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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Princeses, cavallers i dracs. El dia que deixàrem de ser xiquets
Us hem dit que sou febles, insegurs, apàtics. Us hem dit que res no us importa i que sou fràgils, que les generacions anteriors som millors. Molt millors.Una visita extraescolar a un museu acaba amb el llançament d'una beguda a un quadre. Alguns adolescents hi estan implicats. Potser ha estat un accident. Potser no. El quadre és el de Sant Jordi matant el drac. També apareix una princesa, però això no és tan important.Princeses, cavallers i dracs denuncia el tracte que es fa dels joves i de la suposada generació de vidre i posa el focus en la responsabilitat de les famílies en l'educació emocional dels adolescents.L'obra ha estat escrita per Guadalupe Sáez, escriptora teatral i guionista, i Jerónimo Cornelles, que compagina el seu treball com a autor juntament amb la direcció d'escena i la interpretació.
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Los protagonistas de este libro sienten que han perdido la libertad para ordenar su propia historia dentro de otra historia que es mucho más grande que ellos mismos. La madre celosa del tiempo que su empleada de hogar pasa con sus hijos, el adolescente vigoréxico obsesionado con construir un cuerpo que lo convierta en mejor persona, el anciano judío homosexual que llora abrazado a los jerséis de su amante cuando se le rompe la lavadora... y la vida. Una colección de personajes que luchan por encajar en el relato de sus propias vidas, héroes y fracasados al mismo tiempo. Labari indaga en estos cuentos en el deseo, la diferencia de clase social o el racismo, y en las carencias de todo tipo que nos impiden descifrar nuestra identidad sin atender a dogmas o a recetas. Al contrario, enfrenta el peligroso deseo de reunir lo que es distinto a través del lenguaje y se lanza a escribir desde fronteras, palabras e idiomas nuevos.
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Escuro e descarado como a mellor Yolanda Castaño, «A falsa autónoma» solta un obús sobre contidos infrecuentes para a poesía e sinala o impacto emocional que poden ter as dificultades económicas. Faino cun fondo simbolismo capaz de falar de débeda, obediencia e autoexplotación dun xeito transcendente. Un poemario sobre a fustrigante servidume do traballo, nomeadamente o dun campo cultural tan inzado de clarescuros. Unha voz, quer sarcástica, quer autocrítica, desesperada ou rabiosa, profundamente política, pon o foco na maquinaria á vez insaciable e degradante do capital, deixando ver que o mandato económico é, á fin e ao cabo, un mandato de miseria.
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Jaime Sabines (Tuxtla Gutiérrez, Chiapas, 1926-Ciudad de México, 1999), hijo de libanés y mexicana, fue el menor de tres hermanos. Desde sus primeros escritos procuró evadirse de las frivolidades y de los éxitos fáciles, de las apariencias impostadas, de las declamaciones pomposas y huecas, pretendía ser un poeta que contara los incidentes que rodean y se encuentran en las propias realidades, sus propias experiencias, sus vivencias internas o externas, sus más cercanas circunstancias existenciales. A lo largo de su vida, rechazó, desde su mocedad, a la burocracia y el periodismo como modus vivendi: prefirió vender ropa en Tuxtla o fabricar alimentos para ganado. Más tarde combinó la escritura con empleos como comerciante y político. Durante sus últimos años un accidente lo mantuvo postrado en cama y víctima de una innumerable serie de intervenciones quirúrgicas. El tiempo ha hecho justicia y actualmente la poesía de Jaime Sabines está considerada como fundamental para los poetas y lectores, especialmente porque supo llevar a cabo una renovación en sus formas y en sus temas, y llegar a nuevos registros del sentimiento. Un poeta brillante que condensa la emoción estética en la naturalidad y la sencillez. En esta edición se reúne su poesía completa, revisada y contrastada por el propio autor, incorporando algunos poemas excluidos en ediciones anteriores. Una obra imprescindible en la historia de la VISOR LIBROS literatura en lengua española. «Su humor es una lluvia de bofetadas, su risa termina en un aullido, su cólera es amorosa y su ternura, colérica. Pasa del jardín de la infancia a la sala de la cirugía. Para Sabines todos los días son el primer y el último día del mundo». Octavio Paz
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Don Juan Tenorio es un noble sevillano de inicios del siglo XVII. Su carácter arrogante le lleva al atropello y al agravio de honores femeninos, de amistades, de los usos sociales de la época y hasta de la propia llamada del más allá. El burlador de Sevilla, obra fundamental en el teatro barroco, nos acerca, desde un tono de comedia, a elementos complejos de la condición humana en relación con el arte de la seducción, el sentimiento amoroso y la vanidad. Esta edición contiene además una amplia guía de lectura, con un análisis del contexto de la obra y del autor, así como un análisis del teatro del barroco. Incluye también una amplia bibliografía y una variada propuesta de ejercicios a cargo de Francesc Reina.Francesc Reina es licenciado en Filología hispánica por la Universidad de Barcelona. Desde 1990 es profesor de secundaria. Ha colaborado en algunas revistas de didáctica y de lingüística.
