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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Un poema maravillosamente fluido. Un camino sin baches hacia lo sublime. «H.D. es sinónimo de deseo, de imaginación y de clarividencia. Tal vez una de las poetas más increíbles -aunque incomprendida y secreta- de la primera mitad del siglo xx. [...] En Trilogía podemos ver parte de toda su magia en expansión.»Luna Miguel Los tres largos poemas que conforman Trilogía constituyen una de las obras maestras de la poesía del siglo XX, comparable a los Cuatro cuartetos de T.S. Eliot, a Brigflatts de Basil Bunting o a Notas hacia una ficción suprema de Wallace Stevens. Escrita bajo el impacto de la Segunda Guerra Mundial, H.D. indaga a lo largo de esta obra en el amor, la muerte o la posibilidad de redención, llevando su propia poesía -despojada ahora de las tiranías del imaginismo que había ayudado a fundar- a terrenos nunca antes explorados, configurando así uno de los experimentos literarios más arriesgados y fructíferos de nuestro tiempo. Reseñas:«Madura de edad y genio, H. D. ha crecido, años hace que el imaginismo se le quedó pequeño, pero sus versos son aún rápidos como saetas. De su oracular Trilogía se desprende el enésimo sentido, el exclusivo de nuestra especie y, probablemente, el único fiable: el sentido poético. Señores físicos, teóricos ustedes, la búsqueda ha terminado: he aquí la ley que gobierna todos los universos. Poesía del fiat lux para nuestras almas oscuras.»Ainhoa Sáenz de Zaitegui, El Cultural «En Trilogía, H.D. se enfrentó a los temas de la guerra, la locura nacionalista, la destrucción de las grandes ciudades, no como un lamento por el desmoronamiento de la civilización occidental, sino volviendo la mirada atrás para buscar inspiración en la prehistoria, en una tradición ginocéntrica. H.D. insistió en que la poeta-como-mujer tenía que dejar de derramar sus energías sobre un terreno que los tiranos y los adoradores de la muerte habían dejado estéril. [...] A partir de su visión, H.D. procedió a crear sus grandes y largos poemas tardíos en los que celebra el mundo matriarcal y la búsqueda de heroínas.»Adrienne Rich «La obra cumbre de la ecléctica poeta estadounidense.»Zenda «En la tradición de los poemas de Yeats, Eliot y Pound, las secuencias de versos de H. D. son ficciones supremas de lo más visionarias.»Sandra M. Gilbert, The New York Times Book Review «Hilda Doolittle es la única que me hace creer que existe algo más allá. [...] Es una autora compleja que no sé si entiendo del todo la mayoría de las veces que la leo, sin embargo, cuando me aproximo a ella, siempre siento que voy a descubrir algo.»Luna Miguel «Este éxtasis, éxtasis en el lenguaje, en un lenguaje bello, es lo que me lleva a través de toda la Trilogía, no solo satisfecho con su trampa, no solo satisfecho con estas ficciones arbitrarias, sino hechizado con la totalidad de su poema, por no decir embelesado.»Hayden Carruth, The Hudson Review «Recordad: H. D. era más sacerdotisa que otra cosa: más sacerdotisa que amante, más sacerdotisa que pensadora, más sacerdotisa que mujer, que estadounidense o (a decir verdad) artista. La Trilogía es tan buena en parte porque directamente convirtió su vocación de sacerdotisa en el tema principal.»Anthony Madrid, The Paris Review
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''Nací en Oviedo en 1925. El escenario y el tiempo que corresponden a mi vida me hicieron testigo -antes que actor- de innumerables acontecimientos violentos: revolución, guerra civil, dictaduras. Sin salir de la infancia, en muy pocos años, me convertí, de súbdito de un rey, en ciudadano de una república y, finalmente, en objeto de una tiranía. Regreso, casi viejo, a los orígenes, súbdito de nuevo de la misma Corona. Zarandeado así por el destino, que urdió su trama sin contar nunca con mi voluntad, me resigné a estudiar la carrera de Leyes, que no me interesaba en absoluto, pero que tampoco contradecía la costumbre, casi norma de obligado cumplimiento (''todo español es licenciado en Derecho mientras no se demuestre lo contrario''), a la que se sometían en su mayor parte los jóvenes de mi edad y de mi clase social -clase media, transformada en mi caso, como consecuencia de la guerra civil, en muy mediocre. Larga y prematuramente adiestrado en el ejercicio de la paciencia y en la cuidadosa restauración de ilusiones sistemáticamente pisoteadas, me acostumbré muy pronto a quejarme en voz baja, a maldecir para mis adentros, y a hablar ambiguamente, poco y siempre de otras cosas, es decir, al uso de la ironía, de la metáfora, de la metonimia y de la reticencia. Si acabé escribiendo poesía fue, antes que por otras razones, para aprovechar las modestas habilidades adquiridas por el mero acto de vivir. Pero yo hubiese preferido ser músico -cantautor de boleros sentimentales- o tal vez pintor. Fui, en cambio, funcionario público. En 1970 vine por vez primera a América -México y EE. UU.-, y empecé a quedarme por ese continente a partir de 1972 (profesor visitante en las universidades de New Mexico, Utah, Maryland y Texas).'' ÁNGEL GONZÁLEZ.
