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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Arturo Tendero (Albacete, 1961) ha publicado 9 poemarios entre 1991 y 2023, ha obtenido galardones como el Jaén, el Gerardo Diego, el Manuel Alcántara o el José Agustín Goytisolo, pero nunca hasta ahora había reunido una selección de su obra. Aunque escrita en sordina, como dice Marzal, ha sido traducida a media docena de idiomas, incluido el chino. Miguel d'Ors ha dicho «me parece admirable el arte de Arturo Tendero para erigir con palabras unos ambientes en los que el lector se encuentra como en el mundo real, o, mejor dicho, como en un mundo más real que el real». Tendero codirige La Siesta del Lobo, organiza Poesía Viva y ha publicado la obra crítica Un poco de orden (2025).
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Alberto Guirao construye en ''Casi paisaje'' una cartografía íntima donde los límites entre el yo y el mundo se difuminan hasta alcanzar esa zona incierta en la que habitamos. A través de tres movimientos —la reflexión sobre la libertad en el Madrid contemporáneo, el viaje iniciático a las islas griegas del alter ego Marcel Bochán, y la contemplación oriental en los arrozales de Vietnam—, el autor traza un mapa emocional que trasciende lo meramente geográfico. Con una voz que combina la precisión técnica con la hondura reflexiva, Guirao dialoga con la tradición clásica griega desde una sensibilidad absolutamente contemporánea, creando un lenguaje poético que oscila entre la ironía urbana y la contemplación serena. El resultado es un poemario maduro y arriesgado que confirma a su autor como una de las voces más sólidas de la poesía española actual. Casi paisaje es un libro sobre los viajes que nos transforman, sobre la escritura como forma de habitar el mundo, y sobre esa extraña condición humana que nos convierte, casi sin darnos cuenta, en parte del paisaje que contemplamos.
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Caer al cielo es un muestrario de saltos y golpes. Un poemario que juega entre la niñez y la adultez, en un tono elegante y lírico, rozando una serie de emociones inevitables del pasar de los años. En cada poema vive el sonido que hace un cuerpo al caer sobre otro cuerpo, o sobre la nada.Patricia Conor presenta estos poemas que se animan al vértigo, para transformar la caída en lo deslumbrante. Cómo entender el mundo, cómo despedirse de un ser amado, cómo descubrirse en el deseo, cómo aprender la lucha, la lucidez.
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El regreso a la ficción de uno de los escritores más célebres de nuestro tiempo. «Rushdie no solo ha ampliado lascapacidades de la literatura, sino que ha expandido las posibilidades imaginativas del mundo». The Times Tras el ataque sufrido en 2022, en el que casi pierde la vida y que relató en su anterior libro, Cuchillo, «nuestro Scheherazade» -como lo llamó Ursula K. Le Guin- regresa a la ficción. En estos cinco relatos, la desbordante imaginación de Salman Rushdie adopta un tono crepuscular. Vuelve a sus orígenes, a las calles del Bombay de Hijos de la medianoche, donde se reencuentra con viejos personajes de la novela de 1981, y completa un recorrido por los tres países donde ha vivido: India, Inglaterra y Estados Unidos. ¿Nos dejamos llevar hacia la muerte o nos resistimos a ella? ¿Cómo nos despedimos de los lugares que han sido nuestro hogar? En estas historias donde se dan cita dos ancianos criminales, un infeliz matrimonio cargado de música, dólares y magia, el fantasma de un académico inglés con ansias de venganza, una muerte misteriosa y una preciosa parábola sobre la libertad de expresión, Rushdie se enfrenta a la penúltima hora de la vida y reflexiona sobre la muerte y el legado, la identidad y la pertenencia.La crítica ha dicho:«Más de cuarenta años después de Hijos de la medianoche, todavía no hay nadie que cuente una historia como Salman Rushdie».The Spectator«Salman Rushdie es un genio. La envergadura de su intelecto y su imaginación es un gúgolplex: tan grande como el infinito y un poco más».A. M. Homes«Salman Rushdie se ha ganado el derecho de ser designado uno de nuestros más importantes narradores».The Observer«Es una leyenda. No es solo un talento envidiable, es una mente reveladora [que muestra] un profundo conocimiento de la historia, la cultura, la fragilidad humana y el triunfo».Toni Morrison