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Dedicado a su mujer Matilde Urrutia, este libro contiene algunos de los versos más genuinos y bellos de la poesía universal. Pablo Neruda constituye una de las cotas más altas de nuestra tradición poética. Prólogo de Elvira Sastre. Texto de los poemas revisado i definitivo.Cúspide, desde la perspectiva de la plenitud de la edad, de la poesía amorosa nerudiana, estos Cien sonetos de amor sorprenden ante todo por el contraste entre la palpitación de la palabra y la imagen y la deliberada elección de una desnudez que rehúye los prestigios sonoros o constructivos del soneto clásico. «Con mucha humildad —escribe Neruda—, hice estos sonetos de madera, les di el sonido de esta opaca y pura substancia», que contrapone a las «rimas que sonaron como platería, cristal o cañonazo» de los poetas que anteriormente abordaron el soneto. Del mismo modo, es evitado el principio del mantenimiento de un patrón métrico y rítmico invariable, y, más aún, la estructura silogística y simétrica en la exposición de lo contenido en cuartetos y tercetos. Pero este despojamiento voluntario es un medio para dejar expedita la más soberana libertad en la visión: se conquista una nueva y poderosa cohesión, la de una palabra de tierra, agua, aire y llama, la de una voz que es el metal y el elemento y oye el latido de un mundo en el latido del cuerpo amado. Himno a lo tangible, el amor en Neruda es también vía de acceso a la fusión con el núcleo último donde la conciencia reconoce su ser en el ser del mundo. «El poeta más grande del siglo XX en cualquier idioma.» Gabriel García Márquez
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Paradís perdut, El
El paradís perdut, una de les obres mestres de la poesia universal, manté intacta, encara avui, la seva sublimitat. Com digué Carles Riba, «amb Milton, a cada nova lectura, revivim, com qui tan intensament el visqué en el seu cor i en el seu cap, el drama del paradís, Adams que som cadascun de nosaltres. I això, miracle de la poesia, pren forma i signes en el llenguatge, allò que de més noble l'home guardà de la seva primera plenitud». I si és sublim el magne poema anglès, també ho és la imponent traducció que en va fer Josep M. Boix i Selva, i que ell mateix va anar esmenant, durant dècades, fins a la seva mort. Aquest volum inclou els canvis que el poeta i traductor barceloní va deixar anotats amb vista a una nova edició de l'obra.
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Mucho hemos oído de hazañas, batallas y descubrimientos realizados por héroes, caballeros y genios. Pero, ¿qué hay de las mujeres que también cambiaron el mundo? Escritoras, científicas, pensadoras, exploradoras y hasta piratas cuya grandeza quedó en la sombra por el simple hecho de ser mujeres.En estos trece poemas, Raquel Díez Leal y Tamara Durán dan vida a figuras como Virginia Woolf, Ada Byron, María Moliner y Frida Kahlo, entre muchas otras, desvelando sus historias y logros. Una colección que ilumina sus voces olvidadas y silenciadas, para que todos conozcamos las hazañas de quienes también hicieron historia, aun desde el silencio.