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Toda aventura supone una búsqueda, un aprendizaje, un riesgo a adentrarse en lo desconocido. En «La caja de música», diversos y variopintos personajes desfilan por la escena para mostrar lo que hay de auténtico o de absurdo en la vida humana. Obra de teatro con doble utilidad de tratamiento: 1) Lectura colectiva dramatizada 2) Representación escénica
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Estas cuatro historias nos enseñan cómo nos rodea lo maravilloso y las cosas que sólo los enamorados pueden ver.En estas cuatro historias hay muchas lunas y muchos gatos, también hay pájaros y libros, e incluso hay un gallo. ¿De qué tratan?, ¿qué nos cuentan?Nos enseñan cómo nos rodea lo maravilloso y las cosas que sólo los enamorados pueden ver.
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Estos Cuentos rusos son un homenaje a cinco de los más grandes autores de la literatura rusa y universal: Tolstói, Chéjov, Gógol, Pushkin y Dostoievski. Esta pequeña selección servirá a algunos lectores de introducción a estos autores, o les permitirá acceder a textos poco conocidos de estos maestros.Las tres preguntas, de León Tolstói, es un relato deslumbrante en su intensidad y su sencillez, una parábola que parece extraída de la Biblia, aunque podría muy bien ser un texto budista. Nos habla de cómo vivir la vida con la intensidad que merece, del verdadero valor de cada momento. Sobre Karma, cuento popular hindú versionado por Tolstói, este escribió: «He leído el cuento a los chicos y les ha gustado… Entre los mayores han surgido recurrentes conversaciones sobre las más importantes cuestiones de la vida. Creo que es una muy buena recomendación». De Chéjov, encontramos Kashtanka e Historia de una anguila. Dos muestras del humor, la sensibilidad y la agudeza crítica del autor. El protagonista de La Nariz, de Nikolái Gógol, descubre un día con gran preocupación que ha perdido su nariz, hasta que la encuentra casualmente por la calle, dotada de vida propia. Encontramos el humor disparatado y un tanto surrealista, y la capacidad satírica de Gógol, en su mejor expresión. El cuento del gallo de oro y El zar saltán, de Alexander Pushkin, tienen su origen en leyendas populares rusas, y no nos dejaránindiferentes. El cocodrilo, de Dostoievski, es un genial relato humorístico, muy divertido y lleno de ironía. La pequeña codorniz, de Turguéniev, es un cuento conmovedor sobre el amor a los animales, lleno de sensibilidad.
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Antonio Colinas da en Memorias del estanque un nuevo salto creativo para desvelarnos los momentos que han sido esenciales en su vida: los que cooperaron, sobre todo, a su crecimiento interior, pero también a una flexible comunicación con otras culturas, a semblanzas inusuales de algunos de los escritores más notables del pasado siglo, a experiencias como las de sus años en Italia o en la isla de Ibiza, a sus lecturas y a una honda y poética visión de la realidad. No se nos ofrecen aquí unas memorias al uso, sino lo esencial de una vida, expresado por medio de una fusión de géneros que facilita la lectura y, a la vez, proporcionan al texto un fulgor y una intensidad especiales. Testimonio, en definitiva, este libro de una vida dedicada plenamente a una vocación siempre independiente y alejada de la literatura imperante.