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La urbanización. R. BELLO: El amor y la muerte encarnados en una escritura españolísima y hermosa. 56 verdes diferentes. B. BERGAMÍN: Una mujer que vive en carne propia los cambios que el tiempo pinta en su cuerpo y en la naturaleza emprende y aprende el camino hacia lo inevitable. La obra del mar. A GARCÍA: poema escénico que apuesta desde la forma y la memoria por repensar la escritura. Un castaño, un almendro o un árbol que dé fruta. L. MIHON: ¿Cómo gestionamos la muerte, la propia y la ajena, en un mundo diseñado para ignorarla? Hay un perro que camina en la niebla. S. SERRANO: La palabra como herramienta de emancipación. Ídolo. Episodios de mutismo selectivo. A. TORRES PEÑALVER: una obra de teatro que se resiste a ser escrita. También hay un diario. Y un manual de clases.
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Cuando leemos los versos de Alma de cebolla, la curiosidad y el ansia nos invaden y nos empujan a seguir. Entre sus líneas, nos encontramos con una voz apasionada que nos sorprende, cuando el amor —pero también el desamor— se convierte en la nota constante que une sus partes. Partes que ha ido creando durante años, cuidadosamente.Y al seguir el rastro de la voz cristalina de la poeta, así lo he leído y lo he sentido. Porque la poesía se siente. Y he sentido el amor de las mil maneras en que se puede sentir cada día: un amor limpio, sin romanticismo, una voz depurada, y el eco del canto de las trovadoras a sus amantes. Unos amantes que se convierten en compañeros.Sus versos luminosos transmiten paz. Los guía una voz de cadencias armónicas, acompasada con una naturaleza acogedora. Y un amor de madre, manifestado con una sagaz ternura, como el de las madres más sabias de otros tiempos.Es una voz que nos recuerda otras voces, que llegan frescas hasta aquí. Leerlas es ser parte de su rastro rutilante.ROSA ROIG CELDA
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Caveat emptor: este no es un libro complaciente, sino una obra polifónica que encara con lucidez la complejidad humana y los hechos inquietantes de la historia de las siete naciones del istmo centroamericano: Belice, Honduras, Guatemala, Nicaragua, El Salvador, Costa Rica y Panamá. Relata la alegría y la angustia, el drama íntimo y el radical, enlazándolos con lo universal. Su mirada se multiplica: voces del exilio, perspectivas externas y testimonios desde dentro, en las cadencias y registros cambiantes donde conviven lenguas sin fronteras. En el centro, el ritual restituye la dignidad al anclarlo en lo ancestral, como un funeral capaz de devolver sentido y memoria, incluso frente a la violencia.
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Hay personas que no quieren seguir el camino marcado. Para ellas, lo fácil es sencillamente imposible. Carmen se reveló desde niña contra lo que parecía su destino: una vida cómoda siguiendo las convenciones de su tiempo y su entorno familiar. La vida de Carmen Díez de Rivera fue tan excepcional que tiene paralelismos con las tragedias griegas como Antígona o Ariadna. Nacida en unas circunstancias familiares rocambolescas, dentro de lo más granado de la aristocracia española, renunció a los privilegios de clase y llegó a alcanzar un puesto que ninguna mujer ha desempeñado en este país: Jefa del Gabinete de la Presidencia del Gobierno durante la Transición. En el escenario, Carmen va desgranando los momentos álgidos de su intensa y desafiante carrera política mientras recuerda los episodios íntimos que marcaron su desdicha y su carácter. Por su memoria y por nuestros ojos pasarán algunos de los personajes más importantes de nuestra historia.