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¿Qué simboliza la gran ballena blanca en Moby Dick? ¿Qué es el monólogo interior? Y ¿qué tienen en común Lolita y La naranja mecánica? Descúbrelo en este libro, que explora los temas, estilos y movimientos literarios clave a través de más de 250 obras.Con un lenguaje claro, sencillos esquemas e ingeniosas ilustraciones, El libro de la literatura es el manual perfecto para introducirse en la historia de la literatura universal, desde las epopeyas antiguas como la Ilíada o el Mahabharata hasta la obra de autores contemporáneos como Gabriel García Márquez o Margaret Atwood. Tanto el estudiante de literatura como el ávido lector común hallarán en este libro abundantes sugerencias para sus lecturas.
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«ALEJANDRA PIZARNIK nació en Buenos Aires en 1939 y en esa misma ciudad abandonó voluntariamente la vida en 1972, y desde entonces ha pasado a ser una de las voces «heterodoxas» más representativas de la poesía en lengua española. «Releo con frecuencia
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Ambientada en Nueva York tres décadas después de la irrupción de la epidemia del sida y poco antes de laselecciones de 2016 que dieron la victoria a Donald Trump, La herencia de Matthew Lopez nos presenta un mosaico de relaciones y conexiones entre hombres gais dediferentes edades y clases sociales, en el que reflexiona sobre cuáles deben ser las responsabilidades deuna generación con la siguiente.El autor adapta muy libremente la novela Regreso a Howards End deE. M. Forster, convirtiendo al escritor inglés en unode los protagonistas de la trama. Su obra ha recibido el elogio unánime de la crítica, que la ha considerado un clásico moderno instantáneo.
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Esta antología ofrece un repaso a la poesía de tema taurino desde los inicios de la literatura española hasta nuestros días. El prestigioso catedrático de Literatura Andrés Amorós nos ofrece una selección de los cien mejores poemas de esta temática y lo hace de forma rotunda, comentando caso por caso a los setenta y ocho autores nacionales e internacionales seleccionados y sus composiciones. Desde Alfonso X el Sabio o Gonzalo de Berceo hasta las cimas del siglo del Oro, los poetas ilustrados y románticos, sin olvidar a autores extranjeros como Lord Byron o Rilke, e incluso la generación finisecular, supuestamente contraria a lo taurino, todo ellos dejaron muestras de la mejor poesía dedicada a los toros. Entrado el siglo XX llegamos a una explosión con cimas como las de Fernando Villalón, Rafael Alberti, Federico García Lorca, Gerardo Diego, Miguel Hernández... pasando por los casos particulares de José Bergamín, Gabriel Celaya o Gloria Fuertes... y aun con la inclusión de obras mucho más que estimables de algún torero, ganadero o rejoneador. Además, se recoge una larga lista de autores actuales (entre ellos, Aquilino Duque, Fernando Quiñones, Antonio Carvajal, María Victoria Atencia, Joaquín Sabina, Felipe Benítez Reyes, Luis Alberto de Cuenca, Carlos Marzal, el cantante Andrés Calamaro...) que certifican que la temática poética de lo taurino ha seguido muy viva.En definitiva, una antología comentada que se convierte en una lección de literatura poética española y también en una imprescindible lección sobre tauromaquia.
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El libro que consagró a Sara Búho como una de las poetas más reconocidas de su generación en una nueva edición ampliada y supervisada por la autora. Y yo a ti es un salto vacío que habla de la madurez de una voz joven que se cuestiona cada paso. Construido como un itinerario que comienza con una huida y termina en una reivindicación del silencio como una explosión íntima y necesaria, los versos de Sara Búho atraviesan las diversas emociones e incertidumbres por las que transita alguien que crea desde su experiencia interior: el bienestar, el miedo al futuro, lo incomprensible del amor, la autosuficiencia o la posibilidad de acariciar los sueños con las manos. Es un libro de poemas en los que la voz de la autora olvida el pasado y lo deja atrás, para tomar decisiones. En palabras de Benjamin Prado, la poesía de Sara Búho «se va abriendo paso porque sus versos hacen buenas preguntas sobre la identidad, el deseo o el abandono, indagan quién es esa gente que deja huellas con nuestras manos en el lugar del crimen o dudan si la nostalgia es el amor a las heridas, y por eso no podemos dejar de pensar en quienes no nos dieron motivos para echarlos de menos».