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Este texto híbrido, innovador y fascinante, nos acerca a uno de los episodios más desconocidos de la vida de Miguel de Cervantes: sus cinco años en las cárceles de Argel, durante los cuales lideró cuatro intentos de fuga. El lector encontrará las explicaciones de testigos directos de aquella etapa que avalaron su comportamiento y valentía y lo hicieron merecedor del rescate. Un documento deslumbrante compuesto por veinticinco preguntas y sus respuestas, que Isabel Soler reordena y funde, intercalando las diferentes voces de las que se compone. Todo ello permite asistir en vilo a la narración biográfica de la peripecia del gran escritor, cuando todavía no lo era.
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Un libro sensible y descarnado sobre el primer hombre de nuestra vida: nuestro padre.alpha es una exploración de las raíces de ese amor que nunca tuviste, del primer amor de nuestras vidas, y de cómo a veces nos pasamos la vida entera tratando de repetirlo (buscando un padre entre los hombres con los que nos cruzamos). alpha trata de relaciones familiares, sobre todo cuando no eres lo que esperan que seas. O no quieren, no pueden o no saben entenderte. Verte. Es un libro sobre la sensibilidad masculina, femenina, el poder de la verdad en el inicio y el final de la vida. Esencialmente, alpha es un poemario sobre una infancia violenta. De muchas formas distintas. Es una mirada retrospectiva al primer hombre de nuestras vidas: nuestro padre.
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José Luis Ortiz Nuevo (Archidona, Málaga, 1948). Escritor y periodista especializado en el género flamenco, siendo así mismo historiador, activista y cómico en la materia. Autor de una veintena de libros sobre el particular. Entre ellos Coplas flamencas del siglo xx (2001), 77 seguiriyas de muerte (1988) y El impulso del riesgo, en torno de la obra de Enrique Morente (2023). Creador de la Bienal de Flamenco de Sevilla, 1980. Premio Nacional de investigación de la Cátedra de Flamencología de Jerez, 2023. «José Luis Ortiz Nuevo compone estas letras desde un conocimiento amplísimo de la factura de los cantes y sus estructuras de composición. Desde el octosílabo rotundo que da título a la colección, En mi cuerpo mando yo, al recorrido por los distintos estilos, pasando por el uso de gitanismos y giros característicos de la oralidad del Mediodía que convierten la gramática en milagro musical. Ordenado así, el material toma las texturas propias de cada cante, de modo que, desde una seguiriya a una alboreá, el libro realiza un recorrido experiencial y expresivo que abarca de la pena al gozo, del realismo al lirismo, de las cadenas a la libertad, de la rebelión a la apertura al amor». Del Prólogo de Carmen Camacho
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Poemario ganador del Premio de Poesía Joven Vaso Roto 2024.Infancia es una fruta, el primer poemario de Edurne Batanero y ganador del Premio de Poesía Joven Vaso Roto, nos invita a explorar las etapas de la vida a través de versos que combinan dulzura y acidez. Con una mirada íntima y crítica, la autora aborda temas como la amistad, el paso del tiempo, la familia y la vejez. A través de un lenguaje preciso y expresivo, Batanero nos sumerge en recuerdos de la infancia, el descubrimiento del mundo y la conexión entre generaciones. Un poemario que destaca por su cohesión, ritmo y capacidad para plasmar lo cotidiano con una fuerza única.
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A través de un ambicioso juego formal de planos de realidad, la obra transita por la oscuridad individual y de una comunidad y por su necesidad de construir monstruos.Una madrugada, aparentemente como tantas otras, Santi y Berta, incapaces de conciliar el sueño, se desvelan y mantienen una larga conversación. Alguna cosa les inquieta. Hace días. Semanas. Quizá mucho más tiempo. Un tiempo largo. Tiene que ver con el pasado, con quienes son hoy y con el pequeño pueblo que habitan. También con la reaparición en sus vidas de alguien que el pueblo bautizó como “el Monstruo” después de su desaparición hace casi dos décadas y de uno de los capítulos más oscuros y turbios ocurridos en ese lugar.