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#challenge: apaga o móbil un par de horas, concentra ese cerebro virtualizado que tes e adéntrate nunha intranet de versos sen ''postureo'' nin filtros.
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Teoría de los cuerpos es un análisis poético de las maneras de relacionarnos que tenemos los seres humanos: cuerpos que se mueven, se repelen y se imantan con sus iguales por razones a veces difíciles de comprender. «Intenté entender qué nos sucedía desde todos los ángulos posibles. Observé el ansia, la espera, el deseo, la tristeza, el vacío. La carne, áspera a veces, rugosa, el pulso caliente, la búsqueda a toda costa. »Reconozco que allí no había respuestas. Encontré otras vidas dentro de un solo cuerpo y vi cómo su relación con los otros condicionaba su propia existencia. Así a veces se sentía sustraído, partido o en expansión con ellos. »Busqué dentro lo que siempre había sentido fuera. Tuve que abrirme con mis propias manos, dejar que otras también lo hicieran. Y solo cuando atravesé el dolor y la nostalgia, el placer y la soberbia, descubrí que lo que había ahí enterrado era real, que absolutamente todo era cierto.»Zahara _____________ A través de poemas, textos más narrativos y semaforismos, la cantante y escritora Zahara demuestra una vez más que el talento no se compartimenta. Crea, a través de este poemario dividido en tres partes («Clausuras de un cuerpo», «Correspondencias de los cuerpos» y «Extensión de un cuerpo»), su propia interpretación de la teoría matemática de los cuerpos, que estudia sus propiedades. Un libro que sorprende por su originalidad y su calidad y que, al mismo tiempo, contiene todos los ingredientes a los que ella nos tiene acostumbrados y que tanto nos gustan: su humor, un toque de surrealismo, el exceso, el amor, el dolor, el deseo e incluso la náusea, mezclados y agitados en su justa medida.De Trabajo, piso, pareja se ha dicho...«Hay debuts literarios que logran sorprender a propios y extraños. Da igual que ya conocieras la faceta musical de Zahara: no estás preparado para Trabajo, piso, pareja, un fresco íntimo sobre la vida de una relación que actúa como un diagnóstico íntimo de algunas patologías generacionales.»Revista GQ «Un certero retrato generacional de los anhelos y las decepciones de los treintañeros.».El Confidencial«Un relato a dos voces sobre la conciliación romántica y profesional en una época en la que está mal visto enamorarse, en la que el trabajo es la prioridad y el desapego familiar la norma. Todo envuelto en el papel de una sociedad en la que sosteneren pie una relación es más difícil que conseguir que un castillo de naipes sobreviva a una ligera brisa.»Vogue
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Dos mujeres, madre e hija, viven en un piso de una gran ciudad, apartadas de la sociedad. Han decidido no salir de casa. La hija padece esquizofrenia y cree que, si sale, alguien morirá. La madre, que ha abandonado su vida laboral para dedicarse al cuidado de su hija, trata de abstraerse de la realidad consumiendo ideas conspiranoicas. Ambas intentan encontrar su lugar en ese micromundo, pero tanto la comunicación como el silencio se hacen insoportables.“¿Qué habría sido de tu vida si yo no hubiese existido?”.