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la policia irà de bòlit
Un poemari escrit arran del Primer d'Octubre i la convulsió política que va fer trontollar el país. Són, per tant, poemes sorgits d'uns dies i uns fets que formen part de la nostra memòria col·lectiva i que, gràcies a la ploma perspicaç d'Enric Casasses, agafen volada i esdevenen un cant a l'amor, a la llibertat i a les nostres maneres de viure.
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El silenci de les falzies
La Glòria demana a la seva filla Sílvia que torni a Mallorca per acomiadar-se de la seva àvia, que està a punt de morir. Amb aquest retorn a l'illa, hauran de confrontar la distància emocional i aprendre a respirar en un silenci que inunda tot allò que es diuen. Poc després de l'arribada de la Sílvia, apareixerà la Lola, una al·lota sorda amb qui serà capaç d'observar la dansa de les falzies i reconèixer les dificultats d'arrelar-se i estimar(-se). Una història que parla a la maternitat des dels dos punts de vista, el d'una mare i el d'una filla, amb la voluntat de representar personatges femenins imperfectes i els abismes que s'obren entre allò que volem i allò que podem expressar.
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En 1998, a la edad de veintisiete años, Roberto Enríquez fue diagnosticado de una enfermedad autoinmune, esclerosis múltiple, que lo marcará de por vida. De este terremoto neurológico nace un texto escrito con urgencia, De cuerpo presente, con el que, junto a fotografías de Toya Legido, debutó como escritor. Publicado en julio de 1998 por esta misma casa, en la colección Libros Inútiles, aquella humilde edición ‒grapada, formato de 15 x 10 cm, 700 ejemplares‒ se agotó rápido y hoy es inencontrable. Ahora, en este volumen, reproducimos la maqueta de manera idéntica a la de aquella publicación.Veintisiete años después‒-de nuevo veintisiete‒ del epicentro de aquella conmoción, esta vez bajo el nombre de Bob Pop, a la edad de cincuenta y tres años, el cuerpo esclerotizado, la cabeza más lúcida que nunca, los dedos de la mano endurecidos, rígidos, ojos y lentes siempre avizor, escribe con la misma urgencia y valentía, a modo de cara B, un nuevo De cuerpo presente, donde los nuevos poemas conversan con y contra cada uno de aquellos poemas del siglo pasado, esta vez entreverados con los retratos hechos ex profeso para esta edición por su Maridito Rétiz.Es decir, un poemario escrito en dos tiempos y un solo cuerpo.«Será vuestra lectura quien me haga futuro». Bob Pop
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En la poética de Albert Balasch hay la voluntad de decir, pero se tiene la certeza, tan becketiana, de que en el intento de nombrar la experiencia el lenguaje está condenado a fracasar. Y es en la imposibilidad misma, en la contradicción entre el seguir adelante y la consciencia de la inutilidad del gesto, donde la poesía de Balasch encuentra su respiración.
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Anatomia d'un suïcidi
La obra, en formato de tríptico, presenta tres generaciones de mujeres de una misma familia e indaga si el trauma puede ser transmitido genéticamente, de madres a hijas. ¿Cómo podemos romper los patrones heredados para que el ciclo no sea inevitable? Lejos de ser un tratado de anatomía, una disertación sociológica o psicoanalítica sobre las causas y el origen del suicidio, 'Anatomía de un suicidio' es una exploración de las complejidades de la vida psíquica, de la ambivalencia de la maternidad y de la fragilidad abisal que conlleva convivir con el sufrimiento.