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A las palabras de Calderón «la vida es sueño» se contrapone la afirmación'el sueño es vida», y de ahí surge el germen de estos poemas. Escritos como mensajes de amor a un amado desconocido y pero fruto de la mente de quien escribe, no solo le hacen cobrar vida sino que, como un astro, lo envuelven en la rotación del mundo que él mismo genera, a la vez personal y universal. Al ser objeto de deseo un ser irreal, igualmente se torna irreal quien le ha dado vida. Tan fuerte es este nexo que no hay posibilidad de separación. Clara Janés (Barcelona, 1940) es licenciada en Filosofía y Letras, Maitre és lettres, por la universidad de la Sorbona, y desde 2015, miembro de la Real Academia Española. Cultiva la poesía, la novela y el ensayo y se distingue como traductora, particularmente de la lengua checa. Ha vertido también al español, entre otros, a autores franceses, ingleses, alemanes, turcos y persas. En 1992 se le concede el Premio Tutav, de Turquía, en 1997 el Nacional de Traducción, en 2000 la Medalla del Mérito de la República checa, en 2004 la de Bellas Artes de España, en 2007 el Premio Teresa de Ávila, en 2011 el Francisco Pino de Poesía experimental. Su creación poética consta de más de cuarenta libros entre los que destacan Vivir, Kampa, Rosas de fuego, La indetenible quietud (en colaboración con Eduardo Chillida), El libro de los pájaros, Los secretos del bosque, Fractales, Río hacia la nada, Orbes del sueño, La noche de la pantera y Kráter. En prosa destacan sus novelas Los caballos del sueño y El hombre de Adén, y los libros María Zambrano. Desde la sombra llameante, La voz de Ofelia, Kamasutra para dormir a un espectro y La vida callada de Federico Mompou.
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En estos introspectivos poemas, Juan Antonio Masoliver Ródenas se adentra en los recuerdos de su infancia en El Masnou, que se proyecta luminosa en el presente, transformada por sus versos en un espacio mítico ajeno al tiempo. El poema, suerte de idílico jardín sosegado y protegido, invita a la evocación o el reencuentro con deseos, temores, visiones antiguas o recientes, un espacio que ofrece la renovada oportunidad de asomarse a un ayer tornadizo y con vierte al poeta en peregrino incansable de un paisaje que ampara el último poema.
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En esta antología hay mucho de porcelana, en la belleza de lasdistintas poéticas y de bravura, en el arrojo con que estas mujeresse lanzan al ruedo concurridísimo de lapoesía. Porcelana bravaviene siendo un oxímoron, lo que en tiempo de pleonasmos nores
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Publicado por primera vez en 1924, Veinte poemas de amor y una canción desesperada es quizá el libro de Neruda que ha obtenido una más vasta popularidad y a la vez significó la plena consolidación del prestigio literario de su autor en el área hispánica.Obra de gran envergadura literaria, el remanente de la herencia modernista fue aliado en ella por Neruda de modo admirable a los hallazgos expresivos de la nueva vanguardia en una serie de piezas de conmovida intensidad lírica, cuyo acento de plenitud vital, exaltación genésica y erotismo panteísta cede el paso, en la hora de los duelos y las separaciones, a un tono demelancolía que le hermana a la herencia romántica. Intocables en su definitiva rotundidad de pieza maestra, estos Veinte poemas de amor y una canción desesperada constituyen sin duda una de las mayores cimas de la poesía amorosa en lengua castellana.
