogo desnudo y plenamente sincero con el propio alter ego para encontrar una forma de consuelo y compañía”.
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Este esperado libro, dice Teresa Gómez, nació de la contemplación de la intérprete de un concierto de violín, cuando la danza de pequeños músculos de su espalda sugirió a la autora el contraste entre el silencioso trabajo de sus brazos y la fluidez del sonido resultante, que aparentaba brotar sin esfuerzo alguno. Del mismo modo la poeta, que aspira a la difícil sencillez, pule sus versos hasta lograr que suenen desprovistos de retórica, apelando a sentimientos que llevan implícita una profunda carga reflexiva. Ya desde el título, La espalda de la violinista nos sitúa en un ámbito donde se conjuganla música y la palabra, que caminan al paso de una sinfonía compuesta por un preludio y tres movimientos. Combinando el tono conversacional con el despliegue de imágenes sorprendentes, la poesía de Teresa Gómez explora la realidad a través de las emociones: el amor, la distancia, el desamor, la angustia, el desencanto o la esperanza laten bajo cada verso constituyendo la clave de una voz con un alto grado de autoconciencia, que por una parte construye una identidad propia y elegida, frente a los condicionantes ideológicos impuestos, y por otra analiza y cuestiona el discurso dominante desde una voluntad de resistencia.
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La colección «Poesía portátil» nos trae Vivir poco y llorando, antología que permite explorar el mundo lírico de Rafael Alberti, uno de los poetas más representativos de la Generación del 27. Una reflexión de una intensidad extraordinaria sobre el amo
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Se trata del único libro de poesía escrito por Yaşar Kemal. Como afirma Güven Turan en la presentación de este libro singular: Sabía, por lo que había leído de sus biografías, que Yaşar Kemal escribía poesía en su tierna juventud. Además, un joven como él que recorría de trovador las montañas del Tauro y recolectaba elegías y leyendas, ¿cómo iba a contener la poesía que se acumulaba en su interior? Pero supongamos que no sabemos nada de eso, ¿quién, leyendo sus relatos y novelas, no se ha dicho alguna vez «eso es pura poesía»? A pesar de ello, la primera vez que Yaşar Kemal me presentó las páginas que componen este libro, confieso que no esperaba algo así: quien tenía ante mí no era un escritor de ficción metido a poeta, sino que era un auténtico poeta. [...] Yaşar Kemal se había dedicado a la poesía hasta 1945 y luego se retiró... Recordemos que 1946 es el año en que escribe su primer cuento, «Un cuento sucio»... Tras este cuento entra en las páginas de la historia de la narrativa turca, dejando aparte unos cuantos poemas suyos publicados en la década de los años ochenta. Sin embargo, es evidente que la poesía de Yaşar Kemal no se había acabado ahí, en este libro salen a la luz cinco poemas inéditos que justifican el dicho de «la poesía es un grito, un grito que no se puede acallar».
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Charles Simic es el poeta de mayor autenticidad en nuestro tiempo. Su voz única le ha hecho merecedor del Premio Pulitzer y de una larga lista de reconocimientos entre los que se encuentra el haber sido elegido Poeta Laureado del Congreso de los Estados Unidos. El señor de las máscaras es uno de los libros fundamentales de su bibliografía. ''La imaginación de Charles Simic es prodigiosa: un mundo onírico que se funde con la realidad más cruel y con las esperanzas más nobles''. Nieves García Prados
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'L''aire daurat / Com un núvol lleuger'
La suggestió, la subtilitat, l’,emoció tàcita,el misteri, la tendresa, l’,encís per les menuderies, la sensibilitat excepcional pels matisos delicats del paisatge... No hi ha prou mots per expressar l’,excelsitud de la poesia xinesa. Com deixàescrit Marià Manent en el pròleg a L’,aire daurat, «la lírica xinesa revela, al fons de les sevespeculiaritats pròpies, la unitat bàsica de l’,esperit humà. S’,hi troben aquells sentimentselementals que han servit sempre de primera matèria al’,alquímia poètica». I tenia tota la raó, com podreu comprovar quan obriu aquest llibre disposatsa deixar-vos endur per la bellesa de les coses senzilles.
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Como si las tradiciones no hubieran servido para mostrarnos el lugar al que conduce el camino del odio, Jericho Brown escribe en un país donde un hombre negro puede morir por su color de piel. Jericho Brown es el hombre que recibe la bala y la voz imposible de ese hombre bajo la tierra. Jericho Brown es también el poeta vulnerable que sangra por la herida del amor y de la enfermedad. Un poeta total destinado a convertirse en uno de los referentes indiscutibles de nuestro tiempo.Fernando Valverde
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