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«Quien escribe un poema lo escribe, antes que nada, porque el poema es un colosal acelerador de la conciencia, del pensamiento, de la percepción del mundo». Del discurso de Joseph Brodsky al recibir el Premio Nobel de Literatura A caballo entre dos lenguas durante décadas, el bilingüismo de Brodsky no solo revitaliza con singular desenvoltura un lenguaje heredado, sino que también proyecta una radical y profunda exploración de sus metros e imágenes, elevada a una forma particular de metafísica. Sin embargo, Brodsky es también un poeta eminentemente físico, cuyo tema fundamental es la encrucijada entre el espacio, el tiempo y los sentidos. Ningún otro escritor contemporáneo habla tanto de la intemperie. Sus musas no son Calíope ni Tersícore, ni sus artísticas hermanas asociadas con emociones y sentidos, sino Urania, musa de la astronomía, «más vieja que Clío», matrona del conocimiento estelar, del espacio puro, de esas extensiones heladas en medio de las cuales el hombre parece el derrubio lodoso que arrastra un glaciar. Esta antología recoge una muestra esencial de la poesía de Brodsky en una traducción que intenta hacer justicia a su grandeza formal.
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Secta tiene una finalidad clara y manifiesta: la escuela. Y una estructura íntimamente ligada a esta finalidad: los ejercicios y las jornadas.El cuaderno de ejercicios diarios que lo compone se despliega hacia la fundación de una escuela de técnica dramática, pero una escuela que: a) no es la escuela del artista, b) no es un lugar donde se aprende a actuar de la mano de maestros del arte de la interpretación, c) ni siquiera es un lugar, d) es una dimensión del saber, no un nexo en la transmisión del saber.Claudia Castellucci propone, así, un espacio colectivo pero no comunitario (es decir, no afectivo) destinado al desarrollo de un conocimiento agonístico (es decir, no pacificado) de la realidad, equidistante de cualquier tentación de carácter magisterial así como de esa tradición pasiva y apresurada que consiste en destilar con devoción un legado de la propia experiencia, y sobre todo atenta al mecanismo paradójico de la «secta»: un procedimiento acrítico estructuralmente destinado a producir las condiciones subjetivas de la acción. Incluso de la acción teatral.«Un viaje al mundo del conocimiento a través de una escritura cautivadora y trepidante. Un manual nada didáctico, lleno de sugerencias, donde también se pueden apuntar las propias reflexiones y anotar los resultados del viaje personal». Francesco Bove, «L'armadillo furioso»«Los estudios teatrales en el ámbito hispánico están de celebración, pues esta edición de Secta. Escuela de técnica dramática en lengua española abre un nuevo camino en la investigación en artes escénicas en el contexto hispánico y se integra de manera significativa como un eslabón más en la cadena de relaciones que la escuela establece, enriqueciendo así el panorama teatral actual». Belén Tortosa, del prólogo
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En este libro el poema se mueve en un delicado equilibrio entre lo dicho y lo que queda por decir: ¿Qué está adentro y qué afuera? ¿A qué realidad le habla? y, ¿Cuánto hay en él de su propia realidad? No hay fronteras nítidas entre lo que se sabe, lo que
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Obra Completa VII. Vicent Andrés Estellés. (Nova edició revisada)
Aquesta Obra Completa -Nova edició, revisada- constitueix un nou projecte d'edició de l'obra estellesiana que conté estudis introductoris, un treball de reorganització cronològica de les obres i d'edició filològica dels poemes estellesians. El setè volum ha estat preparat per Jordi Oviedo i Irene Mira-Navarro, i inclou els següents poemaris: Versos per a Jackeley, Sonets a Jackeley, Jackeley, Elegies europees, Saló, Coral del meu poble, Dies gastats, Epístola avortada al meu amic Josep Maria Llompart, Festes Llunyanes, Manual del malalt perfecte, D’açò se’n deia «plafons» en temps de Ruben Darío i Santos Chocano, El corb, i Perterres de Castelló.