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La imagen que tenemos hoy día de Fernando Pessoa se parece poco o nada a la que tuvieron los escritores de su momento. Si en la actualidad Pessoa es el máximo exponente de la literatura portuguesa en España (y el mundo), no podemos decir que la situación fuese la misma en la primera mitad del siglo XX, cuando era entre nosotros una sombra que sólo conocían unos cuantos iniciados. Sin embargo, la vida de Pessoa estuvo salpicada de encuentros y desencuentros con España y sus escritores. Trazó algunas relaciones con sus “camaradas” vanguardistas (Adriano del Valle, Rogelio Buendía, Isaac del Vando-Villar, Iván de Nogales) y su archivo revela numerosos testimonios de interés por España, en el contexto de su pensamiento sobre Iberia, y por algunos de sus autores, con Miguel de Unamuno a la cabeza. Ochenta años después de la muerte del portugués, ha llegado el momento de descifrar quién fue Fernando Pessoa entre los escritores españoles de su época y qué significado tuvo España y su cultura en la obra del autor del Libro del desasosiego. Antonio Sáez Delgado es profesor de literatura en la Universidad de Évora y miembro del Centro de Estudos Comparatistas (FLUL). Investigador, traductor y crítico, es especialista en las relaciones literarias entre Portugal y España a principios del siglo XX, tema al que ha dedicado libros como Órficos y Ultraístas (2000), Adriano del Valle y Fernando Pessoa (apuntes de una amistad) (2002), Espíritus contemporáneos (2008) o Nuevos espíritus contemporáneos (2012). Ha traducido al español obras de Fernando Pessoa, António Lobo Antunes, Fialho de Almeida, Teixeira de Pascoaes, Almeida Faria, Manuel António Pina y otros muchos autores portugueses modernos y contemporáneos. Comisario de las exposiciones Suroeste. Relaciones literarias y artísticas entre Portugal y España (1890-1936) (MEIAC, 2010) y Fernando Pessoa en España (Biblioteca Nacional de Portugal, 2013, Biblioteca Nacional de España, 2014), es colaborador habitual de Babelia y dirige Suroeste. Revista de Literaturas Ibéricas.
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Pocos libros, y menos aún tratándose de poesía, han alcanzado la difusión de Veinte poemas de amor y una canción desesperada. Expresión de sentimientos universales y siempre vivos, de una diversidad de manifestaciones amorosas, esta obra de Pablo Neruda, pese a haberse convertido con el paso del tiempo en una obra clásica, conserva intacta, como afirma certeramente Jorge Edwards en el prólogo que la antecede, «su magia secreta, contagiosa y peligrosa».
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Si existe un poeta del siglo XX en el que vida y obra se hermanan sin impostura, éste es Miguel Hernández. Su afición a la lectura, su gusto por los clásicos y la poesía transformaron su contacto con la naturaleza en una fuente inagotable de inspiración, que alimentó sus versos. La evolución de su obra se divide en cuatro etapas: tras sus primeras composiciones gongorianas y puristas (Perito en lunas), avanza hacia la poesía impura de Neruda y los poetas del 27, para dar expresión al amor y a la crisis vital que lo acompaña (El rayo que no cesa). A comienzos de la guerra civil, su esperanza en la lucha desplaza su poesía hacia el lenguaje llano de la canción popular y la lírica tradicional (Viento del pueblo y El hombre acecha). Pero sus anhelos fracasan y el cansancio asoma en versos que alcanzan su expresión más madura e íntima, espantado por el espectáculo bélico, herido por la muerte de su hijo y la forzada lejanía de la amada (Cancionero y romancero de ausencias). El poeta y novelista José Luis Ferris ha preparado esta antología, de la que afirma: «Pocas obras presentan una coherencia tan sólida, tan rica de pasión y de talento, tan unida a un origen y a un destino.»
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Christian Bobin es un autor cuyas palabras abren y purifican la mirada, sus libros consiguen poner más luz en el alma. Este sería un libro inútil, si la poesía, a su vez, lo fuera. La poesía es inútil y es poreso por lo que tiene utilidad, dice Christian Bobin, experto navegante de paradojas. En este libro, el autor recolecta, como un sencillo ramillete de flores, a 7escritores a los que admira. Estos siete escritores tienen en común habernacido entre el siglo IX y el XX, la mayor parte de ellos, y haber frecuentadoel ambiente literario del Paris de esa época, cuna de vanguardias y de libertadartística. Muchos de ellos han sido maestros de escritores posteriores a ellos,como lo es el mismo Christian Bobin. Escribe de ellos, pero también, a travésde ellos, nos expresa su apasionado y sencillo decir sobre la poesía, la belleza,la muerte, la propia voz, la bondad y el amor. Nos habla, al fin y al cabo, de lavida a través de la escritura, esa ofrenda luminosa de una soledad a otra.
