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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
![[45 - 120]](https://www.abacus.coop/dw/image/v2/BDLM_PRD/on/demandware.static/-/Sites-AbacusMaster/default/dwd9557252/images/large/1567424.65.jpg?sh=240 "[45 - 120]")
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Se entiende por espacio personal la distancia entre los 45 y los 120 cm que rodea a una persona. Esta antología bilingüe reúne textos de un grupo de poetas contemporáneos que parten de esta medida íntima para desafiar su aparente rigidez y explorar cómo la moldean los factores políticos, sociales, sexuales, raciales, de clase y accesibilidad. Más allá de una simple distancia física, el espacio personal se convierte asimismo en escenario donde el deseo dibuja y negocia las fronteras entre el adentro y el afuera.Les poetas incluides en esta selección escriben a partir de los factores que espacializan, fijan y naturalizan de manera constante esa «diferencia», y hacen frente a sus imposiciones y violencias al abordar concepciones espaciales en las que se entrelaza lo material y lo metafórico, al explorar la fricción entre distancia física y psicológica, entre pertenencia y camuflaje, al tiempo que movilizan ideas sobre circulación, refugio y accesibilidad.Esta edición bilingüe —a cargo de JUF (Bea Ortega Botas y Leticia Ybarra)— ofrece una vía de entrada y una guía para acercarse en castellano al trabajo de poetas que escriben en inglés (la mayoría traducides ahora por primera vez) y vuelca al inglés a poetas que viven en el Estado español y que escriben sobre todo en castellano. La mayoría de les autores son también artistas visuales, cineastas, performers o hacen música, por lo que esta colección, de manera abierta, se deja permear por el modo en que la representación del espacio se problematiza en otras áreas de la producción artística contemporánea.
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En cada verso de Espejos de azalea, Fernanda Tlalolin abre una ventana íntima, donde el dolor y la melancolía se convierten en protagonistas. Con una expresión devastadora, sus poemas tejen una trama de emociones que trascienden lo personal. La autora explora las cicatrices del desprecio y el sufrimiento como legados funestos, para elevarse sobre ellos. Estamos frente a un libro cuya singular voz construye, sin rodeos, una poesía conmovedora. MIJAIL LAMAS
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Quan érem irlandesos
Ramon Erra, amb un to entre poètic, irònic i assagístic, combina diversos gèneres i trena l’experiència pròpia amb l’admiració per la gran literatura irlandesa —de Joyce a Heaney— alhora que obre espais de pensament sobre l’existència, l’amistat o el fet d’escriure. En aquesta obra trobarem la força i l’energia que poden encomanar de vegades les idees més absurdes. Un clar homenatge a la gent il·luminada de tots els temps, els que eixamplen els horitzons.
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La perra de esta casa es, más que un poemario, un testimonio de la violencia repetida e infinita que ejerce la familia como eslabón principal de la creación de la identidad. Aprender el perdón o el olvido parece tarea imposible en estas circunstancias, en este momento en el que todo nos atraviesa doblemente: como hecho y como recuerdo. A través de un lenguaje conciso que recrea las imágenes de la casa, la juventud y la infancia, Sara Olivas abre la experiencia concreta al terreno de lo universal, capaz de apelarnos por su sensibilidad poética. Las palabras nos preguntan “qué queda de esa niña, qué queda de mí” y nos alientan hacia la búsqueda del origen, que es siempre una casa a medio abandonar.
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Con este libro quiero hacer llegar al lector mis investigaciones sobre los orígenes del teatro coreano y su evolución hacia formas más contemporáneas de dramaturgia. Desde una perspectiva académica y etnográfica, reflexiono sobre las relaciones entre el teatro coreano y el teatro occidental, y cómo poner en práctica a través de mi propio trabajo artístico este diálogo entre oriente y occidente.Durante mis estudios en España era constantemente interpelada sobre la historia, la evolución y la realidad del teatro en Corea. Esta obra contribuye a dar a conocer, en español, el mundo de las artes escénicas orientales, y más concretamente el teatro coreano. Además, facilitará a los profesionales, investigadores y a la sociedad en general, tener una perspectiva más global del teatro, en lugar de una percepción reduccionista concentrada en las formas de representación europeas. Al mismo tiempo, mi formación como directora de teatro me ha permitido poner en práctica los resultados de esta investigación y compartirlos con el público. Este tipo de estudio, donde la observación participante y la construcción de la identidad del propio sujeto investigador son fundamentales, puede servir como modelo y apoyo para otros investigadores e investigadoras con identidades híbridas que estén inmersos en procesos de creación cultural entre dos mundos.