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La figura de la primera poeta del mundo occidental está envuelta en un misterio que ha suscitado curiosidad, admiración y rechazo a lo largo de los siglos. Su poesía pertenece a un conjunto de artes que los griegos llamaban mousiké («el arte de las Musas») y fue creada para ser cantada, acompañada de música y a veces de danza. En sus poemas se ocupa principalmente del amor y la belleza, y su estilo, natural y elegante, resulta asombrosamente actual. Cada época ha creído descubrir «su verdad» sobre Safo, pero el hecho de que conservemos su obra solo en forma de fragmentos hace que no deje de ser todavía un enigma.Traducción e introducción de Maria Rosa Llabrés Ripoll
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Teresa de Cepeda y Ahumada (1515-1582), más conocida como Santa Teresa de Jesús, es una de las figuras más extraordinarias de su época, así como de toda nuestra historia. Su personalidad combativa, su carácter extrovertido, sus experiencias místicas, el hecho de que reflejara buena parte de sus vivencias y pensamientos por escrito pese a su condición de mujer y de religiosa en el siglo XVI en España (lo que le supuso no pocos problemas y trabas), hacen de ella una precursora y una figura de interés universal. Precedido de un breve e iluminador prólogo de Clara Janés, autora también de la selección de los textos, el libro proporciona una muestra tan sutil como acertada de la obra de la santa de Ávila, y con ella una panorámica completa de su personalidad e influencia.
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Inédito hasta el momento en castellano, el nombre de Ron Padgett comenzó a sonar con más fuerza entre nosotros a raíz de su colaboración en la película Paterson de JimJarmusch, donde aparecen varios poemas suyos. Se trata, sin embargo, de uno de los po
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Omar Castro Villalobos (Lima, 1992) es artista y escritor. Su práctica explora las relaciones y tensiones entre la experiencia íntima y social en torno a la ciudad, el paisaje y el territorio en el contexto de la crisis global contemporánea. Para ello, trabaja con registros visuales y textuales provenientes de distintas fuentes a través de estrategias como la transtextualidad, la intervención y el sampleo.«Habitación persona sola es un libro de su tiempo escrito con un lenguaje libre, y riguroso a la vez, donde lo escenográfico de lo cotidiano se transforma en alegoría cultural. En la tradición de Carmen Ollé, Blanca Varela y Jorge Eduardo Eielson, el poeta consigue incluir en su visión particular de la ciudad de Lima una crítica política y social pocas veces vista, donde el sexo no se disocia de la pobreza ni las inequidades de las preocupaciones generacionales. El verso “la intimidad es un animal que nos hiere la boca”, da una idea del impulso sucio del lirismo de este libro. Leído en el contexto de lo que se escribe en la actualidad en América Latina, constituye una absoluta rareza. Su preocupación política, económica y social rehúye cualquier tentativa de simplificación y no olvida nunca la complejidad propia que persigue siempre la poesía como reaseguro contra el lenguaje dogmático».María Negroni
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La poeta y cineasta iraní Forugh Farrojzad fue una figura muy controvertida en su época. Encarnó el espíritu de rebelión contra una sociedad, la iraní, que detrás de una aparente occidentalización seguía profundamente ligada a los dictámenes religiosos y morales de una rígida cultura patriarcal. Cinco décadas después de su trágica muerte a la edad de 32 años sigue siendo la voz más importante y revolucionaria de la literatura persa. Su obra es el testimonio de una mujer apasionada que vive en un país lleno de contradicciones, el Irán de los años 50 y 60 con el sah y la dolce vita persa, muy distinto a la teocracia que se instauraría después de la revolución islámica de 1979. Sus versos anuncian el nacimiento de una nueva mujer sin tapujos que se enfrenta a los crueles juicios morales y religiosos de la sociedad en la que vive. Tanto en su escritura como en su vida privada, desafió los estereotipos femeninos y conmocionó a la entera sociedad iraní. Su talento es inconfundible: ferozmente honesta, perspicaz y maravillosamente lírica, su trabajo se ha ganado un lugar de honor en la milenaria tradición de los ilustres poetas iraníes.