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Manuel Mata (1992) es escritor, artista y doctor en arte contemporáneo especializado en realismo sucio. Lehan concedido el ''Premio Gloria Fuertes de Poesía Joven'' y el ''Premio de Poesía Irreconciliables''. Durante los últimos años ha dedicado su tiempo a trabajar como editor, profesor e investigador al tiempo queparticipaba en numerosas muestras artísticas, de carácter nacional e internacional.
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Mi adorado Juan, de Miguel Mihura (9788468213484).De la colección Aula de Literatura de Vicens Vives, para Lengua y literatura de Educación Secundaria Obligatoria.
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EDGAR LEE MASTERS (Kansas, 1868-Pennsylvania, 1950),uno de los poetas más importantes de la primera mitaddel siglo XX en Estados Unidos, dejó publicados a sumuerte, entre otros libros: A Book of Verses (1898),The Blood of the Prophets (1905), Althea (1907), TheTrifler (1908), Songs and Sonnets (1910), Spoon River Antology (1915), Domesday Book (1920), Kit O’ Brien(1927), Across Spoon River. An Autobiography (1936)y Along Illinois (1942). Antología de Spoon River, lamás celebrada obra de Edgar Lee Masters, se presentaesta vez en su versión completa inglés/español. Lasvoces de más de doscientos muertos pobladores de Spoon River conforman esta antología. Los epitafios esculpidos en sus lápidas devienen en autorretratos, testimonios, historia social de un imaginario pueblo a lasmárgenes del río Spoon. Sus moradores se han sentidojuzgados, y a través de la voz de Edgar Lee Mastersaparecen para contarnos su propia versión de la vidaque les tocó vivir. El boticario, el asesino, el médico, la prostituta, el oculista, el juez, el político,la rusa, el borracho, el religioso y muchos personajes más, con sus odios, sus pasiones, triunfos, virtudes y mezquindades, se funden en una inmensa imagen dela sociedad norteamericana de principios del siglo XX.
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Los placeres del condenado (The Pleasures of the Damned. Poems, 1951-1993. Ecco, 2007) es la más completaantología poética de Bukowski, con nada menos que 274poemas extraídos de veintiún títulos distintos, además de una veintena de textos inéditos, es también lamás autorizada, por cuanto estuvo a cargo de su amigoy fiel editor John Martin, que seleccionó y publicóla práctica totalidad de su obra en verso. Se trata pues de la colección esencial para obtener una visiónde conjunto de la vertiente lírica del autor, que, menos conocida en Europa por el éxito de la provocadoranarrativa, constituye no obstante el grueso de su legado y su principal seña de identidad literaria: de forma casi unánime, Bukowski se considera uno de los poetas estadounidenses más singulares e influyentes dela segunda mitad del siglo XX.
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Visions & Cants
Visions & Cants és un llibre de poemes que es va publicar l'any 1900, on Maragall, des d'una perspectiva modernista, va presentar la seva aportació al moviment regeneracionista i catalanista. La seva anàlisi de personatges mitificats de la cultura catalana pretén descobrir els trets que defineixen l'ànima catalana. Amb els seus cants vol participar en el moment d'autoafirmació que està vivint la societat catalana del seu temps.A l'edicio en paper, va precedit d'un estudi preliminar i un glossari, es complementa amb una sèrie de propostes de treball i comentaris de text que permetran aprofondir dins i fora de l'aula en una de les obres cabdals del gran poeta català.L'EDICIÓ DIGITAL D'AQUEST LLIBRE NO INCLOU L'ESTUDI PRELIMINAR I LES PROPOSTES DE TREBALL.
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Samurái primero, ronin después, y por último estudioso y monje itinerante, Matsuo Basho (1644-1694) es considerado no sólo el maestro máximo del haiku de Japón, sino también el mejor poeta de su historia. Por sendas de montaña es una selección que proporciona una muestra inmejorable de su maestría en este género sutil y evocador que, en sus manos, y gracias a sus dotes de observación y su sensibilidad hacia todas las manifestaciones de la naturaleza, trascendió a una dimensión poética superior.Selección, traducción e introducción de Fernando Rodríguez-Izquierdo y Gavala
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La dama del alba es una obra de teatro melodramática de 1944 del dramaturgo español Alejandro Rodríguez Álvarez escrita durante su estancia en Buenos Aires, Argentina, donde se instaló en 1939 tras exiliarse en 1937. Esta pieza teatral la publica por primera vez en España, en 1945, la revista Fantasía.