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Este poemario esta escrito con las manos llenas de arena y el pecho lleno de verdad. una metáfora viva de todos estos silencios sociales que duelen y nadie nombra. De todo lo que se tapa con discursos bonitos. De todo lo que molesta, pero sigue ahí. Naiara Gavira Forgas decide mojarse, decide ponerle voz a lo que quema, a lo que margina, a lo que duele. Porque callarse no es una opción. Dividido en: Olas, Sal, Arena y Orilla, este libro atraviesa las profundidades de lo humano y lo colectivo. Cada parte es una etapa. Cada secreto, una denuncia poética. Y entre todo eso, se cuelan las confesiones , sinceras, a veces torpe, impredecibles. Esas que no se escriben para gustar, sino para soltar. Para sanar. Para resistir. Aquí hay feminismo, hay rabia, hay crítica social, hay heridas que aún sangran. Pero también hay arte, amor, memoria, deseo, ternura. Porque escribir también es eso: una forma de no rendirse del todo, una forma de luchar.
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Este libro alberga geografías: la geografía del cuerpo individual y colectivo, del legado y la memoria, del pasado y la posibilidad. Flores entre los huesos, de Manuela Martens, arraiga en la tradición de la profecía semítica y las poéticas del exilio para exponer polaridades instituidas. En los quiebres de humanidad, las diferencias se extreman, creando monstruos. Desde este reconocimiento, la poesía invita a convocar un nuevo comienzo.
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Un texto imprescindible en edición maravillosa.Poeta en Nueva York es el título de uno de los poemarios más célebres de la literatura del siglo XX. Lo escribió Federico García Lorca (1898-1936) entre1929 y 1930, durante su estancia en la Universidad de Columbia, así como en su siguiente viaje a Cuba, y fue publicado por primera vez en 1940, cuatro años después de su muerte.El manuscritoEs uno de los más atribulados de la historia. Poemas sueltos aparte, publicados en revistas como Revista de Occidente, Litoral, Planas de Poesía o Revista Verso y Prosa, el primer y único borrador, compuesto por 96 páginas mecanografiadas y 26 manuscritas, fue entregado por Lorca al bueno de José Bergamín poco antes de su muerte, en 1936, con abundantes tachones y añadidos. Las dos primeras ediciones, en Editorial Séneca (México) y Editorial Norton (USA) ya generaron grandes controversias por las diferencias encontradas.
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Joan, el testimoni savi
Aquest volum s'inspira en la figura de Joan, l'autor del llibre de l'Apocalipsi i de l'Evangeli de Joan, un dels escriptors, doncs, més influents de la història. El llibre de l'Apocalipsi reflecteix una època molt difícil, especialment per als cristians perseguits, convençuts que la fi del món i la tornada de Crist eren imminents, però també perplexos davant tantes dificultats i dolors. Pàmias esbossa en aquest poemari alguns paral·lelismes amb neguits molt vius del nostre temps (econòmics, polítics, migratoris, identitaris, espirituals, ecològics), que també són sentits i presentats, avui, apocalípticament, però sense la dimensió transcendent i esperançada de l'Apocalipsi de Joan. És aquesta saviesa i esperança a què Pàmias es refereix en parlar d'«el testimoni savi», i que va glossant amb subtilesa en aquesta alta exploració poètica. (Del pròleg de David Jou)
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Cinturón de fuego es un viaje interno y geográfico, marcado por momentos sísmicos de cambio, ocurridos entre dos lugares dentro de la zona geográfica conocida como el cinturón de fuego.