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La obra más ambiciosa, triste y bromista de uno de los poetas más influyentes de la reciente poesía española. Las concepciones mudables de amor, la devaluación de la experiencia romántica, los callejones especulares del deseo y la autoestima... La comedia de la carne interroga sobre algunas cuestiones afectivas de nuestro mundo contemporáneo. ¿Y a quién? En primer lugar, a su pareja, eso parece. Pero también es una voz que se pregunta a sí misma. Y por supuesto a ti que lees, voz que escuchas, hasta alcanzar una conversación permeable, plural.La carne de estos poemas se enamora y padece, desea y traiciona, miente y se deja engañar. Es una carne que convive con su desaparición: no solo de su muerte en un sentido personal, sino de la destrucción de una biosfera, de un mundo habitable y del tiempo presente. Por decirlo de una manera un tanto retorcida: esta poesía -quizá la poesía en general-, incluso en sus momentos desolados, parece condenada al optimismo.Unas veces muy lírico y otras con la negrura de un moralista, bien con poemas breves y sencillos o con largas aventuritas narrativas en verso, La comedia de la carne es el libro de poemas más ambicioso, bromista y triste de Carlos Pardo, uno de los poetas más influyentes de la poesía española en las últimas décadas. Una voz erudita y llena de vida, siempre atenta a lo que nos pasa desapercibido.
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PREMIO NOBEL DE LITERATURA 2024 La autora que ha cautivado a millones de lectores en el mundo con novelas como La vegetariana y La clase de griego nos sorprende y deslumbra también como poeta. «Una de las escritoras más sublimes que pueblan el escenario contemporáneo».Berna González Harbour, El País Premio Nobel de Literatura en 2024, Han Kang se revela en Guardé el anochecer en el cajón como la gran poeta que alienta tras sus muy celebradas ficciones. El «anochecer», ese espacio ambiguo entre dos luces, se convierte en el escenario en el que una voz dolida e inteligente nos habla de la soledad, la enfermedad, el encuentro entre muertos y vivos, la fuerza frágil de la palabra, la necesidad del arte. Sin conocer en detalle la anécdota que genera el poema, el lector ingresa sin embargo en un ámbito de inmediata y poderosa intimidad que acaba haciéndole partícipe de una especial trascendencia cotidiana. Se trata de una poesía delicada, oscura, inquietante y tremendamente visceral, que pone el cuerpo y las emociones en su mismo centro. Como ha dicho la autora en The New Yorker, «el lenguaje es como una flecha que siempre falla el blanco por un margen estrecho y es también algo que transmite emociones y sensaciones que producen dolor».La crítica ha dicho:«Sinuosa y extraordinaria [ ]. Han Kang es una escritora incomparable. Con unas pocas líneas atraviesa la experiencia humana en su totalidad».Katie Kitamura «Kang posee una voz seria, comprometida con la literatura y la historia, sin otra agenda que la investigación de la forma literaria, la exploración de las contradicciones del lenguaje, la indignación serena ante la barbarie y el azoro ante el milagro cotidiano de la vida».Juvenal Acosta, Letras Libres«En los poemas de Han Kang el dolor sangra lenguaje y silencio [ ]. Una voz de la desolación humana y un espejo ante nuestro ser vulnerable para que se mire arder y al mirarse, en su dolor despierte».Roberto Amézquita, Círculo de Poesía«Los libros de Han Kang dan fe de una atrocidad concreta a la vez que plantean cuestiones universales sobre lo que significa ser humano, con todo el potencial de ternura y crueldad que eso conlleva».The Times Literary Supplement «La literatura de Han Kang es un género en sí mismo».Eun-Gwi Chung, World Literature Today«Han Kang transforma la manida idea de la desconexión entre cuerpo y mente en algo nuevo y significativo». Michele Filgate, Los Angeles Times «Han Kang siempre ha sido una de las escritoras más lúcidas: ensancha el cielo de los sentimientos».Max Porter
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Poemario ganador del Premio Internacional de Poesía Gerardo Diego, que patrocina el Gobierno de Cantabria, en su edición de 2024.
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Durante muchos años, en una carpeta verde se acumulan apuntes. Se lanzan allí dentro, sin mirarlas apenas, líneas atisbadas entre las prisas de cada día, mientras se hace otra cosa, mientras se atiende a lo que otras voces han dicho siempre que es más importante. Hablan de amor y de heridas, de frustración y de asombro, de enfado y de belleza. De todo eso que late en el centro mismo de lo que somos, pero se aplasta con inercias y silencios. Un día, se abre la carpeta. En este tiempo, dentro de ella ha crecido un mundo vivo. Hay en él desiertos y lianas y orquídeas y bichos y al fondo está el mar. En su espesura se mezclan los nombres y las historias, se revelan los extraños patrones que tejemos desde niñas y que a menudo nos enredan los pies. Comienza entonces el viaje por la tierra de más adentro. ¿Para empezar a entender?