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Emily Dickinson fue una mujer inteligente, rebelde y culta que, en su encierro voluntario en la habitación de su casa en Amherst, construyó una de las obras más sólidas de la literatura universal. Como señala Juan Marqués en la presentación, sus poemas “además de ser escritos, en principio, exclusivamente para la inmensa minoría de sí misma, fueron, a un tiempo, complicadísimos y simples, alegres y triste, transparentes y enigmáticos, Son poemas que acompañan y ayudan a vivir a quien los lee, que enseñan a observar mejor, que obligan a ser más compasivo”. Aunque su obra es muy extensa, hemos preferido editar un libro pequeño íntimo, dickinsoniano, para lo que ha sido fundamental la visión poética de la ilustraciones de Kike de la Rubia.
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Una historia personal de insólita humanidad. Un Henning Mankell de carne y hueso.Arenas movedizas es, en cierta manera, un libro de memorias, pero muy peculiar. No hay sucesión temporal y el arranque es la enfermedad actual del autor y lo que su diagnóstico desencadenó en él: recuerdos distanciados en el tiempo y no necesariamente consecutivos, que Mankell relaciona de un modo u otro con las grandes preguntas del hombre: ¿qué somos?, ¿cómo nos enfrentamos a la muerte?, ¿de qué tenemos miedo?, ¿qué mundo dejaremos en herencia?, ¿en qué creemos, y por qué? Para responder a ellas, Mankell recurre a sucesos del pasado: un día en el colegio cuando era pequeño, una visita al Museo Británico, una lectura sobre la Isla de Pascua, la verdadera naturaleza de las arenas movedizas o el poder del hielo, la muerte de un niño mozambiqueño, visitas a Salamanca, a Mantua, a Buenos Aires, a Malta y a las ruinas de Hagar Qim... Con estas incursiones en el pasado surge un retrato, desde la infancia y la adolescencia hasta la madurez, del Mankell de carne y hueso, que examina su vida y, con ella, cuestiones que afectan a toda la humanidad.
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Llenos de lirismo, estos textos sumergen al lector en un clima sugerente en el que se descubre la impronta del Umbral novelista. En El piano del pobre (1959-1960), el autor se hace eco de la actualidad nacional e internacional, comentándola con un estilo personal y particularísimo en el que se reconoce ya al Umbral periodista más genuino. Los de Buenas noches…, (1958) poseen un tono filosófico-poético, y en ellos el autor de Mortal y rosa despliega una mirada intimista para adentrarse en el corazón del hombre, del mundo y sus paisajes. En El piano del pobre (1959-1960), el autor se hace eco de la actualidad nacional e internacional, comentándola con un estilo personal y particularísimo en el que se reconoce ya al Umbral periodista más genuino. Por último, en El tiempo y su estribillo (1960-1961), León acapara la atención temática de nuestro escritor. El comentario del acontecer político, económico y sociocultural de la capital y la provincia revelan al Umbral más crítico e irreverente, al Umbral que lanza sus palabras a través de las ondas para «ponerles su estribillo a las cotidianas estrofas del vivir», y así escribir la «historia mínima y humana» de la ciudad y sus gentes. En esta obra se reúnen las colaboraciones radiofónicas que Francisco Umbral hizo para la emisora La Voz de León: una colección de textos emitidos entre 1958 y 1961.
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Vuelve Manuel Vicent con una recopilación de artículos en los que brilla su mirada inteligente, crítica e irónica de la realidad. «Este libro contienealgunos textos rescatados del tiempo que leídos ahora resultan una crónica de hechos
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La filla del mar
La filla del mar, estrenada la primavera de l'any 1900, pertany a l'etapa de plenitud d'·ngel Guimerà,quan s'obre a les noves tendències del teatre europeu i incorpora elements realistes i naturalistes que no estaven presents en el seu teatre anterior, d'arrel romàntica. En La filla del mar, de la mà dels personatges protagonistes (l'·gata, la Mariona i el Pere Màrtir), ens endinsem en una poderosa història d'amor situada en un entorn mariner. Però, per damunt de tot, La filla del mar és una reflexió sobre la identitat, és a dir, sobre les identitats individuals i colúlectives. I per això és, també, una obra sobre l'altre i l'acceptació de la diferència, cosa que permet lectures diverses i la converteix en una peça plenament actual.