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Con la corriente del agua, este poemario ganador del Premio de Poesía Joven Vaso Roto, Rubén Esparza hace gala de un lirismo fruto de su oficio con la palabra. Muestra que la poesía joven actual es la mejor forma de medir el talento, la lectura, el trabajo de limpieza de los textos y, ante todo, revela que es la manera irrefutable de contrastar la vocación cuando se entrega a una obra personal nutrida de la más alta poesía. En este poemario, dedicado a su padre, Rubén Esparza transforma la imagen del agua mediante el paradigma científico y las distintas miradas posibles a través de la memoria y una honda reflexión filosófica, a la que añade su mirada personal en diálogo con otras voces poéticas. De acuerdo con los miembros del jurado: «En su desarrollo, el poeta crea distintas atmósferas en las que lo acuoso, paradójicamente, es y no es metáfora de lo vivo, del amor, del lenguaje o del interrogante que es la poesía. Con altura lírica y dimensión ética, se trata de una escritura que trasciende lo íntimo para abarcar con consciencia las distintas formas de ser y estar en el río de la realidad». Jurado del Premio de Poesía Joven Vaso Roto 2025
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Este libro reúne los mejores poemas de amor escritos por Mario Benedetti, uno de los poetas más innovadores, divertidos, ambiciosos y modernos de la literatura en español. El amor, las mujeres y la vida recoge una selección de poemas aclamados por varias generaciones, en los que Benedetti vuelca su concepción de la vida. El amor como compensación de la muerte y como fuerza principal que mueve al ser humano, como una proclama de la existencia, que va de la erótica del amante hasta la esperanza del revolucionario o la gratitud del amigo. Todo esto trasluce en unos versos llenos de fe, escritos por una de las plumas más brillantes de la literatura hispanoamericana. «El amor es uno de los elementos emblemáticos de la vida. Breve o extendido, espontáneo o minuciosamente construido, es de cualquier manera un apogeo en las relaciones humanas».Mario BenedettiSobre el autor y su obra:«Esta obra ya forma parte de la educación sentimental de varias generaciones y seguirá sin duda alguna perdurando en el tiempo. Hay libros que pueden cambiarte la vida. Este, sencillamente, cambiará tu alma.»Luis Ramiro «Mario Benedetti es para muchos de nosotros el poeta universal, el que mejor aunó profundidad y sencillez.»Marwan «Benedetti tiene el mayor poder de todos: te hacer escribir después de leerlo.»Miguel Gane«Benedetti te mete los poemas en el buzón de casa.»Benjamín Prado
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Esquilo (h. 525-456 a. C.) es el autor más antiguo del que conservamos tragedias completas. Además de dramaturgo, fue también soldado en una época difícil para Atenas y participó en algunos de los combates determinantes de las Guerras Médicas. Esa experiencia personal emerge con fuerza en una pieza de trasfondo bélico como Los siete contra Tebas.Situada en el tiempo mítico justo antes de la Antígona de Sófocles, Los siete contra Tebas narra el asedio de la ciudad defendida por Eteocles ante el ataque de su hermano Polinices y sus aliados de Argos. Esquilo despliega en esta obra sorprendentemente realista un conflicto entre hermanos que se ve enriquecido con una adversidad superior: la de una ciudad que teme la derrota y sus terribles consecuencias. Quizá fue eso lo que convirtió a Los siete contra Tebas en una de las tragedias favoritas de sus contemporáneos.
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En muy pocos poemarios de calidad la reflexión sobre el zeitgeist del presente se da la mano con el espíritu apocalíptico de la ciencia-ficción. Este es uno de ellos: Que nadie se aburra, / no habrá tiempo para el bostezo. / El futuro nos ha tomado por sorpresa. / Se nos viene un vendaval / de estímulos psicoeléctricos, y nuevas obligaciones / en el vastísimo / botadero cibernético [...] / Aburrirse genera cortocircuitos / en el sistema de recompensas / de los algoritmos. / Que nadie se aburra. / No hay tiempo para el bostezo. La poesía como una hermenéutica de la materia, donde están los residuos, el resto, lo que nadie ve.