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Ko Un responde a la casi infinita variedad de las cosas en sí mismas (y de sus percepciones) haciendo que cada nuevo comienzo parezca parte de un proceso de retorno, y transfigurando cada «ahora» en un enlace con «entonces». Esto, por supuesto, dice algo interesante sobre la manera en que concibe el propio tiempo. Y también actúa como un marco para interpretar su vida y la de otros dentro del tiempo. Los individuos son individuos, y se valoran por su originalidad, pero su experiencia no puede dejar de formar parte de un proceso. Del mismo modo, los intereses personales no pueden evitar convertirse en asuntos políticos, y los temas nacionales se enlazan inevitablemente con los internacionales. Estas conexiones resultan especialmente convincentes gracias a la fisicidad con que Ko Un escribe sobre ellas. Pero esa misma fisicidad encierra una paradoja: porque Ko Un suele mezclar lo alegórico con lo elemental. Desde luego, disfruta escribiendo sobre las cosas ordinarias. Pero los motivos recurrentes de sus poemas son nubes, ríos, banderas, vientos y cielos, y a lo largo de este libro crean un panorama que se siente al mismo tiempo muy particular y muy abstracto, y un estilo que resulta a la vez familiar y original: una suerte de simbolismo amplificado. Andrew Motion del prólogo a la edición británica de First Person Sorrowful (2012)
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Un niño enfermo juega a solas con una gota fascinante, de plata líquida, la divide y recompone, recorre con ella varias superficies, toma su forma, la manipula sin miedo. Le arde la frente, sobre la escena sobrevuelan «pájaros del frío». Con las manos desnudas, en el fragor de los termómetros, José Luis Gómez Toré toma en este libro el mercurio letal de los infantes, y nos sitúa en el juego de la fiebre, de la febrícula, a un paso siempre de la iluminación o el envenenamiento, de la definitiva transformación.En este poemario, los espejos de azogue nos devuelven sin nostalgia un pasado individual y colectivo, donde se suceden las imágenes, algunas terribles, que no podemos dejar de mirar: el arroyo ensangrentado de Wounded Knee, que refleja todavía la masacre, o el ojo candente, de animal sacrificado, para siempre abierto, de Rosa Luxemburgo, «rosa de los nadies».Mercurio nuestro, guía y mensajero, siempre en velocidad y movimiento, erguido sobre el bastón de las serpientes, solar y lunar, frío que arde. Canciones de mercurio envenenando los mares, estómagos que se tragan los peces engullidos por la fiebre inversa: «el frío lee los posos de la luz». Un roto medidor que vertió su dulzura y su veneno: «miel negra» que nos llena los ojos de asombro y de terror, que nos detiene, lampenfieber, mercurio entrevisto que nos invita todavía a sus bodas de azufre y sal, la tría prima de los alquimistas, a jugar a las metamorfosis con la plata de su noche coagulada y sin remedio.Esther Ramón.
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Esta antología ilustrada rinde homenaje a Julia Uceda y reivindica tanto su ejemplo moral como la fuerza y la singularidad de su poesía.Publicada con motivo del centenario del nacimiento de Julia Uceda, una de las autoras más importantes de su generación y de la poesía española contemporánea, esta antología es fruto de la colaboración entre la poeta, que trabajó en ella hasta poco antes de su muerte en 2024, y su sobrino el artista Francisco Uceda. A todo lo que pase y se borre y se pierda recoge poemas de sus diez libros publicados, desde Mariposa en cenizas (1959) hasta Escritos en la corteza de los árboles (2013), y los acompaña de ilustraciones expresamente realizadas para la ocasión, en una hermosa edición que rinde homenaje a la memoria de Julia Uceda y reivindica tanto su perdurable ejemplo moral como la fuerza y la singularidad de su poesía.
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Apegos fragmentados es un poemario que se divide en los tres grandes bloques de la literatura o de la vida: familia, salud, amor. Aunque estas categorías aparecen rotas, se contagian unas de otras, se afectan, porque si de algo sabe este poemario es del afecto y de la observación. Con una lírica completamente nueva, que intercala el verso breve con el versículo y que juega constantemente con un extrañamiento que se cuestiona y nos cuestiona, que desvela con una mirada casi infantil las relaciones, los diagnósticos, el cariño.En su lectura tenemos esa sensación de estar llegando a un fondo que se conoce porque nos hermana. Como si hubiésemos bajado a esa laguna del conocimiento primigenio, pero no fuese exactamente conocimiento, sino experiencia, energía, asombro. Ir tanteando qué es esto de vivir, padecer, amar. Una laguna hecha de verbos y de tacto.Si buscas leer y salir indemne de la lectura este no es tu poemario. Si en cambio quieres repensar los límites y arriesgarte a la vulnerabilidad y el cuidado, atenta a este libro: contiene la semilla de la bondad.