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Inspirándose en una antigua leyenda acerca de la rivalidad entre dos familias de la Italia medieval, William Shakespeare (1564-1616) encarnó en la tragedia deRomeo y Julieta el símbolo universal por excelencia del amor juvenil contrariado. La feroz enemistad entreel clan de los Capuletos y el de los Montescos no consigue, en efecto, evitar que dos jóvenes miembros deambos se enamoren y lleguen a casarse en secreto, unión que la oposición de sus progenitores y las pasiones ajenas tornarán funesta. La obra, que ha emocionado a lectores de todos los tiempos, ha atraído en nuestra época, por su poderosa fuerza dramática, la atención de numerosos cineastas, coreógrafos y compositores, que la han hecho objeto de las más variadas versiones y adaptaciones.
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El tragaluz comienza como una obra de ciencia ficción. Dos investigadores pertenecientes a un futuro muy lejano se dedican a rescatar sucesos del pasado por medio de unos detectores electrónicos. Su propósito es divulgar la historia de hombres y mujeres que ya no existen para que nadie repita los errores que la humanidad cometió en otro tiempo. Los espectadores de El tragaluz presenciamos uno de los casos recuperados: el devenir de una familia española de la década de 1960 que ha quedado marcada por el horror de la guerra civil. Su vida está regida por el recuerdo de un traumático episodio del pasado que nunca cicatrizó del todo, y cuando la herida se reabre, estrella la tragedia. Amarga y desoladora, pero abierta al mismo tiempo a la esperanza, El tragaluz es una de las obras maestras de Antonio Buero Vallejo (1916-2000), quien nos muestra el presente desde la perspectiva futura con el sano propósito de arrojar luz sobre lo que somos. El dramaturgo se pregunta si es posible desentrañar el enigma de la personalidad humana, si hacen bien quienes se aíslan de todo porque detestan la sociedad en la que viven y si hay que olvidar los errores del pasado o es mejor recordarlos aunque nos duelan.Esta edición de El tragaluz ha sido elaborada por Jesé Ramón López, profesor de la Universidad Autónoma de Barcelona, y cuenta con una valiosa introducción que descifra las claves de la magistral tragedia de Buero, y con un apéndice de actividades que ayudará a los lectores a profundizar en el sentido de la obra.
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23 roses per Sant Jordi
Una declaració d'amor inoblidable. Un recull de 23 petites joies de la poesia acompanyades d'una rosa. Per Sant Jordi, un ram de roses de la literatura universal.Una acurada selecció de poemes d'amor, de tots els temps i d'arreu del món.
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Germà de gel
Germà de gel, que ha obtingut el premi Documenta 2015, és el diari de recerca d'una dona que s’obsessiona per la història polar. És la història del seu germà, un home congelat. És la història de l’origen de la congelació de les relacions familiars. És Werther, zombie, després d’haver-se enamorat i disparat diverses vegades.
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Desde la casa donde nació, los juegos de calle durante su niñez, la música que ha servido como banda sonora de su vida hasta los movimientos sociales y el ataque terrorista contra las Torres Gemelas —que le tocó presenciar —, Laura Esquivel, la autora mexicana más leída en el mundo, nos enseña a través de un colorido mosaico de escritos lo que sus ojos vieron, las cosas de las que ha sido testigo en sus 72 años de vida.Son trece entregas que resultan por partes iguales un vínculo a nuestra historia, celebración de nuestras tradiciones, un comentario social y la narración de emocionales recuentos de las memorias de Laura y toda una generación.En un constante vaivén que oscila entre si todo pasado es mejor o si vivir el presente es aquello que nos sublima como seres humanos, la autora de Como agua para chocolate nos confirma lo que sí ha comprobado: siempre es más bello contemplar con el alma que con los ojos.
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