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Castillo Suárez (Alsasua, 1976), licenciada en filología vasca, trabaja como técnica de euskera en la administración, y es miembro correspondiente de Euskaltzaindia, la Real Academia de la Lengua Vasca. Con una trayectoria de más de 25 años y más de una decena de libros de poemas, posee una de las voces más características de la poesía vasca. Su estilo, sencillo, intenso y emocional, no descuida el uso de ricas imágenes poéticas.Alaska toma el título de un hotel que había junto a la carretera N-1, un gran chalé con mucha historia, abandonado ya desde hace dos décadas, donde la autora iba de pequeña con su padre, lleno siempre de viajeros y turistas. En esta obra, Suárez construye un universo lírico donde el frío, la soledad y la búsqueda interior acompañan a una indagación inmisericorde sobre la naturaleza de las heridas físicas y emocionales. Porque todos tenemos un Alaska en nuestro corazón, un lugar que nos encadena, que recordamos bien o a medias, alguien a quien quisimos pero que hoy no sabemos dónde está. Pero la lluvia llega por sorpresa, como las personas. No se puede hacer nada para detener la lluvia, ni para quien ha tomado le decisión de abandonarnos.
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Peribáñez y el Comendador de Ocaña es una de las más famosas comedias de Lope de Vega perteneciente a un género que podría denominarse de ''comendadores''. En ella el honor, ideal crucial del drama barroco, encuentra una plasmación artística notable y casi paradigmática y se refleja su código estricto y laorganización social que lo sustenta. Una vez reparadoel conflicto, provocado por la pasión y llevado a cabo mediante un abuso de poder, aparece el orden rígido de la España del XVII que tiene en la Monarquía lacúspide política y, en cierto sentido, religiosa.
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Afuera es de noche y una plaga de langostas apocalípticas inunda la ciudad. Adentro se desenvuelve una tensa conversación entre tres hermanos que debaten si tener más hijos o no tenerlos, si apostar por técnicas de reproducción asistida o abortar. Sentados alrededor de la mesa, rememoran el pasado y revelan sus miedos más profundos, sus rabias e insidias, sus secretas contradicciones, hasta que el amanecer pone luz sobre el feroz desamor de ellos en tanto hijos. ''Esa cosa animal'' pone en diálogo un tabú que ha sido objeto de un acalorado debate en los últimos años. Esta aguda y lúcida obra es una ''adopción'' del ya clásico ensayo ''Contra los hijos'' de Lina Meruane: adopción y no adaptación porque amplía y expande, con giros ácidos y humorísticos, lo ya expresado en esa polémica diatriba: el problema de la procreación en un mundo moralmente arruinado, arrasado por el individualismo y la crueldad del modelo económico.
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Diàlegs de la incomunicació
Un diàleg total: la reproducció original dels poemes de la incomunicació de Viladot i els dibuixos de Joan Codina Donaire, que reinterpreten i redimensionen les obres acarades del d'Agramunt. Un empelt visual, ric en escenes impossibles, viatges onírics, capbussades introspectives i erotisme que juga amb ratlles de gruixos variats, parèntesis, punts i lletres per emfatitzar la complexitat del llenguatge mateix.
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Poemes d'amor
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Fascinada por días de sol, generosos, vibrantes, cuando el cuerpo se deja lamer por los rayos y la mente se evade en busca de Paraísos, consciente de que la vida también regala días sombríos, cargados de dolor, en que la angustia se aferra a cada poro, Mercedes Escolano procura compensarlos con la Literatura. Los libros la han rescatado muchas veces del abismo, regalándole horas entrañables. Al amor por la literatura une su interés por la Naturaleza: plantas y pájaros han sido para ella un bálsamo capaz de devolverle el equilibrio. Con Sol y sombra ha obtenido el XXVIII Premio de Poesía Ciudad de Salamanca.
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Antología poética de temática variada, que caracteriza la obra de su autor, emoción íntima en donde la naturaleza se hace eco del sentimiento y la realidad misma se torna poesía, desde el ciprés o río hastala inmensidad contenida como pájaro-ilusión o estrella-esperanza, en el universo todo. Poesía en memoria de otros poetas, de los propios sueños, recuerdos...