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Nuestro mundo ha perdido el apetito de sentido. De hecho, ya no sabría metabolizarlo, digerirlo, fortalecerse con él. El sentido es sospechoso de labilidad, hermetismo, flojera vital, narcisismo, connivencia con las sombras, desbordamiento. La poesía ya no puede luchar contra eso, pero tampoco debe resignarse a la insignificancia, es decir, a mimetizarse con lo irrelevante y lo esclerotizado. Ana Becciú, en este libro, dice lo poco que aún cabe en las palabras, esos pedazos que, en varios de sus poemas, se alzan para reivindicar la escasez (la semántica y la simbólica entre otras) como centro de irradiación y de verificación de lo real. La brizna, el baldío, un yo roto, un parque, el aire, un ramo de flores, Orfeo, Mallarmé, el pliegue: sujetos de clausura: sujetos que se clausuran o se encierran en los mínimos recintos donde el sentido aún no ha sido asfixiado (o vomitado) y, con cierta timidez hermenéutica, se atreven a probarse ideas e imágenes preservándolas de su desaparición definitiva. Y esos recintos o claustros tienen un nombre: No, que es el término más usado en el libro (en setenta ocasiones si no sumamos los «ni», «nada», «nadie» o negaciones similares) y que, por ello, tiene una importancia sustantiva como detonador, como agente emboscado, y como señal del sendero hacia el afuera de nuestro triste modelo de civilización. Un «no» que afirma lo que ningún «sí» se atreve a hacer ya: el valor de lo que es-sin-más, objetivo de la gran poesía de todos los tiempos.Jesús Aguado
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Freshwater, Una comèdia
El pobre de Freshmater, a la idíl·lica illa de Wight, fou escenari de llegendáries trobades entre la flor i nata dels artistes victorians: pintura, poesia, filosofia, fotografia s'aplegaven entorn d'apassionats ideals estétics en un món cada vegada més accelerat i convuls.
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Akiko Yosano, pionera y deslumbrante, en su obra más audaz.La voz femenina más libre del Japón de Meiji, sin cortes ni filtros.Un fenómeno literario que rompió el silencio de las mujeres en su país.Mideragami —o pelo revuelto, símbolo de insumisión y deseo—, es una joya de la poesía japonesa. Esta cuidada edición, revisada y anotada, recoge un clásico que sigue vigente más de un siglo después.Amor, deseo, libertad, melancolía y belleza lírica en 399 tankas inolvidables.La obra más sensual y libre de la gran poeta japonesa Akiko Yosano, una mujer que no pidió permiso para sentir.En una época en la que la voz de las mujeres apenas encontraba espacio, Akiko Yosano alzó la suya con una belleza y una valentía sin precedentes. Midaregami —aquí traducido por primera vez de forma íntegra al castellano— reúne casi cuatrocientos tankas donde deseo, libertad y rebeldía se entrelazan con la delicadeza de una flor y la intensidad de una tormenta.Publicado originalmente en 1901, este libro marcó una ruptura radical con la poesía japonesa tradicional. Lejos de la contención emocional impuesta a las mujeres, Yosano escribe desde el cuerpo, la pasión, la introspección y la contradicción. Su «cabello revuelto» no solo nombra el desorden amoroso, sino también la insumisión ante un mundo que exige orden y silencio.Esta edición, traducida y prologada por Beñat Arginzoniz, rescata con fidelidad poética una obra fundacional del feminismo japonés y de la lírica moderna, cuya vigencia resuena más de un siglo después.
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Divididos en seis apartados: Fronteriza/Border Woman, Culpas, Anotaciones Domésticas, Herrumbres, Devaneos e Interiores, los poemas de esta colección provienen de una madriguera, casa, refugio o vientre donde se gesta, crece, madura, y se protege lo intuitivo de la experiencia femenina de frontera. En esa madriguera se gestó la identidad fronteriza-border de la autora, que habla, escribe, y sueña en castellano, se heredaron y nacieron prehispánicas, coloniales y novicias culpas de faldas, se hicieron anotaciones domésticas con papel y tinta con una mano, y con la otra se mecieron las cunas de las crías a media luz, se descubrieron y comprendieron las herrumbres de la verdadera loca pasión de Juana de Castilla, se hizo tiempo para devaneos y martinis y, sobre todo, con el tiempo, en esa madriguera se armaron los interiores de una mente, un alma, y un espíritu.