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La nostalgia del mar es el eje, indisoluble, de Marinero en tierra, el primer poemario de Rafael Alberti. («Si mi voz muriera en tierra, / llevadla al nivel del mar / y dejadla en la ribera»). Muchos autores vieron en él no solo el lamento por la lejanía del paisaje de su niñez, sino también el anuncio del exilio y del futuro dolor de la vida. En todo caso, este notable primer libro de Rafael Alberti, un hito en nuestra historia poética, supone el regreso a la infancia. la frescura y la ligereza de aquellos espacios marítimos, bajo la idealización del recuerdo, como un origen mítico. Aquí el mar siempre es benéfico, luminoso. En lo que se refiere su escritura, supone una clara combinación de tradición -Alberti domina los recursos del cancionero tradicional español- y modernidad, en la que se alternan versos endecasílabos y alejandrinos con otros de arte menor, juegos verbales tanto clásicos como experimentales, y las más sorprendentes metáforas. Y si el amor a sus orígenes en la mar luminosa, a la plenitud de la naturaleza bulliciosa del Puerto de Santa María supone el inicio de su trayectoria, el amor pasión a una mujer que se manifiesta rotundamente en Canciones para Altair, editado en 1989, pone el broche de oro en ese mismo lugar cargado de recuerdos a una vida rica en experiencias, en responsabilidad ética y política, en amores apasionados. Se trata de veinticinco poemas divididos en tres partes: una primera, aborda el descenso de Altair de las cumbres celestiales, la segunda, se centra en su estancia en la tierra en amorosa relación con el amado, y, la tercera, plantea su partida a la constelación de nuevo. Estamos ante la celebración postrera de la vida de un hombre con un acendrado lirismo que entronca con el Cantar de los cantares en su deslumbramiento amoroso.
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Libro predilecto de su autor, de algunos de sus personajes y de comentaristas de su obra como Emmanuel Carrère, el propio Limónov citaría y glosaría repetidamente este «libro de profecías» como un canon. No sin motivo: veinte años después de haberlo imaginado, Limónov terminaría blandiendo armas de fuego, liderando marchas contestatarias y fundando un partido político de parias y artistas. Escrito en 1977 en una Nueva York fantasmática, poblada de seres a medio camino entre lo vegetal y lo animal, «Diario de un perdedor» es la expresión de las últimas voluntades de su autor en un momento en el que siente la urgencia de dar fe de no haber vivido en vano. Escrito, pues, para poder morir a la mañana siguiente, este opúsculo, este testamento, que no se publicó en Rusia hasta 1991 y se publica por primera vez entre nosotros, estará dedicado a «todos los perdedores» y se nutrirá de memorias, fantasías, sueños y bosquejos que tal vez habrían sido concebidos en verso si Limónov no se hubiera expatriado. Por pragmatismo, por el miedo, perfectamente fundado, a que su poesía no sobreviviera a una traducción, por el lógico estupor ante el inglés circundante, Limónov abandona la lírica para concentrarse en los géneros prosaicos, pero puede decirse que «Diario de un perdedor» es la última obra del poeta vanguardista Limónov, su poema definitivo.
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Niños arrancándose pelos entre sí, los Simpson, besos con extraños, gritos en la casa... Este libro es una intermitencia de relámpagos biográficos. Aquí, la literatura ilumina un cuerpo, lo oscurece y lo vuelve a iluminar. Pasado y presente, placer y dolor, confesión y burla de esa confesión, leer estos poemas es ser arrastrado por un vaivén de imágenes inusitadas. Para escribir su historia, el autor se sirve de recursos aparentemente ajenos a la poesía, porque sabe que no hay nada ajeno a ella.
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