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Siempre con alma es un tapiz de poesías en el que la autora nos transmite sus vivencias, con honestidad y cercanía. Para ello, navega a lo más profundo del alma, sin perder de vista la realidad que todos transitamos. Nos conmueve con temas que hacen que de algún modo nos sintamos identificados. Amor, nostalgia, ilusiones, duelos, enfermedad, tristeza, miedos, pasión, tiempo, atraviesan el libro y también nos atraviesan a cada uno en el discurrir de nuestra vida. Así, la autora, al estilo de León Felipe avienta las palabras. Quédate con quien te bese el alma, la piel te la besa cualquiera... Quédate con quien sabe desnudar(se), no solo de cuerpo... Quédate con quien puedas ser tú y construir un nosotros... Quédate solamente si merece la pena. No por no estar sola...
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Pell de corder, Una teoria sobre això
En hi ha dos personatges que s'atrauen i es repel·leixen, enfrontats en una per-manent guerra de sexes, però hi trobem també la lluita per la supervivència de dos éssers, l'un amb una ambició fora mida i l'altre amb una ànsia exa-cerbada de llibertat. En Una teoria sobre això es tracta la sempre difícil assumpció de la madure-sa. Daniel, el protagonista, és un cirurgià destacat, que té tots els condicionaments per a ser feliç, i, això no obstant, no ho és. La imminent mort del pare li fa reviure velles aspiracions. És el moment d'un balanç, en què no s'estalvia la cruesa ni la ironia.
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Francisco Álvarez Velasco, leonés de 1940 avecindado desde hace casi medio siglo en Gijón, es uno de los poetas fundamentales del noroeste español, un espacio geográfico y vital que está al fondo de sus versos: del páramo al oleaje cantábrico. Traducido a varios idiomas y ligado en su juventud al histórico grupo poético Claraboya, es autor de una poesía de excepcional calidad que ha pasado desapercibida para buena parte de la crítica y de los estudiosos españoles. Esta antología, la primera que ofrece una amplia selección de una obra formada hasta ahora por once títulos, muestra la potencia y singularidad sin estridencias de una voz que mantiene vivas las lecciones magistrales de Antonio Machado o César Vallejo, entre otros. Poesía de hondas raíces humanistas y de gran sabiduría verbal en la que el «rumor elegíaco», según explica José Carlos Díaz en su prólogo, es siempre celebración y palabra de vida.
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Un representante comercial jubilado envía el manuscrito de un poemario a una pequeña editorial madrileña. Son versos que resumen un buen tramo del periplo vital de su autor, transcurrido entre viajes, noches de hotel y estancias solitarias en distintas capitales europeas. Su vida, según él mismo sugiere, guarda cierto parecido con la peripecia histórica de Europa central y oriental a partir de los años ochenta: del socialismo al capitalismo, del autoritarismo a la democracia, del entusiasmo por las libertades recuperadas al desencanto por las desigualdades. Todos esos años y experiencias han desembocado en un Viejo Continente todavía más viejo y en un hombre anciano, irónico y cansado, que no por ello ha perdido la curiosidad, el espíritu crítico y un leve –y muy embridado- poso de ternura. Con este Europa cuando llueve, Ignacio Cartagena continúa un ciclo de poesía narrativa que inició con sus dos libros anteriores, Los últimos días de Plinio el Viejo y Las Cataratas de Nelson (Ars Poética, Oviedo, 2018 y 2021).
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Os versos de «Réquiem», estruturados como un acto relixioso, conforman un poemario coral que honra os asasinados pola barbarie fascista na Illa de Arousa. A memoria das vítimas mestúrase coa paisaxe e co mar, símbolo de dor mais tamén de esperanza, e as súas voces resoan coma ecos na auga, reclamando xustiza e descanso. A través da evocación dos nomes e das súas historias, o poema convértese nun canto colectivo á dignidade, á loita e á permanencia da lembranza fronte ao esquecemento.