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La copa d'or
Hafez de Xiraz (ca. 1315-1390) és el màxim representant de la poesia persa medieval. Les seves poesies —reunides al seu cèlebre Diwan— són encara un interlocutor d’allò més vàlid per a tots aquells qui senten el seu cor desemparat, per a tots aquells qui, a través del particular llenguatge del poeta de Xiraz, creuen afinar la seva ànima amb l’exaltació mística de les seves magnífiques metàfores i de les seves impossibles paradoxes.El vi en la poesia de Hafez és un tema central, té una gran imatgeria i diverses capes de significació. El vi és la veritat revelada, la saviesa adquirida, no pas per mitjans racionals o intel·lectuals, sinó a través de les emocions i de l’amor: «Els savis cerquen Déu als llibres. Jo l’he trobat al vi i al silenci».Manuel Forcano (Barcelona, 1968) és poeta, traductor i doctor en filologia semítica, especialista en cultures del Pròxim Orient. La seva pròpia obra poètica explora l’amor, el desig i l’evocació de l’antiguitat en contrast amb la vulgaritat del present. El seu llibre El tren de Bagdad va ser mereixedor del Premi Carles Riba 2003. La seva poesia ha estat recollida al volum Arabesc (2022).La copa d’or és el número 29 de la col·lecció Envinats, que té el vi com a fil conductor, que vincula el vi amb les arts i la creació.
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Ecos Ancestrales: Un viaje lírico por las Américas pre-coloniales es una exploración fascinante de los paisajes, historias y culturas que conforman el vasto y vibrante tapiz del continente. A través de versos evocadores e imágenes ricas, cada poema sirve como un portal, invitando a los lectores a recorrer ruinas antiguas, ciudades bulliciosas y maravillas naturales serenas. Los ecos de las voces ancestrales resuenan a lo largo de la obra, recordándonos las profundas raíces que nos conectan con la tierra y entre nosotros.En esta colección, el pasado y el presente se entrelazan, revelando las historias profundas incrustadas en los ritmos de la vida cotidiana. A medida que recorres las páginas, encontrarás el espíritu de los antiguos, su sabiduría y sus luchas, mientras descubres la belleza y la resiliencia de las Américas hoy. Ecos Ancestrales no es solo un libro de poesía, es una invitación a escuchar, reflexionar y conectarse con los ecos que perduran en el corazón de este extraordinario continente.
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Premio Nacional de la Crítica 2006 Esta nueva entrega de Julia Uceda, entre la metafísica y la historia, de acuerdo con una poética que aspira a la consecución del hombre integral, representa una verdadera culminación poética, en tanto que la autora alcanza una madurez formal y una solidez intelectual inusuales. El resultado es una obra ejemplar en la que la voz de la poeta no se reduce al ensimismamiento narcisista ni se diluye en la sentimentalidad colectiva. Por su alta calidad y porque marca la culminación de su poesía al allegar todos los elementos de su obra anterior e iluminarlos con nueva luz, logrando resultados novedosos, este último libro de poemas de Julia Uceda marca un hito fundamental en la trayectoria de la autora, Premio Nacional de Poesía en el año 2003.
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Juan Ramón Jiménez (1881-1958), premio Nobel de Literatura en 1956, fue un hombre hipersensible hasta extremos enfermizos y esto le llevó a gozar y a sufrir mucho más que la mayoría. Su vida estuvo marcada por los continuos viajes, sin embargo, siempre que podía, volvía a su pueblo natal, Moguer, su «nido» junto al mar, los pinos, la sierra... En una de esas épocas de retorno a la tierra de su feliz infancia, escribió Platero y yo, la inmortal elegía andaluza de la que se han apropiado los niños y que presentamos en esta antología –excepcionalmente ilustrada– junto con numerosas poesías seleccionadas de su extraordinaria obra. La Guerra Civil y una increíble mujer, Zenobia Camprubí, influyeron poderosamente en su vida y en su trayectoria poética. Juan Ramón fue además un gran renovador del lenguaje y muchos autores le siguieron. Esta obra ofrece al lector un recorrido apasionante por los versos sugerentes y sencillos de un gran artista de la palabra.
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El gran poeta romántico español del siglo xix nació en Sevilla y murió en Madrid. Esta antología de sus Rimas pretende acercar a los lectores más jóvenes una particular propuesta que sigue un itinerario existencial. Se trata de un recorrido temático, con principio y fin, por los grandes temas de la vida y la poesía de Bécquer. En sus páginas, deliciosamente ilustradas, nos encontramos versos tan populares como «Volverán las oscuras golondrinas», o «Al brillar de un relámpago nacemos». No son las Rimas de Bécquer poesías estrictamente infantiles, aunque nadie discute su carácter joven, casi adolescente, soñador, vital. Versos clásicos para enamorados. Su figura y su obra siguen vivas en los albores del siglo XXI.