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¿Y si la poesía fuera simplemente una forma de escuchar lo que aún no sabemos decir? Principio de entropía es un libro que vibra en los márgenes del lenguaje. Sergi de Diego Mas escribe desde la fisura, desde el ruido, desde ese espacio donde el yo se disuelve y se multiplica: «Yo es plural, como la lluvia que cae sobre el centeno». Aquí, la poesía no se limita a representar el mundo: lo atraviesa, lo distorsiona, lo escucha. Estructurado como un mapa de fragmentos —poemas, notas, cartas, errores de servidor, murmullos urbanos—, este libro compone una cartografía emocional de lo contemporáneo. Entre la memoria y la pantalla, entre el cuerpo y el dato, la escritura se vuelve materia líquida. «El cuerpo es inalámbrico, dentro y fuera son dimensiones inexistentes», leemos. En esa oscilación entre lo íntimo y lo técnico, lo real y lo recordado, el lector navega una experiencia de lenguaje viva, inestable, radicalmente abierta. ¿Puede escribirse el desorden sin traicionarlo? ¿Cómo nombrar un mundo que se borra mientras lo decimos? Principio de entropía es también una elegía del presente, una meditación sobre lo efímero y lo común. «Las moscas perfilan con tiza la entrada a un reino sin historia», escribe el autor. Y desde esa intemperie, la poesía aparece como la única forma posible de resistencia: escuchar, nombrar, permanecer. Un libro inclasificable, eléctrico y profundamente humano. Una obra que no responde: pregunta. Ana Gorría
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Este es un libro donde las palabras sobreviven bajo el agua, donde el lector podría ''escuchar la angustia de la sed''. Aquí los poemas se desplazan de muchas maneras, caen como cuerpos líquidos, en verso y en prosa. Alejandro Sánchez construye una atmósfera igual a una corriente interna, que anuncia un salto urgente desde las profundidades y las honduras de lo que se nombra. El silencio toma la forma del agua. Los poemas fluyen con la textura de la libertad. Se abren y se bifurcan en la hoja. Muy bien lo dice el autor: ''aprendí a bucear en silencio''. Y allí nos enfrentamos, como lectores, a un diálogo que configura un mismo universo, donde el lenguaje nos advierte de un inevitable naufragio.
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JAVIER SALVAGO (Paradas, Sevilla, 1950) Quiso ser poeta desde su más dura adolescencia. Pero no cualquier tipo de poeta, sino poeta maldito. En ello se afanó obstinadamente y a punto estuvo de destrozarse el hígado y la vida en el empeño. Su poesía es una crónica, entre sentimental e irónica ''siempre desengañada y realista'', de esta pequeña odisea para llegar a su Ítaca, a su isla, a su centro, que, en su caso, no era otra cosa que el silencio, como máxima expresión y meta de la poesía. Porque Salvago entiende que la poesía es, sobre todo, un remedio para curarse de la poesía. O, lo que es lo mismo, para depurarse de todas esas impurezas que nos llevan a escribir: vanidades, petulancias, miedos, falacias, soledades, angustias, engaños, desengaños, ambiciones, sueños? Como dijo Juan Ramón Jiménez, «escribir no es sino una preparación para no escribir». O, como dice el propio Salvago: «Escribo para llegar / serenamente al silencio, / que es el morir. / Para aprender a callar, / en paz conmigo, sin miedo. / Libre, al fin». Javier Salvago (Paradas, Sevilla, 1950), guionista de radio y televisión, columnista, escritor y, sobre todo, poeta. Ha publicado ocho libros de poemas que han merecido premios como el Luis Cernuda, el Rey Juan Carlos I y el Premio Nacional de la Crítica. Su poesía casi completa fue recogida en Variaciones y reincidencias (Renacimiento, 1997) y existen también varias antologías de su obra, entre las que podemos destacar La vida nos conoce (Renacimiento, 2011), seleccionada y prologada por Juan Bonilla. El coloquialismo, la ironía, el tono menor y la aparente sencillez, la máxima intensidad poética con una gran economía de recursos -poesía -austera, directa, libre de babosa emoción-, como quería Ezra Pound-, el dominio técnico, la musicalidad, una cierta desolación y un pesimismo realista que no le impide saborear lo bueno de la vida, aunque consciente de que nada importa nada y nada dura, son algunos de los rasgos que se han destacado en una poesía que busca, a la manera de Juan Ramón, -la depuración constante de lo mismo-. Como memorialista, se estrenó con Memorias de un antihéroe (Renacimiento, 2007), libro al que ha seguido, El purgatorio (Renacimiento, 2014). Antología poética, que contiene el libro inédito Nada importa nada.