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Rubén Darío fue el máximo exponente de la profunda renovación que se produjo en la poesía hispana a finales del siglo xix y principios del xx. Uno de sus rasgos más característicos fue su espíritu viajero, sin embargo, Rubén también tuvo grandes sufrimientos: la separación de sus padres, la muerte temprana de dos hijos, fracasos amorosos, etc. Fue el padre del modernismo y su influencia es muy importante en autores como Juan Ramón Jiménez, los Machado, Valle Inclán... La presente antología, cuyas páginas están bellamente ilustradas, rescata poesías muy conocidas de Rubén Darío, como “La sonatina, Marcha triunfal, Margarita”, etc., pero también muchas otras que merecen ser recordadas por los niños y jóvenes del siglo xxi.
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Luna baja es el nuevo poemario de Francisco Díaz de Castro (Cuestión de tiempo. Poesía 1993-2017 (Sevilla, Renacimiento, 2017): un libro de senectute que desde su radical materialismo vitalista indaga críticamente en el presente colectivo, en la memoria y el deseo, en los sueños y en la belleza concreta de los seres. Este libro supone una nueva etapa en la reflexión sobre el tiempo y la historia que caracteriza la poesía del autor. Ante el avance de la edad se constata el deterioro de la persona y sus sueños, se acusa el desengaño ante una situación histórica que amenaza con tiempos peligrosos y, por otro lado, se afianza la voluntad de apurar los frutos del instante, la belleza de la realidad natural y las creaciones humanas. La música y las demás artes, así como los guiños más o menos explícitos a poetas como Cavafis, Carver o Claudio Rodríguez, asisten en la escritura a una afirmación esencial y hedonista que trata de enlazar emoción y pensamiento. La memoria y el olvido, la fragilidad colectiva, la muerte de los seres cercanos, la pervivencia del deseo, el amor y la defensa última de una moral epicúrea y materialista son los temas que organizan la composición unitaria de este libro. Francisco Díaz de Castro nació en Valencia en 1947. Ha publicado los libros de poesía El retorno (1993), El mapa de los años (1995), La canción del presente (1999), Hasta mañana, mar (2005, Premio Internacional de Poesía Ciudad de Melilla), Fotografías (2008), Cuestión de tiempo. Poesía 1993-2017 (Renacimiento, 2017) y Vamos a perdernos (2021), además de las antologías Utilidad del humo (1997), Sol de niebla (2003) y Material para nunca (Renacimiento, 2011).
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Simeon Dumdum Jr. es una de las voces más sobresalientes de la poesía filipina actual. Licenciado en Derecho y Juez, su dedicación a la literatura queda plasmada en dieciocho libros publicados hasta la fecha entre poemarios y libros de ensayo, e incluso un libro de poemas escrito con su esposa, Ma. Milagros T. Dumdum. Nacido en Cebú, su idioma literario es el inglés, y Sonámbulos Ediciones publica por primera vez en español, con traducción de Lawrence Schimel, Por qué Keanu Reeves está solo. La respuesta está en los poemas que componen este libro.
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El gronxador
En un jardí oblidat al bell mig d'un barri envellit, la Carme, una dona gran lligada al passat, i en Gerard, un funcionari atrapat per les seves pròpies contradiccions, s'enfronten a un dilema profund: la lluita entre la memòria i el progrés. Quan l'Ajuntament decideix enderrocar la casa de la Carme, aquest petit espai es converteix en un camp de batalla on es qüestionen la justícia, la impotència i el sentit de l'existència. Amb un gronxador com a símbol de pèrdues irreparables i esperança tènue, l'obra explora la fragilitat humana davant les forces implacables de la societat.
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Ihesi bizi gara nork jarraitzen digun jakitera ausartu gabe. Liburu honek gelditu eta gibelera begiratzen lagunduko dizu, agian sorpresa bat jasotzeko, agian nonbait daramazun istorio gogorren bat ezagutzeko. 'Euri beroak' liburuko poemek barne-ahotsaren eta isiltasunaren arteko elkarrizketa osatzen dute, eguneroko xehetasun txikietan bizitzaren pisua eta arintasunaren bila. Maitasunaren, absentziaren eta oroimenaren ertzetatik idatzia, hitzak arnasa eta ukimena bilakatzen dira. Irudi umel eta biziak tartekatuz, bizitzaren mugak eta norbere barne-mugimenduak azaleratzen dira, euri tantak leihoan bezala.