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L'aspersor de Feynman
Tot i que sospitàvem que darrere del poeta Jordi Valls s'amagava un dels prosistes més perspicaços i sorprenents de les nostres lletres, no ha estat fins l'arribada de L'aspersor de Feynman que ho podem proclamar a cor què vols. Escrit talment un poema paraparèmic o una psicogeografia dadaista, aquest assaig indaga en l'acte de creació, i en connexions impensades fins ara, per configurar un flux de consciència talment una teoria quàntica: el resultat és una orgia verbal amarada de perverses lògiques imbatibles. Sens dubte, aquesta obra desafia totes les convencions i seria molt del gust de Josep Sol, Màrius Sampere, Carles Hac Mor o el mateix Richard Feynman, que amb la lectura d'aquest llibre no pararia de tocar els seus bongos mentre perfila noves teories revolucionàries.
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Un poemario que retrata con delicadeza y sensibilidad ese mundo cotidiano que envuelve el paso de la infancia a la madurez, utilizando la metáfora del vuelo como hilo conductor. Arráncame un pedazo de ombligo / y pónselo entre las manos a mi abuelo. / Él sabrá dónde sembrarlo / en su camino al olivar / y cultivará viejas formas de atravesar el dolor / si otros pájaros se lo comen / y olvido cómo volver a tierra.
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El átomo constituye la materia, el detalle, el paisaje, la pieza más pequeña, la maquinaria completa. Lo pequeño es el sostén de lo grande. Lo invisible es el alma de lo que captan los sentidos. Y la intuición es el principio de la certeza.La poesía revela semejante orden de correspondencias que se replica en todo lo que hay: ¿existiría la eternidad del poema sin el instante que lo inspiró?, ¿formaría parte del canon sin ese verso genial que le da sentido?, ¿qué sería de la inmortalidad literaria del endecasílabo sin la fugacidad del heptasílabo?, ¿qué de lo que se lee sin lo que no se lee, sin el espacio en blanco de la sílaba, sin el silencio de la censura?Este libro es un homenaje a ese «arte menor» que fundamenta el gran arte, aquel que perdura y brilla para siempre, pero que, en demasiadas ocasiones, suele olvidar a qué partes insignificantes de sí miesmo debe su existencia.
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José Luis Piquero (Mieres, Asturias, 1967) ha publicado Las ruinas (1989), El buen discípulo (1992), Monstruos perfectos (Renacimiento, 1997), El fin de semana perdido (2009) y Tienes que irte (2017), y las recopilaciones Autopsia (2004) y Cincuenta poemas (2014). Figura en una docena de antologías de la poesía española contemporánea, entre ellas las de José Luis García Martín, Luis Antonio de Villena, Ángel L. Prieto de Paula y Araceli Iravedra. Premio El Ojo Crítico de Radio Nacional de España, Premio de la Crítica de Asturias. Ha traducido más de cien libros de narrativa y ensayo, incluyendo a autores como Dickens, Conrad, Melville, Edith Wharton, Fitzgerald, Dalton Trumbo, Denise Levertov, Hubert Selby Jr. o Simone Weil. Vive en Punta Umbría (Huelva).Sobre él ha escrito J. L. García Martín: «Hay poetas que acarician y poetas que golpean, y Piquero es de los segundos. Le gusta hacer sangre, volver del revés nuestras confortables expectativas. Quienes prefieran la maldad inteligente a la bondadosa bobería no deben dejar de leer a este poeta de la hiriente lucidez, al que le bastan un puñado de poemas para hacerse un sitio de excepción en la poesía contemporánea».
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