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Hablamos de una poesía, la de Xosé María Álvarez Cáccamo, que es a la vez elegíaca y lírica, épica y crítica desde todas las preguntas, en la que el poeta puede aparecer casi como un bardo obligado a ejercer su función reveladora pero también decidido a alcanzar esa culminación que no es otra sino escribir el mejor de los poemas, empezando por “Fica no ancoradoiro”, subiendo a las alturas del más elegante clasicismo en “O animal sagrado”, dominando las imágenes de la naturaleza con mano maestra en “Pero a gloria de Maio”, denunciando el dolor infringido por la estulticia política en “Maré do pobo a arder”. Aquí, en esta poesía que quiere serlo todo, se dan cita los vivos, los que conocemos y amamos porque sabemos sus nombres, y los muertos, el amor cercano y el dolor universal, el paisaje que acoge y las figuras que lo poblaban y hoy ya no están más que en el recuerdo. Y es que se trata de explicar la vida propia desde una suma de cumplimiento, de desengaño y, en el fondo, de esperanza en un porvenir que no veremos. Una esperanza que se alimenta a sí misma de la huida de los falsos horizontes. Por eso conmueve tanto esa citada apelación a la melancolía —no confundir con la morriña—, ese paliativo poético del dolor que permite seguir escribiendo contra viento y marea mientras la línea de la vida—esa que da título al último de sus libros—no se borre ni de la conciencia ni de la palma de la mano, ni del ideal ni del trabajo diario. Por mucho que el poeta aspire “a la luz del no saber”. Luis Suñén, del prólogo.
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Antología poética (Josep Ballester)
Una bona selecció de poemes agrupats en tres blocs temàtics: els paisatges, els treballs i els dies, i els sentiments. Aquests poemes posaran als alumnes en contacte amb alguns dels poemes més significatius de la nostra literatura.
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En Escribir, el lector tiene en sus manos un nuevo libro de Miguel Ángel Curiel, compuesto por textos inéditos. Una escritura fragmentaria salida de sus cuadernos de trabajo, a modo de apuntes y Luminarias. Un libro que se escribe a mano y que no se agota en el espacio mismo del libro. Escritura continua y en evolución constante que el autor comienza en Roma durante el año 2009, y que llega hasta nuestros días, como un proyecto vital de escritura continua. Una voz radical y original, fuera de cualquier moda, sorprendente. Una tela tejida pacientemente con los hilos de la vida, un espacio en el que se funden la aguda realidad del mundo y la conciencia de irrealidad de la vida, todo bañado con una atmósfera inorgánica y húmeda, como la única lengua secreta que lleva dentro. Una rendija por la que respirar y ser respirado, por la que hablar un apenas und Kaum.
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Disfrazarse, dejar volar la imaginación, representar a distintos personajes, todo es posible con el Teatro de niños. Además de ser una excelente introducción al placer de leer, recitar y actuar, este libro constituye un amigo y una ayuda incalculable en representaciones escolares o en las largas tardes de invierno con los niños reunidos en casa. Incluye 6 obras teatrales para poner en práctica.
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Roig
Roig? Foc, tomàquet, cor, nas de pallasso, pintallavis, caputxeta, semàfor, barretina, cireres... En aquest llibre trobaràs poemes que parlen de totes aquestes coses i de moltes més. Totes de color vermell. I també hi trobaràs música de color vermell.
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Enamorarse... Qué difícil, ¿no? ¿Qué sucede si te enamoras de quien no te puedes enamorar? Dos personas que se esperan es una selección de poemas que relatan los vaivenes de un amor (deseo, dudas, esperanza, miedos...) ciertamente complicado. Encontramos una voz poética que se dirige a una persona amada desde la ternura y el cariño, pero también desde la melancolía de saber que no están destinados a quererse. No ahora, al menos. Ambas almas, sin embargo, caerán en la tentación de quererse cuando solo debían esperarse, portando al lector por un carrusel de emociones sinceras y profundas. Con una combinación de estructuras de la poesía clásica y otras mucho más modernas, se construye un mundo poético en el que el lector podrá verse reflejado. Un poemario ideal para quienes creen en la fuerza del sentimiento, en el amor sin ambages y en el poder de la espera entre dos almas que se quieren de verdad.
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